ブラームス
2022年07月30日
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ペライアは１９９１年にブラームスのソロ・アルバムを録音しており、ラプソディ作品７９-１とラプソディ作品１１９-４、間奏曲作品１１８-６の３曲についてはそちらにも収録されていたので、その３曲については今回は１９年ぶりの再録音ということになる。
１９９１年の親指故障直前の旧録音と、数年間に渡る演奏活動休止期間中にバッハを研究してその音楽に深い慰めを見出し、復帰後は以前よりもヴィルトゥオジティ、スケールとも大幅アップした現在のペライアによる録音の比較も興味深いところである。
この新盤は凄い名演だ。
ブラームスのオーケストラ作品、特に、分厚いオーケストレーションを誇る交響曲では、重厚でシンフォニックな表現が演奏様式として一つの理想形となるが、ペライアのブラームスは、ピアノ演奏におけるシンフォニックな表現と言える。
まさに、巨匠風の重厚なピアニズムと言える。
ブラームスのピアノ曲の他の演奏には、例えば、超個性的なグールドやアファナシエフ、清澄なリリシズムを旨とするルプーなど、名演が目白押しであるが、ペライアのピアノはまさに正統派。
聴き手が仰ぎ見てしまうような威容に満ち溢れている。
「ヘンデルの主題による変奏曲とフーガ」や「２つのラプソディ」における、あたりを振り払うような峻厳たる威容は、これぞ３大Ｂの一角を占めるブラームスならではの重厚さだ。
「６つのピアノ小品」も、第１曲など、威風堂々たるピアニズムであるが、第２曲、第５曲、そして第６曲の寂寥感溢れる抒情は、最晩年のブラームスの心底を覗き込むような深みのある音楽に仕上がっている。
「４つのピアノ小品」の高踏的な深みのある美しさは、前述のグールドやアファナシエフなども到達し得なかった至高・至純の高みに達している。
録音も鮮明で、ぺライアの堂々たるシンフォニックなタッチをクリアに味わうことができるのが素晴らしい。
それにしても、ぺライアは、今や巨大な存在になった。
そんな評価があながち大げさとは言えない驚異的な本ＣＤの登場を大いに歓迎したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2022年07月17日
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クラシック音楽の世界には、この世のものとは思えないような至高の高みに達した名作というものが存在する。
ロマン派のピアノ作品の中では、何よりもシューベルトの最晩年に作曲された最後の３つのソナタがそれに相当するものと思われるが、それに次ぐ作品は、諸説はあるとは思うが、ブラームスの最晩年のピアノ作品ということになるのではないだろうか。
いかにもドイツ色濃厚で、重厚で分厚い作品を数多く作曲してきたブラームスとしても、最晩年のピアノ作品については、その後の十二音音楽や無調音楽に通じる必要最小限の音符による簡潔な書法をとるなど、これまでとは全く異なる作風を垣間見せており、その神々しいとも言うべき深みは、前述のシューベルトによる最後の３つのソナタにも比肩し得るだけの崇高さを湛えていると言っても過言ではあるまい。
これだけの至高の名作であるだけに、これまで数多くの有名ピアニストによって様々な名演が成し遂げられてきた。
個性的という意味では、グールドやアファナシエフによる演奏が名高いし、人生の諦観が色濃く漂うルービンシュタインによる懐の深い演奏もあった。
また、千人に一人のリリシストと称されるルプーによる極上の美演も存在している。
このような海千山千のピアニストによるあまたの名演の中で存在感を発揮するのは並大抵のことではないと考えられるが、田部京子による本演奏は、その存在感を如何なく発揮した素晴らしい名演を成し遂げたのではないだろうか。
田部京子による本演奏は、何か特別な個性を施したり、はたまた聴き手を驚かせるような斬新な解釈を行っているというわけではない。
むしろ、スコアに記された音符を誠実に音化しているというアプローチに徹していて、演奏全体としては極めてオーソドックスな演奏とも言えるだろう。
とは言っても、音符の表層をなぞっただけの浅薄な演奏には陥っておらず、没個性的で凡庸な演奏などということも決してない。
むしろ、徹底したスコアリーディングに基づいて、音符の背後にあるブラームスの最晩年の寂寥感に満ちた心の深層などにも鋭く切り込んでいくような彫りの深さも十分に併せ持っており、同曲に込められた奥行きの深い情感を音化するのに見事に成功していると言っても過言ではあるまい。
いずれにしても本演奏は、同曲のすべてを完璧に音化し得るとともに、女流ピアニストならではのいい意味での繊細さを兼ね備えた素晴らしい名演と高く評価したい。
演奏全体に漂う格調の高さや高貴とも言うべき気品にも出色のものがあると言えるだろう。
音質は、マルチチャンネル付きのＳＡＣＤによる極上の高音質録音であり、田部京子による素晴らしい名演の価値をより一層高めるのに大きく貢献していることを忘れてはならない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2022年07月09日
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1991年10月、カルロス・クライバーは突然公開演奏会のOKを出し、モーツァルトの《リンツ》とブラームスの交響曲第２番というプログラムで、ウィーン・フィルによるコンサートが２日間にわたって行われた。
指揮棒を振り下ろすやいなや、聴衆も楽員もクライバーのタクトによって、魔法にかかったように音楽に引き込まれていく。
クライバーとウィーン・フィルによる音楽の喜びと美しさに満ち溢れた演奏が、音と映像を通して鮮やかな感動を呼び起こす。
よく残っていたな、これが機嫌がいいときのクライバーであるが、実際にはかなり気難しい人。
クライバーのブラームスでは同じ顔ぶれの第４番のCDのほうが定番となっているが、華麗な指揮姿とともに演奏を楽しめるこちらに筆者を指を屈する。
いやはや、絶好調で乗りに乗っているクライバーの映像である。
彼の華麗な指揮姿を見れたのは、1994年のR・シュトラウス「ばらの騎士」（少し枯れが見え始めている）の映像までである。
このDVDの時までがピークで徐々に動きにしなやかさが失われ、硬さが出るようになってしまうし、演奏に勢いも同様だ。
クライバーはブラームス特有の長く美しいフレーズを活かすように工夫しながら（弦楽器のプルトを2つに分け、アップボウイングとダウンボウイングに分けて弾くことにより、音色が均一に、そして途切れないようにしている）３楽章までは牧歌的に進めているが、第４楽章のアレグロから一気にアクセルを踏み込む。
手をぐるぐる回転させ、先を読んだタクト裁きでオーケストラを鼓舞させている。
ウィーン・フィルの面々が、ここまで顔を紅潮させ必死に食らいついて演奏する姿はそうは見れないし、アドリブにも敏感に反応している。
綿密なリハーサルで有名だが、実演ではそれを基本に即興的に演奏するのが彼の常套手段。
そこが高名な父 エーリッヒ・クライバーとの決定的な違いで、もともとのテンペラメントの違いだろうが、アルゼンチンで育ったのも一因かもしれない。
キャンセル魔のカルロスのしかも全盛期、しかもマジシャンのような指揮ぶり、ウィーン・フィルの本気度、逸するべきではない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2022年05月21日
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アファナシエフ究極の名演という言葉は、この録音にこそふさわしいと思う。
ロシア・ピアニズムの流れを組む名手でありながら孤高の芸術世界を築くアファナシエフの描く音楽はいずれも心の深淵をのぞき込むかのように深く暗い表情を湛えている。
感情的興奮やヴィルトゥオジティとは全く次元の異なる世界にリスナーはとまどい、やがて言葉を失うほどの感銘を覚える。
アファナシエフは、ブラームスの深淵に浸りきり、研ぎ澄まされた音の中にあらゆる感情が込められた空前の表現を行っている。
前作の後期ピアノ作品集は、おそらくは過去のブラームスのピアノ作品集のＣＤ中最高の超名演（私見ではグールドより上）であったが、本盤も、前作ほどではないものの、素晴らしい名演である。
確かに「アファナシエフ流」のインパクトは後期作品集に劣るが、ポツポツと弾かれる音が漂う「間」（ま）、その空白を感傷が埋めているような、この人特有の音空間はやはりとんでもなく美しく、録音が良いせいか、本当に音の１つ１つが冴え渡っている。
特に、作品１１６の７つの幻想曲は、ブラームスの最晩年の作品だけに、前作の深みのある鋭い名演に繋がるアプローチを行っている。
同曲は、複数のカプリチオと間奏曲で構成されているが、各曲ごとに大きく異なる楽想を、アファナシエフならではのゆったりとしたテンポで、ブラームスの心底の深淵を覗き込むような深遠なアプローチを行っている。
シェーンベルクの十二音技法にも通じるような深みを湛えた至純の名作であるが、アファナシエフの演奏は、まさに、こうした近現代の音楽に繋がっていくような鋭さがある。
それでいて、晩年のブラームスの心の奥底を抉り出すような深みのある情感豊かさも、感傷的にはいささかも陥らず、あくまでも高踏的な次元において描き出している点も素晴らしい。
テンポは、過去のいかなる演奏と比較しても、相当に（というか極端に）遅いと言わざるを得ないが、シューベルトの後期３大ピアノ・ソナタの時のようなもたれるということはなく、こうした遅いテンポが、おそらくはアファナシエフにだけ可能な濃密な世界（小宇宙）を構築している。
研ぎ澄まされた鋭さ、深みのある情感、内容の濃密さという３つの要素が盛り込まれたこの演奏は、聴き手にもとてつもない集中力を要求する。
その深みのある情感豊かさは、同曲の過去のいかなる演奏をも凌駕するような至高・至純の高みに達している。
４つのバラードは、ブラームスの若書きの作品ではあるが、アファナシエフの解釈は、晩年の諸作品へのアプローチと何ら変わることがない。
バラード集の時間軸を変容させ、独特の呼吸で横の線を異化していく特異な世界があるが、このバラード集に纏わりつく死のイメージをここまで音化した演奏は思いつかない。
誰の演奏を聴いてもイマイチ感のあるバラード集で、暗黒面の境界線に佇みながら静かに生者のほうを見つめるピアノを聴かせてくれる、凄い演奏が作品の方向性を作り変えている。
要は、同曲を、最晩年の作品に繋がっていく道程と位置づけており、各バラードの解釈は、初めて耳にするような深みを湛えている。
２つのラプソディーは、ブラームスとしては比較的めまぐるしく表情が変転する楽曲であるが、アファナシエフは、ここでも単なるお祭りさわぎに終始することなく、次元の高い深みのある音楽が紡ぎだされていく。
また、本質的にこの人のピアノはロマン派と相性が良いのだということが良く分かる点も、後期作品集と同様である。
そういえば、アファナシエフが「もののあはれ」を表現の原点としているというエピソードがあるが、この人の演奏を聴いていると、「もののあはれ」というものが、普通な意味でのメランコリーを否定しつつも、結局はメランコリーの一形態だったではないか、ということを思い出させられる。
我々がアファナシエフの演奏をメランコリックとつい評してしまうときも、本来そのような重層的な意味合いを意識すべきなのかもしれないが、そんな遠回りをしなくても、本盤の場合はストレートにメランコリックである。
Blu-spec-CD化によって、アファナシエフのタッチをより鮮明に味わうことができるようになったことを大いに喜びたい。
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鬼才アファナシエフのブラームス最晩年の小品集は実演にも接したことがあるが、このアルバムも実に凄い演奏だ。
ブラームスの後期の小品集は、小品とはいいながら晩年のブラームスの寂寥感、生きる事の悲しみや、つらさ、孤独、苦しみやかすかな喜びが投影された珠玉の作品集である。
ひとつひとつの音が、ピアノの美しい音色を響かせるとともに、晩年のブラームスの生活をも感じさせてくれる。
確かにシューベルトの即興曲に通ずるものがあり、楽譜通りに演奏しても、それなりの演奏となろう。
ここでのアファナシエフの演奏は、楽譜を読み込み、楽譜を超え、ブラームスの情感の心情に迫り、抉り出そうとする、本質を表現せしめた音楽を奏でている。
思索的な表情や美音が印象に残る一方、悠然とした間のとり方など、アファナシエフらしい個性的な解釈が散見されるが、それは唐突に現れるのではなく、全体の流れのなかに乗せられている。
それに、ブラームスの作品１１７〜１１９の３つのピアノ作品は、シェーンベルクの十二音技法にも通じるような深みを湛えた至純の名作でもある。
アファナシエフの演奏は、まさに、こうした近現代の音楽に繋がっていくような鋭さがある。
それでいて、晩年のブラームスの心の奥底を抉り出すような深みのある情感豊かさも、感傷的にはいささかも陥らず、あくまでも高踏的な次元において描き出している点も素晴らしい。
テンポは、過去のいかなる演奏と比較しても、相当に（というか極端に）遅いと言わざるを得ない。
しかしシューベルトの後期３大ピアノ・ソナタ（旧盤）の時のようなもたれるということはなく、こうした遅いテンポが、おそらくはアファナシエフにだけ可能な濃密な世界（小宇宙）を構築している。
各曲ごとに大きく異なる楽想を、アファナシエフならではのゆったりとしたテンポで、ブラームスの心底の深淵を覗き込むような深遠なアプローチを行っている。
その深みのある情感の豊かさは、同曲の過去のいかなる演奏をも凌駕するような至高・至純の高みに達していると言っても過言ではあるまい。
研ぎ澄まされた鋭さ、深みのある情感、内容の濃密さという３つの要素が盛り込まれたこの演奏は、聴き手にも途轍もない集中力を要求する。
同曲集には、同じく鬼才であったグールドの超名演があったが、内容の深みや鋭さにおいて、アファナシエフに軍配があがると言っても過言ではないかもしれない。
Blu-spec-CD化によって、アファナシエフのタッチをより鮮明に味わうことができるようになったことを大いに喜びたい。
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ブラームスの交響曲第３番は、ウィーン時代のワルターを飾る絶品の一つ。
ワルターとウィーン・フィルがこれほどぴったりと意気投合し、細部まで心を通わせ合った例も少ないだろう。
なぜならば、ワルターにはかなりウィーン・フィルの楽員に任せたり妥協したりした演奏も数多く見られるからである。
ここでは両者の目指す美の方向が完全に一致しているようだ。
第１楽章の第１テーマを聴けば、彼らがリズムやアンサンブルなどに少しも神経を使わず、もっぱら音楽の心だけを表現していることがわかる。
ふつうはそれがプラスにもなる代りにマイナスともなってしまうのだが、ここではプラスの面だけが濃く現われ、その結果として、内部には情熱の火が燃えさかっているにもかかわらず、外観は徹底して角が取れ、まろやかに円熟したのである。
一つ一つのメロディーが何と思い切って歌われることだろう。
第２、３楽章にその最高の例が見られるが、しかもほんのわずかな外面性もないのは楽員一人一人が情緒を感じぬいているからだろうし、音色がすばらしく高貴なせいもあるのだろう。
両端楽章の、自由自在な緩急にもおどろかされるが、情熱に任せてはめをはずすことなく、つねに自然なのは偉とすべきだ。
終楽章の第２テーマが現われた後の盛り上げにおいて、ぐんぐん加速するが、オーケストラが手足のごとくぴったりと密着していささかの崩れも見せず、完璧なアンサンブルを誇っているのはワルターにとっても珍しい。
たいていは棒が先に行ってしまうか、またはオーケストラがワルターの意図を見越してほんとうの情熱に燃えず、形だけをつくってしまうかのいずれかである。
第１楽章冒頭の柔らかい響き具合からもわかるように、全体に金管が少しも気張らず、ブラームスらしいしつこさから解放しているのも快いが、木管の恍惚たる和音といい、チェロや高弦の情緒に濡れた音色といい、耽美、陶酔という言葉が身をもって実感される瞬間である。
少しも聴かせようとする構えがなく、自らの感じたままを正直に表現してゆくワルターとウィーン・フィルの名コンビに絶大な拍手を贈りたい。
豊かな音楽とはこのようなものをいうのであろう。
シュテファン・ツヴァイクが「ワルターの指揮で、その至福の瞬間には、彼自身波に連れ去られてしまって、もうそこに居ないような感じ……」と書いているのは、ウィーン時代のワルターにこそ当てはまるだろう。
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2022年04月03日
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このディスクに収録されたベイヌムの指揮するコンセルトヘボウ管弦楽団からはレコード録音史上、最も素晴らしい音のするオーケストラが聴ける。
最近のオーケストラだって、うまいことはうまいのだが、このように潤いがあり、艶があり、弾力もある音はしないはずだ。
別な言い方をすれば「コクと切れ」という、普通はまず均等にブレンドされない要素が、見事に両立した稀有の例なのである。
むろん、響きだけが良いのではなく、ベイヌムの棒はこのオーケストラの前シェフ、メンゲルベルクの濃厚甘美とは正反対のきっぱりした表現により、団全体に新風を吹き込んでいるのだ。
交響曲第１番は１９５１年の録音で、フィリップス盤よりも７年前の録音になり、一段と輝かしく、颯爽としており、聴く者を引き込まずにはおかない磁力にも似た吸引力がある。
他のどんな名指揮者も実現させ得なかった熱い興奮へと誘う気迫が充満、起伏豊かで、オーケストラを聴く醍醐味に浸らせてくれる。
ことに終楽章の設計とクライマックスへの運びの巧さは誠に心憎いばかりで、何度でも繰り返し聴きたくなるほど興奮させる。
第１楽章の冒頭は通常よりはかなり速く開始されるが、すぐにチェロやオーボエの素晴らしい音色に魅了される。
