ブラームス
2020年07月08日
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ウエストミンスターのリマスターUHQCD盤の１枚で、ウィーン・コンツェルトハウス四重奏団の主体になるブラームスの２曲が収録されている。
映画『恋人たち』にも使用されたことでも知られる、若きブラームスの情熱と豊かな叙情を歌い上げる弦楽六重奏曲第１番。
イェルク・デムスを迎え、ドラマティックに歌い上げるピアノ五重奏曲。
ウィーン・コンツェルトハウス四重奏団によるブラームスの内面世界を見事に描き上げた演奏だ。
この手の音源は殆どがモノラル録音であることを覚悟しなければならないが、弦楽六重奏曲第1番は1950年の録音で、やはり音色もいくらかセピア調の感が否めない。
一方ピアノ五重奏曲は1952年で、当時の技術的な改善が音質にも表れている。
いずれもノイズはごく少ないので鑑賞には差し支えない。
録音会場はウィーン・コンツェルトハウスの小ホール、モーツァルトザールで音響も悪くないが、弦楽部とピアノのバランスは必ずしも理想的とは言えない。
またピアノの音色が籠り気味で、高音部の輝かしさに不足している。
モノラルながら、もう少し分離状態が良ければさらにこの演奏の価値を高めていただろう。
この2曲にもウィーンの伝統的音楽性が横溢している。
アントン・カンパー率いるウィーン・コンツェルトハウスの繊細な音色と柔軟な歌心、そして現代ではもはや廃れてしまったロマンティックな感性は得難いものがある。
時代遅れと言ってしまえばそれまでだが、決して懐古趣味の耽美的な表現ではなく、アンサンブルに良い意味での古き良き時代のテクニックを残しつつ沈潜することなく、むしろ生気に溢れている。
若き日のウィーンの名手、イェルク・デムスのピアノには彼らの影響を受けてはいるが、よりクールな一面が新鮮な印象を与えている。
いずれにしても、まだ戦後の混乱期にあって音楽に飢えていたアーティスト達の、情熱の結晶として高く評価したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2020年05月29日
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前回紹介したプレミア価格で販売されている同じフィリップスのライヴ集で出ているブラームスの交響曲第１番と並ぶ堂々たる演奏だ。
曲想が持つアピール性からすれば前者が圧倒的だが、ここではむしろ充実した音楽性と深みがコンドラシンが創り上げる泰然とした音響の中に表現されている。
それはブラームスが交響曲作家として世に出るための野心作として苦心した第１番に対して、その成功後の安堵とより熟達した作法を示した第２番の違いでもあるだろう。
しかしコンドラシンの作品に対するアプローチは常に明瞭で、地道にスコアを読み込んだ丁寧な仕上げと一貫して失われることのない情熱が感じられる。
また緩徐楽章でも安易な抒情に堕さない緊張感の持続と練り上げられたアンサンブルにコンセルトヘボウ管弦楽団の伝統の重みと音楽性の豊かさが溢れている。
指揮者自身の個性の強調とは縁のない演奏だが、それだけに重厚な終楽章アレグロ・コン・スピリトを聴き終えた時、鑑賞の充実感がひときわ高まる普遍的な解釈に特徴がある。
1975年11月29日のライヴ録音。
カップリングされたシベリウスの交響曲第５番は1976年11月21日のライヴである。
この作品には文学的テーマこそ付けられていないが、森羅万象の変化や北欧の神秘的な大自然の営みを髣髴とさせる作法は明らかに標題音楽の手法で、このジャンルでもコンドラシンは幅広い表現力を披露している。
彼は若い頃ボリショイ劇場で研鑽を積んだ指揮者なので、描写に懲り過ぎると安っぽい音楽に陥り易いことも熟知していた筈だ。
ここではあくまでも交響曲としての構造に注目して主題とその展開など作曲上の技法を感知させる絶対音楽との高踏的バランスが絶妙に保たれている。
第３楽章の清冽なせせらぎや慈雨をイメージさせるパッセージが次第に怒涛のように発展して総奏に至るクライマックスは聴く者に幸福感を与えてくれる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2020年05月27日
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ブラームスの交響曲第１番は1980年2月29日、カップリングされたメンデルスゾーンの交響曲第４番『イタリア』が1979年11月17日のそれぞれアムステルダムにおけるライヴ録音。
当時のコンドラシンとコンセルトヘボウ管弦楽団の強い絆を髣髴とさせる気迫に満ちた演奏だが、どちらも熱演というよりむしろ様式に則った堅実な解釈が聴きどころだろう。
ブラームス冒頭のティンパニの連打も抑制され、ひとつの楽章を突出させることなく全体の均整をとるサウンドがかえって荘重な音楽を醸し出している。
第２楽章でのヴァイオリン・ソロはコンサート・マスターのヘルマン・クレバースで、同メンバーによる『シェエラザード』同様ここでも高貴な抒情を湛えた奏法が美しい。
終楽章も上に流されることなく、堅牢な古典的形式感が保たれたスタイリッシュな安定感がある。
メンデルスゾーンでも血気にはやる演奏ではなく、いくらかクールでコンセルトヘボウのアンサンブルの確実さと作品の起承転結をわきまえた再現が特徴的だ。
第２楽章アンダンテのカンタービレも他の楽章との調和を考慮した表現だし、終楽章サルタレッロでも疾走することなくコントラストを聴かせる頭脳的な采配が如何にもコンドラシンらしい。
キリル・コンドラシン(1914-1981)はオランダ亡命以前からコンセルトヘボウ管弦楽団に頻繁に客演していた。
この一連のライヴ録音は当時の国営オランダ放送協会NOS及び民間下請け業者NOBが共同制作した音源で、地元フィリップスがリリースした9枚のLPを90年代に８枚のCDに再編集したものだ。
しかしフィリップス・レーベル消滅後版権の問題からか残念ながら総て製造中止の憂き目に遭っている。
そのため購入にはプレミアム価格を覚悟しなければならない。
演奏の充実度からしても是非復活を望みたいシリーズだ。客席がオーケストラの背後にも設置されているコンセルトヘボウの会場の弱点で、時として客席からの咳払いがダイレクトに捉えられているが、音質は充分鮮明で鑑賞に不都合はない。
尚この８枚に収録されなかった同メンバーによる更にCD3枚分の音源は仏ターラ・レーベルから現在でも入手可能だ。
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2020年04月30日
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ウェストミンスター・レーベルを代表する二人の名匠、ウラッハとバリリによる、心ゆさぶるブラームスの室内楽作品集。
ウィーン三羽烏の一人、若きデムスの覇気溢れるピアノもまた聴きどころだ。
ウラッハのクラリネット、イェルク・デムスのピアノによる2曲のブラームスでは、やはりウィーンの風情を決して押しつけがましくなく、むしろさりげなく漂わせているところが秀逸。
ウラッハの表現は飄々としていて、ことさら曲想に陰影を付けたり個性を強調するものではない。
特に両ソナタの緩徐楽章では彼のオープンでヴィブラートのないクラリネットの音色が、かえってブラ−ムス晩年特有の静けさの中に幾ばくかの諦観さえ感じさせる。
第1番第2楽章アンダンテでの消え入るようなピアニッシモや、第3楽章アレグレットのレントラー風の鄙びた響きとそれを支えるデムスのピアノはまさにウィ−ンの奏者のアンサンブルというに相応しい。
また第２番冒頭の愛らしいが、幾らか霞がかかったような青空をイメージさせる表現は現在では得難いものだろう。
若き日のデムスの伴奏は控えめだが巧みにソロをサポートしている。
ホルン三重奏曲も国粋主義的と言えるほど、演奏者は３人共にオーストリア人であるだけでなくウィーンで研鑽を積んだソリストだ。
第１楽章の穏やかな開始ではバリリのヴァイオリンにコッホの牧歌的なホルンが影のように従っていく。
バリリは情緒的だがあっさりしていて音色の美しさを際立たせている。
ここでもブラ−ムスのセピア色の曲想が美しい。
シューマンとの合作のFAEソナタにも転用された終楽章では、コッホのウィンナー・ホルンがその堂々たる音色を披露している。
全曲共に１９５０年代初期のモノラル録音だが、保存状態も音質も極めて良好で今回のUHQCD化は評価できる。
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2020年02月29日
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ウェストミンスター名盤シリーズからのUHQCD化されたリニューアル盤で、ウラッハ及びカンパーのアンサンブルを収録した１枚。
確かに鮮明な音質と比較的明瞭な音像が得られていて、従来盤よりもこちらをお薦めしたい。
但しモーツァルトが1951年、ブラームスが1952年のどちらもモノラル録音で、ヒスノイズも少なからず入り込んでいる。
この時代の音源としては多くを望めないことも事実だ。
それにも増して価値があるのは彼らの演奏で、頑固なまでに受け継がれたウィーンの伝統的奏法と音色への嗜好が溢れんばかりに感じられる。
ヴィエンナ・スクールはモ−ツァルトの時代にまで遡ることができるが、更には歴史的に多くの著名な音楽家を輩出したウィ−ン近隣の東欧諸都市からの影響も見逃せないだろう。
その特徴のひとつは音楽の輝かしさや力強さとは対照的なみずみずしさやしなやかな表現力を養うものだ。
それぞれの緩徐楽章に現れる揺蕩うようなカンタービレには郷愁を誘うような哀歓を漂わせている。
またそうした表現を可能にするためには楽器の音色の開拓と、演奏する曲目のテンポ設定を工夫しなければならない。
その点でもウラッハ、ウィーン・コンツェルトハウスのメンバーの解釈と奏法は受け継がれた伝統の深みを伝えて余りある。
ウラッハのクラリネットは音量のダイナミズムを巧みに制御しながら、常に滑らかな表現になるように努めているし、カンパーのヴァイオリンも線は細いが洗練された歌心が秀逸だ。
例えばモーツァルトの第3楽章メヌエットのヴァリエーションは殆どレントラーのような鄙びた素朴さを感じさせて如何にもウィーン風だ。
またブラ−ムスの第3楽章アンダンティーノは、恐らく現代では誰も採用しないような徹底した穏やかなテンポの中に、永遠の安らぎが表されている。
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2019年12月10日
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スウィトナーはブラームスをロマン主義的作曲家の範疇でとらえているようで、近年ブラームスの交響曲はこうしたロマンティックなスタイルで演奏されて大きな成功を得られる傾向が強いが、スウィトナーの解釈は極めて自然で人工的なところがない。
第１番フィナーレの力強さはスウィトナー独特のもので、この演奏の骨組みががっちりしていることを主張しており、格調高く、堅牢な骨格をもった優れた演奏だ。
第２番も実に自然体のブラームスで、少しの衒いもなく旋律をのびのびと歌わせ、全体に穏やかな雰囲気が田園風といわれる楽想を自然に表わしている。
スウィトナーは極端な表情を避け、たとえば第２楽章では弦を柔軟に歌わせると同時に、木管やホルンの弱音をほとんど無視して穏当なバランスを作り出し、デュナーミクの広さより各楽器の音色を大切にしていることがうかがわれる。
第３楽章では輪郭の鮮明な響きを獲得しながら、そこにデリカシーを加えることに成功している。
ドイツ・オーストリア系以外の指揮者は、この作品の流れるような歌の性格を強調しすぎることが多いが、オーストリア人のスウィトナーは、曲の対位法的な特徴をよくつかみ、入りくんだ旋律を、美しく、しっかりと聴かせている。
第３番は終始、正攻法で一貫した堂々とした風格のブラームスで、スウィトナーは遅めのテンポから悠々たる足どりを見せ、スケールの大きい立派な響きを出し、深い呼吸をもって演奏している。
全体にテンポにゆとりがあり、シュターツカペレ・ベルリンの弦と管が見事に溶け合ったいぶし銀のような響きを聴かせる。
ここでスウィトナーは、これらドイツ的ともいえる音楽にウィーン風の柔軟性を加えており、旋律を流麗に歌わせて、ブラームスのもつ晦渋さを柔らげている。
中間の２つの楽章は自然な流れのなかに素直な情緒を漂わせ、両端楽章は充実感とともにきれいごとでないバランスによって、渋すぎないブラームス像を描き出していく。
特に第３楽章では、揺れるような歌がほのかなロマンをたたえ、心安らぐ美しさを表す。
スウィトナーはオーケストラを自分の楽器のように、力強くドライヴするタイプではなく、各奏者の自発性を尊びながら、音楽をまとめてゆく人である。
ここでは、そうした性格がよく生かされており、各楽章を丹念に、オーケストラのバランスを考えながら指揮し、雄壮でありながらも抒情的なこの曲の特徴をよくつかんだ、堅実な演奏だ。
スウィトナーによるブラームスの交響曲全集では、第４番が最も素晴らしく、スウィトナーの抒情性が作品とよく一致した、きわめて流麗で滔々と流れ、大らかに歌う秀演だ。
この曲の情緒的な面よりも、構成的な美しさをひき出した演奏で、対位法的な手法で書かれた旋律を、巧妙に処理している。
この曲のロマン的な性格も明らかにされているが造形的にも平衡感が強く、両端楽章ではこの指揮者の円熟を反映して堂々としたスケールの大きな音楽を聴かせる。
オーケストラの渋い味わいのある響きからしてブラームス的だが、各パートのバランスをくずさずに、自然に表現しているところがよい。
第１楽章では、多くの短い動機に分解できる第１主題も、スウィトナーの手にかかるとロマン的でヒューマンな情緒を色濃く表している。
第２楽章の漂うような流れのなかにさり気なく示される立体感も美しいが、この演奏では終楽章が最も素晴らしい。
決して構えたところはないが、風格に満ち、この作品の交響性と抒情性を見事に両立させた表現で、スウィトナーが巨匠的な風格を身に付けていたことを、まざまざと感じさせる演奏である。
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2019年10月02日
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予備知識を全く持たずに演奏（録音）を聴いて、驚かされる芸術家がある。
筆者にとって、ジョコンダ・デ・ヴィートはそのような芸術家の１人だった。
それは、彼女がエドウィン・フィッシャーと共演したブラームスの「ヴァイオリン・ソナタ第１番」と「第３番」の録音で、筆者の興味はフィッシャーのブラームスを聴くことにあり、ヴァイオリニストについてそれほど関心を持っていなかった。
あったとしても、イタリアのヴァイオリニストがブラームスを演奏するのは珍しい……ぐらいのものであったろう。
ところが、デ・ヴィートの演奏は、悲壮な先入観を打ち砕くほど素晴らしかった。
