2019年12月31日
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はじめまして。
このブログでは、クラシック音楽の真髄にどんどん斬り込んでいきます。
「ぶった斬り」というタイトルにしては、内容は名前負けしている感はありますが、自分が悪いと思うものを人には薦められないし、書きたいことを楽しく書く、ということをモットーにしています。
どちらかというと、クラシック音楽を聴き込んだ人向けの内容ですが、これからクラシック音楽を聴いてみようかな、と思っている方にも親しんで頂けるように考えながら書いています。
クラシック音楽に欠かせないのが、演奏家です。演奏家の優劣によって作品の価値が決まるといっても過言ではありません。
私はそこに焦点をおいています。
そして作曲家のことや曲の内容説明はそれぞれのディスクの解説にあるので、私は演奏の批評をこのブログで書くことに重きをおいています。
どうぞ、よろしくお願いします。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年02月16日
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1974年から78年にかけてサルヴァトーレ・アッカルドがドイツ・グラモフォンに録音したCD6枚分のパガニーニ作品集とそれら総てを最後のブルーレイ・オーディオ・ディスク１枚に収録したセットで、24のカプリース及び２曲の無伴奏曲以外はシャルル・デュトワ指揮ロンドン・フィルハーモニー管弦楽団のサポートになる。
これまでに発見されたパガニーニのヴァイオリン協奏曲６曲その他の彼の代表的な作品をカバーしているが全作品を網羅したものではなく、例えばギター伴奏のソナタ集や『モーゼの主題による変奏曲』および『ヴェニスの謝肉祭による変奏曲』などは録音していないようだ。
いずれにしても切れの良いテクニックは勿論、緩徐楽章で聴かせる艶やかなイタリア風のカンタービレが美しい。
特にブルーレイの方で鑑賞すると音質に洗練味が加わって、より輝かしいサウンドが再生される。
ボウイングによる擦弦音や倍音を駆使するフラジオレット奏法の笛のような音色もよりピュアに響いている。
デュトワはやや控えめだが、ソロを徹底して活かす気の利いた伴奏を施している。
パガニーニを体系的に録音する一流ヴァイオリニストは少ない。
それはこの作曲家の純粋に音楽的な価値から考えれば当然だろう。
協奏曲ではシンバルと太鼓でリズムを打つ軍隊行進曲のような伴奏が繰り返され、その間を縫ってフラジオレットのダブル・ストップ、左手のピチカートやグリサンドなどの超絶技巧がこれでもかと続出する。
コンサートでのアンコール曲としてなら飛びっきり魅力的なのだが、聴き続けると辟易としてしまう。
そのあたりに作曲家としての能力の限界が見えてしまう。
しかしアルカンジェロ・コレッリ以来、イタリアではヴィヴァルディ、タルティーニやロカテッリなどのヴァイオリニストによる名技主義の伝統があり、それを頂点に至らしめたのがパガニーニだったと言えるだろう。
つまりヴァイオリンという楽器で表現できる、あらゆるテクニックを開拓したのが彼であり、そのエッセンスがこの作品集で示されている。
フランツ・リストを心酔させ、また後の時代の作曲家、例えばシューマン、ブラームス、ラフマニノフなどにインスピレーションを与え、数々の作品を生み出させたことは無視できないだろう。
ブルーレイ・オーディオは24bit/96kHzのリマスタリング盤で、ライナー・ノーツ、ディスクの総てが綴じ込みになったファイルがしっかり装丁されたボックスに収納されている。
当初はかなり高額だったが、このところ大分価格が下がってきたようだ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年02月14日
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本セットはクレンペラーの録音した宗教声楽曲を集成した廉価盤で、バッハの『マタイ受難曲』、『ミサ曲ロ短調』、ヘンデルの『メサイア』、ベートーヴェンの『ミサ・ソレムニス』が収録されている。
筆者はこれらのＣＤが分売されていた頃から何度も聴き、宗教曲の素晴らしさに、身も心も酔いしれる思いを味わった。