主部に入るとテンポはときに急激に加速されるが、オーケストラは全く崩れず、どんな場合も潤いを失わない。
続く第２楽章の弦のふっくらと温かい音色、第３楽章の木管楽器の豊かな音、そして第４楽章の序奏のホルン、そしてそれを支える弦のさざ波、続くアレグロの瑞々しさ、もうどこをとっても溜息の出る響きの連続である。
象徴的なのは第４楽章のコーダの途中で金管楽器のコラール風の旋律が出てくるが、ここはほとんどの指揮者がテンポを落とす。
だがベイヌムは、目の覚めるようなスピードで駆け抜けるのだ。
とくに最初聴いたときはびっくりするが、もともとスコアには「テンポを落とせ」という指示はない。
つまり、このベイヌムが正道ということ。
もちろんモノーラルだが、定評あるデッカの優秀録音のためか、不思議に不満は皆無である。
尚ベイヌムは、この曲をステレオ時代に同じオーケストラで再度録音しているが、演奏、オーケストラ自体の魅力はかなり落ちている。
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2021年12月15日
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質実剛健なドイツ的スタイルで知られる巨匠、ハンス・シュミット＝イッセルシュテット(1900-1973)の代表的名演。
並みいる大家の存在、覇を競う名指揮者群像のなかにあって、ベートーヴェンの交響曲及びピアノ協奏曲全集（ピアノはバックハウス）をウィーン･フィル（戦後初の同オケの全集）と録音したのは先に述べた通り。
第２次世界大戦後に北西ドイツ放送交響楽団(1956年から北ドイツ放送交響楽団)の設立を任され、1971年までその任に当たり、このオーケストラの地盤を固めただけでなく、ドイツ有数のオーケストラの一つとしての名声を獲得させるのに成功した。
特にブラームスの作品は、シュミット＝イッセルシュテットの得意のレパートリーの一つであり、ここに収録された北ドイツ放送交響楽団との交響曲全集も、名演奏の誉れの高いものである。
付属的にハイドンの主題による変奏曲や大学祝典序曲、運命の歌、デッカによってセッション録音された７曲のハンガリー舞曲が組み合わされているが、悲劇的序曲は収録されていない。
また、交響曲第１番は1967年の録音ながらモノラル方式での収録である。
ハイドンの主題による変奏曲も、1962年の録音ながらモノラルでの収録だが、疑似ステレオ化されている。
その演奏は、往年の名匠たちのような大言壮語な演奏ではなく、音楽の流れを損なわないような自然体を貫く。
しかし、メリハリをつけるところはしっかりつけているので、音楽の印象がぼやけることはない。
疑似ステレオ化された交響曲第１番とハイドンの主題による変奏曲は、少々不自然な音響が感興を削ぐが、シュミット＝イッセルシュテットの芸風の真っ当さは味わえる。
交響曲第２番と第３番はライヴ録音ならではの高揚感があるものの、シュミット＝イッセルシュテットが暴走しないように目を光らせており、しっかり格調を保っている。
特に第３番は憂愁の響きをしつこく追いかけるのではなく、比較的あっさりと流すことによって微妙なコクを作り出しているのが印象的。
大学祝典序曲は、シュミット＝イッセルシュテットのおおらかな芸風と曲想がマッチして楽しい演奏に仕上がっている。
交響曲第４番は亡くなる１週間ほど前の演奏ということで、彼の最後のステージでの演奏を収録したものになる。
この頃には、このオーケストラの名誉指揮者となっていたが、シュミット＝イッセルシュテットの一挙手一投足にしっかりついていくような緊張感があり、何ら特別なことをしていないにもかかわらず、じわじわと感動させる魅力を放っている。
ハンガリー舞曲も、チームワークで作る音楽の美しさを考えさせる演奏だ。
運命の歌は、オーケストラ付属の合唱団との1971年の録音だが、オーケストラと合唱が混然一体となり、よく練り上げられた音楽に仕上がっている。
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2021年03月16日
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ヴィオラの名手としても知られるスークの演奏は、ヴァイオリンとはまた違って、この楽器の持つしっとりとした味わいを巧みに引き出して、聴く者に強い印象を与える。
長年にわたって培われてきたパネンカとのコンビによるこの録音は、磨きがかかり深みが増した、まさに円熟の境地。
楽想のひとつひとつをじっくりと味わいながら語っていくその巧みさと音楽の自然な流れが、ブラームス晩年の枯淡の心境を雄弁に表出している。
クラリネットのために作曲されたオリジナル版と聴き比べてみたが、印象が全く違って驚いた。
クラリネットによるカール・ライスターの演奏では、特有の寂寥感や諦観がいやがうえにも表れていて、ブラームスの晩年の心境を映し出しているように感じられた。
こちらのヴィオラ・バージョンはむしろ抒情的な美しさと温かみがあり、特にそれは第２番に言える。
スークのごく控えめに入れる効果的なポルタメントなどもスタイリッシュだが、大時代的な耽美趣味がないのも好感が持てる。
スークの奏法はヴァイオリンで聴くそれと非常に近く、容易に彼の演奏を判別することができる。
淡々とした演奏だが、ひとつひとつのフレーズに深い思いが込められており、そうした表情は特に第１番の第１楽章に色濃く漂っている。
遅めのテンポで決して激することがないが、6０歳を過ぎたブラームスが書いたアパッショナートの意味するところへの共感が深いところで鳴り響いている。
スークのヴィオラの美しい響き、特に弱音低音域の表情の豊かさは抜群。
ヴィオラではクラリネットのような厳しい表現は不向きで、逆に柔らかな音色と弦楽器の流麗さを生かした演奏は、ブラームスの安らぎの魅力という別の側面を堪能させてくれる。
ピアニストのヤン・パネンカはスークと同郷チェコの大家で、アンサンブル・ピアニストとして良く知られているが、スプラフォンからはベートーヴェンの協奏曲全集もリリースされている。
彼の奏法の特徴は表現がクリアーで、スークと同様に美音を大切にするところにある。
刺激的な打鍵を避け、きめ細かいアーティキュレーションを丁寧に演奏することは、この伴奏でも明瞭に感知することができる。
１９９０年、プラハのスプラフォン・ドモヴィーナ・スタジオでの録音で、彼らのデュオが完成段階に入ってきたことを窺わせる演奏だ。
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2020年10月31日
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以前LP盤3枚でリリースされたオーケストラル・ワーク集で、長い間入手困難だった音源をエロクエンスがCD化した2枚組。
シュミット=イッセルシュテットは生涯にそれなりの量の音源を遺しているが、不運にもステレオ時代の大手レコード・メーカーには僅かなレパートリーしかセッション録音できなかった。
このCDセットも１枚目は1953年のモノラル録音で、ドヴォルザークの交響曲第7番は同年春にハンブルク放送交響楽団との２回目の演奏旅行の際ロンドンのキングスウェイ・ホールで演奏したものになる。
劇的なほど感動を与えるドヴォルザークの録音集で、どれも才能あふれる交響曲指揮者としてシュミット＝イッセルシュテットが戦後に活躍していた時期の録音だ。
彼は律儀な解釈で知られている典型的なドイツの指揮者だが、ここで聴かせる情熱的で柔軟な統率は、決して堅物の音楽家ではないことを示している。
2枚目は1963年の歴としたステレオ録音で、ドヴォルザークの弦楽のためのセレナード及び管楽器アンサンブルのためのセレナードの2曲が収録されている。
こちらは流石に楽器の音色を生かした瑞々しい解釈が堪能できる貴重な音源だろう。
北ドイツ放送交響楽団はブラームスを得意としていたが、彼から強い影響を受けたドヴォルザークの作品だけに面目躍如の演奏だ。
ハンス・シュミット=イッセルシュテット(1900-1973)は終戦直後の1945年にロンドンのBBC交響楽団を模範としたハンブルク放送交響楽団を設立し、音楽監督も務めた。
ダルムシュタット、ハンブルク、ベルリンでオペラ指揮者として始まった音楽人生だったが、後に交響曲指揮者として円熟した晩年を過ごした。
本盤によって新世代の音楽愛好家の方々にもこの指揮者の名前を知っていただけることだろう。
このディスクでは１枚目と２枚目ではオーケストラの名称が変わっているが、実際には北ドイツ放送交響楽団は前者と同一楽団で、再編成後に北ドイツ放送(NDR)の名を掲げている。
尚現在ではNDRエルプフィルハーモニー管弦楽団と再び改称しているので、オールド・ファンにとってはいくらかややこしい。
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2020年07月31日
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この２枚のディスクにはブラームスの弦楽四重奏曲全３曲とクラリネット・ソナタ全２曲が収められているが、メインは何と言ってもイタリア弦楽四重奏団の演奏だ。
彼らはドイツ物を中心的なレパートリーにしていたが、その解釈は他のカルテットとは一線を画している。
内面に曲の精神性を収斂していくのではなく、イタリア人らしく音楽的なベクトルを常に外に向けて発散させるアプローチをとっている。
それだけに辛気臭さがなく、むしろ開放的でより感覚的な音楽が特徴だ。
また緩徐楽章では面食らうほど明るく朗々としたカンタービレを聴かせている。
しかし良く聴いていると彼らのダイナミクスは細部まで隙間なく計算されていて、如何に丁寧な音楽設計がなされているか理解できる。
音楽に内在する響きの心地良さとドラマ性を極力引き出してみせたサンプルとして一聴の価値がある。
またそれが彼らのオリジナリティーであり、ブラームスの演奏の典型ではないかも知れないが、イタリア弦楽四重奏団が欧米で絶大な支持を得た理由だろう。
中でも第３番変ロ長調では彼らの魅力が余すところなく堪能できる。
ここでは第２楽章の溢れるような歌心の表出だけでなく、第３楽章でのファルッリのヴィオラの活躍も聴き所だ。
彼のソロはテクニックの巧みさだけでなく、全体的なアンサンブルのバランスを良く考慮した優れた演奏だ。
録音は第１番が１９６７年、第２番が７１年、そして第３番が７０年で音質は極めて良好。
一方二曲のクラリネット・ソナタはコンセルトヘボウの首席奏者だったへオルへ・ピーテルソンのクラリネットとヴァイオリニスト、ユーディ・メニューインの妹ヘプツィバ・メニューインのピアノによる１９８０年のセッションになる。
決して悪い演奏ではないが、細かいニュアンスの変化や音色の使い分けなどでは彼らよりベターな演奏は少なくない。
このセットの評価はあくまでもイタリア弦楽四重奏団に対するもので、余白を埋めるカップリングとしては、２曲のソナタがいくらか弱点になっているのは否定できないだろう。
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2020年07月08日
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ウエストミンスターのリマスターUHQCD盤の１枚で、ウィーン・コンツェルトハウス四重奏団の主体になるブラームスの２曲が収録されている。
映画『恋人たち』にも使用されたことでも知られる、若きブラームスの情熱と豊かな叙情を歌い上げる弦楽六重奏曲第１番。
イェルク・デムスを迎え、ドラマティックに歌い上げるピアノ五重奏曲。
ウィーン・コンツェルトハウス四重奏団によるブラームスの内面世界を見事に描き上げた演奏だ。
この手の音源は殆どがモノラル録音であることを覚悟しなければならないが、弦楽六重奏曲第1番は1950年の録音で、やはり音色もいくらかセピア調の感が否めない。
一方ピアノ五重奏曲は1952年で、当時の技術的な改善が音質にも表れている。
いずれもノイズはごく少ないので鑑賞には差し支えない。
録音会場はウィーン・コンツェルトハウスの小ホール、モーツァルトザールで音響も悪くないが、弦楽部とピアノのバランスは必ずしも理想的とは言えない。
またピアノの音色が籠り気味で、高音部の輝かしさに不足している。
モノラルながら、もう少し分離状態が良ければさらにこの演奏の価値を高めていただろう。
この2曲にもウィーンの伝統的音楽性が横溢している。
アントン・カンパー率いるウィーン・コンツェルトハウスの繊細な音色と柔軟な歌心、そして現代ではもはや廃れてしまったロマンティックな感性は得難いものがある。
時代遅れと言ってしまえばそれまでだが、決して懐古趣味の耽美的な表現ではなく、アンサンブルに良い意味での古き良き時代のテクニックを残しつつ沈潜することなく、むしろ生気に溢れている。
若き日のウィーンの名手、イェルク・デムスのピアノには彼らの影響を受けてはいるが、よりクールな一面が新鮮な印象を与えている。
いずれにしても、まだ戦後の混乱期にあって音楽に飢えていたアーティスト達の、情熱の結晶として高く評価したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2020年05月29日
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前回紹介したプレミア価格で販売されている同じフィリップスのライヴ集で出ているブラームスの交響曲第１番と並ぶ堂々たる演奏だ。
曲想が持つアピール性からすれば前者が圧倒的だが、ここではむしろ充実した音楽性と深みがコンドラシンが創り上げる泰然とした音響の中に表現されている。
それはブラームスが交響曲作家として世に出るための野心作として苦心した第１番に対して、その成功後の安堵とより熟達した作法を示した第２番の違いでもあるだろう。
しかしコンドラシンの作品に対するアプローチは常に明瞭で、地道にスコアを読み込んだ丁寧な仕上げと一貫して失われることのない情熱が感じられる。
また緩徐楽章でも安易な抒情に堕さない緊張感の持続と練り上げられたアンサンブルにコンセルトヘボウ管弦楽団の伝統の重みと音楽性の豊かさが溢れている。
指揮者自身の個性の強調とは縁のない演奏だが、それだけに重厚な終楽章アレグロ・コン・スピリトを聴き終えた時、鑑賞の充実感がひときわ高まる普遍的な解釈に特徴がある。
1975年11月29日のライヴ録音。
カップリングされたシベリウスの交響曲第５番は1976年11月21日のライヴである。
この作品には文学的テーマこそ付けられていないが、森羅万象の変化や北欧の神秘的な大自然の営みを髣髴とさせる作法は明らかに標題音楽の手法で、このジャンルでもコンドラシンは幅広い表現力を披露している。
彼は若い頃ボリショイ劇場で研鑽を積んだ指揮者なので、描写に懲り過ぎると安っぽい音楽に陥り易いことも熟知していた筈だ。
ここではあくまでも交響曲としての構造に注目して主題とその展開など作曲上の技法を感知させる絶対音楽との高踏的バランスが絶妙に保たれている。
第３楽章の清冽なせせらぎや慈雨をイメージさせるパッセージが次第に怒涛のように発展して総奏に至るクライマックスは聴く者に幸福感を与えてくれる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2020年05月27日
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ブラームスの交響曲第１番は1980年2月29日、カップリングされたメンデルスゾーンの交響曲第４番『イタリア』が1979年11月17日のそれぞれアムステルダムにおけるライヴ録音。
当時のコンドラシンとコンセルトヘボウ管弦楽団の強い絆を髣髴とさせる気迫に満ちた演奏だが、どちらも熱演というよりむしろ様式に則った堅実な解釈が聴きどころだろう。
ブラームス冒頭のティンパニの連打も抑制され、ひとつの楽章を突出させることなく全体の均整をとるサウンドがかえって荘重な音楽を醸し出している。
第２楽章でのヴァイオリン・ソロはコンサート・マスターのヘルマン・クレバースで、同メンバーによる『シェエラザード』同様ここでも高貴な抒情を湛えた奏法が美しい。
終楽章も上に流されることなく、堅牢な古典的形式感が保たれたスタイリッシュな安定感がある。
メンデルスゾーンでも血気にはやる演奏ではなく、いくらかクールでコンセルトヘボウのアンサンブルの確実さと作品の起承転結をわきまえた再現が特徴的だ。
第２楽章アンダンテのカンタービレも他の楽章との調和を考慮した表現だし、終楽章サルタレッロでも疾走することなくコントラストを聴かせる頭脳的な采配が如何にもコンドラシンらしい。
キリル・コンドラシン(1914-1981)はオランダ亡命以前からコンセルトヘボウ管弦楽団に頻繁に客演していた。
この一連のライヴ録音は当時の国営オランダ放送協会NOS及び民間下請け業者NOBが共同制作した音源で、地元フィリップスがリリースした9枚のLPを90年代に８枚のCDに再編集したものだ。
しかしフィリップス・レーベル消滅後版権の問題からか残念ながら総て製造中止の憂き目に遭っている。
そのため購入にはプレミアム価格を覚悟しなければならない。
演奏の充実度からしても是非復活を望みたいシリーズだ。客席がオーケストラの背後にも設置されているコンセルトヘボウの会場の弱点で、時として客席からの咳払いがダイレクトに捉えられているが、音質は充分鮮明で鑑賞に不都合はない。
尚この８枚に収録されなかった同メンバーによる更にCD3枚分の音源は仏ターラ・レーベルから現在でも入手可能だ。
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2020年04月30日
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ウェストミンスター・レーベルを代表する二人の名匠、ウラッハとバリリによる、心ゆさぶるブラームスの室内楽作品集。
ウィーン三羽烏の一人、若きデムスの覇気溢れるピアノもまた聴きどころだ。
ウラッハのクラリネット、イェルク・デムスのピアノによる2曲のブラームスでは、やはりウィーンの風情を決して押しつけがましくなく、むしろさりげなく漂わせているところが秀逸。