フィッシャーの自発性に溢れた闊達な演奏は、筆者の期待を充分に満たしてくれたが、デ・ヴィートはフィッシャーと世代も個性も異にしながら、豊かな自発性とブラームスの音楽に対する深い共感に基づく解釈で、フィッシャーと全く対等に演奏していた。
加えて、ブラームスの抒情性と落ち着いた情感を暖かい雰囲気の中で生かしブラームスの人間性を実感させてくれた。
デ・ヴィートがフィッシャーとブラームスのソナタを録音したのは１９５４年、彼女は４７歳であった。
デ・ヴィートは１９６１年に引退したから、彼女の演奏活動が頂点にあるときにこの２曲が録音されたことは、彼女にとっても、われわれにとっても幸福であった。
イタリアのヴァイオリニストであるデ・ヴィートは、イタリアのヴァイオリンとヴァイオリン音楽に強い愛情を持っていたが、官能的な音色の魅力や華麗な技巧に優先権を与えず、常に音楽が内蔵する真の精神を表現することを目標にしていた。
したがって、彼女がドイツやオーストリアの音楽を演奏する時にも、解釈の基礎にはイタリアのヴァイオリンとその音楽があった。
そこから彼女の演奏は、独特の輝きが生まれたのである。
それは、デ・ヴィートの人間性に基づくものであろう。
デ・ヴィートはスタンダードなヴァイオリニストのレパートリーを演奏したが、特にバッハ、メンデルスゾーン、ブラームスの音楽では、熟達したテクニックと詩的な想像力がほとんど理想的な状態で溶け合っていた。
演奏を支配していたのは明晰な様式感だが、それは内面的な精神と豊かな情熱に結びついていた。
また、彼女がイタリアの古典ヴァイオリン音楽を高く評価していたことが、彼女の演奏様式に晴れやかな魅力を加えた。
イタリアのヴァイオリニストで、ドイツ・オーストリア音楽をレパートリーに入れる人は多いが、彼らの演奏でまず印象づけられるのは美しい音であり、鮮やかなカンタービレである。
デ・ヴィートの演奏では、そのような感覚に訴える魅力よりも、豊かな自発性と熟成した解釈から生まれる内面的な精神、暖かい感情が聴き手を捉える。
彼女が演奏を通じて作曲家の人間性を感じさせることが、彼女を偉大なヴァイオリニストと呼ばせるのである。
デ・ヴィートの音の美しさ、響きの豊かさは、同時に優れた楽器の威力を示している。
彼女は１９５３年以前、１７６２年のガリアーノを弾いていたが、その後１６９０年のストラディヴァリ“トスカ”を使った。
それは、イタリア政府が聖チェチーリア音楽院のために購入した名器で、同校の終身教授であった彼女に貸与された。
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2019年08月29日
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このディスクに収録されたベイヌムの指揮するコンセルトヘボウ管弦楽団からはレコード録音史上、最も素晴らしい音のするオーケストラが聴ける。
最近のオーケストラだって、うまいことはうまいのだが、このように潤いがあり、艶があり、弾力もある音はしないはずだ。
別な言い方をすれば「コクと切れ」という、普通はまず均等にブレンドされない要素が、見事に両立した稀有の例なのである。
むろん、響きだけが良いのではなく、ベイヌムの棒はこのオーケストラの前シェフ、メンゲルベルクの濃厚甘美とは正反対のきっぱりした表現により、団全体に新風を吹き込んでいるのだ。
交響曲第１番は１９５１年の録音で、フィリップス盤よりも７年前の録音になり、一段と輝かしく、颯爽としており、聴く者を引き込まずにはおかない磁力にも似た吸引力がある。
他のどんな名指揮者も実現させ得なかった熱い興奮へと誘う気迫が充満、起伏豊かで、オーケストラを聴く醍醐味に浸らせてくれる。
ことに終楽章の設計とクライマックスへの運びの巧さは誠に心憎いばかりで、何度でも繰り返し聴きたくなるほど興奮させる。
第１楽章の冒頭は通常よりはかなり速く開始されるが、すぐにチェロやオーボエの素晴らしい音色に魅了される。
主部に入るとテンポはときに急激に加速されるが、オーケストラは全く崩れず、どんな場合も潤いを失わない。
続く第２楽章の弦のふっくらと温かい音色、第３楽章の木管楽器の豊かな音、そして第４楽章の序奏のホルン、そしてそれを支える弦のさざ波、続くアレグロの瑞々しさ、もうどこをとっても溜息の出る響きの連続である。
象徴的なのは第４楽章のコーダの途中で金管楽器のコラール風の旋律が出てくるが、ここはほとんどの指揮者がテンポを落とす。
だがベイヌムは、目の覚めるようなスピードで駆け抜けるのだ。
とくに最初聴いたときはびっくりするが、もともとスコアには「テンポを落とせ」という指示はない。
つまり、このベイヌムが正道ということ。
もちろんモノーラルだが、定評あるデッカの優秀録音のためか、不思議に不満は皆無である。
尚ベイヌムは、この曲をステレオ時代に同じオーケストラで再度録音しているが、演奏、オーケストラ自体の魅力はかなり落ちている。
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2019年08月10日
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４２歳で早世した天性のピアニスト、ジュリアス・カッチェンが３０代後半に録音したブラームスのピアノ・ワーク集で、総てのピアノ曲を網羅した全集ではないが、６枚のＣＤからなるボックス・セットには幸い代表作の殆んどが収録されている。
例えばバッハからの編曲になる『左手の為のシャコンヌ』を含む５つの練習曲や、その他数曲に関しては省かれている。
いずれも１９６２年から６５年にかけての、カッチェン３０代後半の全盛期の録音で、彼の典型的な演奏スタイルが映し出されているだけでなく、短かった生涯を駆け抜けるように精力的に生きた彼の芸術に触れるには絶好の曲集だろう。
カッチェンの作品に対する真摯な態度とその奥に瑞々しい詩的な感興を行き渡らせた演奏によって、今日も尚、ブラームスのピアノ曲における１つの指針としての価値を持つ。
そして何よりも指摘しなければならないのは、どの音にもピアニストの音楽に対する感動が生き生きと投影されていることだ。
それは、ある時にはブラームスの若々しい叙情性を引き立てているし、また時には老作曲家のささやかな旋律にしっとりとした詩情を与えている。
今、技術的にはこの上をゆくピアニストはいくらでもいるだろうが、こんな演奏を聴かせてくれる人はそうざらにはいない。
この曲集のなかでもメインは３曲のソナタと５曲のヴァリエーションになるが、そのほかのバラードやラプソディーなどの小品でもカッチェンは嫌味のない真摯な演奏を聴かせてくれる。
基本的に彼の解釈は率直かつシンプルなもので、どんなに大曲であってもくどくならないし、非常に幅広いダイナミズムを駆使して、超絶技巧で猛進するような覇気と沈潜した静寂とが少しも不自然にならずに表現されている。
また注意深く控えめなペダリングで常に明晰な音を保っているのも特徴的だ。
特に３曲のピアノ・ソナタをこれだけ鮮烈に弾ききった演奏も珍しい。
最後のＣＤのハンガリー舞曲集では豪快で奔放な指さばきを披露して楽しませてくれる。
同舞曲の第１１番から第２１番まではフランスのピアニスト、ジャン・ピエール・マルティとの連弾になる。
当時のデッカの録音技術も概ね満足できるもので、ごく一部に音の歪みが聞かれる程度で全体的に時代の経過はそれほど感じさせない。
尚１枚目のアンダンテニ長調、インテルメッツォロ短調、そしてアンダンテ・コン・モートロ長調の３曲のみがモノラル録音になる。
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2019年07月26日
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チェコの若手指揮者ヤクブ・フルシャは2016年からバンベルク交響楽団の首席指揮者に就任して、定期コンサートだけでなく彼らとのレコーディング活動も着実に進めている。
2017年にフルシャの発案で立ち上げたチューダー・レーベルとの企画が、ブラームスとドヴォルザークの交響曲を１曲ずつ併録する２枚組のハイブリッドSACDシリーズで、第１集は両作曲家の最後の交響曲から開始された。
これは売れ筋を見込んだカップリングとも考えられるが、オーソドックスな解釈の中に彼ら独自の音楽性とテクニックを表現し得た素晴らしい仕上がりで、是非シリーズ全体を聴いてみたいという気になった。
彼らの本拠地カイルベルトザールで『新世界』を聴いた時思ったことだが、フルシャは即興性とは縁のない指揮をするし、指揮台の上でパフォーマンスするようなオーバーなジェスチャーも皆無だ。
総てがオーガナイズされていて、そこから逸脱することを許さないが、それでいて陳腐な演奏に陥らない閃きと作品の構造を丁寧に仕上げていく知性が感じられる。
第２集はブラームスの第３番及びドヴォルザークの第８番で、やはり作品番号を逆に辿っていく方法をとっている。
ドヴォルザークが2018年2月、ブラームスが同年5月のライヴ録音で音質は極めて良好。
客席からのノイズもなく、SACDのきめ細かい透明感のある音質が再生される。
フルシャはオーケストラからヴィブラートを除いてハーモニーを純正に保つ訓練をしていると思われる。
純正調の無類に力強く重厚な和音とその響きの美しさは、特にウィンド、ブラス・セクションに表れている。
ブラームス冒頭から第２楽章にちりばめられたアンサンブル、第３楽章で木管のユニゾンで繰り返されるテーマや、終楽章でのブラスが加わって静かに終わるコーダに至るまでが精緻でありながら説得力を持ったサウンドで構築され、音楽的迫力とは決して音量のダイナミズムだけではないことを証明している。
一方ドヴォルザークはフルシャのお国物だが、ここでも熱狂的なナショナリズムの噴出ではなく、あくまでもブラームスから多大な影響を受けたロマン派の作曲家の作品としての解釈がある。
スラヴ的なエレメントが剥き出しになるのではなく、何よりも交響曲の体裁がしっかり整えられ、作曲家のオーケストレーションへの創意が非常にすっきりと再現された演奏だが、終楽章のブラスの惜しみない咆哮も忘れてはいない。
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2019年07月17日
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ソニー・クラシカル・マスター初回限定生産廉価盤シリーズのひとつで、ルービンシュタインのブラームスが９枚のＣＤに収められている。
ただし２曲のピアノ協奏曲を含むソロ用の作品は最初の３枚のみで、残りの６枚は総て他の協演者とのアンサンブルになる。
ブラームスの大規模な管弦楽作品の数はそれほど多くないが、室内楽に関しては曲数もさることながら、その種類の豊富さと質の高さでも驚くほど充実している。
この内省的な作曲家が、それだけ精力を傾けて開拓した分野が室内楽だったとも言えるだろう。
ルービンシュタイン自身も全盛期の頃から積極的にアンサンブルに取り組んで、幸い多くの録音を残してくれた。
ここでは彼がリーダーシップをとった、しかし巧みな調和とバランスを保った秀演の数々を鑑賞できる。
いずれもステレオ録音だが、ピアノ協奏曲第１番はフリッツ・ライナー指揮、シカゴ交響楽団による１９５４年の収録で、一方第２番はヨゼフ・クリップス指揮、ＲＣＡビクターとの１９５８年の旧録音になる。
この頃、既に円熟期にあった巨匠のダイナミックで奔放とも言える演奏が聴きどころだ。
また晩年に採られたソロのための小品では、角のとれた淡々とした情緒の中にも、秘めた情熱が込み上げてくるような表現は彼の解釈のひとつの境地を感じさせずにはおかない。
尚ピアノ・ソナタは第３番ヘ短調のみを入れている。
このセットの後半は、シェリングとの３曲のヴァイオリン・ソナタ、ピアティゴルスキーとの２曲のチェロ・ソナタ、そしてシェリングにチェロのフルニエが加わった３曲のピアノ・トリオ、グァルネリ四重奏団のメンバーと組んだ３曲のピアノ・カルテット、更には同四重奏団のフル・メンバーによる作曲家唯一のピアノ・クインテットなど、室内楽の代表作が目白押しだ。
確かにルービンシュタインがクラリネットとのアンサンブルを残さなかったのは惜しまれるが、このボックス・セットは彼の充実した室内楽の記録として充分な価値を持っている。
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2019年07月01日
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学生時代、東京の神田にあった行きつけのレコード店の主人の助言で買ったモーツァルトのクラリネット五重奏曲のＣＤは、レオポルト・ウラッハとウィーン・コンツェルトハウス四重奏団のものだった。
いくらか大時代的な響きのする録音から聞こえてきた彼らのモーツァルトは、限りなくしっとりとしたレガート奏法による、天上の音楽のようだった。
後にアルフレート・プリンツとウィーン室内合奏団の演奏を聴き、あの時の記憶が蘇ってきて、彼がウラッハの高弟だったこともその時に知った。
プリンツのテクニックは師匠のそれよりモダンで精緻ではあるが、紛れも無くウラッハ流であり、脈々と受け継がれているウィーン奏者の伝統に深い感慨を覚えた。
彼の柔らかく、練り上げられた滑らかなクラリネットの音質は、決して押し付けがましいものでなく、モーツァルトのこの名作を飽くまでもウィーン風にこだわった演奏で満喫することができる。
２曲目のブラームスでもウィーン室内合奏団の演奏は、作曲者晩年の室内楽に漂う寂寥感やある種の諦観をないまぜにしながらも、あからさまに感情を吐露するのでなく、それをあくまでも洗練されたウィーン趣味に昇華させ、幽玄とも言える印象的な音楽作りで魅了する。
プリンツのクラリネットは弦楽と一体になって溶け合い、ある時は谷間から立ち昇る霧のように現れ、またある時は影のように消えていく。
ＵＨＱＣＤ化された同録音の音質の変化については、先ず音量のボリューム自体が大きくなっているが、これはリマスタリングによる結果かもしれない。
このシリーズは先ず音源のリマスター処理から行われるようだ。
ただ音量の違いだけでなく、それぞれの楽器の音質が一層クリアーになっているのもはっきり聴き取ることができる。
その結果、演奏者が一歩前に出たような臨場感が得られ、ここでは特にプリンツのクラリネットとヘッツェルのヴァイオリンの音色がこれまでになく艶やかに再現されている。
１曲目のモーツァルトでは第２楽章のヴァイオリン・ソロによって繰り返される下降音形を聴き比べると旧盤より明らかに音質が潤っている。
また第３楽章のメヌエットのトリオ部分と終楽章でのクラリネット・ソロは、芯のある立体的な音像がイメージできる。
２曲目のブラームスについては廉価盤で若干感じられた曖昧模糊とした雰囲気が払拭されて、より明瞭で繊細な音質に変わった。
特にヴァイオリン・パートの鮮明さは旧盤では聴くことのできなかったものだ。
全体的にみて今回のＵＨＱＣＤ化には肯定的な印象を持つことができたというのが正直な感想だ。
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2019年06月21日