『マタイ受難曲』では、ある女がイエスに香油を注ぎかけたというレチタティーヴォからアルトの悔恨のアリアに至るあたりや、「備えせよ」のバス・アリアから最後の大らかな合唱に入るあたりは、正直のところ、涙なくしては聴くことができなかった。
クレンペラーはこの受難の物語の中から、人間の普遍的な愛情の襞にまで入り込んで、すべての人物が人間の愚かしい行動を是認しなければならない苦しさを描き出していくが、これはクレンペラーならではの世界だろう。
全体に遅めのテンポ設定が主流をなしているが、彼にとってこのテンポは不可欠なものに違いない。
雄渾な音楽づくりの中にも、クレンペラーの老巧な棒さばきと、張りつめた緊張感とが身近に伝わってきて、テンポ設定ひとつにしても、やや遅めにとり、コラールも重厚に、コラールフェルマータも、様式からはみ出さない限度においてテヌートを加えるなど、細心の注意が行きわたっている。
１９６１年の録音だけにシュヴァルツコップもＦ=ディースカウの声もまだ瑞々しく、ルートヴィヒのアルトも沈痛だ。
『ミサ曲ロ短調』もクレンペラーらしい、いかにも悠揚迫らぬ骨格の太いバッハである。
クレンペラーの音楽の包容力の豊かさが各章に感じられ、その重量感はまさしく巨大な巨造建築を仰ぎみているようだし、バッハへの畏敬の念に満ち、まさに１９６０年代を代表するバッハの演奏様式というべきだろう。
このバッハはなによりも<人間の存在>が前面に押し出され。その人間は、神と対立するものではなく、神と共にある人間の大きさであり、これは烈しい人生を戦い抜いてきたクレンペラーの心境かもしれない。
この『ミサ曲ロ短調』において、彼の雄大な音の流れが聴く者をとらえてしまうのである。
独唱者たちもクレンペラーの意図を体現した隙のない好演で、合唱団の歌い込みも充分の手応えがある。
この演奏を聴くと、クレンペラーは病魔によって一時的に引退を余儀なくされた時間にも、彼は常に何かを身につけていたことが想定される。
そして、不死鳥のごとく復活した第２次大戦後には、まさに巨匠の道を歩いたのであった。
『メサイア』は全人間的、汎人間的といおうか、クレンペラーはベートーヴェン的処理法で演奏しており、この曲が重厚極まりないバロック的ロマン派音楽と化している。
ヘンデルのイメージは、ガーディナーあたりの活動によって近年すっかり塗り替えられてしまったが、伝統的な壮麗で力強いヘンデル像にも一半の真理を認めるとすれば、クレンペラーの『メサイア』は、その最右翼に置かれうる、ずっしりとした重みをもつ、堂々たる演奏である。
英国には１９世紀以来の伝統的な『メサイア』の演奏様式があるが、英国で録音しながら、クレンペラーはオーケストラも合唱団も編成を縮小し、現代の様式に近づけている。
しかし、解釈はまぎれもなくクレンペラーの個性を反映してスケールが大きく、密度が濃い。
彼はテンポを遅めに設定して、明確なリズムとともに演奏に揺るぎない安定感と落ち着いた流れを与えている。
独唱も合唱もその流れに乗っているので、表情は豊かになり、エネルギーは充分に発散される。
クレンペラーの演奏で聴く《メサイア》は、まさしくヘンデルの音楽と人間のスケールの大きさと不屈の精神を実感させてくれる。
今日では、時代楽器による軽快な演奏がもてはやされているが、ヘンデルの在世当時にはより大きな編成で演奏されていたことを考えると、クレンペラーの堂々たる演奏は、精神においてヘンデルの演奏に一脈通じるものがあり、今日でも強い説得力を持っている。
絶頂期にあったシュヴァルツコップのソプラノが何とも魅力的だし、ホフマンのアルトも充実し、ゲッダのテノールもクレンペラーの棒によくついている。
『ミサ・ソレムニス』はクレンペラーの宗教合唱曲の中では最高の出来であり、おそらくベートーヴェンの内面的思考過程に最も近く寄り添っているのがクレンペラーの演奏と思われる。
クレンペラーの格調高く悠然とした表現のなかには、厳しさと雄大さと共に渋味溢れる独自の暖かさもが息づいている。
表面的には不器用さを感じさせることも否めないが、深い味わいを宿したスケールの大きい名演として注目される。
人生の辛酸を舐めつくしたクレンペラーならではの世界が、ゆるぎない人生観照の上に立って見事である。