ウラッハの表現は飄々としていて、ことさら曲想に陰影を付けたり個性を強調するものではない。
特に両ソナタの緩徐楽章では彼のオープンでヴィブラートのないクラリネットの音色が、かえってブラ−ムス晩年特有の静けさの中に幾ばくかの諦観さえ感じさせる。
第1番第2楽章アンダンテでの消え入るようなピアニッシモや、第3楽章アレグレットのレントラー風の鄙びた響きとそれを支えるデムスのピアノはまさにウィ−ンの奏者のアンサンブルというに相応しい。
また第２番冒頭の愛らしいが、幾らか霞がかかったような青空をイメージさせる表現は現在では得難いものだろう。
若き日のデムスの伴奏は控えめだが巧みにソロをサポートしている。
ホルン三重奏曲も国粋主義的と言えるほど、演奏者は３人共にオーストリア人であるだけでなくウィーンで研鑽を積んだソリストだ。
第１楽章の穏やかな開始ではバリリのヴァイオリンにコッホの牧歌的なホルンが影のように従っていく。
バリリは情緒的だがあっさりしていて音色の美しさを際立たせている。
ここでもブラ−ムスのセピア色の曲想が美しい。
シューマンとの合作のFAEソナタにも転用された終楽章では、コッホのウィンナー・ホルンがその堂々たる音色を披露している。
全曲共に１９５０年代初期のモノラル録音だが、保存状態も音質も極めて良好で今回のUHQCD化は評価できる。
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2020年02月29日
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ウェストミンスター名盤シリーズからのUHQCD化されたリニューアル盤で、ウラッハ及びカンパーのアンサンブルを収録した１枚。
確かに鮮明な音質と比較的明瞭な音像が得られていて、従来盤よりもこちらをお薦めしたい。
但しモーツァルトが1951年、ブラームスが1952年のどちらもモノラル録音で、ヒスノイズも少なからず入り込んでいる。
この時代の音源としては多くを望めないことも事実だ。
それにも増して価値があるのは彼らの演奏で、頑固なまでに受け継がれたウィーンの伝統的奏法と音色への嗜好が溢れんばかりに感じられる。
ヴィエンナ・スクールはモ−ツァルトの時代にまで遡ることができるが、更には歴史的に多くの著名な音楽家を輩出したウィ−ン近隣の東欧諸都市からの影響も見逃せないだろう。
その特徴のひとつは音楽の輝かしさや力強さとは対照的なみずみずしさやしなやかな表現力を養うものだ。
それぞれの緩徐楽章に現れる揺蕩うようなカンタービレには郷愁を誘うような哀歓を漂わせている。
またそうした表現を可能にするためには楽器の音色の開拓と、演奏する曲目のテンポ設定を工夫しなければならない。
その点でもウラッハ、ウィーン・コンツェルトハウスのメンバーの解釈と奏法は受け継がれた伝統の深みを伝えて余りある。
ウラッハのクラリネットは音量のダイナミズムを巧みに制御しながら、常に滑らかな表現になるように努めているし、カンパーのヴァイオリンも線は細いが洗練された歌心が秀逸だ。
例えばモーツァルトの第3楽章メヌエットのヴァリエーションは殆どレントラーのような鄙びた素朴さを感じさせて如何にもウィーン風だ。
またブラ−ムスの第3楽章アンダンティーノは、恐らく現代では誰も採用しないような徹底した穏やかなテンポの中に、永遠の安らぎが表されている。
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2019年12月10日
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スウィトナーはブラームスをロマン主義的作曲家の範疇でとらえているようで、近年ブラームスの交響曲はこうしたロマンティックなスタイルで演奏されて大きな成功を得られる傾向が強いが、スウィトナーの解釈は極めて自然で人工的なところがない。
第１番フィナーレの力強さはスウィトナー独特のもので、この演奏の骨組みががっちりしていることを主張しており、格調高く、堅牢な骨格をもった優れた演奏だ。
第２番も実に自然体のブラームスで、少しの衒いもなく旋律をのびのびと歌わせ、全体に穏やかな雰囲気が田園風といわれる楽想を自然に表わしている。
スウィトナーは極端な表情を避け、たとえば第２楽章では弦を柔軟に歌わせると同時に、木管やホルンの弱音をほとんど無視して穏当なバランスを作り出し、デュナーミクの広さより各楽器の音色を大切にしていることがうかがわれる。
第３楽章では輪郭の鮮明な響きを獲得しながら、そこにデリカシーを加えることに成功している。
ドイツ・オーストリア系以外の指揮者は、この作品の流れるような歌の性格を強調しすぎることが多いが、オーストリア人のスウィトナーは、曲の対位法的な特徴をよくつかみ、入りくんだ旋律を、美しく、しっかりと聴かせている。
第３番は終始、正攻法で一貫した堂々とした風格のブラームスで、スウィトナーは遅めのテンポから悠々たる足どりを見せ、スケールの大きい立派な響きを出し、深い呼吸をもって演奏している。
全体にテンポにゆとりがあり、シュターツカペレ・ベルリンの弦と管が見事に溶け合ったいぶし銀のような響きを聴かせる。
ここでスウィトナーは、これらドイツ的ともいえる音楽にウィーン風の柔軟性を加えており、旋律を流麗に歌わせて、ブラームスのもつ晦渋さを柔らげている。
中間の２つの楽章は自然な流れのなかに素直な情緒を漂わせ、両端楽章は充実感とともにきれいごとでないバランスによって、渋すぎないブラームス像を描き出していく。
特に第３楽章では、揺れるような歌がほのかなロマンをたたえ、心安らぐ美しさを表す。
スウィトナーはオーケストラを自分の楽器のように、力強くドライヴするタイプではなく、各奏者の自発性を尊びながら、音楽をまとめてゆく人である。
ここでは、そうした性格がよく生かされており、各楽章を丹念に、オーケストラのバランスを考えながら指揮し、雄壮でありながらも抒情的なこの曲の特徴をよくつかんだ、堅実な演奏だ。
スウィトナーによるブラームスの交響曲全集では、第４番が最も素晴らしく、スウィトナーの抒情性が作品とよく一致した、きわめて流麗で滔々と流れ、大らかに歌う秀演だ。
この曲の情緒的な面よりも、構成的な美しさをひき出した演奏で、対位法的な手法で書かれた旋律を、巧妙に処理している。
この曲のロマン的な性格も明らかにされているが造形的にも平衡感が強く、両端楽章ではこの指揮者の円熟を反映して堂々としたスケールの大きな音楽を聴かせる。
オーケストラの渋い味わいのある響きからしてブラームス的だが、各パートのバランスをくずさずに、自然に表現しているところがよい。
第１楽章では、多くの短い動機に分解できる第１主題も、スウィトナーの手にかかるとロマン的でヒューマンな情緒を色濃く表している。
第２楽章の漂うような流れのなかにさり気なく示される立体感も美しいが、この演奏では終楽章が最も素晴らしい。
決して構えたところはないが、風格に満ち、この作品の交響性と抒情性を見事に両立させた表現で、スウィトナーが巨匠的な風格を身に付けていたことを、まざまざと感じさせる演奏である。
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2019年10月02日
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予備知識を全く持たずに演奏（録音）を聴いて、驚かされる芸術家がある。
筆者にとって、ジョコンダ・デ・ヴィートはそのような芸術家の１人だった。
それは、彼女がエドウィン・フィッシャーと共演したブラームスの「ヴァイオリン・ソナタ第１番」と「第３番」の録音で、筆者の興味はフィッシャーのブラームスを聴くことにあり、ヴァイオリニストについてそれほど関心を持っていなかった。
あったとしても、イタリアのヴァイオリニストがブラームスを演奏するのは珍しい……ぐらいのものであったろう。
ところが、デ・ヴィートの演奏は、悲壮な先入観を打ち砕くほど素晴らしかった。
フィッシャーの自発性に溢れた闊達な演奏は、筆者の期待を充分に満たしてくれたが、デ・ヴィートはフィッシャーと世代も個性も異にしながら、豊かな自発性とブラームスの音楽に対する深い共感に基づく解釈で、フィッシャーと全く対等に演奏していた。
加えて、ブラームスの抒情性と落ち着いた情感を暖かい雰囲気の中で生かしブラームスの人間性を実感させてくれた。
デ・ヴィートがフィッシャーとブラームスのソナタを録音したのは１９５４年、彼女は４７歳であった。
デ・ヴィートは１９６１年に引退したから、彼女の演奏活動が頂点にあるときにこの２曲が録音されたことは、彼女にとっても、われわれにとっても幸福であった。
イタリアのヴァイオリニストであるデ・ヴィートは、イタリアのヴァイオリンとヴァイオリン音楽に強い愛情を持っていたが、官能的な音色の魅力や華麗な技巧に優先権を与えず、常に音楽が内蔵する真の精神を表現することを目標にしていた。
したがって、彼女がドイツやオーストリアの音楽を演奏する時にも、解釈の基礎にはイタリアのヴァイオリンとその音楽があった。
そこから彼女の演奏は、独特の輝きが生まれたのである。
それは、デ・ヴィートの人間性に基づくものであろう。
デ・ヴィートはスタンダードなヴァイオリニストのレパートリーを演奏したが、特にバッハ、メンデルスゾーン、ブラームスの音楽では、熟達したテクニックと詩的な想像力がほとんど理想的な状態で溶け合っていた。
演奏を支配していたのは明晰な様式感だが、それは内面的な精神と豊かな情熱に結びついていた。
また、彼女がイタリアの古典ヴァイオリン音楽を高く評価していたことが、彼女の演奏様式に晴れやかな魅力を加えた。
イタリアのヴァイオリニストで、ドイツ・オーストリア音楽をレパートリーに入れる人は多いが、彼らの演奏でまず印象づけられるのは美しい音であり、鮮やかなカンタービレである。
デ・ヴィートの演奏では、そのような感覚に訴える魅力よりも、豊かな自発性と熟成した解釈から生まれる内面的な精神、暖かい感情が聴き手を捉える。
彼女が演奏を通じて作曲家の人間性を感じさせることが、彼女を偉大なヴァイオリニストと呼ばせるのである。
デ・ヴィートの音の美しさ、響きの豊かさは、同時に優れた楽器の威力を示している。
彼女は１９５３年以前、１７６２年のガリアーノを弾いていたが、その後１６９０年のストラディヴァリ“トスカ”を使った。
それは、イタリア政府が聖チェチーリア音楽院のために購入した名器で、同校の終身教授であった彼女に貸与された。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年08月10日
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４２歳で早世した天性のピアニスト、ジュリアス・カッチェンが３０代後半に録音したブラームスのピアノ・ワーク集で、総てのピアノ曲を網羅した全集ではないが、６枚のＣＤからなるボックス・セットには幸い代表作の殆んどが収録されている。
例えばバッハからの編曲になる『左手の為のシャコンヌ』を含む５つの練習曲や、その他数曲に関しては省かれている。
いずれも１９６２年から６５年にかけての、カッチェン３０代後半の全盛期の録音で、彼の典型的な演奏スタイルが映し出されているだけでなく、短かった生涯を駆け抜けるように精力的に生きた彼の芸術に触れるには絶好の曲集だろう。
カッチェンの作品に対する真摯な態度とその奥に瑞々しい詩的な感興を行き渡らせた演奏によって、今日も尚、ブラームスのピアノ曲における１つの指針としての価値を持つ。
そして何よりも指摘しなければならないのは、どの音にもピアニストの音楽に対する感動が生き生きと投影されていることだ。
それは、ある時にはブラームスの若々しい叙情性を引き立てているし、また時には老作曲家のささやかな旋律にしっとりとした詩情を与えている。
今、技術的にはこの上をゆくピアニストはいくらでもいるだろうが、こんな演奏を聴かせてくれる人はそうざらにはいない。
この曲集のなかでもメインは３曲のソナタと５曲のヴァリエーションになるが、そのほかのバラードやラプソディーなどの小品でもカッチェンは嫌味のない真摯な演奏を聴かせてくれる。
基本的に彼の解釈は率直かつシンプルなもので、どんなに大曲であってもくどくならないし、非常に幅広いダイナミズムを駆使して、超絶技巧で猛進するような覇気と沈潜した静寂とが少しも不自然にならずに表現されている。
また注意深く控えめなペダリングで常に明晰な音を保っているのも特徴的だ。
特に３曲のピアノ・ソナタをこれだけ鮮烈に弾ききった演奏も珍しい。
最後のＣＤのハンガリー舞曲集では豪快で奔放な指さばきを披露して楽しませてくれる。
同舞曲の第１１番から第２１番まではフランスのピアニスト、ジャン・ピエール・マルティとの連弾になる。
当時のデッカの録音技術も概ね満足できるもので、ごく一部に音の歪みが聞かれる程度で全体的に時代の経過はそれほど感じさせない。
尚１枚目のアンダンテニ長調、インテルメッツォロ短調、そしてアンダンテ・コン・モートロ長調の３曲のみがモノラル録音になる。
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2019年07月26日
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チェコの若手指揮者ヤクブ・フルシャは2016年からバンベルク交響楽団の首席指揮者に就任して、定期コンサートだけでなく彼らとのレコーディング活動も着実に進めている。
2017年にフルシャの発案で立ち上げたチューダー・レーベルとの企画が、ブラームスとドヴォルザークの交響曲を１曲ずつ併録する２枚組のハイブリッドSACDシリーズで、第１集は両作曲家の最後の交響曲から開始された。
これは売れ筋を見込んだカップリングとも考えられるが、オーソドックスな解釈の中に彼ら独自の音楽性とテクニックを表現し得た素晴らしい仕上がりで、是非シリーズ全体を聴いてみたいという気になった。
彼らの本拠地カイルベルトザールで『新世界』を聴いた時思ったことだが、フルシャは即興性とは縁のない指揮をするし、指揮台の上でパフォーマンスするようなオーバーなジェスチャーも皆無だ。
総てがオーガナイズされていて、そこから逸脱することを許さないが、それでいて陳腐な演奏に陥らない閃きと作品の構造を丁寧に仕上げていく知性が感じられる。
第２集はブラームスの第３番及びドヴォルザークの第８番で、やはり作品番号を逆に辿っていく方法をとっている。
ドヴォルザークが2018年2月、ブラームスが同年5月のライヴ録音で音質は極めて良好。
客席からのノイズもなく、SACDのきめ細かい透明感のある音質が再生される。
フルシャはオーケストラからヴィブラートを除いてハーモニーを純正に保つ訓練をしていると思われる。
純正調の無類に力強く重厚な和音とその響きの美しさは、特にウィンド、ブラス・セクションに表れている。
ブラームス冒頭から第２楽章にちりばめられたアンサンブル、第３楽章で木管のユニゾンで繰り返されるテーマや、終楽章でのブラスが加わって静かに終わるコーダに至るまでが精緻でありながら説得力を持ったサウンドで構築され、音楽的迫力とは決して音量のダイナミズムだけではないことを証明している。
一方ドヴォルザークはフルシャのお国物だが、ここでも熱狂的なナショナリズムの噴出ではなく、あくまでもブラームスから多大な影響を受けたロマン派の作曲家の作品としての解釈がある。
スラヴ的なエレメントが剥き出しになるのではなく、何よりも交響曲の体裁がしっかり整えられ、作曲家のオーケストレーションへの創意が非常にすっきりと再現された演奏だが、終楽章のブラスの惜しみない咆哮も忘れてはいない。
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2019年07月17日
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ソニー・クラシカル・マスター初回限定生産廉価盤シリーズのひとつで、ルービンシュタインのブラームスが９枚のＣＤに収められている。
ただし２曲のピアノ協奏曲を含むソロ用の作品は最初の３枚のみで、残りの６枚は総て他の協演者とのアンサンブルになる。
ブラームスの大規模な管弦楽作品の数はそれほど多くないが、室内楽に関しては曲数もさることながら、その種類の豊富さと質の高さでも驚くほど充実している。
この内省的な作曲家が、それだけ精力を傾けて開拓した分野が室内楽だったとも言えるだろう。
ルービンシュタイン自身も全盛期の頃から積極的にアンサンブルに取り組んで、幸い多くの録音を残してくれた。
ここでは彼がリーダーシップをとった、しかし巧みな調和とバランスを保った秀演の数々を鑑賞できる。
いずれもステレオ録音だが、ピアノ協奏曲第１番はフリッツ・ライナー指揮、シカゴ交響楽団による１９５４年の収録で、一方第２番はヨゼフ・クリップス指揮、ＲＣＡビクターとの１９５８年の旧録音になる。
この頃、既に円熟期にあった巨匠のダイナミックで奔放とも言える演奏が聴きどころだ。
また晩年に採られたソロのための小品では、角のとれた淡々とした情緒の中にも、秘めた情熱が込み上げてくるような表現は彼の解釈のひとつの境地を感じさせずにはおかない。
尚ピアノ・ソナタは第３番ヘ短調のみを入れている。
このセットの後半は、シェリングとの３曲のヴァイオリン・ソナタ、ピアティゴルスキーとの２曲のチェロ・ソナタ、そしてシェリングにチェロのフルニエが加わった３曲のピアノ・トリオ、グァルネリ四重奏団のメンバーと組んだ３曲のピアノ・カルテット、更には同四重奏団のフル・メンバーによる作曲家唯一のピアノ・クインテットなど、室内楽の代表作が目白押しだ。
確かにルービンシュタインがクラリネットとのアンサンブルを残さなかったのは惜しまれるが、このボックス・セットは彼の充実した室内楽の記録として充分な価値を持っている。
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2019年07月01日
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学生時代、東京の神田にあった行きつけのレコード店の主人の助言で買ったモーツァルトのクラリネット五重奏曲のＣＤは、レオポルト・ウラッハとウィーン・コンツェルトハウス四重奏団のものだった。