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若いブラームスのロマン溢れる室内楽も胸が熱くなるが晩年のブラームスは格別である。
ベートーヴェンの影から完全に解き放たれ、吹っ切れた爽やかな境地で思うままに作曲している。
アルフレート・プリンツの控えめな表情でありながら流れるように良く歌う演奏は誠に素晴らしい。
プリンツはクラリネット独特の柔らかい魅力のある音色を生かしながら、この２曲をゆとりを持って演奏している。
曲想により音色が時に明るく、時に影を見せながら変化していくが、実に柔らかく絶妙の味わいである。
渋い表情が美しく、晩年のブラームスの淋しい心境を暗示するようだが、同時に激しさもあり、なかでも２曲の緩徐楽章が溺れることなくよく歌っていて見事だ。
変ホ長調の第３楽章も切々たる味わいがあり、変奏の進め方には知的なものが感じられる。
ブラームスの特徴である多声部の重厚な音楽造りはなく、一見簡素かつ軽妙でありながら深みがあり、２曲とも力みかえったところのない好感の持てる演奏だ。
そこで、このプリンツとカール・ライスターの３度目の録音を聴き比べてみた。
この２人のクラリネット奏者はそれぞれウィーン・フィルとベルリン・フィルの首席奏者を長い年月に亘って務め上げただけに、奇しくも彼らの演奏自体がこのふたつのオーケストラの性格を象徴しているのが興味深い。
ライスターの演奏は手堅い質実剛健なもので正確無比、一方プリンツのそれは繊細なニュアンスと開放感に満ち、どこまでも優雅さを崩さない。
ブラームス晩年の透徹した寂寥感の表出や厳格さではライスターが、また心情の機微に触れるようなメランコリックな表現や幽玄とも言える佇まいにおいてはプリンツが優っている。
音色について言えば、勿論両者の奏法の相違だけでなく、彼らの使っている楽器のメーカーが異なっていることは想像に難くないが、その点については筆者自身殆んど知識がないので言及できない。
ライスターの音色はやや暗く、くっきりとした輪郭を持っているのに対してプリンツのそれはより明るくてオープンだ。
ピアノ・パートはブルガリア出身のピアニスト、マリア・プリンツが受け持っているが、ソロを充分に歌わせるだけでなくブラームスの重厚でピアニスティックな書法も良く再現していて好演。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年05月29日
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１９９２年に不慮の事故のために５２歳で急逝したウィーン・フィルのコンサートマスター、ゲアハルト・ヘッツェルの最初で最後のソロ・アルバム。
同フィルの来日公演でも要となって活躍し、わが国でも敬愛されたこのヴァイオリニストの今となっては貴重な形見だ。
しかし、ただ単にそうした意味ばかりではなく、演奏そのものがブラームスのヴァイオリン・ソナタの音楽の特質を余すところなく引き出した味わい深い名演だ。
長年アンサンブルで活躍していた人らしく、ヴァイオリンとピアノが主従関係にならず、あくまでもデュオとしての音楽が奏され、自然で抑制された室内楽本来の楽しみがここにはある。
演奏家の個性や主張を前面に出した表現ではなく、ブラームスの書いた音楽の流れに沿った、ごく自然体のアプローチと弦のしなやかな響きが身上だろう。
だから強烈な個性や濃厚な演奏を期待する人にはもの足りなく感じるかもしれない。
だが控えめでさりげない表現の中にも、どこからかウィーン・フィルの音が聞こえてくるような演奏で、そのあたりにウィーンで活動を続けたヘッツェルならではの音色と歌心の魅力がある。
純粋で瑞々しいロマン性が慎ましく形式の枠に収められているブラームスの音楽の在りようが、清らかな美音と様式感を大切にした節度ある歌い込みによって見事なまでに表出し尽くしているのである。
決して押し付けがましい趣味ではなく、あくまでも洗練された奥ゆかしい、彼自身の人柄から滲み出てくるような音楽で、過剰でない抒情と抑えた静かな情熱とが心を打つ。
ピアノはウィーン出身のヘルムート・ドイチュで、抑制の効いた品のある表情豊かな音楽作りと、潤いのある音色でソロを巧みに支えて秀逸。
ヘッツェルはオーケストラの一員としてのコンサート活動の他に、気の置けないウィーン仲間と組んだウィーン室内合奏団とのアンサンブルの録音を数多く遺している。
但し、純粋なソリストとしてＣＤ化されたセッションは、このブラームスとナクソスから出ているバルトークの２曲のヴァイオリン協奏曲くらいだ。
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2019年05月12日
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第１、４番が１９５８年、第２番が１９５４年、第３番が１９５６年に録音されたベイヌム畢生の名演。
ベイヌムは１９０１年アルンヘム（アーネム）に生まれ、１９５９年アムステルダムでブラームスの《交響曲第１番》をリハーサル中に亡くなったオランダの名指揮者である。
長らくオランダの名門コンセルトヘボウ管弦楽団の首席指揮者として活躍してきたが、ステレオ録音が本格化した矢先に、しかも指揮者としてはこれからが円熟期という５８歳の若さで急逝した本当に惜しまれる指揮者であった。
コンセルトヘボウ管弦楽団はメンゲルベルク一代で世界屈指の名門オーケストラに育て上げられたが、第２次大戦中のナチスとの関係によりメンゲルベルクは戦後、楽壇から追放されてしまった。
そこで名門オーケストラの再建という重い課題が４４歳のベイヌムの肩にのしかかってきたわけだが、彼はただ単にオーケストラを立て直しただけでなく、コンセルトヘボウ管弦楽団を近代的な機能美と柔軟で英雄的な表現力を併せ持つオーケストラへと脱皮させ、新たなる名演の時代を作り出した。
バッハ、ヘンデルからドビュッシー、シベリウス、バルトークさらにはストラヴィンスキー、ブリテンに至る幅広い作品で名演を聴かせたベイヌムだが、オーソドックスなブラームスの交響曲は最も定評が高かったもので、今なお輝きを失ってはいない。
作品を正面からとらえた恰幅豊かな演奏ながら、リズムの切れがよく、フレーズも実に明快に歌われており、鮮度高く、フォーカスもシャープで全く色褪せていない。
骨格がしっかりと据えられた骨のある演奏で、洒落っ気はないが、真の誠実さ、謙虚なる客観性に火がつくとどんなに凄いことが起きるかをまざまざと体験させてくれる。
ベイヌムは目立たない指揮者、とちらかと言えば職人肌の指揮者だったが、第１番終楽章に聴かせるバロック的壮麗さなど、他のどんな名指揮者も実現させ得なかった熱い興奮へと誘う気迫が充満、往時の名声のほどをしのばせる。
定評ある第１、４番はもとより、他の２曲も充実し、最晩年の録音となるが、この時期のベイヌムの演奏には死の淵を垣間見せるようになっており、音楽性の上でさらに奥行きを見せ始めたことを実感させる。
さらに特筆されるべきは１９５０年代のコンセルトヘボウ管弦楽団の優秀さであろう。
オーケストラが充実、安定感溢れる力強いサウンドの魅力に加えて演奏全体に漲る積極性と躍動感に魅せられる。
響き全体に風格があり、アンサンブルは格調高く、しかも折り目正しく、ソロには威厳があって、オーケストラそれ自体が一つの芸術品であることがよく分かってくる。
またオーケストラ・サウンドに豊かなブレンド感がありながら、各セクションそれぞれに独自の色と香りがあり、それらが混濁することなく見通しのよいアンサンブルを編み上げていくあたりも出色である。
もちろん世界最高の音響特性を誇るコンセルトヘボウでの収録だが、半世紀以上前の録音からもホールの優秀さが感じ取れるというのは、考えてみれば奇跡のような事件であり、なるほどホールも楽器だと再確認させられる。
名演奏家の数だけ名盤が存在するが、不幸にして聴き手が出会える数は限られているので、このセットは大切だ。
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2019年04月14日
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ジネット・ヌヴー(1919-49)の録音集は既にコンプリート・スタジオ録音4枚組がドキュメンツからリリースされているが、ヴェニアスによってライヴを含めた彼女の1938年から49年までの音源が、よりインテグラルな形で纏められた。
1935年のヴィエニャフスキ・コンクールで僅か15歳だったヌヴーが26歳のダヴィッド・オイストラフを抑えて優勝したエピソードは両者のキャリアが語られる時、必ずと言っていいほど引き合いに出されるが、実際にはこの２人の演奏スタイルはデュオニュソスとアポロンに喩えても良いほど異なっている。
少なくともこの時期のヌヴーは強い感性に導かれるままに演奏しているように思える。
それは天才だけが成し得る技には違いないのだけれど、一方でオイストラフはクラシックの将来の演奏様式を先取りするような個性の表出を避けた高踏的な解釈が特徴だ。
残念ながら彼女は円熟期を迎えることなく夭折したので、その後どのような演奏を開拓したかは知る由もない。
しかしここに示された作品にのめり込むような濃密な情念はヌヴー若き日ならではの奏法だ。
しかも彼女は、当時としても稀有な、音楽に対する烈しい情熱と深い洞察力、解釈を構成する夥しい精神と明晰な知性をそなえており、並外れた自発性と詩的感覚がそれを支えている。
このようなテンペラメントは確実な技巧と結びついて、スケールの大きい、力強い演奏を生み出した。
彼女がベートーヴェン、ブラームス、シベリウスの協奏曲で、戦前からの巨匠に伍して充実した演奏をしたのもそのためである。
中でもイッセルシュテット、北西ドイツ放送交響楽団のサポートによるブラームスは白眉で、何かに憑かれたような激しさが聴く者を圧倒する。
２年前のスタジオ録音も構成力と感情表現のバランスが見事であったが、それに比べてライヴ録音の緊張感が演奏にいっそうの輝きを与えていて、臨場感があり、高揚した精神が演奏の隅々まで行き渡っている。
その反面、第２楽章では旋律を優美に歌わせて優美な情感を引き出している。
それはあたかも短く燃え尽きる彼女の人生を予感しているようで感慨深い。
ドラティ、ハーグ・レジデンティ管弦楽団のサポートによるブラームスは、３種類ある彼女の録音の最後であるが、彼女の演奏がますます充実してゆくのがよくわかる。
ブラームスのロマンティシズムを健康な精神と結びつけた彼女の解釈は、この曲の理想的な演奏を生み出している。
ロスバウト、南西ドイツ放送交響楽団のサポートによるベートーヴェンでも、彼女の力強い個性は、雄渾な解釈で、この音楽にあらゆる面から迫っている。
第２楽章の優美な表情は、彼女の幅広い、そして深い感情移入を示している。
ジュスキント、フィルハーモニア管弦楽団のサポートによるシベリウスも素晴らしく、この曲のロマンティシズムを線の太い解釈で豊かに表現し、テクニックもしっかりとしており、現在もこの曲の代表的な演奏の１つである。
得意としたフランス近代音楽でも、彼女は決して感覚的な魅力を求めていない。
ここに収められたショーソン、ドビュッシー、ラヴェルの音楽は、豊かな感情を伴って聴き手に語りかける。
今日でも、３０歳でヌヴーほどの存在感を持ったヴァイオリニストは思い当たらないし、彼女は、他のヴァイオリニストが４０代、５０代で到達する精神的な深さを獲得していた。
それだけに、遺された録音を聴くことは大きな幸福であり、それは常に畏敬と驚きを喚び起こす。
彼女の芸術は、彼女の性別・年齢を超えて訴えかけるし、また、大曲、小曲にかかわらず、彼女の演奏は充実していて、�狄燭侶歃儔鉢瓩箸枠狃�に対して使われる言葉である。
ヌヴーはモーツァルトのように短い生涯を駆け抜けたが、あるいは彼女の生涯を見越して天がこのような充実感と完成度を与えたのであろうか。
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2019年04月12日
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カッチェンのピアノ、スークのヴァイオリン、シュタルケルのチェロという名手によるブラームスのピアノ・トリオは音楽的な美しさから言えば現在でも第一線に挙げられる演奏だ。
１９６７年から６８年にかけての録音であるにも拘らず、三者の楽器の音色を生々しく捉えた臨場感のある音質は、当時のデッカの技術水準の高さを証明している。
特に音色の美しさではこのトリオは群を抜いて素晴らしく、また彼らの高い音楽性は馥郁とした薫りを放っていて、聴き手に幸福感をもたらしてくれる。
初めてこれらの曲を聴く方にも躊躇なくお勧めできる。
この３人のコンビの演奏の特色は、ピアノ中心の情感豊かな演奏ということになるだろう。
カッチェンの並外れた演奏技術と音楽の大きさがそうさせるのだろうが、ピアノがやや勝ちすぎの感がなくもない。
ソロの演奏ではエネルギッシュで爽快な印象のあるカッチェンだが、それでもこうしたアンサンブルでは驚くほど抑制を効かせたピアノ・パートに徹している。
トリオ第１番の冒頭の溜息をつくようなピアノの導入に、静かに歌いだすシュタルケルの第一声と、それに重なるスークのヴァイオリンがなんとも素晴らしい。
また第３番のようなドラマティックな曲想の再現でも、彼らはよりリリカルな表現を基本にしているようだ。
ＣＤ２枚目の後半では、シュタルケルとのチェロ・ソナタ第２番が入っている。
カッチェンの早過ぎる死によってもう１曲のソナタが録音されずじまいになったのは残念だが、シュタルケルは１９７８年にジェルジ・シェベックと全２曲のソナタを再録音している。
最後に収められているヴァイオリンの為のスケルツォは、シューマン、ディートリヒとの共作によるヴァイオリン・ソナタの第３楽章をなすもの。
カッチェンがスークと１９６７年に録音したブラームスの３曲のヴァイオリン・ソナタと時を同じくして行われたセッションのものと思われるが、おそらく収録時間の関係でこちらに入っているのだろう。
カッチェンとシュタルケル、カッチェンとスークの二重奏は録音が古いためか、弦よりもピアノが前面に出てきて、カッチェン主役の傾向を一段と強めている。
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2019年03月03日
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ブラームスの交響曲第1番はブロムシュテットが我が国でも実演を何度と無く繰り返している十八番レパートリーだが、CDでは初登場のレパートリーとなる。
シュターツカペレ・ドレスデンのブラ1というのも、意外と少なくこれまでザンデルリンクだけではないだろうか。
演奏は誠実そのもののブロムシュテット流で、はったりこけおどし一切無しでここまで説得力がある名演はそうそうない。
氏も「いずれも現在の私の解釈とは全く異なるものの、ドレスデンとの美しい想い出の記録」とリリースを許可した。
冒頭からシュターツカペレ・ドレスデン特有の荘重なサウンドが響き渡る。
ブロムシュテットはオーケストラの持ち味を最大限に発揮させる指揮者だが、ここでも彼らの華美にならない音色が落ち着いたテンポ設定によって生かされている。