クレンペラーの演奏には、ベートーヴェンの無限へのゆるぎない生命観と、絶対という神への畏れと祈りが、人間として持てるだけのすべての中で、滔々と音をたてて流れている。
クレンペラーのニュー・フィルハーモニア時代（１９６４年以降）の録音は特に出来不出来が激しく、散漫なものも含まれているように思うが、この『ミサ・ソレムニス』ではすべてが充実し、ピリリとした緊張と、迸るような生命力によって、全曲が運ばれている。
老巨匠は、この時よほどコンディションが良かったのだろう、クレンペラーの炎のようなベートーヴェンへの帰依は、雄大な精神への勝利といえよう。
ソリストもすべて第一級で、ことにヘフゲンが素晴らしく、コーラスも細部に至るまでクレンペラーの意志が行き届いている。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年02月12日
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３種類あるノイマン、チェコ・フィルの『スラヴ舞曲集』全曲集の中では第２回目に当たる１９８５年のデジタル録音で、１回目より格段に音質が良くなっている。
特に高音が鮮明で、パーカッションの飛び散るようなきらめきを伴った音色が新鮮に感じられる。
またセッションが行われたルドルフィヌムのドヴォルザーク・ホールの豊かな残響も潤沢なサウンドを提供していて好感が持てる。
そして何よりもチェコ・フィルの長所が良く出た演奏で、瑞々しい弦楽器の明るく涼やかな音色と、どんな時にも重厚になり過ぎない管楽器の軽快さや機動力が縦横に発揮されているのは流石だ。
指揮者ノイマンは誇張も小細工もせずに中庸をわきまえた自然体で臨んでいるが、要所要所ではテンポを動かし、控えめながら巧みなディナーミクを使ってオーケストラから自然に湧き出るような音楽を引き出している。
彼らにとってドヴォルザークはお国ものでもあり、迸り出るような情熱的な舞踏の表現も全くあざとさがないのは本家の余裕と言うべきだろうか。
第２集の終曲変イ長調での優雅で少しだけ感傷的なワルツも媚びるようなところはなく、高踏的な雰囲気を醸し出していて秀逸。
この曲集の録音は数多く存在するし、またこれ以上に民族主義的なドラマティックで熱狂的な演奏も少なくない。
しかしノイマン、チェコ・フィルのコンビによる当ＣＤは洗練された趣味と軽妙洒脱なオーケストレーションの解釈、音色の変化の美しさなどで入門者にも理解しやすい平明さを持っている。
ドヴォルザークの『スラヴ舞曲』を、通常のコンサートで全曲演奏するということは殆ど考えられないし、大部分のオーケストラにとっても、特別な意味をもつことは考えられない。
ただ、チェコ・フィルの場合には、彼らが『我が祖国』を演奏するほどではないとしても、民族的な共感のもとにそれがあったとしても不思議はあるまい。
しかし、実際に多くの人々にとって、この作品に接する機会は、コンサートのプログラムの中であるよりも、その何曲かがアンコールとして演奏されるときのほうが多いのではないだろうか。
そうしたなかで、このノイマンの演奏は、ある種の必然と日常的な感覚のもとにあるレパートリーとして、多様な舞曲を楽しませてくれるものということができる。
ただ、この言わば本場物の演奏でも、細部のオーケストレーションに手が加えられているということは興味深い。
もっとも、一部は既に慣習となっているようだが、ドヴォルザーク・ファンであれば１度は聴いてみたいセッションだろう。
尚同様のコンビによる１９９３年の３回目の録音はＤＳＤデジタルでＳＡＣＤ化されていて音質は更に良くなっているが、こちらには捨てがたい特有の覇気があって音楽的に決して劣るものではない。
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2019年02月10日
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オットー・クレンペラーはブラームスの最高の解釈者のひとりであった。
晩年の彼は、やや速めのテンポで音楽から揺るぎない構成を引き出し、強い精神力でそれに生命を与え、豊かな情感で充実させていく。
最初は意識させないのに、気がついた時には、聴き手は彼の解釈と一体になっている自分を発見する。