いくらか大時代的な響きのする録音から聞こえてきた彼らのモーツァルトは、限りなくしっとりとしたレガート奏法による、天上の音楽のようだった。
後にアルフレート・プリンツとウィーン室内合奏団の演奏を聴き、あの時の記憶が蘇ってきて、彼がウラッハの高弟だったこともその時に知った。
プリンツのテクニックは師匠のそれよりモダンで精緻ではあるが、紛れも無くウラッハ流であり、脈々と受け継がれているウィーン奏者の伝統に深い感慨を覚えた。
彼の柔らかく、練り上げられた滑らかなクラリネットの音質は、決して押し付けがましいものでなく、モーツァルトのこの名作を飽くまでもウィーン風にこだわった演奏で満喫することができる。
２曲目のブラームスでもウィーン室内合奏団の演奏は、作曲者晩年の室内楽に漂う寂寥感やある種の諦観をないまぜにしながらも、あからさまに感情を吐露するのでなく、それをあくまでも洗練されたウィーン趣味に昇華させ、幽玄とも言える印象的な音楽作りで魅了する。
プリンツのクラリネットは弦楽と一体になって溶け合い、ある時は谷間から立ち昇る霧のように現れ、またある時は影のように消えていく。
ＵＨＱＣＤ化された同録音の音質の変化については、先ず音量のボリューム自体が大きくなっているが、これはリマスタリングによる結果かもしれない。
このシリーズは先ず音源のリマスター処理から行われるようだ。
ただ音量の違いだけでなく、それぞれの楽器の音質が一層クリアーになっているのもはっきり聴き取ることができる。
その結果、演奏者が一歩前に出たような臨場感が得られ、ここでは特にプリンツのクラリネットとヘッツェルのヴァイオリンの音色がこれまでになく艶やかに再現されている。
１曲目のモーツァルトでは第２楽章のヴァイオリン・ソロによって繰り返される下降音形を聴き比べると旧盤より明らかに音質が潤っている。
また第３楽章のメヌエットのトリオ部分と終楽章でのクラリネット・ソロは、芯のある立体的な音像がイメージできる。
２曲目のブラームスについては廉価盤で若干感じられた曖昧模糊とした雰囲気が払拭されて、より明瞭で繊細な音質に変わった。
特にヴァイオリン・パートの鮮明さは旧盤では聴くことのできなかったものだ。
全体的にみて今回のＵＨＱＣＤ化には肯定的な印象を持つことができたというのが正直な感想だ。
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2019年06月21日
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若いブラームスのロマン溢れる室内楽も胸が熱くなるが晩年のブラームスは格別である。
ベートーヴェンの影から完全に解き放たれ、吹っ切れた爽やかな境地で思うままに作曲している。
アルフレート・プリンツの控えめな表情でありながら流れるように良く歌う演奏は誠に素晴らしい。
プリンツはクラリネット独特の柔らかい魅力のある音色を生かしながら、この２曲をゆとりを持って演奏している。
曲想により音色が時に明るく、時に影を見せながら変化していくが、実に柔らかく絶妙の味わいである。
渋い表情が美しく、晩年のブラームスの淋しい心境を暗示するようだが、同時に激しさもあり、なかでも２曲の緩徐楽章が溺れることなくよく歌っていて見事だ。
変ホ長調の第３楽章も切々たる味わいがあり、変奏の進め方には知的なものが感じられる。
ブラームスの特徴である多声部の重厚な音楽造りはなく、一見簡素かつ軽妙でありながら深みがあり、２曲とも力みかえったところのない好感の持てる演奏だ。
そこで、このプリンツとカール・ライスターの３度目の録音を聴き比べてみた。
この２人のクラリネット奏者はそれぞれウィーン・フィルとベルリン・フィルの首席奏者を長い年月に亘って務め上げただけに、奇しくも彼らの演奏自体がこのふたつのオーケストラの性格を象徴しているのが興味深い。
ライスターの演奏は手堅い質実剛健なもので正確無比、一方プリンツのそれは繊細なニュアンスと開放感に満ち、どこまでも優雅さを崩さない。
ブラームス晩年の透徹した寂寥感の表出や厳格さではライスターが、また心情の機微に触れるようなメランコリックな表現や幽玄とも言える佇まいにおいてはプリンツが優っている。
音色について言えば、勿論両者の奏法の相違だけでなく、彼らの使っている楽器のメーカーが異なっていることは想像に難くないが、その点については筆者自身殆んど知識がないので言及できない。
ライスターの音色はやや暗く、くっきりとした輪郭を持っているのに対してプリンツのそれはより明るくてオープンだ。
ピアノ・パートはブルガリア出身のピアニスト、マリア・プリンツが受け持っているが、ソロを充分に歌わせるだけでなくブラームスの重厚でピアニスティックな書法も良く再現していて好演。
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2019年05月29日
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１９９２年に不慮の事故のために５２歳で急逝したウィーン・フィルのコンサートマスター、ゲアハルト・ヘッツェルの最初で最後のソロ・アルバム。
同フィルの来日公演でも要となって活躍し、わが国でも敬愛されたこのヴァイオリニストの今となっては貴重な形見だ。
しかし、ただ単にそうした意味ばかりではなく、演奏そのものがブラームスのヴァイオリン・ソナタの音楽の特質を余すところなく引き出した味わい深い名演だ。
長年アンサンブルで活躍していた人らしく、ヴァイオリンとピアノが主従関係にならず、あくまでもデュオとしての音楽が奏され、自然で抑制された室内楽本来の楽しみがここにはある。
演奏家の個性や主張を前面に出した表現ではなく、ブラームスの書いた音楽の流れに沿った、ごく自然体のアプローチと弦のしなやかな響きが身上だろう。
だから強烈な個性や濃厚な演奏を期待する人にはもの足りなく感じるかもしれない。
だが控えめでさりげない表現の中にも、どこからかウィーン・フィルの音が聞こえてくるような演奏で、そのあたりにウィーンで活動を続けたヘッツェルならではの音色と歌心の魅力がある。
純粋で瑞々しいロマン性が慎ましく形式の枠に収められているブラームスの音楽の在りようが、清らかな美音と様式感を大切にした節度ある歌い込みによって見事なまでに表出し尽くしているのである。
決して押し付けがましい趣味ではなく、あくまでも洗練された奥ゆかしい、彼自身の人柄から滲み出てくるような音楽で、過剰でない抒情と抑えた静かな情熱とが心を打つ。
ピアノはウィーン出身のヘルムート・ドイチュで、抑制の効いた品のある表情豊かな音楽作りと、潤いのある音色でソロを巧みに支えて秀逸。
ヘッツェルはオーケストラの一員としてのコンサート活動の他に、気の置けないウィーン仲間と組んだウィーン室内合奏団とのアンサンブルの録音を数多く遺している。
但し、純粋なソリストとしてＣＤ化されたセッションは、このブラームスとナクソスから出ているバルトークの２曲のヴァイオリン協奏曲くらいだ。
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2019年05月12日
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第１、４番が１９５８年、第２番が１９５４年、第３番が１９５６年に録音されたベイヌム畢生の名演。
ベイヌムは１９０１年アルンヘム（アーネム）に生まれ、１９５９年アムステルダムでブラームスの《交響曲第１番》をリハーサル中に亡くなったオランダの名指揮者である。
長らくオランダの名門コンセルトヘボウ管弦楽団の首席指揮者として活躍してきたが、ステレオ録音が本格化した矢先に、しかも指揮者としてはこれからが円熟期という５８歳の若さで急逝した本当に惜しまれる指揮者であった。
コンセルトヘボウ管弦楽団はメンゲルベルク一代で世界屈指の名門オーケストラに育て上げられたが、第２次大戦中のナチスとの関係によりメンゲルベルクは戦後、楽壇から追放されてしまった。
そこで名門オーケストラの再建という重い課題が４４歳のベイヌムの肩にのしかかってきたわけだが、彼はただ単にオーケストラを立て直しただけでなく、コンセルトヘボウ管弦楽団を近代的な機能美と柔軟で英雄的な表現力を併せ持つオーケストラへと脱皮させ、新たなる名演の時代を作り出した。
バッハ、ヘンデルからドビュッシー、シベリウス、バルトークさらにはストラヴィンスキー、ブリテンに至る幅広い作品で名演を聴かせたベイヌムだが、オーソドックスなブラームスの交響曲は最も定評が高かったもので、今なお輝きを失ってはいない。
作品を正面からとらえた恰幅豊かな演奏ながら、リズムの切れがよく、フレーズも実に明快に歌われており、鮮度高く、フォーカスもシャープで全く色褪せていない。
骨格がしっかりと据えられた骨のある演奏で、洒落っ気はないが、真の誠実さ、謙虚なる客観性に火がつくとどんなに凄いことが起きるかをまざまざと体験させてくれる。
ベイヌムは目立たない指揮者、とちらかと言えば職人肌の指揮者だったが、第１番終楽章に聴かせるバロック的壮麗さなど、他のどんな名指揮者も実現させ得なかった熱い興奮へと誘う気迫が充満、往時の名声のほどをしのばせる。
定評ある第１、４番はもとより、他の２曲も充実し、最晩年の録音となるが、この時期のベイヌムの演奏には死の淵を垣間見せるようになっており、音楽性の上でさらに奥行きを見せ始めたことを実感させる。
さらに特筆されるべきは１９５０年代のコンセルトヘボウ管弦楽団の優秀さであろう。
オーケストラが充実、安定感溢れる力強いサウンドの魅力に加えて演奏全体に漲る積極性と躍動感に魅せられる。
響き全体に風格があり、アンサンブルは格調高く、しかも折り目正しく、ソロには威厳があって、オーケストラそれ自体が一つの芸術品であることがよく分かってくる。
またオーケストラ・サウンドに豊かなブレンド感がありながら、各セクションそれぞれに独自の色と香りがあり、それらが混濁することなく見通しのよいアンサンブルを編み上げていくあたりも出色である。
もちろん世界最高の音響特性を誇るコンセルトヘボウでの収録だが、半世紀以上前の録音からもホールの優秀さが感じ取れるというのは、考えてみれば奇跡のような事件であり、なるほどホールも楽器だと再確認させられる。
名演奏家の数だけ名盤が存在するが、不幸にして聴き手が出会える数は限られているので、このセットは大切だ。
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2019年04月14日
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ジネット・ヌヴー(1919-49)の録音集は既にコンプリート・スタジオ録音4枚組がドキュメンツからリリースされているが、ヴェニアスによってライヴを含めた彼女の1938年から49年までの音源が、よりインテグラルな形で纏められた。
1935年のヴィエニャフスキ・コンクールで僅か15歳だったヌヴーが26歳のダヴィッド・オイストラフを抑えて優勝したエピソードは両者のキャリアが語られる時、必ずと言っていいほど引き合いに出されるが、実際にはこの２人の演奏スタイルはデュオニュソスとアポロンに喩えても良いほど異なっている。
少なくともこの時期のヌヴーは強い感性に導かれるままに演奏しているように思える。
それは天才だけが成し得る技には違いないのだけれど、一方でオイストラフはクラシックの将来の演奏様式を先取りするような個性の表出を避けた高踏的な解釈が特徴だ。
残念ながら彼女は円熟期を迎えることなく夭折したので、その後どのような演奏を開拓したかは知る由もない。
しかしここに示された作品にのめり込むような濃密な情念はヌヴー若き日ならではの奏法だ。
しかも彼女は、当時としても稀有な、音楽に対する烈しい情熱と深い洞察力、解釈を構成する夥しい精神と明晰な知性をそなえており、並外れた自発性と詩的感覚がそれを支えている。
このようなテンペラメントは確実な技巧と結びついて、スケールの大きい、力強い演奏を生み出した。
彼女がベートーヴェン、ブラームス、シベリウスの協奏曲で、戦前からの巨匠に伍して充実した演奏をしたのもそのためである。
中でもイッセルシュテット、北西ドイツ放送交響楽団のサポートによるブラームスは白眉で、何かに憑かれたような激しさが聴く者を圧倒する。
２年前のスタジオ録音も構成力と感情表現のバランスが見事であったが、それに比べてライヴ録音の緊張感が演奏にいっそうの輝きを与えていて、臨場感があり、高揚した精神が演奏の隅々まで行き渡っている。
その反面、第２楽章では旋律を優美に歌わせて優美な情感を引き出している。
それはあたかも短く燃え尽きる彼女の人生を予感しているようで感慨深い。
ドラティ、ハーグ・レジデンティ管弦楽団のサポートによるブラームスは、３種類ある彼女の録音の最後であるが、彼女の演奏がますます充実してゆくのがよくわかる。
ブラームスのロマンティシズムを健康な精神と結びつけた彼女の解釈は、この曲の理想的な演奏を生み出している。
ロスバウト、南西ドイツ放送交響楽団のサポートによるベートーヴェンでも、彼女の力強い個性は、雄渾な解釈で、この音楽にあらゆる面から迫っている。
第２楽章の優美な表情は、彼女の幅広い、そして深い感情移入を示している。
ジュスキント、フィルハーモニア管弦楽団のサポートによるシベリウスも素晴らしく、この曲のロマンティシズムを線の太い解釈で豊かに表現し、テクニックもしっかりとしており、現在もこの曲の代表的な演奏の１つである。
得意としたフランス近代音楽でも、彼女は決して感覚的な魅力を求めていない。
ここに収められたショーソン、ドビュッシー、ラヴェルの音楽は、豊かな感情を伴って聴き手に語りかける。
今日でも、３０歳でヌヴーほどの存在感を持ったヴァイオリニストは思い当たらないし、彼女は、他のヴァイオリニストが４０代、５０代で到達する精神的な深さを獲得していた。
それだけに、遺された録音を聴くことは大きな幸福であり、それは常に畏敬と驚きを喚び起こす。
彼女の芸術は、彼女の性別・年齢を超えて訴えかけるし、また、大曲、小曲にかかわらず、彼女の演奏は充実していて、�狄燭侶歃儔鉢瓩箸枠狃�に対して使われる言葉である。
ヌヴーはモーツァルトのように短い生涯を駆け抜けたが、あるいは彼女の生涯を見越して天がこのような充実感と完成度を与えたのであろうか。
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2019年04月12日
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カッチェンのピアノ、スークのヴァイオリン、シュタルケルのチェロという名手によるブラームスのピアノ・トリオは音楽的な美しさから言えば現在でも第一線に挙げられる演奏だ。
１９６７年から６８年にかけての録音であるにも拘らず、三者の楽器の音色を生々しく捉えた臨場感のある音質は、当時のデッカの技術水準の高さを証明している。
特に音色の美しさではこのトリオは群を抜いて素晴らしく、また彼らの高い音楽性は馥郁とした薫りを放っていて、聴き手に幸福感をもたらしてくれる。
初めてこれらの曲を聴く方にも躊躇なくお勧めできる。
この３人のコンビの演奏の特色は、ピアノ中心の情感豊かな演奏ということになるだろう。
カッチェンの並外れた演奏技術と音楽の大きさがそうさせるのだろうが、ピアノがやや勝ちすぎの感がなくもない。
ソロの演奏ではエネルギッシュで爽快な印象のあるカッチェンだが、それでもこうしたアンサンブルでは驚くほど抑制を効かせたピアノ・パートに徹している。
トリオ第１番の冒頭の溜息をつくようなピアノの導入に、静かに歌いだすシュタルケルの第一声と、それに重なるスークのヴァイオリンがなんとも素晴らしい。
また第３番のようなドラマティックな曲想の再現でも、彼らはよりリリカルな表現を基本にしているようだ。
ＣＤ２枚目の後半では、シュタルケルとのチェロ・ソナタ第２番が入っている。
カッチェンの早過ぎる死によってもう１曲のソナタが録音されずじまいになったのは残念だが、シュタルケルは１９７８年にジェルジ・シェベックと全２曲のソナタを再録音している。
最後に収められているヴァイオリンの為のスケルツォは、シューマン、ディートリヒとの共作によるヴァイオリン・ソナタの第３楽章をなすもの。
カッチェンがスークと１９６７年に録音したブラームスの３曲のヴァイオリン・ソナタと時を同じくして行われたセッションのものと思われるが、おそらく収録時間の関係でこちらに入っているのだろう。
カッチェンとシュタルケル、カッチェンとスークの二重奏は録音が古いためか、弦よりもピアノが前面に出てきて、カッチェン主役の傾向を一段と強めている。
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2019年03月03日
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ブラームスの交響曲第1番はブロムシュテットが我が国でも実演を何度と無く繰り返している十八番レパートリーだが、CDでは初登場のレパートリーとなる。
シュターツカペレ・ドレスデンのブラ1というのも、意外と少なくこれまでザンデルリンクだけではないだろうか。
演奏は誠実そのもののブロムシュテット流で、はったりこけおどし一切無しでここまで説得力がある名演はそうそうない。
氏も「いずれも現在の私の解釈とは全く異なるものの、ドレスデンとの美しい想い出の記録」とリリースを許可した。
冒頭からシュターツカペレ・ドレスデン特有の荘重なサウンドが響き渡る。
ブロムシュテットはオーケストラの持ち味を最大限に発揮させる指揮者だが、ここでも彼らの華美にならない音色が落ち着いたテンポ設定によって生かされている。
安直に言ってしまえば正統派以外の何ものでもないのだが、決して凡庸という意味ではなく、全曲に通じる構成力の確かさやダイナミズムの鮮やかな変化は、この作品に新しい生命を吹き込んでいるような生気を感じさせる。
第2楽章での硬質な抒情が歌われる中で、後半ペーター・ダムのホルンに支えられたコンサート・マスター、ペーター・ミリングのヴァイオリン・ソロも輝いているし、終楽章のコーダに向かって緊張を高める求心力も見事だ。