安直に言ってしまえば正統派以外の何ものでもないのだが、決して凡庸という意味ではなく、全曲に通じる構成力の確かさやダイナミズムの鮮やかな変化は、この作品に新しい生命を吹き込んでいるような生気を感じさせる。
第2楽章での硬質な抒情が歌われる中で、後半ペーター・ダムのホルンに支えられたコンサート・マスター、ペーター・ミリングのヴァイオリン・ソロも輝いているし、終楽章のコーダに向かって緊張を高める求心力も見事だ。
ブロムシュテットはこれまでに2種類のベートーヴェン交響曲全集を始めとして、シューベルト、ブルックナー、ニールセン及びシベリウスなどの交響曲全曲録音を果たしてきた。
しかしブラームスに関しては同じオーケストラでの全集はなく、第1番をシュターツカペレ・ドレスデン、第2番及び第4番はライプツィヒ・ゲヴァントハウスとの音源が存在するが、第3番が欠けている。
理由は分からないが、機会に恵まれなかったのだろう。
尚この音源は2009年にリリースされたディスクのリイシュー盤になる。
ライヴなので客席からの雑音が若干入っている。
録音状態はオン・マイクで採った良好なもので、それぞれの楽器のパートごとのアンサンブルも明瞭に聴き取れるが、全体的なバランスにやや偏りがある。
例えば中低音は豊かだがいまひとつ焦点がぼやけている。
またブラス・セクションに比較して弦楽の高音部が多少弱い。
これは当時使われた演奏会場、ドレスデンのクルトゥーア・パラストの弱点だろう。
1969年開場の1400名収容多目的ホールで大戦末期に空襲で大破したゼンパーオーパーが85年まで修復工事で閉鎖されていたので、クラシックのための音楽ホールとしても急場凌ぎに使われていた会場だ。
セッションであればルカ教会が理想的だが、録音データを見ると1991年6月7日のライヴなので、復帰したゼンパーオーパーはオペラ公演で塞がっていたのかも知れない。
現在このクルトゥーア・パラストも５年間かけて大改装され、2017年に大オルガンを装備した専用の音楽ホールとして再オープンしてドレスデン・フィルハーモニーの活動の本拠地にもなっている。
ブロムシュテット本人による英語、日本語、ドイツ語のライナーノーツも嬉しく興味深く読める。
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2019年02月10日
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オットー・クレンペラーはブラームスの最高の解釈者のひとりであった。
晩年の彼は、やや速めのテンポで音楽から揺るぎない構成を引き出し、強い精神力でそれに生命を与え、豊かな情感で充実させていく。
最初は意識させないのに、気がついた時には、聴き手は彼の解釈と一体になっている自分を発見する。
これは、クレンペラーがステレオの最初期、１９５５〜６２年にかけて録音したブラームスの集成で、４枚に全曲を収め、ロープライスに抑えたのが魅力だ。
クレンペラー独特の古雅な風格をもったブラームスで、何回ものセッションを費やして完成された交響曲全集は、壮大・峻厳な趣を持ち、重厚な響きで確信に貫かれた演奏が作られている。
一瞬のゆるみもない緊張と力に支えられた端正な演奏の中から、ブラームスの苦渋とロマンが湧き上がり、もはやこのような表現は、現今の指揮者には望むべくもない。
ところでブラームスにも若い時代があったのだろうが、白髭を生やした姿しか思い浮かばないし、彼の交響曲にもそんな老いの表情が打ち消せない。
しかしそこには厳父の孤高さと慈父の柔和さが滲み出ており、雄渾でありながら包容力に富むひびきが聴きとれる。
また思索をどこまでも深くめぐらせる賢人か哲人といった風貌をただよわせ、預言者的な風格すらおびている。
宇宙の奥義を究めたようなその教えは、いくぶん神秘的で晦渋かも知れないが、噛めば噛むほど味わいの増す知恵に満ちている。
クレンペラーの演奏は、些事に拘泥せず、ブラームスのそうした味わい深いひびきの世界を悠揚迫らぬスケールの大きさで描き出しており、その感動は震撼的ですらある。
『ドイツ・レクイエム』は悠揚迫らぬ骨格の太い、すこぶる腰のすわった重厚な表現で、伝統的なドイツの演奏スタイルをそのまま伝える名演である。
クレンペラーの包容力の豊かさが各章に感じられ、その重量感はまさしく巨造建築を仰ぎみているようだし、ブラームスへの畏敬の念に満ちている。
正統、かつ重厚で、その内面の深さは量り知れない、まさに１９６０年代を代表するブラームスの演奏様式というべきだろう。
現在のブラームス演奏からは隔たっているかもしれないが、頑固なまでに自己の信条に忠実だったクレンペラーの融通の利かない反時代性が、この１９６１年録音から、いま鮮明によみがえる。
彼の解釈が最高に発揮された名演で、堂々たる歩みの中に威厳と深い悲哀をたたえた演奏は、聴く人を感動させずにはおかない。
独唱者たちもクレンペラーの解釈を忠実に守り、その意図を体現した隙のない好演で、声の美しさと内面的な深さで光る。
シュヴァルツコップの歌唱は、肺腑を突き、フィッシャー=ディースカウも敬虔いっぱいのブラームスを聴かせてくれる。
『アルト・ラプソディ』は、クレンペラーがブラームスにふさわしい重厚な表現でじっくりとオーケストラをまとめているし、ルートヴィヒも体の深部からあふれ出るような苦汁に満ちた声で共感を込めて歌い上げている。
それだけに第１部では、ゲーテが冬のハルツの旅に伴った青年プレッシングの苦悩がひしひしと伝わってくるし、また厭世的な若者の心の救済を願う第２部にも深い祈りが込められている。
『ドイツ・レクイエム』『アルト・ラプソディ』ともに合唱団の歌い込みも充分である。
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2019年01月25日
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スメタナ四重奏団によるブラームスの録音は意外に少なく、ここに収められた２曲の弦楽六重奏曲のほかには弦楽四重奏曲第３番変ロ長調とクラリネット五重奏曲ロ短調があるだけで、しかもそれらの２曲はいずれも１９６０年代のもので、その後再録音の機会には恵まれなかったようだ。
一方こちらの六重奏曲のほうは１９８７年のディジタル録音になり、コチアン四重奏団のメンバーに第２ヴィオラとしてシュカンパ、第２チェロにコホウトが加わるという変則的なメンバーによる演奏だが、アンサンブルの完璧さでは他の追随を許さないものがある。
コチアン四重奏団は１９７２年にコホウトの指導の下に結成され、スメタナ四重奏団とは師弟関係にあり、室内楽の国チェコの良き伝統が、美しく受け継がれていく様子を綴った偉大な記録と言えよう。
多彩な音色の変化と、アンサンブルの緊密さに抜きん出た優れた演奏で、彼らが着実に成長していた印象を深める。
今回ブルー・スペックＣＤでこの名演がリニューアルされ、以前にも増して本来の弦の音色を再現できるようになったことは評価したい。
コチアンの４人にヴィオラとチェロを加えたこの六重奏は、流石にアンサンブルの妙味を見せて、しっくりとまとまって、厚みがあり、微妙な色合いの変化もある見事な室内楽と言って良い。
彼らが特に秀でているのは、６人が同等の立場でお互いのパートを細心の注意を払って聴き合い、絶妙な音楽の流れを創りだすところにある。
どちらも穏やかな中にも隠された情熱と緊張感を孕んだ楽想が支配的だが、それだけに低音を受け持つスメタナ四重奏団の２人には、ことさら曲想が重苦しくならないようにするための格別な配慮が感じられる。
そこには殆んど祈りにも似た静謐と安堵の世界が広がり、一種幽玄のたたずまいを呈しているといっても過言ではない。
こうしたところにもブラームスのアンサンブルの醍醐味があることを改めて納得させられる演奏だ。
特に第１番は音色ばかりではなく、様式感においても統一のとれた解釈に基づいており、旋律を歌わせるときのこまやかな情感はこの曲の抒情性に最適だ。
曲自体がシンフォニックに傾く第１番では耳に優しい室内楽として再現しているのに対し、第２番では味を濃くつけて熱っぽく弾いている。
ブラームスの手掛けた一番大きな編成の室内楽曲が、この２曲の弦楽六重奏曲で、第１番は２７歳の１８６０年に、第２番はその５年後に完成した。
この弦楽六重奏という形式は、弦楽四重奏にヴィオラとチェロをだぶらせたもので、音響的には中、低音域が厚すぎて扱いが難しいため、あまり取り上げられることのない形式であった。
ブラームスは、先輩ベートーヴェンでさえ手を染めなかったこの形式に挑戦して、輝かしい成果を収めたのである。
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2019年01月21日
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ブロムシュテットは同一のオーケストラとのブラームスの交響曲全集をまだ完成させていないし、第３番に関しては録音自体見当たらない。
第１番はシュターツカペレ・ドレスデンと、第２番及び第４番はゲヴァントハウスとの音源があるが、それらの中ではこのディスクに収録された第４番だけがセッション録音で、他の２曲はいずれもライヴになる。
データを見るとCD1が1996年に彼ら専用のコンサートホール、ゲヴァントハウスで収録され、CD2の方は1989年にサン・フランシスコのデイヴィス・シンフォニーホールでの録音だが、どちらも音質的には当時のデッカとしては意外にも凡庸の域を出ていない。
鮮明さと臨場感を期待して聴いたからかも知れないが、オフ・マイクぎみに採ったオーケストラはやや精彩を欠いている。
これはあくまでも録音状態から判断する評価で、前者はブロムシュテットがゲヴァントハウスの首席指揮者に就任した年のお披露目の演奏でもあり、彼らの力強く生き生きとした意欲を感じさせるだけに惜しまれる。
むしろ１枚目後半にカップリングされたパウル=ゲルハルト教会での３曲のコーラス作品の方が明瞭な音質が得られている。
サン・フランシスコのホールは当初から音響に問題があったようだが、これは改修以前の録音のためかサウンドにいまひとつ厚みがない。
ゲヴァントハウスのような古い伝統を引っ提げた楽団は、どんな曲目を演奏しても自ずとその貫禄を感じさせるが、このブラームスに関して言えば決して重苦しいものではなく、第１楽章冒頭はむしろフレッシュで苦悩から解放されている。
こうした演奏様式が開拓し尽くされたクラシックの名曲はあらゆる指揮者があらゆるオーケストラと挑戦するが、スコアに忠実であろうとすれば退屈になる恐れがあり、また過去の名演の向こうを張って個性を強調しようとするとブラームスの様式から乖離してしまう厄介なレパートリーでもある。
ブロムシュテットはブラームスの様式からは決して逸脱しないが、そこに可能な限り現代的センスとダイナミズムを持ち込んでロマン派の壮麗な音楽を聴かせる。
彼の解釈には閃きだけでなく周到な準備とオーケストラへの非凡な統率力が窺える。
２枚目のサン・フランシスコ交響楽団及び合唱団によるオーケストラ付コーラス作品は、意外にもブロムシュテット初のブラームスで、ゲヴァントハウスほどの重厚さやくっきりとした造形美にはやや欠けるが、几帳面で堅実な手法に加えて明るい響きと自由闊達な物語性の表現がドイツ的ロマンスを体験させてくれる。
『悲歌』は何という深い哀しみを湛えたブラームスだろう。
人間の根源にある悲しみと憧れを深々と歌い上げた演奏だ。
『運命の歌』ではブラームスの想念の凄さが、重い歩みのなかに切実感をもって聴く者に迫る。
『アルト・ラプソディー』でソロを歌うオランダ人の新進メゾ・ソプラノ、ジャード・ヴァン・ネスは、スケールは大きくないが手堅い歌唱で好感が持てる。
他の曲においても、ブラームスへの全身的共感がブロムシュテットのなかから噴き出ており、オケと合唱団がこれに全幅の信頼をもって反応している。
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2019年01月09日
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2016年にバンベルク交響楽団の首席指揮者に就任したチェコの俊英ヤクブ・フルシャがブラームスとドヴォルザークの交響曲集の制作に着手した。
その第１集が両作曲家の最後の交響曲を２枚のハイブリッドSACDに収録した当アルバムで、ディスクの音質の良さもさることながら彼らの一糸乱れぬアンサンブルとオーケストラの音響の見事さが傑出した演奏だ。
バンベルクはベルリン・フィルのようなスター・プレイヤーの華麗なサウンドで魅了する楽団ではないし、ここで感知されるようにむしろ首席奏者達の音色は地味な方だ。
しかしながらフルシャの創り出す混濁のない精緻なハーモニーの美しさはドイツの中堅オーケストラとしてはおそらくトップ・クラスだろう。
彼らが是非この新企画を完成させてくれることを期待したい。
SACD化によって高音の伸びが非常にきめ細かく再生される。
特にトライアングルの繊細で軽やかな響きが心地良い。
録音データを見て驚いたのは、ドヴォルザークは筆者自身が偶然予約していた一昨年秋のコンツェルトハレでの定期演奏会のライヴ録音で、当日聴いた演奏がテイクされていたことだ。
その時はフルシャのもうひとつのお国物、スメタナの『モルダウ』がプログラムに入っていた。
彼は若手であるにも拘らず覇気で通すタイプではなく、オーケストラに隅々まで計算された丁寧な指示を与え、しかも第１楽章第２主題で大胆なラレンタンドをかけるなど自由闊達なドヴォルザークを表現しているという印象で、それは彼らの緊密なコラボの賜物だろう。
一方ブラームスの方は同年５月の収録で、こちらはセッションのようだ。先ず冒頭の瑞々しくしなやかなサウンドに耳を奪われる。
端正でかなり几帳面だが冷徹さはなく柔軟な音楽性に特徴があり、ブラームスにしては辛気臭くない明るい演奏だ。
第２楽章で聴かせるカンタービレや第３楽章での歓喜、終楽章の堂々たるパッサカリアには絶妙な節度がある。
このあたりにもフルシャの知性的でモダンな解釈が窺われ、将来への期待が持たれる有望な指揮者であることが理解できる。
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2018年12月20日
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マウリツィオ・ポリーニ若き日のブラームスのピアノ協奏曲集で、第１番がカール・ベーム指揮ウィーン・フィルとの１９７９年の録音、第２番がクラウディオ・アバド指揮ウィーン・フィルとの１９７６年の録音になる。
国内盤では以上２曲のみの収録だったが、輸入盤には更にベーム指揮ウィーン・フィルの演奏でハイドンの主題による変奏曲と悲劇的序曲が収録されている。
ポリーニが協奏曲を集中的に録音していた時期の演奏であり、第１番で当時３７歳の彼は老練なベームの指揮を得て、のびのびとしたソロを聴かせる。
透徹したタッチで弾き進めるポリーニは、冴えたテクニックを披露しながら、ブラームスのシンフォニックな協奏曲に対して明晰なアプローチを示す。
ニュアンスの与え方が細部まで丁寧であり、作品の持つロマンティックな叙情美を見事に浮かび上がらせたその演奏は、現在においても新鮮な魅力を放つ。