これは、クレンペラーがステレオの最初期、１９５５〜６２年にかけて録音したブラームスの集成で、４枚に全曲を収め、ロープライスに抑えたのが魅力だ。
クレンペラー独特の古雅な風格をもったブラームスで、何回ものセッションを費やして完成された交響曲全集は、壮大・峻厳な趣を持ち、重厚な響きで確信に貫かれた演奏が作られている。
一瞬のゆるみもない緊張と力に支えられた端正な演奏の中から、ブラームスの苦渋とロマンが湧き上がり、もはやこのような表現は、現今の指揮者には望むべくもない。
ところでブラームスにも若い時代があったのだろうが、白髭を生やした姿しか思い浮かばないし、彼の交響曲にもそんな老いの表情が打ち消せない。
しかしそこには厳父の孤高さと慈父の柔和さが滲み出ており、雄渾でありながら包容力に富むひびきが聴きとれる。
また思索をどこまでも深くめぐらせる賢人か哲人といった風貌をただよわせ、預言者的な風格すらおびている。
宇宙の奥義を究めたようなその教えは、いくぶん神秘的で晦渋かも知れないが、噛めば噛むほど味わいの増す知恵に満ちている。
クレンペラーの演奏は、些事に拘泥せず、ブラームスのそうした味わい深いひびきの世界を悠揚迫らぬスケールの大きさで描き出しており、その感動は震撼的ですらある。
『ドイツ・レクイエム』は悠揚迫らぬ骨格の太い、すこぶる腰のすわった重厚な表現で、伝統的なドイツの演奏スタイルをそのまま伝える名演である。
クレンペラーの包容力の豊かさが各章に感じられ、その重量感はまさしく巨造建築を仰ぎみているようだし、ブラームスへの畏敬の念に満ちている。
正統、かつ重厚で、その内面の深さは量り知れない、まさに１９６０年代を代表するブラームスの演奏様式というべきだろう。
現在のブラームス演奏からは隔たっているかもしれないが、頑固なまでに自己の信条に忠実だったクレンペラーの融通の利かない反時代性が、この１９６１年録音から、いま鮮明によみがえる。
彼の解釈が最高に発揮された名演で、堂々たる歩みの中に威厳と深い悲哀をたたえた演奏は、聴く人を感動させずにはおかない。
独唱者たちもクレンペラーの解釈を忠実に守り、その意図を体現した隙のない好演で、声の美しさと内面的な深さで光る。
シュヴァルツコップの歌唱は、肺腑を突き、フィッシャー=ディースカウも敬虔いっぱいのブラームスを聴かせてくれる。
『アルト・ラプソディ』は、クレンペラーがブラームスにふさわしい重厚な表現でじっくりとオーケストラをまとめているし、ルートヴィヒも体の深部からあふれ出るような苦汁に満ちた声で共感を込めて歌い上げている。
それだけに第１部では、ゲーテが冬のハルツの旅に伴った青年プレッシングの苦悩がひしひしと伝わってくるし、また厭世的な若者の心の救済を願う第２部にも深い祈りが込められている。
『ドイツ・レクイエム』『アルト・ラプソディ』ともに合唱団の歌い込みも充分である。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年02月08日
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クラウディオ・アバドのベートーヴェン:交響曲全集はベルリン・フィルとの協演のＣＤ、ＤＶＤが圧倒的に市場を占めていて、１９８７年から８９年にかけて録音されたウィーン・フィルとの旧全集の方は隅に押しやられているのが実情だ。
しかしアバドのベートーヴェンの交響曲旧全集には、彼が振る以前のウィーン・フィルでは聴くことのできなかった明るく流麗で、しかも四肢を自由に広げたような奔放とも言える表現がある。
ウィーン・フィルの持つ音色の瑞々しさとしなやかさを溢れんばかりのカンタービレに託した柔軟な表現が特徴だ。
哲学的な深み云々よりも率直でストレートな、いわゆるイタリア的なアプローチを試みた演奏で、オーケストラもアバドの要求に良く応えているだけでなく、むしろ自分達の音楽としてそれを自発的に取り入れているのが聴き所だろう。
ウィーン・フィルの持ち味でもあるシックで瑞々しい響きを最大限に活かしながら、流れるようなカンタービレでベートーヴェンの新たな美学を描いてみせた秀演で、音楽の内部から湧き出るような歌心を表現することによって、滞ることのない奔流のような推進力がそれぞれの曲に生命感を吹き込んでいる。