ブロムシュテットはこれまでに2種類のベートーヴェン交響曲全集を始めとして、シューベルト、ブルックナー、ニールセン及びシベリウスなどの交響曲全曲録音を果たしてきた。
しかしブラームスに関しては同じオーケストラでの全集はなく、第1番をシュターツカペレ・ドレスデン、第2番及び第4番はライプツィヒ・ゲヴァントハウスとの音源が存在するが、第3番が欠けている。
理由は分からないが、機会に恵まれなかったのだろう。
尚この音源は2009年にリリースされたディスクのリイシュー盤になる。
ライヴなので客席からの雑音が若干入っている。
録音状態はオン・マイクで採った良好なもので、それぞれの楽器のパートごとのアンサンブルも明瞭に聴き取れるが、全体的なバランスにやや偏りがある。
例えば中低音は豊かだがいまひとつ焦点がぼやけている。
またブラス・セクションに比較して弦楽の高音部が多少弱い。
これは当時使われた演奏会場、ドレスデンのクルトゥーア・パラストの弱点だろう。
1969年開場の1400名収容多目的ホールで大戦末期に空襲で大破したゼンパーオーパーが85年まで修復工事で閉鎖されていたので、クラシックのための音楽ホールとしても急場凌ぎに使われていた会場だ。
セッションであればルカ教会が理想的だが、録音データを見ると1991年6月7日のライヴなので、復帰したゼンパーオーパーはオペラ公演で塞がっていたのかも知れない。
現在このクルトゥーア・パラストも５年間かけて大改装され、2017年に大オルガンを装備した専用の音楽ホールとして再オープンしてドレスデン・フィルハーモニーの活動の本拠地にもなっている。
ブロムシュテット本人による英語、日本語、ドイツ語のライナーノーツも嬉しく興味深く読める。
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2019年02月10日
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オットー・クレンペラーはブラームスの最高の解釈者のひとりであった。
晩年の彼は、やや速めのテンポで音楽から揺るぎない構成を引き出し、強い精神力でそれに生命を与え、豊かな情感で充実させていく。
最初は意識させないのに、気がついた時には、聴き手は彼の解釈と一体になっている自分を発見する。
これは、クレンペラーがステレオの最初期、１９５５〜６２年にかけて録音したブラームスの集成で、４枚に全曲を収め、ロープライスに抑えたのが魅力だ。
クレンペラー独特の古雅な風格をもったブラームスで、何回ものセッションを費やして完成された交響曲全集は、壮大・峻厳な趣を持ち、重厚な響きで確信に貫かれた演奏が作られている。
一瞬のゆるみもない緊張と力に支えられた端正な演奏の中から、ブラームスの苦渋とロマンが湧き上がり、もはやこのような表現は、現今の指揮者には望むべくもない。
ところでブラームスにも若い時代があったのだろうが、白髭を生やした姿しか思い浮かばないし、彼の交響曲にもそんな老いの表情が打ち消せない。
しかしそこには厳父の孤高さと慈父の柔和さが滲み出ており、雄渾でありながら包容力に富むひびきが聴きとれる。
また思索をどこまでも深くめぐらせる賢人か哲人といった風貌をただよわせ、預言者的な風格すらおびている。
宇宙の奥義を究めたようなその教えは、いくぶん神秘的で晦渋かも知れないが、噛めば噛むほど味わいの増す知恵に満ちている。
クレンペラーの演奏は、些事に拘泥せず、ブラームスのそうした味わい深いひびきの世界を悠揚迫らぬスケールの大きさで描き出しており、その感動は震撼的ですらある。
『ドイツ・レクイエム』は悠揚迫らぬ骨格の太い、すこぶる腰のすわった重厚な表現で、伝統的なドイツの演奏スタイルをそのまま伝える名演である。
クレンペラーの包容力の豊かさが各章に感じられ、その重量感はまさしく巨造建築を仰ぎみているようだし、ブラームスへの畏敬の念に満ちている。
正統、かつ重厚で、その内面の深さは量り知れない、まさに１９６０年代を代表するブラームスの演奏様式というべきだろう。
現在のブラームス演奏からは隔たっているかもしれないが、頑固なまでに自己の信条に忠実だったクレンペラーの融通の利かない反時代性が、この１９６１年録音から、いま鮮明によみがえる。
彼の解釈が最高に発揮された名演で、堂々たる歩みの中に威厳と深い悲哀をたたえた演奏は、聴く人を感動させずにはおかない。
独唱者たちもクレンペラーの解釈を忠実に守り、その意図を体現した隙のない好演で、声の美しさと内面的な深さで光る。
シュヴァルツコップの歌唱は、肺腑を突き、フィッシャー=ディースカウも敬虔いっぱいのブラームスを聴かせてくれる。
『アルト・ラプソディ』は、クレンペラーがブラームスにふさわしい重厚な表現でじっくりとオーケストラをまとめているし、ルートヴィヒも体の深部からあふれ出るような苦汁に満ちた声で共感を込めて歌い上げている。
それだけに第１部では、ゲーテが冬のハルツの旅に伴った青年プレッシングの苦悩がひしひしと伝わってくるし、また厭世的な若者の心の救済を願う第２部にも深い祈りが込められている。
『ドイツ・レクイエム』『アルト・ラプソディ』ともに合唱団の歌い込みも充分である。
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2019年01月25日
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スメタナ四重奏団によるブラームスの録音は意外に少なく、ここに収められた２曲の弦楽六重奏曲のほかには弦楽四重奏曲第３番変ロ長調とクラリネット五重奏曲ロ短調があるだけで、しかもそれらの２曲はいずれも１９６０年代のもので、その後再録音の機会には恵まれなかったようだ。
一方こちらの六重奏曲のほうは１９８７年のディジタル録音になり、コチアン四重奏団のメンバーに第２ヴィオラとしてシュカンパ、第２チェロにコホウトが加わるという変則的なメンバーによる演奏だが、アンサンブルの完璧さでは他の追随を許さないものがある。
コチアン四重奏団は１９７２年にコホウトの指導の下に結成され、スメタナ四重奏団とは師弟関係にあり、室内楽の国チェコの良き伝統が、美しく受け継がれていく様子を綴った偉大な記録と言えよう。
多彩な音色の変化と、アンサンブルの緊密さに抜きん出た優れた演奏で、彼らが着実に成長していた印象を深める。
今回ブルー・スペックＣＤでこの名演がリニューアルされ、以前にも増して本来の弦の音色を再現できるようになったことは評価したい。
コチアンの４人にヴィオラとチェロを加えたこの六重奏は、流石にアンサンブルの妙味を見せて、しっくりとまとまって、厚みがあり、微妙な色合いの変化もある見事な室内楽と言って良い。
彼らが特に秀でているのは、６人が同等の立場でお互いのパートを細心の注意を払って聴き合い、絶妙な音楽の流れを創りだすところにある。
どちらも穏やかな中にも隠された情熱と緊張感を孕んだ楽想が支配的だが、それだけに低音を受け持つスメタナ四重奏団の２人には、ことさら曲想が重苦しくならないようにするための格別な配慮が感じられる。
そこには殆んど祈りにも似た静謐と安堵の世界が広がり、一種幽玄のたたずまいを呈しているといっても過言ではない。
こうしたところにもブラームスのアンサンブルの醍醐味があることを改めて納得させられる演奏だ。
特に第１番は音色ばかりではなく、様式感においても統一のとれた解釈に基づいており、旋律を歌わせるときのこまやかな情感はこの曲の抒情性に最適だ。
曲自体がシンフォニックに傾く第１番では耳に優しい室内楽として再現しているのに対し、第２番では味を濃くつけて熱っぽく弾いている。
ブラームスの手掛けた一番大きな編成の室内楽曲が、この２曲の弦楽六重奏曲で、第１番は２７歳の１８６０年に、第２番はその５年後に完成した。
この弦楽六重奏という形式は、弦楽四重奏にヴィオラとチェロをだぶらせたもので、音響的には中、低音域が厚すぎて扱いが難しいため、あまり取り上げられることのない形式であった。
ブラームスは、先輩ベートーヴェンでさえ手を染めなかったこの形式に挑戦して、輝かしい成果を収めたのである。
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2019年01月21日
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ブロムシュテットは同一のオーケストラとのブラームスの交響曲全集をまだ完成させていないし、第３番に関しては録音自体見当たらない。
第１番はシュターツカペレ・ドレスデンと、第２番及び第４番はゲヴァントハウスとの音源があるが、それらの中ではこのディスクに収録された第４番だけがセッション録音で、他の２曲はいずれもライヴになる。
データを見るとCD1が1996年に彼ら専用のコンサートホール、ゲヴァントハウスで収録され、CD2の方は1989年にサン・フランシスコのデイヴィス・シンフォニーホールでの録音だが、どちらも音質的には当時のデッカとしては意外にも凡庸の域を出ていない。
鮮明さと臨場感を期待して聴いたからかも知れないが、オフ・マイクぎみに採ったオーケストラはやや精彩を欠いている。
これはあくまでも録音状態から判断する評価で、前者はブロムシュテットがゲヴァントハウスの首席指揮者に就任した年のお披露目の演奏でもあり、彼らの力強く生き生きとした意欲を感じさせるだけに惜しまれる。
むしろ１枚目後半にカップリングされたパウル=ゲルハルト教会での３曲のコーラス作品の方が明瞭な音質が得られている。
サン・フランシスコのホールは当初から音響に問題があったようだが、これは改修以前の録音のためかサウンドにいまひとつ厚みがない。
ゲヴァントハウスのような古い伝統を引っ提げた楽団は、どんな曲目を演奏しても自ずとその貫禄を感じさせるが、このブラームスに関して言えば決して重苦しいものではなく、第１楽章冒頭はむしろフレッシュで苦悩から解放されている。
こうした演奏様式が開拓し尽くされたクラシックの名曲はあらゆる指揮者があらゆるオーケストラと挑戦するが、スコアに忠実であろうとすれば退屈になる恐れがあり、また過去の名演の向こうを張って個性を強調しようとするとブラームスの様式から乖離してしまう厄介なレパートリーでもある。
ブロムシュテットはブラームスの様式からは決して逸脱しないが、そこに可能な限り現代的センスとダイナミズムを持ち込んでロマン派の壮麗な音楽を聴かせる。
彼の解釈には閃きだけでなく周到な準備とオーケストラへの非凡な統率力が窺える。
２枚目のサン・フランシスコ交響楽団及び合唱団によるオーケストラ付コーラス作品は、意外にもブロムシュテット初のブラームスで、ゲヴァントハウスほどの重厚さやくっきりとした造形美にはやや欠けるが、几帳面で堅実な手法に加えて明るい響きと自由闊達な物語性の表現がドイツ的ロマンスを体験させてくれる。
『悲歌』は何という深い哀しみを湛えたブラームスだろう。
人間の根源にある悲しみと憧れを深々と歌い上げた演奏だ。
『運命の歌』ではブラームスの想念の凄さが、重い歩みのなかに切実感をもって聴く者に迫る。
『アルト・ラプソディー』でソロを歌うオランダ人の新進メゾ・ソプラノ、ジャード・ヴァン・ネスは、スケールは大きくないが手堅い歌唱で好感が持てる。
他の曲においても、ブラームスへの全身的共感がブロムシュテットのなかから噴き出ており、オケと合唱団がこれに全幅の信頼をもって反応している。
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2019年01月09日
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2016年にバンベルク交響楽団の首席指揮者に就任したチェコの俊英ヤクブ・フルシャがブラームスとドヴォルザークの交響曲集の制作に着手した。
その第１集が両作曲家の最後の交響曲を２枚のハイブリッドSACDに収録した当アルバムで、ディスクの音質の良さもさることながら彼らの一糸乱れぬアンサンブルとオーケストラの音響の見事さが傑出した演奏だ。
バンベルクはベルリン・フィルのようなスター・プレイヤーの華麗なサウンドで魅了する楽団ではないし、ここで感知されるようにむしろ首席奏者達の音色は地味な方だ。
しかしながらフルシャの創り出す混濁のない精緻なハーモニーの美しさはドイツの中堅オーケストラとしてはおそらくトップ・クラスだろう。
彼らが是非この新企画を完成させてくれることを期待したい。
SACD化によって高音の伸びが非常にきめ細かく再生される。
特にトライアングルの繊細で軽やかな響きが心地良い。
録音データを見て驚いたのは、ドヴォルザークは筆者自身が偶然予約していた一昨年秋のコンツェルトハレでの定期演奏会のライヴ録音で、当日聴いた演奏がテイクされていたことだ。
その時はフルシャのもうひとつのお国物、スメタナの『モルダウ』がプログラムに入っていた。
彼は若手であるにも拘らず覇気で通すタイプではなく、オーケストラに隅々まで計算された丁寧な指示を与え、しかも第１楽章第２主題で大胆なラレンタンドをかけるなど自由闊達なドヴォルザークを表現しているという印象で、それは彼らの緊密なコラボの賜物だろう。
一方ブラームスの方は同年５月の収録で、こちらはセッションのようだ。先ず冒頭の瑞々しくしなやかなサウンドに耳を奪われる。
端正でかなり几帳面だが冷徹さはなく柔軟な音楽性に特徴があり、ブラームスにしては辛気臭くない明るい演奏だ。
第２楽章で聴かせるカンタービレや第３楽章での歓喜、終楽章の堂々たるパッサカリアには絶妙な節度がある。
このあたりにもフルシャの知性的でモダンな解釈が窺われ、将来への期待が持たれる有望な指揮者であることが理解できる。
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2018年12月20日
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マウリツィオ・ポリーニ若き日のブラームスのピアノ協奏曲集で、第１番がカール・ベーム指揮ウィーン・フィルとの１９７９年の録音、第２番がクラウディオ・アバド指揮ウィーン・フィルとの１９７６年の録音になる。
国内盤では以上２曲のみの収録だったが、輸入盤には更にベーム指揮ウィーン・フィルの演奏でハイドンの主題による変奏曲と悲劇的序曲が収録されている。
ポリーニが協奏曲を集中的に録音していた時期の演奏であり、第１番で当時３７歳の彼は老練なベームの指揮を得て、のびのびとしたソロを聴かせる。
透徹したタッチで弾き進めるポリーニは、冴えたテクニックを披露しながら、ブラームスのシンフォニックな協奏曲に対して明晰なアプローチを示す。
ニュアンスの与え方が細部まで丁寧であり、作品の持つロマンティックな叙情美を見事に浮かび上がらせたその演奏は、現在においても新鮮な魅力を放つ。
一方、ベームの端正にして気品を保った指揮は、オーケストラから情感豊かな表現を引き出すと共に、温かな眼差しをもって、ポリーニのピアノを着実に支えている。
ベームの指揮から生まれるウィーン・フィルの音色には練り上げられた滑らかさと落ち着いた光沢があって、それがこのピアノ協奏曲第１番の冒頭のような激しく高揚する緊張感を表現する時でも決して損なわれることなく、常に鷹揚で気品のある風格を保っている。
彼の指揮にはブラームスの音楽の内部から溢れ出す激情をことさら誇張せずに楽想自体から自然に生み出されるエネルギーをそのまま引き出している必然性が感じられる。
また常に自然体でありながら感情の機微を伝える術を知っていた数少ない指揮者の一人だった。
一方第２番はアバドの指揮に替わるが、彼はポリーニのとても相性の良いパートナーであり、第１番とは対照的にこの曲の持っている叙情性を最大限生かしたリリシズムに満ちた解釈が聴き所だ。
オーケストラのカンティレーナの美しさやナチュラルでしなやかな感情の起伏など、哲学的な深刻さよりもむしろ平明かつ流麗でしかも張りのあるダイナミックで視覚的な表現の選択はイタリア人指揮者ならではのものだ。
この頃のポリーニには、現在の彼にはもはや求めることのできない恐ろしく強靭な集中力と人間離れしたテクニックの冴えがあった。
そうした条件が見事に一体化したこの演奏は、瑞々しい歌と白熱した緊迫感に溢れる名演になっており、特に第１、第２楽章の輝かしい表現は、未だに新鮮で圧倒的なアピールを保ち続けている。
ポリーニの能力の並外れた点は曲全体を客観的に俯瞰することによってその構造を確実に把握し、聴く側に一切の曖昧さを排した一点の曇りも無い明瞭なイメージを伝えるところにある。
その為には細部の表情付けに拘泥することは避け、一種の冷徹さを持って演奏を推進していく。
良く言われる輝かしく彫りの深い表現というのは決して彼の明晰で精緻な打鍵のみを指しているのではなく、この奏法をあくまでも表現手段として用いた頭脳的な曲作りに彼の本領が発揮されている筈だ。
ポリーニの音楽には陰影に包まれた憂愁の美といったものは期待できないが、彼が伝統的なドイツのピアノ音楽を完全に手中に収めているのはこうした理由からだろう。
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2018年09月08日
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ワーナーでは昨年フルトヴェングラーのベートーヴェン交響曲全集のバジェット・ボックスをリリースして、それまで決してリーズナブルとは言えなかったEMI音源の個別売りやセット物がひとつに纏められた。
これはその第２集に当たり、ブラームスの４曲の交響曲及び３曲の協奏曲の他にハイドンの主題による変奏曲、ハンガリー舞曲集と『ドイツ・レクイエム』を６枚のCDに収録している。
ブラームスの音楽は、古典的な特質に重点を置くか、それともロマン的な特質を重視するかで表現がかなり違ったものとなるが、基本的な解釈を充分抑えた上で自在な感興に任せつつ、うねるように感情豊かな音楽を繰り出していくフルトヴェングラーの自在な棒は、ブラームスのロマン的な面に重心を置いたものと言えよう。