一方、ベームの端正にして気品を保った指揮は、オーケストラから情感豊かな表現を引き出すと共に、温かな眼差しをもって、ポリーニのピアノを着実に支えている。
ベームの指揮から生まれるウィーン・フィルの音色には練り上げられた滑らかさと落ち着いた光沢があって、それがこのピアノ協奏曲第１番の冒頭のような激しく高揚する緊張感を表現する時でも決して損なわれることなく、常に鷹揚で気品のある風格を保っている。
彼の指揮にはブラームスの音楽の内部から溢れ出す激情をことさら誇張せずに楽想自体から自然に生み出されるエネルギーをそのまま引き出している必然性が感じられる。
また常に自然体でありながら感情の機微を伝える術を知っていた数少ない指揮者の一人だった。
一方第２番はアバドの指揮に替わるが、彼はポリーニのとても相性の良いパートナーであり、第１番とは対照的にこの曲の持っている叙情性を最大限生かしたリリシズムに満ちた解釈が聴き所だ。
オーケストラのカンティレーナの美しさやナチュラルでしなやかな感情の起伏など、哲学的な深刻さよりもむしろ平明かつ流麗でしかも張りのあるダイナミックで視覚的な表現の選択はイタリア人指揮者ならではのものだ。
この頃のポリーニには、現在の彼にはもはや求めることのできない恐ろしく強靭な集中力と人間離れしたテクニックの冴えがあった。
そうした条件が見事に一体化したこの演奏は、瑞々しい歌と白熱した緊迫感に溢れる名演になっており、特に第１、第２楽章の輝かしい表現は、未だに新鮮で圧倒的なアピールを保ち続けている。
ポリーニの能力の並外れた点は曲全体を客観的に俯瞰することによってその構造を確実に把握し、聴く側に一切の曖昧さを排した一点の曇りも無い明瞭なイメージを伝えるところにある。
その為には細部の表情付けに拘泥することは避け、一種の冷徹さを持って演奏を推進していく。
良く言われる輝かしく彫りの深い表現というのは決して彼の明晰で精緻な打鍵のみを指しているのではなく、この奏法をあくまでも表現手段として用いた頭脳的な曲作りに彼の本領が発揮されている筈だ。
ポリーニの音楽には陰影に包まれた憂愁の美といったものは期待できないが、彼が伝統的なドイツのピアノ音楽を完全に手中に収めているのはこうした理由からだろう。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2018年09月08日
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ワーナーでは昨年フルトヴェングラーのベートーヴェン交響曲全集のバジェット・ボックスをリリースして、それまで決してリーズナブルとは言えなかったEMI音源の個別売りやセット物がひとつに纏められた。
これはその第２集に当たり、ブラームスの４曲の交響曲及び３曲の協奏曲の他にハイドンの主題による変奏曲、ハンガリー舞曲集と『ドイツ・レクイエム』を６枚のCDに収録している。
ブラームスの音楽は、古典的な特質に重点を置くか、それともロマン的な特質を重視するかで表現がかなり違ったものとなるが、基本的な解釈を充分抑えた上で自在な感興に任せつつ、うねるように感情豊かな音楽を繰り出していくフルトヴェングラーの自在な棒は、ブラームスのロマン的な面に重心を置いたものと言えよう。
聴きどころはSACD用DSDリマスタリングによってどれだけ音質が改善されたかで、廉価盤ということもあってそれほど期待していなかったが、概ね良好なサウンドが再生される。
当然晩年のウィーン・フィルとの共演の方が音質が良く、当時のコンサート・マスター、ボスコフスキーやブラベッツのソロを始め往年の名首席達、レズニチェック、カメシュ、ウラッハなどのアンサンブルに間接的に触れることができるのも幸いだ。
交響曲はフルトヴェングラーの戦後のライヴを集めた全集で、第１番のみウィーン・フィル、あとの３曲は手兵ベルリン・フィル。
第１番のスケール感と劇的起伏に満ちた迫力、第２番での自由な精神の飛翔、第３番における取り憑かれたような感情の激動、第４番の内と外への雄渾な広がり、と音楽の深部にまでのめり込んでの鬼気迫る名演である。
戦中のライヴになるエドヴィン・フィッシャーとのピアノ協奏曲第２番は思ったよりまともな音が保たれている。
ルツェルンとの音源は、メニューインを迎えたヴァイオリン協奏曲が２人のカリスマ性が火花を散らす魅力的な演奏だが、第１楽章の長いカデンツァは今となってはややくどい印象を否めない。
一方保存状態が好ましくないストックホルム・フィルとの『ドイツ・レクイエム』に関しては、お世辞にも良好とは言えないが、これらは別物のマスターでも発見されない限り、これ以上の音質改善は望めないだろう。
むしろ現在となっては、片っ端からSACDや高音質CDに焼き直して価格を吊り上げるより、先ずレギュラー・フォーマットのCDで気軽にフルトヴェングラーの名演に触れることの方が先決だと思う。
勿論フルトヴェングラーのファンであれば立派なコレクションとしての価値を持ったセットだ。
尚それぞれのCDにオリジナル・カバー・デザインが使用され、ライナー・ノーツにはフランスのクラシック・ジャーナリスト、ユーグ・ムソーによる新規の欧文エッセイが掲載されているが、録音データに関してはウォリット裏面にしか印刷されていない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2018年03月08日
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リヒテルのザ・マスター・シリーズの７巻目で、フィリップスとデッカのそれぞれの音源から集められたブラームスとシューマンの作品集になる。
例によってこのシリーズのライナー・ノーツには録音データらしきものはなく、謎に包まれたライヴ集なので参考までに個人的に調べた録音年月日と場所を記しておく。
その長いキャリアをセッションという形ではなく、むしろライヴに賭けた巨匠の至芸を堪能できるシリーズのひとつとしてお勧めしたい。
音質は押し並べて良く、演奏終了後の拍手は入っているがライヴに付き物の聴衆の雑音が非常に少ないのも好感が持てる。
ブラームスの２曲のソナタはいずれも１９８６年５月２７日にイタリア、マントヴァで開かれたリサイタルで、この２枚のＣＤでは唯一デッカが持っているマスターだ。
重厚な押し出しとペダルの使用を控えた彫琢するような明瞭な造形美には円熟期のリヒテルならではの味わいがある。
『パガニーニのテーマによるヴァリエーション』は第１部、第２部共に１９８８年６月１９日にフランスのメスレーで収録されたものらしい。
超絶技巧で名高い曲でライヴ録音も珍しいが、彼は全く躊躇のない恐ろしいほどの集中力で弾き切っている。
一方『バラードト短調』、『カプリッチョハ長調』、『間奏曲ホ短調』及び『ラプソディー変ホ長調』の総ては１９６６年９月８日にスイス、ロカルノのサン・フランチェスコ教会でのライヴで、この曲集では最も古い音源だが、いくらか武骨な力強さがブラームスの素朴な音楽性を良く示しているように思う。
最後のシューマンの『幻想曲ハ長調』は、１９７９年１２月１７日にドイツ、レヴァークーゼンで行われたコンサートから採られたものだ。
シューマン特有の内省的な思索がリヒテルの得意とする奏法でもあることが理解できる、あらゆる意味でバランスに長けた演奏だ。
尚このセットでは以前フィリップスのザ・オーソライズド・レコーディングスに組み込まれていたシューマンの『マーチト短調』、『ノヴェレッテヘ長調』、『４つの夜曲』、『花の曲』そして『パガニーニのカプリースによる演奏会用練習曲』が何故か選択から漏れている。
既に両シリーズ共に製造中止の憂き目に遭っているので残念だ。
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2018年02月10日
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オーストラリア・エロクエンスからの２枚組廉価盤で、ラファエル・クーベリック指揮、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団によるブラームスの交響曲全４曲を収録している。
ライナー・ノーツの録音データを見ると第１番から第３番までが1957年、第４番が1956年で、いずれもウィーンのゾフィエンザールでのステレオ・セッション録音になり、本家デッカからはCDとして初リリースのようだ。
ただし日本ではタワーレコードからヴィンテージ・コレクションでクーベリック生誕100周年記念盤として2014年に既に復刻されている。
ある程度プライス・ダウンされているところがセールス・ポイントだろうか。
早くからステレオ録音に取り組んだデッカだけあって、音質は鮮明で分離状態も良いが全体的なサウンドがややデッドで、もう少し豊かな中低音と柔らかさが欲しいところだが、これはリマスタリングの結果というより音源の持つ弱点と思われる。
クーベリックは1983年にバイエルン放送交響楽団ともブラームスの交響曲全曲を再録音しているが、先ず決定的に違うのが演奏時間で、第３番以外では第１楽章の提示部の繰り返しを省略していることもあるが、テンポの取り方もこちらの方がかなり速めになっている。
２枚のCDに収まっているのもこのためだ。
しかしクーベリック４０代前半の強い推進力が感じられても、決して尖った演奏にならないのはオーケストラの奏法に負うところが大きい。
ここでは１９５０年代後半のウィーン・フィルのこぼれる魅惑に満ち溢れており、彼はオケの自主性を重んじた柔和な音楽作りを見せる。
この頃のウィーン・フィルはコンサート・マスターがボスコフスキー、首席奏者にはフルートのハンス・レズニチェク、オーボエのハンス・カメシュ、ホルンはフォン・フライベルクという頑固なまでにウィーン流派を受け継ぐメンバーが揃っていて、クラリネットのウラッハは少し前に引退していたが、替わって彼の高弟プリンツが首席に着いていた。
若手指揮者の言うことを聞かないことで有名なウィーン・フィルでは、クーベリックも彼らに一目を置かなければならなかっただろう。
第３番第３楽章を始めとする様々な楽器によるソロの部分での彼らの培ってきた伝統的な音色と奏法による巧みなアンサンブルを聴くことができる。
白眉は快速で駆け抜ける第４番の第１楽章で、いち早く過ぎ去ってゆく情景にウィーン・フィルの面々が歌という刻印を残してゆく様は圧巻だ。
尚第１番第２楽章のヴァイオリン・ソロはボスコフスキーと思われる。
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2017年12月18日
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この4枚に収録されたデ・サーバタの演奏は、例えばブラームスの交響曲第4番第2楽章における深みのあるリリカルなカンタービレや、ベートーヴェンの『英雄』第2楽章の壮麗なしめやかさに表れている。
彼が引退後最後に公衆の前に現れたのは1957年1月のトスカニーニの葬儀の日で、当日この葬送行進曲が彼の指揮で演奏されたが、CD4でそれに先立つ1946年の同曲を鑑賞できる。
全曲を51分かけた演奏で第2楽章の17分間は最も長いが緻密な音楽設計によって弛緩のない緊張感が貫かれている。
またシベリウスでの沈潜した神秘性と熱狂、コダーイの野太さと狂乱する民族舞踏の敏捷性にも真似のできない彼独自の哲学と手法が示されていて、ベルリン・フィルも彼らの機動力をフルに稼動させて呼応しているのが聴きどころだ。
最後の『ワルキューレの騎行』の閃光が飛び交うような鮮烈なサウンドはステレオ音源で聴くことをイメージすると、その神々しさがのっぴきならないものに思われる。
モーツァルトの『レクイエム』に関してはソリスト4人が個性的なオペラ歌手であったために、過去にはこの演奏が準イタリア・オペラのように評価されたことがあった。
しかし実際にはデ・サーバタによって良く統制され、歌手達も抑制した歌唱とアンサンブルで、確かにイタリア的なモーツァルトだが決して様式から逸脱した音楽ではない。
戦中戦後のイタリアを代表する指揮者ヴィクトル・デ・サーバタ(1892-1967)は、トスカニーニ、セラフィンに続く歴代ミラノ・スカラ座の音楽監督の一人で、戦後はマリア・カラスに代表される大歌手達と共にスカラ座黄金時代を築いた巨匠であった。
残念ながら全盛期に心臓発作で引退を余儀なくされたために遺された音源は少なく、また総てが古いモノラル音源である。
録音条件とその音質の稚拙さを受け入れるならば、彼の極めて精緻でありながら振幅の広いダイナミズムとイタリア人らしいパッショネイトな指揮による、スケールの大きな表現は時代を感じさせないだけの高い音楽性の裏付けが感じられるし、それは後輩のカンテッリやジュリーニにも一脈通じるオリジナリティーと言えるだろう。
彼のオペラ及び宗教曲での名演はなんと言ってもカラス、ディ・ステファノ、ゴッビを迎えたプッチーニの『トスカ』と、シュヴァルツコップ、ドミンゲス、ディ・ステファノ、シエピとのヴェルディのレクイエムだがEMI音源なのでここには収録されていない。
このセットで唯一の声楽曲はチェトラ音源でイタリアのオペラ歌手を起用したモーツァルトのレクイエムになり、その他はオーケストラル・ワークで占められている。
勿論当時からスカラ座の音楽監督はイタリア・オペラに精通しているだけでなく、ベートーヴェンを始めとするゲルマン系の管弦楽曲にも最大限の敬意を払って積極的にレパートリーに取り入れていたので、決して彼らにとっても稀な演目ではなかった。
ライナー・ノーツによればデ・サーバタの両親は第1次世界大戦後イタリアに編入された旧オーストリア領出身で、それは彼のレパートリーにも大きく反映され、スカラ座管弦楽団を率いたベートーヴェン交響曲全曲チクルスも行っていたようだ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年12月01日
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アンドレ・ナヴァラは1951年にプラハの春音楽祭で華やかなデビューを飾った後、60年代までプラハにおいて当時を代表するチェコの音楽家やチェコ・フィルなど当地のオーケストラ、アンサンブルと多くの協演をしている。
このセットに収められた５枚はナヴァラがプラハ・スプラフォンに遺した全音源で、西側の大手レコード・メーカーとの契約に恵まれなかった彼には同時代のチェリストに比較して正規録音がそれほど多くないが、実力派の彼の力量が充分に発揮された演奏集としてオールド・ファンのみならずチェロを愛する方には聴き逃せないセットだ。
仏フォンダメンタから昨年リリースされたナヴァラ協会のオフィシャル・エディションの６枚組とはカレル・アンチェル及びヨゼフ・スークと協演したCD2枚分の曲目がだぶっているが、このセットではナヴァラの室内楽への情熱とアンサンブルの腕前を堪能できるのが特徴である。
CD3の後半からCD5までがバロックから20世紀に至る作曲家のヴァイオリンとのデュエット、チェロ・ソナタやチェロのための小品に当てられている。
ヴァイオリンとのデュエット集で協演しているのがヨゼフ・スークで、CD4にコダーイ、オネゲル及びマルティヌーによる４曲が纏められているが、これらは数年前に同スプラフォンからリリースされたスーク早期レコーディング集にも収録されていた名演になる。