ここではかつての名指揮者が執拗に繰り返した、ベートーヴェンの音楽の深刻さは影を潜め、どちらかと言えば楽天的な趣きさえ感じられるが、その華麗な演奏スタイルとスペクタクルなスケール感はアバドの身上とするところだろう。
それはかつての質実剛健で重厚なベートーヴェン像からすれば、意外なくらい明るく軽快な趣を持っているが、それがかえってスケールの大きさと柔軟なドラマ性の獲得に繋がっている。
また各曲の終楽章に聴かれるように豪快で喚起に漲ったスケールの大きい指揮ぶりはベルリン・フィルとの新録音に決して優るとも劣らない。
特に第３番『エロイカ』ではそうした彼の長所が遺憾なく発揮されている。
第２楽章の葬送行進曲では辛気臭さは全く感じられず、むしろ流暢なカンタービレの横溢が特徴的だ。
また終楽章での飛翔するようなオーケストラの躍動感とウィーン・フィル特有の練り上げられた音色の美しさが、決定的にこの大曲の性格を一新している。
曲中の随所で大活躍するウィンナ・ホルンの特有の渋みを含んだ味のある響きとそのアンサンブルは他のオーケストラでは聴くことができない。
尚カップリングされた序曲集も作曲家の音楽性を瑞々しく歌い上げた、しかも威風堂々たる演奏が秀逸だ。
音質は極めて良好で、録音会場となったムジークフェライン・グローサーザールの潤沢な残響が特徴的だし、低音の伸びが良く、各楽器ごとの独立性が高いことも評価できる。
クラウディオ・アバドはウィーン・シュターツオーパーの音楽監督への就任前夜からウィーン・フィルとベートーヴェンの作品を集中的にドイツ・グラモフォンに録音している。
カップリングはライヴの交響曲を中心に、余白を序曲等で満たした６枚の個別のＣＤとそれらをまとめたセット物もリリースされた。
彼はその後ベルリン・フィルと映像付の再録音を果たし、現在ではそちらの方が良く知られているし、先頃出された４１枚組の箱物『ザ・シンフォニー・エディション』でも第２回目の全集がリイシューされているが、ウィーン・フィルとの旧全集の復活はアバド・ファンには朗報に違いない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年02月07日
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チェコの若手指揮者ヤクブ・フルシャがバンベルク交響楽団の客演指揮者として振った、スメタナの交響詩集『我が祖国』全曲録音で、彼は2016年に同オーケストラの首席指揮者に就任したので彼らの共演した最初のディスクでもある。
東京都交響楽団の首席客演指揮者として日本でもお馴染みのフルシャは、まだ30代半ばだがチェコ・フィルハーモニー管弦楽団の常任客演指揮者にも任じられており、21世紀のチェコのクラシック音楽界を背負って立つ才能として大きな期待が寄せられている。
この録音はその期待に答えた素晴らしい演奏だ。
チェコ人が持つ『我が祖国』への熱い思いが湧き上がりつつも、現代的な知性で楽譜の隅々にまで配慮を行き届かせた演奏である。
そして前身がプラハのドイツ人オーケストラであるバンベルク交響楽団が、フルシャの素晴らしい音楽にドイツのオーケストラの充実した音を加えている。
この曲集はチェコの祖国愛を高らかに歌い上げる作品として、これまでターリヒ、クーベリック、アンチェル、スメターチェクやノイマンなどがチェコ・フィルとの名演を遺しているが、フルシャは情熱で押し切るタイプではなく、何度かコンサートで体験したことだがライヴでも爆演などはしない。
それゆえこの演奏にそうした熱狂を求めると当て外れになるだろうが、フルシャの音楽設計は明瞭に感知できる。
先ず１曲ずつの構成、例えばフーガなどのスメタナのオーケストレーションのテクスチュアを綿密に仕上げてそれぞれが独立して演奏されても作品として不足するものがないだけの聴かせどころをつくっている。
そして全６曲が纏まった時に更にその効果が高まるようにも考えられていて、彼が知性的な指揮者と言われる所以だ。
またオーケストラから最高の音を引き出すことでも名人だろう。
おそらくパートごとの練習にもかなりの時間をかけていると思われるが、それくらい彼らのハーモニーは純粋に響く。
例えば第１曲『高い城』でのハープの導入と管楽アンサンブルの後の弦楽合奏は洗練されていて極めて美しいし、終曲『ブラニーク』のクライマックスでのブラスの響きはヴィブラートを押さえた純正調で鳴り響いて非常に力強く感じられる。