聴きどころはSACD用DSDリマスタリングによってどれだけ音質が改善されたかで、廉価盤ということもあってそれほど期待していなかったが、概ね良好なサウンドが再生される。
当然晩年のウィーン・フィルとの共演の方が音質が良く、当時のコンサート・マスター、ボスコフスキーやブラベッツのソロを始め往年の名首席達、レズニチェック、カメシュ、ウラッハなどのアンサンブルに間接的に触れることができるのも幸いだ。
交響曲はフルトヴェングラーの戦後のライヴを集めた全集で、第１番のみウィーン・フィル、あとの３曲は手兵ベルリン・フィル。
第１番のスケール感と劇的起伏に満ちた迫力、第２番での自由な精神の飛翔、第３番における取り憑かれたような感情の激動、第４番の内と外への雄渾な広がり、と音楽の深部にまでのめり込んでの鬼気迫る名演である。
戦中のライヴになるエドヴィン・フィッシャーとのピアノ協奏曲第２番は思ったよりまともな音が保たれている。
ルツェルンとの音源は、メニューインを迎えたヴァイオリン協奏曲が２人のカリスマ性が火花を散らす魅力的な演奏だが、第１楽章の長いカデンツァは今となってはややくどい印象を否めない。
一方保存状態が好ましくないストックホルム・フィルとの『ドイツ・レクイエム』に関しては、お世辞にも良好とは言えないが、これらは別物のマスターでも発見されない限り、これ以上の音質改善は望めないだろう。
むしろ現在となっては、片っ端からSACDや高音質CDに焼き直して価格を吊り上げるより、先ずレギュラー・フォーマットのCDで気軽にフルトヴェングラーの名演に触れることの方が先決だと思う。
勿論フルトヴェングラーのファンであれば立派なコレクションとしての価値を持ったセットだ。
尚それぞれのCDにオリジナル・カバー・デザインが使用され、ライナー・ノーツにはフランスのクラシック・ジャーナリスト、ユーグ・ムソーによる新規の欧文エッセイが掲載されているが、録音データに関してはウォリット裏面にしか印刷されていない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2018年03月08日
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リヒテルのザ・マスター・シリーズの７巻目で、フィリップスとデッカのそれぞれの音源から集められたブラームスとシューマンの作品集になる。
例によってこのシリーズのライナー・ノーツには録音データらしきものはなく、謎に包まれたライヴ集なので参考までに個人的に調べた録音年月日と場所を記しておく。
その長いキャリアをセッションという形ではなく、むしろライヴに賭けた巨匠の至芸を堪能できるシリーズのひとつとしてお勧めしたい。
音質は押し並べて良く、演奏終了後の拍手は入っているがライヴに付き物の聴衆の雑音が非常に少ないのも好感が持てる。
ブラームスの２曲のソナタはいずれも１９８６年５月２７日にイタリア、マントヴァで開かれたリサイタルで、この２枚のＣＤでは唯一デッカが持っているマスターだ。
重厚な押し出しとペダルの使用を控えた彫琢するような明瞭な造形美には円熟期のリヒテルならではの味わいがある。
『パガニーニのテーマによるヴァリエーション』は第１部、第２部共に１９８８年６月１９日にフランスのメスレーで収録されたものらしい。
超絶技巧で名高い曲でライヴ録音も珍しいが、彼は全く躊躇のない恐ろしいほどの集中力で弾き切っている。
一方『バラードト短調』、『カプリッチョハ長調』、『間奏曲ホ短調』及び『ラプソディー変ホ長調』の総ては１９６６年９月８日にスイス、ロカルノのサン・フランチェスコ教会でのライヴで、この曲集では最も古い音源だが、いくらか武骨な力強さがブラームスの素朴な音楽性を良く示しているように思う。
最後のシューマンの『幻想曲ハ長調』は、１９７９年１２月１７日にドイツ、レヴァークーゼンで行われたコンサートから採られたものだ。
シューマン特有の内省的な思索がリヒテルの得意とする奏法でもあることが理解できる、あらゆる意味でバランスに長けた演奏だ。
尚このセットでは以前フィリップスのザ・オーソライズド・レコーディングスに組み込まれていたシューマンの『マーチト短調』、『ノヴェレッテヘ長調』、『４つの夜曲』、『花の曲』そして『パガニーニのカプリースによる演奏会用練習曲』が何故か選択から漏れている。
既に両シリーズ共に製造中止の憂き目に遭っているので残念だ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2018年02月10日
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オーストラリア・エロクエンスからの２枚組廉価盤で、ラファエル・クーベリック指揮、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団によるブラームスの交響曲全４曲を収録している。
ライナー・ノーツの録音データを見ると第１番から第３番までが1957年、第４番が1956年で、いずれもウィーンのゾフィエンザールでのステレオ・セッション録音になり、本家デッカからはCDとして初リリースのようだ。
ただし日本ではタワーレコードからヴィンテージ・コレクションでクーベリック生誕100周年記念盤として2014年に既に復刻されている。
ある程度プライス・ダウンされているところがセールス・ポイントだろうか。
早くからステレオ録音に取り組んだデッカだけあって、音質は鮮明で分離状態も良いが全体的なサウンドがややデッドで、もう少し豊かな中低音と柔らかさが欲しいところだが、これはリマスタリングの結果というより音源の持つ弱点と思われる。
クーベリックは1983年にバイエルン放送交響楽団ともブラームスの交響曲全曲を再録音しているが、先ず決定的に違うのが演奏時間で、第３番以外では第１楽章の提示部の繰り返しを省略していることもあるが、テンポの取り方もこちらの方がかなり速めになっている。
２枚のCDに収まっているのもこのためだ。
しかしクーベリック４０代前半の強い推進力が感じられても、決して尖った演奏にならないのはオーケストラの奏法に負うところが大きい。
ここでは１９５０年代後半のウィーン・フィルのこぼれる魅惑に満ち溢れており、彼はオケの自主性を重んじた柔和な音楽作りを見せる。
この頃のウィーン・フィルはコンサート・マスターがボスコフスキー、首席奏者にはフルートのハンス・レズニチェク、オーボエのハンス・カメシュ、ホルンはフォン・フライベルクという頑固なまでにウィーン流派を受け継ぐメンバーが揃っていて、クラリネットのウラッハは少し前に引退していたが、替わって彼の高弟プリンツが首席に着いていた。
若手指揮者の言うことを聞かないことで有名なウィーン・フィルでは、クーベリックも彼らに一目を置かなければならなかっただろう。
第３番第３楽章を始めとする様々な楽器によるソロの部分での彼らの培ってきた伝統的な音色と奏法による巧みなアンサンブルを聴くことができる。
白眉は快速で駆け抜ける第４番の第１楽章で、いち早く過ぎ去ってゆく情景にウィーン・フィルの面々が歌という刻印を残してゆく様は圧巻だ。
尚第１番第２楽章のヴァイオリン・ソロはボスコフスキーと思われる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年12月18日
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この4枚に収録されたデ・サーバタの演奏は、例えばブラームスの交響曲第4番第2楽章における深みのあるリリカルなカンタービレや、ベートーヴェンの『英雄』第2楽章の壮麗なしめやかさに表れている。
彼が引退後最後に公衆の前に現れたのは1957年1月のトスカニーニの葬儀の日で、当日この葬送行進曲が彼の指揮で演奏されたが、CD4でそれに先立つ1946年の同曲を鑑賞できる。
全曲を51分かけた演奏で第2楽章の17分間は最も長いが緻密な音楽設計によって弛緩のない緊張感が貫かれている。
またシベリウスでの沈潜した神秘性と熱狂、コダーイの野太さと狂乱する民族舞踏の敏捷性にも真似のできない彼独自の哲学と手法が示されていて、ベルリン・フィルも彼らの機動力をフルに稼動させて呼応しているのが聴きどころだ。
最後の『ワルキューレの騎行』の閃光が飛び交うような鮮烈なサウンドはステレオ音源で聴くことをイメージすると、その神々しさがのっぴきならないものに思われる。
モーツァルトの『レクイエム』に関してはソリスト4人が個性的なオペラ歌手であったために、過去にはこの演奏が準イタリア・オペラのように評価されたことがあった。
しかし実際にはデ・サーバタによって良く統制され、歌手達も抑制した歌唱とアンサンブルで、確かにイタリア的なモーツァルトだが決して様式から逸脱した音楽ではない。
戦中戦後のイタリアを代表する指揮者ヴィクトル・デ・サーバタ(1892-1967)は、トスカニーニ、セラフィンに続く歴代ミラノ・スカラ座の音楽監督の一人で、戦後はマリア・カラスに代表される大歌手達と共にスカラ座黄金時代を築いた巨匠であった。
残念ながら全盛期に心臓発作で引退を余儀なくされたために遺された音源は少なく、また総てが古いモノラル音源である。
録音条件とその音質の稚拙さを受け入れるならば、彼の極めて精緻でありながら振幅の広いダイナミズムとイタリア人らしいパッショネイトな指揮による、スケールの大きな表現は時代を感じさせないだけの高い音楽性の裏付けが感じられるし、それは後輩のカンテッリやジュリーニにも一脈通じるオリジナリティーと言えるだろう。
彼のオペラ及び宗教曲での名演はなんと言ってもカラス、ディ・ステファノ、ゴッビを迎えたプッチーニの『トスカ』と、シュヴァルツコップ、ドミンゲス、ディ・ステファノ、シエピとのヴェルディのレクイエムだがEMI音源なのでここには収録されていない。
このセットで唯一の声楽曲はチェトラ音源でイタリアのオペラ歌手を起用したモーツァルトのレクイエムになり、その他はオーケストラル・ワークで占められている。
勿論当時からスカラ座の音楽監督はイタリア・オペラに精通しているだけでなく、ベートーヴェンを始めとするゲルマン系の管弦楽曲にも最大限の敬意を払って積極的にレパートリーに取り入れていたので、決して彼らにとっても稀な演目ではなかった。
ライナー・ノーツによればデ・サーバタの両親は第1次世界大戦後イタリアに編入された旧オーストリア領出身で、それは彼のレパートリーにも大きく反映され、スカラ座管弦楽団を率いたベートーヴェン交響曲全曲チクルスも行っていたようだ。
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2017年12月01日
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アンドレ・ナヴァラは1951年にプラハの春音楽祭で華やかなデビューを飾った後、60年代までプラハにおいて当時を代表するチェコの音楽家やチェコ・フィルなど当地のオーケストラ、アンサンブルと多くの協演をしている。
このセットに収められた５枚はナヴァラがプラハ・スプラフォンに遺した全音源で、西側の大手レコード・メーカーとの契約に恵まれなかった彼には同時代のチェリストに比較して正規録音がそれほど多くないが、実力派の彼の力量が充分に発揮された演奏集としてオールド・ファンのみならずチェロを愛する方には聴き逃せないセットだ。
仏フォンダメンタから昨年リリースされたナヴァラ協会のオフィシャル・エディションの６枚組とはカレル・アンチェル及びヨゼフ・スークと協演したCD2枚分の曲目がだぶっているが、このセットではナヴァラの室内楽への情熱とアンサンブルの腕前を堪能できるのが特徴である。
CD3の後半からCD5までがバロックから20世紀に至る作曲家のヴァイオリンとのデュエット、チェロ・ソナタやチェロのための小品に当てられている。
ヴァイオリンとのデュエット集で協演しているのがヨゼフ・スークで、CD4にコダーイ、オネゲル及びマルティヌーによる４曲が纏められているが、これらは数年前に同スプラフォンからリリースされたスーク早期レコーディング集にも収録されていた名演になる。
いずれの作品も録音が少なく、またコンサートでも滅多に採り上げられないが、オーケストラを髣髴とさせるような豊かなダイナミズムだけでなく音楽的にも特有の深みを持っている。
ソナタ集ではチェコのピアニスト、ホレチェクの伴奏でのブラームス、プロコフィエフ、ベートーヴェンが素朴ながらストレートで豪快な奏法で如何にもナヴァラらしい。
またやや音質は劣るがケー=デルヴロワ、ボッケリーニ及びラヴェルはナヴァラの数少ない室内楽録音のサンプルで、ピアノはパネンカやハーラの師でもあったフランティシェク・マクシアーンの貴重なサポートで聴くことができる。
カレル・アンチェル、チェコ・フィルとのブラームスの二重協奏曲には彼らの典型的な演奏スタイルが表れている。
スーク、ナヴァラのしなやかだが鋼のようなデュエットにアンチェルの気迫のこもったスケールの大きな演奏が聴きどころで幸い良好なステレオ録音で遺されている。
アンチェルはソヴィエトのプラハへの軍事介入に抵抗して68年にカナダに亡命し、チェコ・フィルの音楽監督も辞任してしまうので、その意味でも貴重な録音に違いない。
アンチェルとはシューマン、ブロッホ、レスピーギ及びプロコフィエフでもパッショネイトな演奏を繰り広げているが、特にブロッホの『シェロモ』では多彩なオーケストレーションがアンチェルによって絶妙に引き出されている。
総てオリジナル音源からのリマスタリングで、仏フォンダメンタに比較して音量ボリュームはやや低いが音質は柔らかく繊細に仕上げられている。
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2017年06月18日
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独ヘンスラーのプロフィール・レーベルからリリースされているカルロ・マリア・ジュリーニがドイツのオーケストラに客演したラジオ放送用ライヴ録音シリーズのひとつ。
１９７９年１月２６日に収録された質の良いステレオ音源は、大手メーカーのセッション録音に引けを取らない音質が再現されているし、また鑑賞の時に煩わしい聴衆からの雑音は一切混入していないのも幸いだ。
プロフィール・レーベルのリマスタリングには定評があり、それはこれまでにリリースされたジュリーニがドイツの放送局に遺した幾つかの音源でも証明されている。
この録音でも音場が広く分離状態も良くオーケストラのそれぞれの楽器配置も明瞭で、確かにやっつけ仕事ではない良心的で丁寧な仕上がりが感知される。
唯一の弱点を挙げるとすれば収録曲がブラームスの交響曲第１番ハ短調の１曲のみというところだろう。
ジュリーニは若い頃オペラからオーケストラル・ワークに至るかなりのレパートリーを持っていたが、年と共にそれらを厳しく収斂していった指揮者なので、こうした音源の発掘は歓迎したい。
ブラームスはジュリーニが得意としていた作曲家の１人で、交響曲第１番に関しては、フィルハーモニア管弦楽団（１９６１年）、ロスアンジェルス・フィル（１９８１年）、ウィーン・フィル（１９９１年）とそれぞれスタジオ録音している。
ここでのジュリー二の指揮は難解に感じられる部分が全くない明快なもので、冒頭からメリハリを利かせた起伏のあるダイナミズムの中にブラームスの演奏には異例なほどの鮮やかな色彩感を反映させている。
テンポの采配もかなり自由で、第２楽章後半のヴァイオリン・ソロとホルンのユニゾンではカンタービレを充分に奏でる流麗な抒情が美しいし、終楽章のテーマもテンポを抑えて悠々とした歌心を披露している。
ジュリーニは音楽を理詰めで聴かせるタイプの指揮者ではなく、あくまでも作曲家のオーケストレーションの妙を引き出し、それを最大限活かしながら表現する、言ってみれば感性が主導する解釈が支配的だが、その一方で音楽の起承転結を疎かにせず作品を弛緩させることのない巧妙なバランス感覚が彼の美学でもある筈だ。
その結果オーケストラの重厚さやほの暗さによって表されるブラームスの諦観よりも、むしろ平明だがより開放的なサウンドが特徴だろう。
ジュリーニはまた、ブラームスの作品独自の重厚な音構造、和声感覚、ディテールの入念な動きをことごとく表出しながら、伴奏音型、対旋律、普通なら目立たない楽句も手にとるように表現している。
それもバイエルン放送交響楽団がジュリーニの手足の如く自在に力量を発揮し、緻密な演奏をする姿勢がなければ不可能だが、事実、オケは極めて質の高い水準を示している。
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2017年03月18日
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リヒテルが初めてアメリカを訪れた際の歴史的録音で、このＣＤの音源はリヒテル・アメリカ・デビュー盤のひとつとしてＬＰ時代から評価の高いものだった。
この録音が行われた１９６０年はいわゆる冷戦下、アメリカから見れば“鉄のカーテン”で隔てられていた“東側”の演奏家が初めてアメリカに来演した年にあたる。
とりわけリヒテルの２ヵ月にわたるツアーはセンセーションを巻き起こし、ＲＣＡによるレコーディングも並行して行われた。
その初録音がここに収められたブラームスで、同年１１月に収録された『熱情』ともども、リヒテル絶頂期の凄みが生々しく伝わってくる。
リヒテルは超人的技巧を駆使しながらもスケールの大きい、厳しい感情表現を示しており、特に両端楽章が立派だ。
ラインスドルフの指揮は極めて熱っぽく、オーケストラの華やかさも加えて、リヒテルとがっぷり四つに組んでいる。
過去にはラインスドルフ＆シカゴ響とリヒテルの爆演のように言われたこともあるが、良く聴いてみるとシカゴ響はラインスドルフによって非常に良くコントロールされていて、力強いが野放図な音を出しているわけではなく、リヒテルも決して力に任せて対決するような姿勢ではない。
それぞれが個性を完全に燃焼させながらもぴったりと呼吸を合わせて、コンチェルトを聴く醍醐味を満喫させてくれるのだ。
そこには極めてスケールの大きい音楽的な構想を持ったピアニズムが展開されていて、両者の張り詰めた緊張感の中に溢れるほどのリリシズムを湛えた演奏が感動的だ。