いずれの作品も録音が少なく、またコンサートでも滅多に採り上げられないが、オーケストラを髣髴とさせるような豊かなダイナミズムだけでなく音楽的にも特有の深みを持っている。
ソナタ集ではチェコのピアニスト、ホレチェクの伴奏でのブラームス、プロコフィエフ、ベートーヴェンが素朴ながらストレートで豪快な奏法で如何にもナヴァラらしい。
またやや音質は劣るがケー=デルヴロワ、ボッケリーニ及びラヴェルはナヴァラの数少ない室内楽録音のサンプルで、ピアノはパネンカやハーラの師でもあったフランティシェク・マクシアーンの貴重なサポートで聴くことができる。
カレル・アンチェル、チェコ・フィルとのブラームスの二重協奏曲には彼らの典型的な演奏スタイルが表れている。
スーク、ナヴァラのしなやかだが鋼のようなデュエットにアンチェルの気迫のこもったスケールの大きな演奏が聴きどころで幸い良好なステレオ録音で遺されている。
アンチェルはソヴィエトのプラハへの軍事介入に抵抗して68年にカナダに亡命し、チェコ・フィルの音楽監督も辞任してしまうので、その意味でも貴重な録音に違いない。
アンチェルとはシューマン、ブロッホ、レスピーギ及びプロコフィエフでもパッショネイトな演奏を繰り広げているが、特にブロッホの『シェロモ』では多彩なオーケストレーションがアンチェルによって絶妙に引き出されている。
総てオリジナル音源からのリマスタリングで、仏フォンダメンタに比較して音量ボリュームはやや低いが音質は柔らかく繊細に仕上げられている。
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2017年06月18日
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独ヘンスラーのプロフィール・レーベルからリリースされているカルロ・マリア・ジュリーニがドイツのオーケストラに客演したラジオ放送用ライヴ録音シリーズのひとつ。
１９７９年１月２６日に収録された質の良いステレオ音源は、大手メーカーのセッション録音に引けを取らない音質が再現されているし、また鑑賞の時に煩わしい聴衆からの雑音は一切混入していないのも幸いだ。
プロフィール・レーベルのリマスタリングには定評があり、それはこれまでにリリースされたジュリーニがドイツの放送局に遺した幾つかの音源でも証明されている。
この録音でも音場が広く分離状態も良くオーケストラのそれぞれの楽器配置も明瞭で、確かにやっつけ仕事ではない良心的で丁寧な仕上がりが感知される。
唯一の弱点を挙げるとすれば収録曲がブラームスの交響曲第１番ハ短調の１曲のみというところだろう。
ジュリーニは若い頃オペラからオーケストラル・ワークに至るかなりのレパートリーを持っていたが、年と共にそれらを厳しく収斂していった指揮者なので、こうした音源の発掘は歓迎したい。
ブラームスはジュリーニが得意としていた作曲家の１人で、交響曲第１番に関しては、フィルハーモニア管弦楽団（１９６１年）、ロスアンジェルス・フィル（１９８１年）、ウィーン・フィル（１９９１年）とそれぞれスタジオ録音している。
ここでのジュリー二の指揮は難解に感じられる部分が全くない明快なもので、冒頭からメリハリを利かせた起伏のあるダイナミズムの中にブラームスの演奏には異例なほどの鮮やかな色彩感を反映させている。
テンポの采配もかなり自由で、第２楽章後半のヴァイオリン・ソロとホルンのユニゾンではカンタービレを充分に奏でる流麗な抒情が美しいし、終楽章のテーマもテンポを抑えて悠々とした歌心を披露している。
ジュリーニは音楽を理詰めで聴かせるタイプの指揮者ではなく、あくまでも作曲家のオーケストレーションの妙を引き出し、それを最大限活かしながら表現する、言ってみれば感性が主導する解釈が支配的だが、その一方で音楽の起承転結を疎かにせず作品を弛緩させることのない巧妙なバランス感覚が彼の美学でもある筈だ。
その結果オーケストラの重厚さやほの暗さによって表されるブラームスの諦観よりも、むしろ平明だがより開放的なサウンドが特徴だろう。
ジュリーニはまた、ブラームスの作品独自の重厚な音構造、和声感覚、ディテールの入念な動きをことごとく表出しながら、伴奏音型、対旋律、普通なら目立たない楽句も手にとるように表現している。
それもバイエルン放送交響楽団がジュリーニの手足の如く自在に力量を発揮し、緻密な演奏をする姿勢がなければ不可能だが、事実、オケは極めて質の高い水準を示している。
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2017年03月18日
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リヒテルが初めてアメリカを訪れた際の歴史的録音で、このＣＤの音源はリヒテル・アメリカ・デビュー盤のひとつとしてＬＰ時代から評価の高いものだった。
この録音が行われた１９６０年はいわゆる冷戦下、アメリカから見れば“鉄のカーテン”で隔てられていた“東側”の演奏家が初めてアメリカに来演した年にあたる。
とりわけリヒテルの２ヵ月にわたるツアーはセンセーションを巻き起こし、ＲＣＡによるレコーディングも並行して行われた。
その初録音がここに収められたブラームスで、同年１１月に収録された『熱情』ともども、リヒテル絶頂期の凄みが生々しく伝わってくる。
リヒテルは超人的技巧を駆使しながらもスケールの大きい、厳しい感情表現を示しており、特に両端楽章が立派だ。
ラインスドルフの指揮は極めて熱っぽく、オーケストラの華やかさも加えて、リヒテルとがっぷり四つに組んでいる。
過去にはラインスドルフ＆シカゴ響とリヒテルの爆演のように言われたこともあるが、良く聴いてみるとシカゴ響はラインスドルフによって非常に良くコントロールされていて、力強いが野放図な音を出しているわけではなく、リヒテルも決して力に任せて対決するような姿勢ではない。
それぞれが個性を完全に燃焼させながらもぴったりと呼吸を合わせて、コンチェルトを聴く醍醐味を満喫させてくれるのだ。
そこには極めてスケールの大きい音楽的な構想を持ったピアニズムが展開されていて、両者の張り詰めた緊張感の中に溢れるほどのリリシズムを湛えた演奏が感動的だ。
またリヒテル壮年期の水も漏らさぬテクニックの冴えもさることながら、第３楽章を頂点として随所に現れる抒情の美しさは如何にも彼らしい。
一方ここにカップリングされたベートーヴェンのピアノ・ソナタ『熱情』は同年にニューヨークのカーネギー・ホールで録音されたもので、当初はもう１曲の『葬送』と共にリリースされた。
この２曲のソナタは２００４年にＸＲＣＤ化もされているが、リヒテルの凄まじい集中力と緊張感の持続が恐ろしいほど伝わってくる。
リヒテルは深々とした呼吸で熱っぽく弾きあげた、ダイナミックな根太い演奏で、全篇に溢れる強烈なファンタジーが魅力だ。
この曲の力強さと抒情性を、巧みに弾きわけていて見事で、全体に、極めてエネルギッシュな表現である。
彼自身はこの演奏を嫌って失敗作のように言っていたが、音楽的な造形からも、またその表現力の幅広さと強烈なダイナミズムからもベートーヴェンに相応しい曲作りで、本人であればともかくあらを探すような次元の演奏では決してない。
１９６０年にリヒテルはアメリカにおいて一連のセッション及びライヴから当地でのファースト・レコーディングを行っているが、このＣＤに収められている２曲もその時の音源で、リヴィング・ステレオの良質なオリジナル・マスターが今回のＤＳＤリマスタリングによって更に洗練された音質で甦っている。
ソニー・クラシカル・オリジナルスは、古い音源を最新のテクニックでリマスターして、従来のＣＤとは異なった音響体験を提案している興味深いシリーズだが、何故か音源によってリマスタリングの方法が異なっている。
このＣＤではＳＡＣＤ用のＤＳＤ方式が採用されているが、同シリーズの総てのＣＤと同様レギュラー・フォーマット仕様でミッド・プライスで提供しているのがメリットだろう。
音質は鮮明で協奏曲ではシカゴ・オーケストラ・ホールの音響空間も自然に再現されているし、ソロ・ピアノも潤いのある艶やかな音色が特徴で、オーケストラとのバランスも理想的だ。
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2017年02月05日
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円熟の極みにあったベームの指揮と、ウィーン・フィルの伝統のある響きと卓越した表現力が一体化した名盤。
男性的ともいえる雄渾な楽想とともに、限りない憧憬を秘めた第３楽章が映画音楽に使われた交響曲第３番と、哀愁感や情感を存分に湛え内省的で諦観に満ちた、作曲家晩年の枯淡の境地を示す交響曲第４番を収録。
ベームのブラームスと言えば、「第１」にはベルリン・フィルとの旧盤（１９５９年スタジオ録音）、ウィーン・フィルとの来日公演のライヴ録音（１９７５年）があり、「第２」にもベルリン・フィルとの旧盤（１９５６年スタジオ録音）、ウィーン・フィルとの来日公演のライヴ（１９７７年）が存在する。
しかし「第３」と「第４」にはそのような競合盤が存在せず、本盤がそれぞれのベームの代表盤と言うことができる。
遅いテンポで悠然と進むなかにも緊張感がみなぎっていて、ベームの録音のなかでも高い評価を得ているもののひとつ。
ブラームスとベームの相性は抜群だと思う。
ブラームスの渋い芸風が、これまたベームの華やかさと無縁の芸風と見事に符合し、ブラームス演奏のひとつの規範とも言えるオーソドックスな演奏に仕上がっている。
近年のブラームスの交響曲で、最も規範とされているに違いない充実の名演と言えるところであり、月並みな言い方だが、まさに両曲とも最高の意味でのオーソドックスという言葉が相応しい。
十分に力強くありながら、同時に柔軟でもあり、情に流されることがなく、構造美への志向が高い。
それは、ただ見事というだけでなく、ここに暖かな人間の血が通っているのであり、晩年のベームと伝統のウィーン・フィルの美質がしっかり刻まれていて、全体としてブラームスの交響曲の魅力を大いに味わわせてくれる。
ベームには、この曲をこのように料理してやろうと言う恣意的な解釈は皆無であり、こうしたベームの自然体のアプローチが、ブラームスの芸術の真の魅力を存分に満喫させてくれるのである。
特に「第４」は、この曲の真髄を突いた最高級の表現であり、そのようなベームとブラームスの相性の良さを感じさせる名演だと思う。
こうした構造の精緻な音楽はベームも最も得意とするところだが、録音当時８０歳、寂寥感とか哀愁を感じさせるところが少なくない。
中庸のテンポで、決して奇を衒うことなくオーソドックスな演奏をしているが、平板さや冗長さは皆無であり、ブラームスの音楽の素晴らしさ、美しさ、更には、晩年のブラームスならではの人生のわびしさ、諦観などがダイレクトに伝わってくる。
ベームは、その自伝に著しているように、造型を大切にする指揮者であるが、凝縮度は壮年期に比して衰えは見られるものの、全体の造型にはいささかの揺るぎもみられない。
一方、「第３」は、まとめるのがなかなか難しい曲だけに、「第４」ほどの名演ではないと思うが、全篇ゆったりと恰幅の良いテンポに、中身がぎっしり詰まっている。
第２楽章の濃厚な歌はまるで夢うつつの天国的気分、第３楽章には枯れた味わいなど、いかにも晩年のベームならではの至芸を味わうことができるが、それでいて、両端楽章の地を抉るような深いリズムなど一瞬たりとも集中の途切れることがない。
それにしても、この頃（１９７０年半ば）のウィーン・フィルは音の厚みとともに合奏が途轍もなく強力だ。
１９５０年代後半から１９６０年代初頭にかけての絶頂期以来、もうひとつの頂点にあったのではないだろうか。
セッションだけあって盛り上がりはいまひとつとも言えるかもしれないし、ライヴなら全体として、もっと燃え立った表現になっていると思われるが、それを補って余りある緻密で味の濃い演奏は、ＬＰ時代から未だに離れられないでいる。
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2017年01月04日
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シュタルケルのブラームス・チェロ・ソナタ集は１９７９年のエラート音源で、ピアニストはジェルジ・シェベックだが、これは彼らにとって第２回目のセッション録音となり同メンバーによる１９６４年のマーキュリー音源とは別物になる。
メンデルスゾーンのチェロ・ソナタをカップリングしてあるマーキュリー盤は現在単独でもセット物でも選択肢が多いが、当ＣＤは３回目のベートーヴェン・チェロ・ソナタ全集と同様アペックスからのリイシュー廉価盤で、現在ワーナーのイコン・シリーズの１０枚組かこのアペックス盤のみで入手可能だ。
第１回目の録音から更に１５年を経たシュタルケルの解釈は大きな変化を遂げたわけではないし、テンポも第１番の第１楽章がややゆったりしている他は殆んど変わっていない。
むしろ様式の洗練によってブラームスの対位法が更に明確になり派手なアピールこそないが、それだけにハッタリのない、しかし圧倒的な余裕と確信を感じさせる演奏と言えるだろう。
ブラームスのチェロ・ソナタ第１番ホ短調は彼が３２歳の時に完成した作品で、素朴な民謡風の語り口調の冒頭とバッハの『フーガの技法』から採り入れたテーマによる終楽章のフーガがこの曲に意欲的な性格を与えている。
それとは対照的に第２番ヘ長調はブラームス５３歳の円熟期の曲で、おおらかに歌い上げるカンタービレと自在に変化する細やかな曲想が印象的だ。
シュタルケルは回を重ねるごとに解釈を切磋琢磨して、よりシンプルだが作品の核心を衝く磨き抜かれた演奏を遺しているが、この２回目の録音でも曲想にのめり込むことなく確実なテクニックに裏付けられた表現で作品全体に毅然とした輪郭を与え、硬派のロマンティシズムを聴かせている。
ピアニスト、ジョルジ・シェベックはシュタルケルとは同郷の朋友でハンガリー時代からの協演者だが、彼の演奏は常に明快でチェロを巧みに引き立てるだけでなく、時には大胆な音響でソロに拮抗している。
録音状態は当時のものとしては極めて良好で、溌剌とした擦弦音をも捉えた生々しい音質が再現されている。
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2016年12月07日
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バルビローリは、どちらかと言えば北欧音楽や英国音楽を得意のレパートリーとした指揮者として広く知られているが、独墺系の作曲家の演奏も比較的多く手掛けていたと言えるところだ。
そのような中でも、ブラームスは特別な存在であったようであり、本盤に収められたウィーン・フィルとの全集を含め、いくつかのライヴ録音を遺している。
また、バルビローリは、手兵のハレ管弦楽団を始め、フィルハーモニア管弦楽団、ロンドン交響楽団など、英国のオーケストラとの間で素晴らしい名演の数々を遺しているが、次いで独墺系のオーケストラではベルリン・フィルとの相性が抜群であったことがよく知られている。