勿論個人的な演奏テクニックにかけても彼らは第一級だが、スター・プレイヤー的な華麗な奏者がいないオーケストラだけに、音色はそれほどきらびやかではない。
しかしそれを補って余りあるのがこうしたアンサンブルの力量だ。
また誠実だが退屈な演奏ではなく、第３曲『シャールカ』最後の追い込みではその激しく熱のこもった演奏を堪能できる。
始まったばかりのフルシャとバンベルク交響楽団の時代だが、就任前のこの録音から既に素晴らしい一時代が築かれることが予見できるようだ。
2015年から翌16年にかけての録音で、チューダー・レーベルのハイブリッドSACD盤はジョナサン・ノット首席時代から盛んに制作されて、バンベルク交響楽団の実力を披露しているが、音質はSACDで聴く限りかなり鮮明で良好なサウンドが得られている。
弦の滑らかさやブラス、ウィンド・セクションの潤沢な響きも印象的だが、特にパーカッションの高音部を受け持つシンバルやトライアングルの鋭利な音色は決して強調されてはいないが、レギュラー・フォーマットのCDでは味わうことができない自然な繊細さが感じられる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年02月04日
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１９７２年４月に東京の青山タワー・ホールで世界初のＰＣＭデジタル方式による録音が行われた。
それがまさにこの演奏で、このＣＤにはスメタナ四重奏団全盛期のモーツァルトの弦楽四重奏曲２曲が収められている。
それはその後の多くの名演が一切のテープ・ヒス音から開放されただけでなく、経年変化によるオリジナル・マスターの音質の劣化も劇的に改善されたオーディオ界の歴史的なイベントでもあった。
今回この録音がブルースペックＣＤとしてリニューアルされ、更にマスターに忠実な音質が得られるようになったことは評価したい。
と言っても工学に疎い筆者は機器を使ったデータがあるわけでもなく、ただひたすら自分の耳を頼りに聴き比べたことを断っておく。
先ず従来のＣＤと比較して音質的には雑味が払拭された鮮やかさが出ていることと、以前は多少平面的に聞こえた音響空間に奥行きが感じられることなどが挙げられる。
特にスメタナ四重奏団の明るい弦の響きに更に磨きがかかったような艶やかさも加わり、また中低音のバランスも改善されているようで、変化自体は微妙だが、その違いは明らかだ。
価格の面では通常盤の１５パーセント増し程度に抑えてあるが、これは最近ＨＱＣＤも同価格にプライス・ダウンして対抗しているので、熱心なオーディオ・ファンの耳を満足させる為のひとつの試みとしては妥当なところかも知れない。
いずれにせよ、デンオンから続々と名盤を生み出し、永く室内楽の世界に君臨することになる栄光の歴史のスタートを飾ったスメタナ四重奏団の記念すべきアルバムだ。
スメタナ四重奏団は、その活動初期にＥＭＩやウエストミンスターにもモーツァルトの素晴らしい録音を残している。
更に後の１９７５〜８２年に、彼らのモーツァルト解釈の結論としての『ハイドン・セット』全曲をデンオンに録音しているが、これもそれに優るとも劣らない演奏。
会場の違い（日本の方がデッド）や、ＰＣＭ録音の初期と経験を重ねたものといった違いから、こちらの方がより鮮明で、後のものがより豊かな雰囲気をもつという違いがあるが、解釈に大きな違いはない。
第１５番Ｋ.４２１二短調では、曲の内面にまで大胆に切り込んだ彫りの深い表現が聴きものである。
まず第１楽章の底にひそむ不安の影をクローズアップして激しい緊迫感を盛り上げて聴き手をぐっと手元に引きつける。
続くモーツァルトのレクイエムのなかの四重唱を思わせる第２楽章では、慰めの四重奏を聴き手の魂の奥底にまで響かせる。
そしてモーツァルトの「疾走する哀しみ」を弾き出した悲愴感に溢れる終楽章で終わる。
第１７番Ｋ.４５８変ロ長調『狩り』も、愛とか、デリカシーとか、歌とか、我々が常識的にモーツァルトに求めるものを百戦錬磨の技術で鮮明に印象づけながら、生命感に溢れる演奏を聴かせてくれる。
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