またリヒテル壮年期の水も漏らさぬテクニックの冴えもさることながら、第３楽章を頂点として随所に現れる抒情の美しさは如何にも彼らしい。
一方ここにカップリングされたベートーヴェンのピアノ・ソナタ『熱情』は同年にニューヨークのカーネギー・ホールで録音されたもので、当初はもう１曲の『葬送』と共にリリースされた。
この２曲のソナタは２００４年にＸＲＣＤ化もされているが、リヒテルの凄まじい集中力と緊張感の持続が恐ろしいほど伝わってくる。
リヒテルは深々とした呼吸で熱っぽく弾きあげた、ダイナミックな根太い演奏で、全篇に溢れる強烈なファンタジーが魅力だ。
この曲の力強さと抒情性を、巧みに弾きわけていて見事で、全体に、極めてエネルギッシュな表現である。
彼自身はこの演奏を嫌って失敗作のように言っていたが、音楽的な造形からも、またその表現力の幅広さと強烈なダイナミズムからもベートーヴェンに相応しい曲作りで、本人であればともかくあらを探すような次元の演奏では決してない。
１９６０年にリヒテルはアメリカにおいて一連のセッション及びライヴから当地でのファースト・レコーディングを行っているが、このＣＤに収められている２曲もその時の音源で、リヴィング・ステレオの良質なオリジナル・マスターが今回のＤＳＤリマスタリングによって更に洗練された音質で甦っている。
ソニー・クラシカル・オリジナルスは、古い音源を最新のテクニックでリマスターして、従来のＣＤとは異なった音響体験を提案している興味深いシリーズだが、何故か音源によってリマスタリングの方法が異なっている。
このＣＤではＳＡＣＤ用のＤＳＤ方式が採用されているが、同シリーズの総てのＣＤと同様レギュラー・フォーマット仕様でミッド・プライスで提供しているのがメリットだろう。
音質は鮮明で協奏曲ではシカゴ・オーケストラ・ホールの音響空間も自然に再現されているし、ソロ・ピアノも潤いのある艶やかな音色が特徴で、オーケストラとのバランスも理想的だ。
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2017年02月05日
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円熟の極みにあったベームの指揮と、ウィーン・フィルの伝統のある響きと卓越した表現力が一体化した名盤。
男性的ともいえる雄渾な楽想とともに、限りない憧憬を秘めた第３楽章が映画音楽に使われた交響曲第３番と、哀愁感や情感を存分に湛え内省的で諦観に満ちた、作曲家晩年の枯淡の境地を示す交響曲第４番を収録。
ベームのブラームスと言えば、「第１」にはベルリン・フィルとの旧盤（１９５９年スタジオ録音）、ウィーン・フィルとの来日公演のライヴ録音（１９７５年）があり、「第２」にもベルリン・フィルとの旧盤（１９５６年スタジオ録音）、ウィーン・フィルとの来日公演のライヴ（１９７７年）が存在する。
しかし「第３」と「第４」にはそのような競合盤が存在せず、本盤がそれぞれのベームの代表盤と言うことができる。
遅いテンポで悠然と進むなかにも緊張感がみなぎっていて、ベームの録音のなかでも高い評価を得ているもののひとつ。
ブラームスとベームの相性は抜群だと思う。
ブラームスの渋い芸風が、これまたベームの華やかさと無縁の芸風と見事に符合し、ブラームス演奏のひとつの規範とも言えるオーソドックスな演奏に仕上がっている。
近年のブラームスの交響曲で、最も規範とされているに違いない充実の名演と言えるところであり、月並みな言い方だが、まさに両曲とも最高の意味でのオーソドックスという言葉が相応しい。
十分に力強くありながら、同時に柔軟でもあり、情に流されることがなく、構造美への志向が高い。
それは、ただ見事というだけでなく、ここに暖かな人間の血が通っているのであり、晩年のベームと伝統のウィーン・フィルの美質がしっかり刻まれていて、全体としてブラームスの交響曲の魅力を大いに味わわせてくれる。
ベームには、この曲をこのように料理してやろうと言う恣意的な解釈は皆無であり、こうしたベームの自然体のアプローチが、ブラームスの芸術の真の魅力を存分に満喫させてくれるのである。
特に「第４」は、この曲の真髄を突いた最高級の表現であり、そのようなベームとブラームスの相性の良さを感じさせる名演だと思う。
こうした構造の精緻な音楽はベームも最も得意とするところだが、録音当時８０歳、寂寥感とか哀愁を感じさせるところが少なくない。
中庸のテンポで、決して奇を衒うことなくオーソドックスな演奏をしているが、平板さや冗長さは皆無であり、ブラームスの音楽の素晴らしさ、美しさ、更には、晩年のブラームスならではの人生のわびしさ、諦観などがダイレクトに伝わってくる。
ベームは、その自伝に著しているように、造型を大切にする指揮者であるが、凝縮度は壮年期に比して衰えは見られるものの、全体の造型にはいささかの揺るぎもみられない。
一方、「第３」は、まとめるのがなかなか難しい曲だけに、「第４」ほどの名演ではないと思うが、全篇ゆったりと恰幅の良いテンポに、中身がぎっしり詰まっている。
第２楽章の濃厚な歌はまるで夢うつつの天国的気分、第３楽章には枯れた味わいなど、いかにも晩年のベームならではの至芸を味わうことができるが、それでいて、両端楽章の地を抉るような深いリズムなど一瞬たりとも集中の途切れることがない。
それにしても、この頃（１９７０年半ば）のウィーン・フィルは音の厚みとともに合奏が途轍もなく強力だ。
１９５０年代後半から１９６０年代初頭にかけての絶頂期以来、もうひとつの頂点にあったのではないだろうか。
セッションだけあって盛り上がりはいまひとつとも言えるかもしれないし、ライヴなら全体として、もっと燃え立った表現になっていると思われるが、それを補って余りある緻密で味の濃い演奏は、ＬＰ時代から未だに離れられないでいる。
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2017年01月04日
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シュタルケルのブラームス・チェロ・ソナタ集は１９７９年のエラート音源で、ピアニストはジェルジ・シェベックだが、これは彼らにとって第２回目のセッション録音となり同メンバーによる１９６４年のマーキュリー音源とは別物になる。
メンデルスゾーンのチェロ・ソナタをカップリングしてあるマーキュリー盤は現在単独でもセット物でも選択肢が多いが、当ＣＤは３回目のベートーヴェン・チェロ・ソナタ全集と同様アペックスからのリイシュー廉価盤で、現在ワーナーのイコン・シリーズの１０枚組かこのアペックス盤のみで入手可能だ。
第１回目の録音から更に１５年を経たシュタルケルの解釈は大きな変化を遂げたわけではないし、テンポも第１番の第１楽章がややゆったりしている他は殆んど変わっていない。
むしろ様式の洗練によってブラームスの対位法が更に明確になり派手なアピールこそないが、それだけにハッタリのない、しかし圧倒的な余裕と確信を感じさせる演奏と言えるだろう。
ブラームスのチェロ・ソナタ第１番ホ短調は彼が３２歳の時に完成した作品で、素朴な民謡風の語り口調の冒頭とバッハの『フーガの技法』から採り入れたテーマによる終楽章のフーガがこの曲に意欲的な性格を与えている。
それとは対照的に第２番ヘ長調はブラームス５３歳の円熟期の曲で、おおらかに歌い上げるカンタービレと自在に変化する細やかな曲想が印象的だ。
シュタルケルは回を重ねるごとに解釈を切磋琢磨して、よりシンプルだが作品の核心を衝く磨き抜かれた演奏を遺しているが、この２回目の録音でも曲想にのめり込むことなく確実なテクニックに裏付けられた表現で作品全体に毅然とした輪郭を与え、硬派のロマンティシズムを聴かせている。
ピアニスト、ジョルジ・シェベックはシュタルケルとは同郷の朋友でハンガリー時代からの協演者だが、彼の演奏は常に明快でチェロを巧みに引き立てるだけでなく、時には大胆な音響でソロに拮抗している。
録音状態は当時のものとしては極めて良好で、溌剌とした擦弦音をも捉えた生々しい音質が再現されている。
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2016年12月07日
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バルビローリは、どちらかと言えば北欧音楽や英国音楽を得意のレパートリーとした指揮者として広く知られているが、独墺系の作曲家の演奏も比較的多く手掛けていたと言えるところだ。
そのような中でも、ブラームスは特別な存在であったようであり、本盤に収められたウィーン・フィルとの全集を含め、いくつかのライヴ録音を遺している。
また、バルビローリは、手兵のハレ管弦楽団を始め、フィルハーモニア管弦楽団、ロンドン交響楽団など、英国のオーケストラとの間で素晴らしい名演の数々を遺しているが、次いで独墺系のオーケストラではベルリン・フィルとの相性が抜群であったことがよく知られている。
何よりも、ベルリン・フィルの楽団員や芸術監督のカラヤンがバルビローリに対して敬意を有していたことが何よりも大きいとも言える。
これに対して、ウィーン・フィルとの相性は、巷間あまり良くなかったとも言われている。
確かに、バルビローリがウィーン・フィルとともに遺した録音は、筆者の知る限りでは、ブラームスの交響曲全集、管弦楽曲集のみであるところであり、こうした点にもそれが表れていると言えるのかもしれない。
しかしながら、ウィーン・フィルとの唯一のスタジオ録音となるブラームスの交響曲全集、管弦楽曲集は素晴らしい名演だ。
バルビローリは、一般的にはシベリウスやエルガー、ディーリアスなどの名演が印象的だけに、抒情的でヒューマニティ溢れる指揮をするとのイメージが先行しているが、確かに、ブラームスの各交響曲の緩徐楽章における情感豊かな演奏には、そうしたバルビローリの芸術の真骨頂が見事にあらわれている。
それ故に第２番や第４番がとりわけ名演との誉れ高いのは当然のことであるが、マーラーの交響曲を得意としていただけあって、ドラマティックな表現や強靭さを基調とする演奏も頻繁に行っていたことを忘れてはならない。
交響曲第１番も、バルビローリ＝抒情的でヒューマニティ溢れる演奏をする指揮者というある種の固定観念を覆すに足る力強い演奏を行っている。
冒頭の序奏からして凄まじいまでの迫力を誇っており、主部に入ってからの堂々たる進軍は、ゆったりとしたテンポによる微動だにしない威容を誇っている。
終楽章も決して急がない音楽ではあるが、頂点に向けて畳み掛けていくような気迫と生命力は、バルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
もちろん、第２楽章の枯淡の境地とも評すべき情感豊かな表現は、バルビローリならではのヒューマニティ溢れるもので、抗し難い魅力に満ち溢れている。
交響曲第２番の演奏は、バルビローリとウィーン・フィルの相性の良くなかったとの評価が果たして正しかったのかどうか再検証が必要なほどの名演に仕上がっていると言えるのではないだろうか。
何よりも、第２番という楽曲の性格とバルビローリの芸風が見事に符号している点が大きく、抒情的でヒューマニティ溢れる指揮をするという指揮芸術の在り様が第２番と見事に合致。
同曲の随所に聴くことが可能な枯淡の境地とも評すべき名旋律の数々を、バルビローリは、これ以上は求め得ないほど情感豊かに歌い抜いているところであり、そのヒューマニティ溢れる表現の美しさには、抗し難い魅力に満ち溢れている。
もっとも、終楽章の終結部における頂点に向けて畳み掛けていくような気迫と生命力においてもいささかも不足はなく、これはバルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
併録の悲劇的序曲も、バルビローリならではの素晴らしい名演だ。
交響曲第３番も第１番と同様、バルビローリ＝抒情的でヒューマニティ溢れる演奏をする指揮者というある種の固定観念を覆すに足る力強い演奏を行っている。
第１楽章冒頭からして凄まじいまでの迫力を誇っており、主部からの堂々たる進軍は微動だにしない威容を誇っている。
終楽章の頂点に向けて畳み掛けていくような気迫と生命力は、バルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
もちろん、第２楽章及び第３楽章の枯淡の境地とも評すべき情感豊かな表現は、バルビローリならではのヒューマニティ溢れるもので、抗し難い魅力に満ち溢れている。
ハイドンの主題による変奏曲は、各変奏曲の描き分けが実に巧みであり、名匠バルビローリならではの老獪な至芸を堪能することが可能な素晴らしい名演に仕上がっている。
交響曲第４番の演奏は、バルビローリ＆ウィーン・フィルによるブラームスの交響曲全集の中でも白眉とも言うべき素晴らしい名演だ。
この両者の相性の良くなかったとの評価が果たして正しかったのかどうか再検証が必要なほどの名演に仕上がっていると言えるのではないだろうか。
何よりも、第４番という楽曲の性格とバルビローリの芸風が見事に符号している点が大きく、第２番と同様に抒情的でヒューマニティ溢れる指揮芸術の在り様が第４番と見事に合致。
同曲の随所に聴くことが可能な人生の諦観を感じさせる枯淡の境地とも評すべき名旋律の数々を、バルビローリは、これ以上は求め得ないほど情感豊かに歌い抜いているところであり、そのヒューマニティ溢れる表現の美しさには、抗し難い魅力に満ち溢れている。
もっとも、第３楽章における畳み掛けていくような気迫と生命力においてもいささかも不足はなく、これはバルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
終楽章の各変奏の描き分けの巧みさは、名匠バルビローリの老獪な至芸を十分に満喫することが可能だ。
そして全体的に、ウィーン・フィルによる美しい演奏が、演奏全体に更なる潤いと温もりを付加させているのを忘れてはならない。
いずれにしても、本演奏は、バルビローリならではの懐の深さをあらためて再認識させるとともに、情感溢れる指揮芸術を堪能することが可能な素晴らしい名演集と高く評価したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年11月01日
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ドイツ・グラモフォンからブラームス・エディション全８巻が刊行されたのは、確か作曲家の没後１００周年を前にした１９９６年だったと思う。
しかしその全集と更に翌年のベートーヴェン全集に組み入れられた交響曲全集はカラヤン＆ベルリン・フィルのものだった。
確かに人気、実力ともに彼らの演奏は圧倒的な強みを持っていたので、当然と言えば当然の選択だったのかも知れない。
だがベーム＆ウィーン・フィルによる交響曲全集はあくまでもウィーン流美学にこだわったブラームスで、他の指揮者やオーケストラでは替え難い魅力を持っており、このコンビのスタイル全開の演奏を堪能できるものだ。
また随所に聴かれるソロ・パートやアンサンブルの巧みさ、弦の響きの瑞々しさとウィンナ・ホルンの渋い音色などがベーム晩年の鷹揚かつ洗練された手法で絶妙に統合されている。
交響曲第１番の冒頭や終楽章の追い込みでもベームの指揮はことさら個性を強調したものではないし、迫力を誇示するようなハッタリもない自然体が基調だ。
それは音楽自体が内包するエネルギーの開放であり、オーケストラをこれだけ美しく響かせながら律儀に構築されたブラームスも珍しいのではないだろうか。
緩徐部分では秋の日の静かな森の中を散策しているような木の葉のざわめきや木漏れ日をイメージさせる。
第２楽章での官能的なソロ・ヴァイオリンは当時のコンサート・マスター、ゲルハルト・へッツェルが弾いている。
交響曲第２番は第１番の張り詰めた緊張感から開放された、安らぎと機知に富んだ作曲家のアイデアが面目躍如だ。
冒頭のテーマがウィンナ・ホルンの牧歌的な響きを充分に醸し出していて、この曲全体の雰囲気を決定しているのも印象的だ。
また終楽章でも決して羽目を外さない厳格さには、流石にブラームスを知り尽くしているベームの頑固なまでに堅実な指揮ぶりが健在である。
第３番冒頭のブラス・パートの荘厳な響きは決してスペクタクルな効果を狙ったものではないが、このオーケストラの伝統を背負うような重厚なハーモニーだ。
またしばしば現れる管楽器のソロも弦楽器のたゆとうようなメロディーも、ベームの采配によって雄弁にまとめられている。
第３楽章ポコ・アレグレットのひたひたと忍び寄るような諦観も彼ら独自の表現である。
当時のウィーン・フィルはコンサート・マスターのへッツェルを始めとしてフルートのトリップ、クラリネットのプリンツ、ファゴットのツェーマンやホルンのヘーグナーなどの首席奏者達の全盛期で、彼らがウィーン・フィルの音色やウィーンの演奏スタイルを決定していたと言っても過言ではないだろう。
また第４番冒頭の瑞々しい哀愁も、カラヤン＆ベルリン・フィルとは全く異なった枯淡の味わいを持っている。
しかしそれは脆弱さとは無縁で、第２楽章の静謐だが溢れんばかりの幸福感に満たされたオーケストレーションの処理や終楽章パッサカリアの造形美の鮮やかさもベームの卓越した指揮法に負っている。
カップリングには、『ハイドンの主題による変奏曲』、クリスタ・ルートヴィヒのメゾ・ソプラノとウィーン楽友協会の男声コーラスが加わる『アルト・ラプソディー』、そして『悲劇的序曲』の３曲が収録されている。
彼らが『大学祝典序曲』を残してくれなかったのは残念だが、これらの作品にもウィーンの演奏者ならではの情緒が滲み出ている。
それは後半生を同地で過ごしたブラームスの作品の解釈において、ひとつの流儀として受け継がれているのではないだろうか。
『ハイドンの主題による変奏曲』は、端正な音楽作りと上品な佇まいで、数多いこの曲の演奏の中では傑出したセッションと言える。
『アルト・ラプソディー』で歌われるゲーテの『冬のハルツ紀行』は、まさに当時のブラームスの心境を反映させた内面的な独白をアルト・ソロに託している。
クリスタ・ルートヴィヒはウィーン出身ではないが、ベームの薫陶を受けた歌手だけあって指揮者のこだわりをわきまえた理知的で、しかもリリカルになり過ぎない手堅い表現が秀逸だ。