何よりも、ベルリン・フィルの楽団員や芸術監督のカラヤンがバルビローリに対して敬意を有していたことが何よりも大きいとも言える。
これに対して、ウィーン・フィルとの相性は、巷間あまり良くなかったとも言われている。
確かに、バルビローリがウィーン・フィルとともに遺した録音は、筆者の知る限りでは、ブラームスの交響曲全集、管弦楽曲集のみであるところであり、こうした点にもそれが表れていると言えるのかもしれない。
しかしながら、ウィーン・フィルとの唯一のスタジオ録音となるブラームスの交響曲全集、管弦楽曲集は素晴らしい名演だ。
バルビローリは、一般的にはシベリウスやエルガー、ディーリアスなどの名演が印象的だけに、抒情的でヒューマニティ溢れる指揮をするとのイメージが先行しているが、確かに、ブラームスの各交響曲の緩徐楽章における情感豊かな演奏には、そうしたバルビローリの芸術の真骨頂が見事にあらわれている。
それ故に第２番や第４番がとりわけ名演との誉れ高いのは当然のことであるが、マーラーの交響曲を得意としていただけあって、ドラマティックな表現や強靭さを基調とする演奏も頻繁に行っていたことを忘れてはならない。
交響曲第１番も、バルビローリ＝抒情的でヒューマニティ溢れる演奏をする指揮者というある種の固定観念を覆すに足る力強い演奏を行っている。
冒頭の序奏からして凄まじいまでの迫力を誇っており、主部に入ってからの堂々たる進軍は、ゆったりとしたテンポによる微動だにしない威容を誇っている。
終楽章も決して急がない音楽ではあるが、頂点に向けて畳み掛けていくような気迫と生命力は、バルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
もちろん、第２楽章の枯淡の境地とも評すべき情感豊かな表現は、バルビローリならではのヒューマニティ溢れるもので、抗し難い魅力に満ち溢れている。
交響曲第２番の演奏は、バルビローリとウィーン・フィルの相性の良くなかったとの評価が果たして正しかったのかどうか再検証が必要なほどの名演に仕上がっていると言えるのではないだろうか。
何よりも、第２番という楽曲の性格とバルビローリの芸風が見事に符号している点が大きく、抒情的でヒューマニティ溢れる指揮をするという指揮芸術の在り様が第２番と見事に合致。
同曲の随所に聴くことが可能な枯淡の境地とも評すべき名旋律の数々を、バルビローリは、これ以上は求め得ないほど情感豊かに歌い抜いているところであり、そのヒューマニティ溢れる表現の美しさには、抗し難い魅力に満ち溢れている。
もっとも、終楽章の終結部における頂点に向けて畳み掛けていくような気迫と生命力においてもいささかも不足はなく、これはバルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
併録の悲劇的序曲も、バルビローリならではの素晴らしい名演だ。
交響曲第３番も第１番と同様、バルビローリ＝抒情的でヒューマニティ溢れる演奏をする指揮者というある種の固定観念を覆すに足る力強い演奏を行っている。
第１楽章冒頭からして凄まじいまでの迫力を誇っており、主部からの堂々たる進軍は微動だにしない威容を誇っている。
終楽章の頂点に向けて畳み掛けていくような気迫と生命力は、バルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
もちろん、第２楽章及び第３楽章の枯淡の境地とも評すべき情感豊かな表現は、バルビローリならではのヒューマニティ溢れるもので、抗し難い魅力に満ち溢れている。
ハイドンの主題による変奏曲は、各変奏曲の描き分けが実に巧みであり、名匠バルビローリならではの老獪な至芸を堪能することが可能な素晴らしい名演に仕上がっている。
交響曲第４番の演奏は、バルビローリ＆ウィーン・フィルによるブラームスの交響曲全集の中でも白眉とも言うべき素晴らしい名演だ。
この両者の相性の良くなかったとの評価が果たして正しかったのかどうか再検証が必要なほどの名演に仕上がっていると言えるのではないだろうか。
何よりも、第４番という楽曲の性格とバルビローリの芸風が見事に符号している点が大きく、第２番と同様に抒情的でヒューマニティ溢れる指揮芸術の在り様が第４番と見事に合致。
同曲の随所に聴くことが可能な人生の諦観を感じさせる枯淡の境地とも評すべき名旋律の数々を、バルビローリは、これ以上は求め得ないほど情感豊かに歌い抜いているところであり、そのヒューマニティ溢れる表現の美しさには、抗し難い魅力に満ち溢れている。
もっとも、第３楽章における畳み掛けていくような気迫と生命力においてもいささかも不足はなく、これはバルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
終楽章の各変奏の描き分けの巧みさは、名匠バルビローリの老獪な至芸を十分に満喫することが可能だ。
そして全体的に、ウィーン・フィルによる美しい演奏が、演奏全体に更なる潤いと温もりを付加させているのを忘れてはならない。
いずれにしても、本演奏は、バルビローリならではの懐の深さをあらためて再認識させるとともに、情感溢れる指揮芸術を堪能することが可能な素晴らしい名演集と高く評価したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年11月01日
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ドイツ・グラモフォンからブラームス・エディション全８巻が刊行されたのは、確か作曲家の没後１００周年を前にした１９９６年だったと思う。
しかしその全集と更に翌年のベートーヴェン全集に組み入れられた交響曲全集はカラヤン＆ベルリン・フィルのものだった。
確かに人気、実力ともに彼らの演奏は圧倒的な強みを持っていたので、当然と言えば当然の選択だったのかも知れない。
だがベーム＆ウィーン・フィルによる交響曲全集はあくまでもウィーン流美学にこだわったブラームスで、他の指揮者やオーケストラでは替え難い魅力を持っており、このコンビのスタイル全開の演奏を堪能できるものだ。
また随所に聴かれるソロ・パートやアンサンブルの巧みさ、弦の響きの瑞々しさとウィンナ・ホルンの渋い音色などがベーム晩年の鷹揚かつ洗練された手法で絶妙に統合されている。
交響曲第１番の冒頭や終楽章の追い込みでもベームの指揮はことさら個性を強調したものではないし、迫力を誇示するようなハッタリもない自然体が基調だ。
それは音楽自体が内包するエネルギーの開放であり、オーケストラをこれだけ美しく響かせながら律儀に構築されたブラームスも珍しいのではないだろうか。
緩徐部分では秋の日の静かな森の中を散策しているような木の葉のざわめきや木漏れ日をイメージさせる。
第２楽章での官能的なソロ・ヴァイオリンは当時のコンサート・マスター、ゲルハルト・へッツェルが弾いている。
交響曲第２番は第１番の張り詰めた緊張感から開放された、安らぎと機知に富んだ作曲家のアイデアが面目躍如だ。
冒頭のテーマがウィンナ・ホルンの牧歌的な響きを充分に醸し出していて、この曲全体の雰囲気を決定しているのも印象的だ。
また終楽章でも決して羽目を外さない厳格さには、流石にブラームスを知り尽くしているベームの頑固なまでに堅実な指揮ぶりが健在である。
第３番冒頭のブラス・パートの荘厳な響きは決してスペクタクルな効果を狙ったものではないが、このオーケストラの伝統を背負うような重厚なハーモニーだ。
またしばしば現れる管楽器のソロも弦楽器のたゆとうようなメロディーも、ベームの采配によって雄弁にまとめられている。
第３楽章ポコ・アレグレットのひたひたと忍び寄るような諦観も彼ら独自の表現である。
当時のウィーン・フィルはコンサート・マスターのへッツェルを始めとしてフルートのトリップ、クラリネットのプリンツ、ファゴットのツェーマンやホルンのヘーグナーなどの首席奏者達の全盛期で、彼らがウィーン・フィルの音色やウィーンの演奏スタイルを決定していたと言っても過言ではないだろう。
また第４番冒頭の瑞々しい哀愁も、カラヤン＆ベルリン・フィルとは全く異なった枯淡の味わいを持っている。
しかしそれは脆弱さとは無縁で、第２楽章の静謐だが溢れんばかりの幸福感に満たされたオーケストレーションの処理や終楽章パッサカリアの造形美の鮮やかさもベームの卓越した指揮法に負っている。
カップリングには、『ハイドンの主題による変奏曲』、クリスタ・ルートヴィヒのメゾ・ソプラノとウィーン楽友協会の男声コーラスが加わる『アルト・ラプソディー』、そして『悲劇的序曲』の３曲が収録されている。
彼らが『大学祝典序曲』を残してくれなかったのは残念だが、これらの作品にもウィーンの演奏者ならではの情緒が滲み出ている。
それは後半生を同地で過ごしたブラームスの作品の解釈において、ひとつの流儀として受け継がれているのではないだろうか。
『ハイドンの主題による変奏曲』は、端正な音楽作りと上品な佇まいで、数多いこの曲の演奏の中では傑出したセッションと言える。
『アルト・ラプソディー』で歌われるゲーテの『冬のハルツ紀行』は、まさに当時のブラームスの心境を反映させた内面的な独白をアルト・ソロに託している。
クリスタ・ルートヴィヒはウィーン出身ではないが、ベームの薫陶を受けた歌手だけあって指揮者のこだわりをわきまえた理知的で、しかもリリカルになり過ぎない手堅い表現が秀逸だ。
『悲劇的序曲』では、ベームはこの作品のタイトルを額面通りに受け止めるのではなく、むしろ古典派的な様式感を感知させることに注意を払っているようで、それだけにドラマティックな表現はいくらか控えめに留めている。
録音場所は総てウィーンの黄金ホールと呼ばれるムジークフェラインのグローサー・ザールで、１８７０年オープンの歴史的コンサート・ホールだ。
この演奏会場は内部装飾の豪華さもさることながら、残響の潤沢なことでも良く知られている。
因みに残響時間は１６８０人の満席時で２秒なので、当然聴衆のいないセッションでは更に長くなる。
曲種によってはそれがいくらか煩わしいこともあるが、こうした純粋なオーケストラル・ワークでは最良の効果を発揮できる。
録音は１９７５年から７７年にかけてのベーム最晩年のセッションになるが、音楽的な高揚と充実感は全く衰えておらず、音質はこの時代のものとしては極めて良好で、楽器間の分離状態、高音の伸びや潤いも時代を感じさせず、臨場感にも不足していない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年10月16日
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ベルナルト・ハイティンクとヨーロッパのオーケストラでは最高水準を誇るコンセルトヘボウによるブラームスのオーケストラ・ワーク集で、７枚のＣＤに声楽が加わらない管弦楽曲と協奏曲が網羅されている（ただしハンガリー舞曲は第１０番までになる）。
いずれにしても１人の指揮者が同一の作曲家の作品を同じオーケストラでこれだけ録音すること自体稀であり、ハイティンクのブラームスに賭ける情熱とその徹底ぶりが窺える。
４曲の交響曲はハイティンクのスコアへの深い読み取りが手に取るように実現されていて、それがかえってインスピレーションに乏しい無個性で学究的な演奏と受け取られる為か、日本での彼への評価はいまひとつ相応なものではない。
だが実際には細部までコントロールの行き届いたオーケストレーションの再現は、理性と感性とのバランスの調和であり、大見得を切るような表現こそないが非常に味わい深い、まさに大指揮者の風格をもっている。
ハイティンクの棒に従うコンセルトヘボウの巧さと音色の美しさも特筆される。
２曲のピアノ協奏曲のソロを弾くクラウディオ・アラウはピアノを響かせることを熟知していた巨匠だった。
衝撃的な音質を一切避けた潤いに満ちたおおらかで悠然と奏でる音楽のスケールは大きく、良い意味での古き良き時代を髣髴とさせるロマンティックな演奏だが、それは時代を超えた魅力に溢れている。
両方とも廃盤になって久しかったものの復活になる。
一方ヴァイオリン協奏曲のソロはシェリングで、円熟期特有のやや内省的で緻密な音楽設計による表現は、しばしば精彩を欠いた演奏として批判されるが、改めて聴き直してみると、音楽の内部に向かって注がれる集中力と気高い音楽性は決して低く評価されるものではない。
また同様のコンセプトでサポートするハイティンク＆コンセルトヘボウの一糸乱れぬ統率感とアンサンブルの巧みさも秀逸。
二重協奏曲も非常に完成度の高い仕上がりで、シェリングとシュタルケルの水も漏らさぬデュエットが聴き所だ。
それはひとえに両者間の協調から生み出されるもので、ブラームスの作品らしく殆ど峻厳とも言える音楽的な密度の濃さと、その演奏から醸し出される独特の透明感は一種冒し難い雰囲気さえある。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年04月15日
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本盤に収められたブラームスの交響曲全集は、カラヤン＆ベルリン・フィルによる３度目の、そして最後のスタジオ録音である。
それだけでなく、数多くの様々な作曲家に係る交響曲全集のスタジオ録音を行ってきた、史上最高のレコーディング・アーティストであるカラヤンによる最後の交響曲全集にも相当する。
３度にわたるカラヤン＆ベルリン・フィルによるブラームスの交響曲全集の中でも、最もカラヤンの個性が発揮されているのは、１９７７〜１９７８年に録音された２度目の全集であると考えられる。
というのも、この当時はカラヤン＆ベルリン・フィルの全盛期であったと言えるからだ。
分厚い弦楽合奏、ブリリアントなブラスセクションの響き、桁外れのテクニックをベースに美音を振り撒く木管楽器群、そして雷鳴のように轟きわたるティンパニなどが、鉄壁のアンサンブルの下に融合し、およそ信じ難いような超絶的な名演奏の数々を繰り広げていた。
カラヤンは、このようなベルリン・フィルをしっかりと統率するとともに、流麗なレガートを施すことによっていわゆるカラヤンサウンドを醸成し、オーケストラ演奏の極致とも言うべき圧倒的な音のドラマを構築していた。
当該２度目の全集においても、かかる圧倒的な音のドラマは健在であり、どこをとってもいわゆるカラヤンサウンドに覆い尽くされた圧巻の名演に仕上がっていた。
これに対して、本盤の３度目の全集においては、カラヤンの統率力の衰えは隠しようもない。
１９８２年に勃発したザビーネ・マイヤー事件によって、カラヤンとベルリン・フィルの間には修復不可能な亀裂が入るとともに、カラヤン自身の著しい健康悪化も加わって、カラヤン＆ベルリン・フィルによる演奏に、１９７０年代以前のような輝きが失われるようになったからだ。
したがって、いわゆるカラヤンの個性が全開であるとか、はたまたカラヤン＆ベルリン・フィルによる圧倒的な音のドラマの構築と言った観点からすれば、第１番などには全盛期の豪演の片鱗が感じられなくもないが、前述の１９７７〜１９７８年の２度目の全集と比較するといささか劣っていると言わざるを得ない。
しかしながら、本演奏には、死の１〜３年前の演奏ということもあって、枯淡の境地を感じさせるような独特の味わいがあると言えるところであり、このような演奏の奥深い味わい深さと言った点においては、カラヤンによるこれまでのいかなる演奏をも凌駕していると言えるだろう。