『悲劇的序曲』では、ベームはこの作品のタイトルを額面通りに受け止めるのではなく、むしろ古典派的な様式感を感知させることに注意を払っているようで、それだけにドラマティックな表現はいくらか控えめに留めている。
録音場所は総てウィーンの黄金ホールと呼ばれるムジークフェラインのグローサー・ザールで、１８７０年オープンの歴史的コンサート・ホールだ。
この演奏会場は内部装飾の豪華さもさることながら、残響の潤沢なことでも良く知られている。
因みに残響時間は１６８０人の満席時で２秒なので、当然聴衆のいないセッションでは更に長くなる。
曲種によってはそれがいくらか煩わしいこともあるが、こうした純粋なオーケストラル・ワークでは最良の効果を発揮できる。
録音は１９７５年から７７年にかけてのベーム最晩年のセッションになるが、音楽的な高揚と充実感は全く衰えておらず、音質はこの時代のものとしては極めて良好で、楽器間の分離状態、高音の伸びや潤いも時代を感じさせず、臨場感にも不足していない。
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2016年10月16日
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ベルナルト・ハイティンクとヨーロッパのオーケストラでは最高水準を誇るコンセルトヘボウによるブラームスのオーケストラ・ワーク集で、７枚のＣＤに声楽が加わらない管弦楽曲と協奏曲が網羅されている（ただしハンガリー舞曲は第１０番までになる）。
いずれにしても１人の指揮者が同一の作曲家の作品を同じオーケストラでこれだけ録音すること自体稀であり、ハイティンクのブラームスに賭ける情熱とその徹底ぶりが窺える。
４曲の交響曲はハイティンクのスコアへの深い読み取りが手に取るように実現されていて、それがかえってインスピレーションに乏しい無個性で学究的な演奏と受け取られる為か、日本での彼への評価はいまひとつ相応なものではない。
だが実際には細部までコントロールの行き届いたオーケストレーションの再現は、理性と感性とのバランスの調和であり、大見得を切るような表現こそないが非常に味わい深い、まさに大指揮者の風格をもっている。
ハイティンクの棒に従うコンセルトヘボウの巧さと音色の美しさも特筆される。
２曲のピアノ協奏曲のソロを弾くクラウディオ・アラウはピアノを響かせることを熟知していた巨匠だった。
衝撃的な音質を一切避けた潤いに満ちたおおらかで悠然と奏でる音楽のスケールは大きく、良い意味での古き良き時代を髣髴とさせるロマンティックな演奏だが、それは時代を超えた魅力に溢れている。
両方とも廃盤になって久しかったものの復活になる。
一方ヴァイオリン協奏曲のソロはシェリングで、円熟期特有のやや内省的で緻密な音楽設計による表現は、しばしば精彩を欠いた演奏として批判されるが、改めて聴き直してみると、音楽の内部に向かって注がれる集中力と気高い音楽性は決して低く評価されるものではない。
また同様のコンセプトでサポートするハイティンク＆コンセルトヘボウの一糸乱れぬ統率感とアンサンブルの巧みさも秀逸。
二重協奏曲も非常に完成度の高い仕上がりで、シェリングとシュタルケルの水も漏らさぬデュエットが聴き所だ。
それはひとえに両者間の協調から生み出されるもので、ブラームスの作品らしく殆ど峻厳とも言える音楽的な密度の濃さと、その演奏から醸し出される独特の透明感は一種冒し難い雰囲気さえある。
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2016年04月15日
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本盤に収められたブラームスの交響曲全集は、カラヤン＆ベルリン・フィルによる３度目の、そして最後のスタジオ録音である。
それだけでなく、数多くの様々な作曲家に係る交響曲全集のスタジオ録音を行ってきた、史上最高のレコーディング・アーティストであるカラヤンによる最後の交響曲全集にも相当する。
３度にわたるカラヤン＆ベルリン・フィルによるブラームスの交響曲全集の中でも、最もカラヤンの個性が発揮されているのは、１９７７〜１９７８年に録音された２度目の全集であると考えられる。
というのも、この当時はカラヤン＆ベルリン・フィルの全盛期であったと言えるからだ。
分厚い弦楽合奏、ブリリアントなブラスセクションの響き、桁外れのテクニックをベースに美音を振り撒く木管楽器群、そして雷鳴のように轟きわたるティンパニなどが、鉄壁のアンサンブルの下に融合し、およそ信じ難いような超絶的な名演奏の数々を繰り広げていた。
カラヤンは、このようなベルリン・フィルをしっかりと統率するとともに、流麗なレガートを施すことによっていわゆるカラヤンサウンドを醸成し、オーケストラ演奏の極致とも言うべき圧倒的な音のドラマを構築していた。
当該２度目の全集においても、かかる圧倒的な音のドラマは健在であり、どこをとってもいわゆるカラヤンサウンドに覆い尽くされた圧巻の名演に仕上がっていた。
これに対して、本盤の３度目の全集においては、カラヤンの統率力の衰えは隠しようもない。
１９８２年に勃発したザビーネ・マイヤー事件によって、カラヤンとベルリン・フィルの間には修復不可能な亀裂が入るとともに、カラヤン自身の著しい健康悪化も加わって、カラヤン＆ベルリン・フィルによる演奏に、１９７０年代以前のような輝きが失われるようになったからだ。
したがって、いわゆるカラヤンの個性が全開であるとか、はたまたカラヤン＆ベルリン・フィルによる圧倒的な音のドラマの構築と言った観点からすれば、第１番などには全盛期の豪演の片鱗が感じられなくもないが、前述の１９７７〜１９７８年の２度目の全集と比較するといささか劣っていると言わざるを得ない。
しかしながら、本演奏には、死の１〜３年前の演奏ということもあって、枯淡の境地を感じさせるような独特の味わいがあると言えるところであり、このような演奏の奥深い味わい深さと言った点においては、カラヤンによるこれまでのいかなる演奏をも凌駕していると言えるだろう。
このような奥行きのある味わい深さは、カラヤンが最晩年に至って漸く到達し得た至高・至純の境地であったと言えるのかもしれない。
もっとも、本盤においては、何故か交響曲第４番について１９８８年の録音ではなく、１９７７〜１９７８年の２度目の全集中の録音を採用している。
演奏自体は１９７７〜１９７８年の演奏もきわめて優れてはいるのであるが、全集の構成としてははなはだ疑問を感じずにはいられない。
最近になって、最後の全集が輸入盤で発売はされたが、このような疑問を感じさせるカップリングについては、早急に改めていただくようにユニバーサルに対して要望しておきたい。
音質は、従来盤でも十分に満足できるものであると言えるが、数年前にカラヤン生誕１００年を記念して発売されたＳＨＭ−ＣＤ盤がより良好な音質であった。
もっとも、カラヤンによる最晩年の至高の名演でもあり、今後はシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化を図るなど、更なる高音質化を大いに望んでおきたいと考える。
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2016年04月07日
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２００８年に３８年に亘った演奏活動に終止符を打ったアルバン・ベルク四重奏団が、その全盛期に録音した、彼らにとっては２度目に当たるブラームスの３曲の弦楽四重奏曲とピアノ五重奏曲へ短調を収録した２枚組リイシュー盤になる。
当時のメンバーは結成当時からの第１ヴァイオリンのギュンター・ピヒラー及びチェロのヴァレンティン・エルベンの他、第２ヴァイオリンがゲルハルト・シュルツ、ヴィオラがトマス・カクシュカで、ピアノにはブラームスのスペシャリスト、エリーザベト・レオンスカヤを迎えている。
アルバン・ベルク四重奏団のブラームスは彼ら特有の鋭い感性に貫かれた演奏であるために、ある意味で聴く人を選んでしまうかもしれない。
しかもここに収められた４曲は作曲家が推敲に推敲を重ねた結果の、ひたすら個人的な思索の所産に他ならず、多くの聴衆を想定した音楽ではないからだ。
それはベートーヴェンの後期の弦楽四重奏曲にも喩えられるだろう。
人によってはいたたまれないくらい厳しい曲想だろうし、また好む人にとっては逆に限りなく深みのある室内楽のエッセンスが堪能できるといった複雑なプロフィールは、聴く人におもねることのないブラームスの気質を窺わせている。
楽器の扱いにも細心の注意が払われていて、例えば第３番変ロ長調第３楽章では、ブラームスが生涯に亘って愛着を示したヴィオラをリードさせる魅力的なスケルツォが展開する。
ここではトマス・カクシュカの精緻だがエネルギッシュなヴィオラ・パートが聴きどころだ。
彼らの持ち味でもある緊密なアンサンブルや強い集中力、そして果敢な表現力が縦横に駆使された熱演だが、一方で現代的に洗練されたクールなセンスが、これらの作品を通じて新時代のブラームス像を提示しているのではないだろうか。
ピアノ五重奏曲では当時既にブラームスでは一家言を持っていたベテラン、レオンスカヤが協演しているが、主導権を握っているのはアルバン・ベルク側で、これはポリーニ、イタリア四重奏団とは好対照をなしている。
後者はあたかもピアノ協奏曲のような華やかさがあって、輝かしくスケールの大きなブラームスに仕上がっているが、レオンスカヤ、アルバン・ベルクはあくまでも室内楽という範疇でのブラームスの小宇宙を描いた演奏と言えるだろう。
彼ら自体かなり個性的なカルテットなので外部からの協演者が入ると、時としてよそよそしい雰囲気が露呈されることが無きにしも非ずだが、この曲に関しては成功しているといって間違いない。
尚音源は１９８７年６月２１日にウィーン・コンツェルトハウスのモーツァルト・ザールで行われたライヴ録音になる。
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2016年03月28日
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プラガ・ディジタルスの新シリーズ、ジェニュイン・ステレオ・ラブからの左手のためのピアノ曲集第２集になり、第１集のヴィトゲンシュタインに続いてチェコのピアニスト、オタカー・ホルマン(1894-1967)に因んだ作品を中心に４曲が収録されている。
日頃コンサートやメディアを通して鑑賞する機会の少ない曲種を集めた面白い企画に興味をそそられて買った１枚。
ヴィトゲンシュタイン同様ホルマンも第一次世界大戦で右手の機能を失い、左手のみでコンサート活動を続けたピアニストの１人だ。
彼のために作曲されたのがヤナーチェクの『カプリッチョ』及びマルティヌーの小協奏曲で、前者はフルート、トランペット２、トロンボーン３、チューバのブラス・アンサンブルにピアノの左手がソロとして加わるユニークな楽器編成を持っている。
ヤナーチェク特有の発話旋律が使われた、泥臭さはあるが語りかけるような生き生きしたリズム感とピアノ・パートが超然として斬新な音響を創造している。
一方マルティヌーのそれは『ディヴェルティメント』の副題が示すようにいくらか取り留めのない嬉遊性を感じさせる３楽章の協奏曲に仕上げられた曲だ。
他の２曲はブラームスの『左手のためのシャコンヌニ短調』とリヒャルト・シュトラウスのピアノ協奏曲『家庭交響曲からのパレルゴン』になる。
ブラームスの『シャコンヌ』は右手の故障で演奏活動を休止していたクララ・シューマンの慰みのために編曲されたと言われている。
バッハの無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第２番ニ短調の終曲『シャコンヌ』の骨格と和声を忠実にピアノの左手に移したもので、ヴァルター・クリーンの１９６４年のラジオ・ライヴから採られている。
クリーンは伴奏家としてもグリュミオーとの協演で知られたピアニストだがブラームスのスペシャリストでもあり、ここでは骨太で力強い彼のソロを聴くことができる。
シュトラウスの方はヴィトゲンシュタインの要請に応える形で自作の『家庭交響曲』からのモチーフを取り入れて作曲され、フリッツ・ブッシュ指揮、ヴィトゲンシュタインのソロで初演された。
単一楽章で書かれていて後半部はタティアーナ・ニコラーエワの超絶技巧を、ロジェストヴェンスキーが華麗で堂々たるオーケストラでサポートしたモスクワ・ライヴになる。
第１集に比べて曲目の知名度がそれほど高くないために音源の選択肢も少なく、それだけに貴重なアルバムだ。
録音状態は概ね良好で鑑賞に難はない。
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2016年03月15日
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アバドはブラームスの楽曲を数多く指揮しており、交響曲や管弦楽曲、協奏曲、声楽曲などあらゆる分野の楽曲の演奏・録音を行っているが、アバドの芸風に符号した楽曲も多いこともあって、少なくともベートーヴェンよりは多くの名演を遺していると言えるのではないだろうか。
そうしたアバドによる数あるブラームスの楽曲の名演の中でもトップの座を争うのは、ブレンデルと組んだピアノ協奏曲第１番（１９８６年）と本盤に収められたハンガリー舞曲集ではないかと考えている。
本ハンガリー舞曲集については、ブラームスが生誕１５０年を迎えるのを記念して録音が行われたものであるが、古今東西の指揮者による同曲の多種多様な演奏の中でも、フィッシャー＆ブダペスト祝祭管による名演（１９９８年（旧盤（１９８５年）も名演であるが、どちらを上位にするかは議論の余地があるところだ。））と双璧を成す至高の超名演と高く評価したい。
本演奏においては、何よりもアバドの指揮が素晴らしい。
この当時のアバドは次代を担う気鋭の指揮者として、ロンドン交響楽団などと素晴らしい名演の数々を行っていた時代である。
ここでも、そのような気鋭の指揮者アバドならではの生命力溢れる力強さとともに、豊かな歌謡性に満ち溢れた快演に仕上がっている。
ハンガリー舞曲はごくごくソフィスティケイトされた形ではあるけれどハンガリー・ジプシー音楽が直接あるいは間接に取り入れられた作品。
そのエキゾチックな雰囲気を、アバドとウィーン・フィルがきびきびした足取りと抜群のアンサンブルでたっぷりと楽しませてくれる。
確かに、本演奏には、前述のフィッシャー盤のような民族色の濃さは感じられないが、豊かな音楽性や歌謡性、そして湧き立つような躍動感においては、ハンガリー舞曲集の演奏としていささかも不足はないと言えるだろう。
このようなアバドとともに、豊穣な美しさを誇る名演奏を繰り広げたウィーン・フィルにも大きな拍手を送りたい。
本名演の成功の半分はアバドの指揮によるものであるが、ウィーン・フィルの優美にして豊麗な響きも、本演奏に独特の魅力や味わい深さを付加していることを忘れてはならない。
録音は、従来盤でも十分に満足し得る音質であったが、今般のＳＨＭ−ＣＤ化によって音質がより鮮明になるとともに、音場が広がったように思われる。
アバド＆ウィーン・フィルによる素晴らしい名演をＳＨＭ−ＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したい。
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2016年02月13日
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このＣＤの特徴は先ずダヴィッド・オイストラフによるブラームスが作曲したソロ・ヴァイオリンとピアノのための作品全４曲が収録されていることで、これ迄に個別にしかリリースされていなかったものを１枚のＣＤにまとめた画期的な企画と言える。
また総てがライヴ録音だが幸い音質が極めて良好なステレオ音源で、客席からの雑音や拍手は入っているが、鮮明な音像が再現されている。
オイストラフのスコアへの読み込みの深さと共に押し出しの良い堂々たる表現力、そしてストラディヴァリウス "マルシック" の磨き抜かれた明るく艶やかな音色が全曲を通じて堪能できるアルバムだ。
オイストラフは生前ブラームスのヴァイオリン・ソナタをセッション、ライヴを含めると全曲録音している。
ただし全曲集としての企画ではなく、それぞれが異なった機会のために演奏されたもので、協演のピアニストは少なくとも４人いる。
リリースしたレーベルについては複雑になるので省略するが、それらの音源は第１番ト長調『雨の歌』がオボーリンとの１９５７年及びこのＣＤに収められているバウアーとの１９７２年盤があり、第２番イ長調にはモスクワとザルツブルク・ライヴの２種類のリヒテルとの１９７２年盤が存在し、第３番ニ短調では１９５５年及び１９５７年にヤンポリスキー、１９６６年にはバウアーと、そして１９７２年にはリヒテルとも協演している。
しかしヨアヒムに献呈されたＦ．Ａ．Ｅ．ソナタのスケルツォハ短調に関してはここに収められた１９６８年のリヒテルとのライヴが唯一の音源らしい。
スケルツォハ短調はシューマン、ディートリヒ、ブラームスの合作によるヴァイオリン・ソナタの第３楽章として作曲されたもので、オイストラフの毅然として打ち込むようなリズムにリヒテルの緊張感に充ちたピアノが煽るような躍動感を響かせ、短い中間部では両者が息の合った硬派のカンタービレを聴かせる魅力的な小品に仕上がっている。
尚この曲集では何故かヴァイオリン・ソナタ第３番をリヒテルではなくバウアーとのプラハ・ライヴを選んでいる。
勿論バウアーは伴奏者としても独自の主張を持った優れたピアニストだったので、隙のない華やかなフィナーレを飾って盛大な拍手を受けていて、むしろこのＣＤでは最もスケールが大きく劇的な演奏をしている。
リヒテルの伴奏については、そのきめ細かい表現とアンサンブルの巧さは言うまでもないが、オイストラフとは一番相性の良かったピアニストではないだろうか。
オイストラフ＆リヒテルによる全曲録音が遺されなかったことが惜しまれる。
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