このような奥行きのある味わい深さは、カラヤンが最晩年に至って漸く到達し得た至高・至純の境地であったと言えるのかもしれない。
もっとも、本盤においては、何故か交響曲第４番について１９８８年の録音ではなく、１９７７〜１９７８年の２度目の全集中の録音を採用している。
演奏自体は１９７７〜１９７８年の演奏もきわめて優れてはいるのであるが、全集の構成としてははなはだ疑問を感じずにはいられない。
最近になって、最後の全集が輸入盤で発売はされたが、このような疑問を感じさせるカップリングについては、早急に改めていただくようにユニバーサルに対して要望しておきたい。
音質は、従来盤でも十分に満足できるものであると言えるが、数年前にカラヤン生誕１００年を記念して発売されたＳＨＭ−ＣＤ盤がより良好な音質であった。
もっとも、カラヤンによる最晩年の至高の名演でもあり、今後はシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化を図るなど、更なる高音質化を大いに望んでおきたいと考える。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年04月07日
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２００８年に３８年に亘った演奏活動に終止符を打ったアルバン・ベルク四重奏団が、その全盛期に録音した、彼らにとっては２度目に当たるブラームスの３曲の弦楽四重奏曲とピアノ五重奏曲へ短調を収録した２枚組リイシュー盤になる。
当時のメンバーは結成当時からの第１ヴァイオリンのギュンター・ピヒラー及びチェロのヴァレンティン・エルベンの他、第２ヴァイオリンがゲルハルト・シュルツ、ヴィオラがトマス・カクシュカで、ピアノにはブラームスのスペシャリスト、エリーザベト・レオンスカヤを迎えている。
アルバン・ベルク四重奏団のブラームスは彼ら特有の鋭い感性に貫かれた演奏であるために、ある意味で聴く人を選んでしまうかもしれない。
しかもここに収められた４曲は作曲家が推敲に推敲を重ねた結果の、ひたすら個人的な思索の所産に他ならず、多くの聴衆を想定した音楽ではないからだ。
それはベートーヴェンの後期の弦楽四重奏曲にも喩えられるだろう。
人によってはいたたまれないくらい厳しい曲想だろうし、また好む人にとっては逆に限りなく深みのある室内楽のエッセンスが堪能できるといった複雑なプロフィールは、聴く人におもねることのないブラームスの気質を窺わせている。
楽器の扱いにも細心の注意が払われていて、例えば第３番変ロ長調第３楽章では、ブラームスが生涯に亘って愛着を示したヴィオラをリードさせる魅力的なスケルツォが展開する。
ここではトマス・カクシュカの精緻だがエネルギッシュなヴィオラ・パートが聴きどころだ。
彼らの持ち味でもある緊密なアンサンブルや強い集中力、そして果敢な表現力が縦横に駆使された熱演だが、一方で現代的に洗練されたクールなセンスが、これらの作品を通じて新時代のブラームス像を提示しているのではないだろうか。
ピアノ五重奏曲では当時既にブラームスでは一家言を持っていたベテラン、レオンスカヤが協演しているが、主導権を握っているのはアルバン・ベルク側で、これはポリーニ、イタリア四重奏団とは好対照をなしている。
後者はあたかもピアノ協奏曲のような華やかさがあって、輝かしくスケールの大きなブラームスに仕上がっているが、レオンスカヤ、アルバン・ベルクはあくまでも室内楽という範疇でのブラームスの小宇宙を描いた演奏と言えるだろう。
彼ら自体かなり個性的なカルテットなので外部からの協演者が入ると、時としてよそよそしい雰囲気が露呈されることが無きにしも非ずだが、この曲に関しては成功しているといって間違いない。
尚音源は１９８７年６月２１日にウィーン・コンツェルトハウスのモーツァルト・ザールで行われたライヴ録音になる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年03月28日
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プラガ・ディジタルスの新シリーズ、ジェニュイン・ステレオ・ラブからの左手のためのピアノ曲集第２集になり、第１集のヴィトゲンシュタインに続いてチェコのピアニスト、オタカー・ホルマン(1894-1967)に因んだ作品を中心に４曲が収録されている。
日頃コンサートやメディアを通して鑑賞する機会の少ない曲種を集めた面白い企画に興味をそそられて買った１枚。
ヴィトゲンシュタイン同様ホルマンも第一次世界大戦で右手の機能を失い、左手のみでコンサート活動を続けたピアニストの１人だ。
彼のために作曲されたのがヤナーチェクの『カプリッチョ』及びマルティヌーの小協奏曲で、前者はフルート、トランペット２、トロンボーン３、チューバのブラス・アンサンブルにピアノの左手がソロとして加わるユニークな楽器編成を持っている。
ヤナーチェク特有の発話旋律が使われた、泥臭さはあるが語りかけるような生き生きしたリズム感とピアノ・パートが超然として斬新な音響を創造している。
一方マルティヌーのそれは『ディヴェルティメント』の副題が示すようにいくらか取り留めのない嬉遊性を感じさせる３楽章の協奏曲に仕上げられた曲だ。
他の２曲はブラームスの『左手のためのシャコンヌニ短調』とリヒャルト・シュトラウスのピアノ協奏曲『家庭交響曲からのパレルゴン』になる。
ブラームスの『シャコンヌ』は右手の故障で演奏活動を休止していたクララ・シューマンの慰みのために編曲されたと言われている。
バッハの無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第２番ニ短調の終曲『シャコンヌ』の骨格と和声を忠実にピアノの左手に移したもので、ヴァルター・クリーンの１９６４年のラジオ・ライヴから採られている。
クリーンは伴奏家としてもグリュミオーとの協演で知られたピアニストだがブラームスのスペシャリストでもあり、ここでは骨太で力強い彼のソロを聴くことができる。
シュトラウスの方はヴィトゲンシュタインの要請に応える形で自作の『家庭交響曲』からのモチーフを取り入れて作曲され、フリッツ・ブッシュ指揮、ヴィトゲンシュタインのソロで初演された。
単一楽章で書かれていて後半部はタティアーナ・ニコラーエワの超絶技巧を、ロジェストヴェンスキーが華麗で堂々たるオーケストラでサポートしたモスクワ・ライヴになる。
第１集に比べて曲目の知名度がそれほど高くないために音源の選択肢も少なく、それだけに貴重なアルバムだ。
録音状態は概ね良好で鑑賞に難はない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年03月15日
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アバドはブラームスの楽曲を数多く指揮しており、交響曲や管弦楽曲、協奏曲、声楽曲などあらゆる分野の楽曲の演奏・録音を行っているが、アバドの芸風に符号した楽曲も多いこともあって、少なくともベートーヴェンよりは多くの名演を遺していると言えるのではないだろうか。
そうしたアバドによる数あるブラームスの楽曲の名演の中でもトップの座を争うのは、ブレンデルと組んだピアノ協奏曲第１番（１９８６年）と本盤に収められたハンガリー舞曲集ではないかと考えている。
本ハンガリー舞曲集については、ブラームスが生誕１５０年を迎えるのを記念して録音が行われたものであるが、古今東西の指揮者による同曲の多種多様な演奏の中でも、フィッシャー＆ブダペスト祝祭管による名演（１９９８年（旧盤（１９８５年）も名演であるが、どちらを上位にするかは議論の余地があるところだ。））と双璧を成す至高の超名演と高く評価したい。
本演奏においては、何よりもアバドの指揮が素晴らしい。
この当時のアバドは次代を担う気鋭の指揮者として、ロンドン交響楽団などと素晴らしい名演の数々を行っていた時代である。
ここでも、そのような気鋭の指揮者アバドならではの生命力溢れる力強さとともに、豊かな歌謡性に満ち溢れた快演に仕上がっている。
ハンガリー舞曲はごくごくソフィスティケイトされた形ではあるけれどハンガリー・ジプシー音楽が直接あるいは間接に取り入れられた作品。
そのエキゾチックな雰囲気を、アバドとウィーン・フィルがきびきびした足取りと抜群のアンサンブルでたっぷりと楽しませてくれる。
確かに、本演奏には、前述のフィッシャー盤のような民族色の濃さは感じられないが、豊かな音楽性や歌謡性、そして湧き立つような躍動感においては、ハンガリー舞曲集の演奏としていささかも不足はないと言えるだろう。
このようなアバドとともに、豊穣な美しさを誇る名演奏を繰り広げたウィーン・フィルにも大きな拍手を送りたい。
本名演の成功の半分はアバドの指揮によるものであるが、ウィーン・フィルの優美にして豊麗な響きも、本演奏に独特の魅力や味わい深さを付加していることを忘れてはならない。
録音は、従来盤でも十分に満足し得る音質であったが、今般のＳＨＭ−ＣＤ化によって音質がより鮮明になるとともに、音場が広がったように思われる。
アバド＆ウィーン・フィルによる素晴らしい名演をＳＨＭ−ＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年02月13日
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このＣＤの特徴は先ずダヴィッド・オイストラフによるブラームスが作曲したソロ・ヴァイオリンとピアノのための作品全４曲が収録されていることで、これ迄に個別にしかリリースされていなかったものを１枚のＣＤにまとめた画期的な企画と言える。
また総てがライヴ録音だが幸い音質が極めて良好なステレオ音源で、客席からの雑音や拍手は入っているが、鮮明な音像が再現されている。
オイストラフのスコアへの読み込みの深さと共に押し出しの良い堂々たる表現力、そしてストラディヴァリウス "マルシック" の磨き抜かれた明るく艶やかな音色が全曲を通じて堪能できるアルバムだ。
オイストラフは生前ブラームスのヴァイオリン・ソナタをセッション、ライヴを含めると全曲録音している。
ただし全曲集としての企画ではなく、それぞれが異なった機会のために演奏されたもので、協演のピアニストは少なくとも４人いる。
リリースしたレーベルについては複雑になるので省略するが、それらの音源は第１番ト長調『雨の歌』がオボーリンとの１９５７年及びこのＣＤに収められているバウアーとの１９７２年盤があり、第２番イ長調にはモスクワとザルツブルク・ライヴの２種類のリヒテルとの１９７２年盤が存在し、第３番ニ短調では１９５５年及び１９５７年にヤンポリスキー、１９６６年にはバウアーと、そして１９７２年にはリヒテルとも協演している。
しかしヨアヒムに献呈されたＦ．Ａ．Ｅ．ソナタのスケルツォハ短調に関してはここに収められた１９６８年のリヒテルとのライヴが唯一の音源らしい。
スケルツォハ短調はシューマン、ディートリヒ、ブラームスの合作によるヴァイオリン・ソナタの第３楽章として作曲されたもので、オイストラフの毅然として打ち込むようなリズムにリヒテルの緊張感に充ちたピアノが煽るような躍動感を響かせ、短い中間部では両者が息の合った硬派のカンタービレを聴かせる魅力的な小品に仕上がっている。
尚この曲集では何故かヴァイオリン・ソナタ第３番をリヒテルではなくバウアーとのプラハ・ライヴを選んでいる。
勿論バウアーは伴奏者としても独自の主張を持った優れたピアニストだったので、隙のない華やかなフィナーレを飾って盛大な拍手を受けていて、むしろこのＣＤでは最もスケールが大きく劇的な演奏をしている。
リヒテルの伴奏については、そのきめ細かい表現とアンサンブルの巧さは言うまでもないが、オイストラフとは一番相性の良かったピアニストではないだろうか。
オイストラフ＆リヒテルによる全曲録音が遺されなかったことが惜しまれる。
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2015年09月28日
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１曲目のゴールトマルクの『ヴァイオリン協奏曲第１番イ短調』は、ミルシテインの洗練を極めたヴァイオリンの音色とそのテクニックが驚異的で、この曲の真価を正統的に示した名演と言えるだろう。
ハンガリーの作曲家、カロリー・ゴールトマルクのこの作品は、作曲年代からすれば後期ロマン派の範疇に属しているが、ミルシテインは艶やかで透明な音色をフルに活かしながらも、恣意的な表現や感傷を斥け潔癖とも言える解釈で作品の構造と本来のロマン性を明らかにしている。
この時代において早くも耽美的な演奏から脱却し、よりモダンなヴァイオリン奏法を実践したヴァイオリニストとしてのミルシテインの存在は鮮烈な印象を与えている。
全曲を通じて非常に完成度の高いセッションだが、とりわけ終楽章のポロネーズのリズムに乗った天翔るような自由闊達さとカデンツァの覇気に満ちた推進力は格別だ。
ハリー・ブレック指揮するフィルハーモニア管弦楽団との協演で、筆者が過去に聴いたこの曲の録音の中でも傑出した演奏だと断言できる。
２曲目のブラームスでも切れ味の良いソロが冴え渡っているが、第１楽章のカデンツァはミルシテイン自身の手になるもので、通常多くのヴァイオリニストが弾くヨアヒムやクライスラー版とはまた趣きを異にしたオリジナリティーを感じさせる。
第２楽章のカンタービレでも曲想の流れに任せる古いロマンティシズムの表現とは常に一線を画した、高踏的なスタイルをミルシテインが既に確立していたことが理解できる。
終楽章では歓喜する輝かしいヴァイオリンの動きにぴったり寄り添うフィストゥラーリ指揮によるフィルハーモニア管弦楽団のドラマティックに盛り上がるサポートも聴きどころだ。
ゴールトマルクが１９５７年、ブラームスが１９６０年のロンドンにおけるセッション録音で、どちらもエンジェルのオープン・リール・ステレオ・テープからのＤＳＤリマスタリングと記載されている。
オリジナル・マスターの保存状態も良く、ＳＡＣＤ化の効果も明瞭に出ている成功例のひとつだ。
尚最後に置かれたバッハの『無伴奏パルティータ第２番』からの「シャコンヌ」は全曲演奏ではなく何故か６分５２秒で終わっている。
ライナー・ノーツには１９５６年８月６日のザルツブルク・ライヴからのプライベートなモノラル音源と表記されているが、不思議にもライヴ特有のノイズは全くない。
この演奏も透徹したミルシテインの緊張感とその音質が素晴らしいだけに中途半端な編集が惜しまれる。
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2015年08月18日
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ブラームスの交響曲全集は、現在カタログには４０種類以上の現役盤がひしめいているが、結局、魅力度ということにかけては、ショルティ＆シカゴ交響楽団が、圧倒的な貫禄であたりを睥睨している。
ショルティは先輩格のカラヤンと同様に、極めて広範なレパートリーを誇っており、数多くのレコーディングを行ったところであるが、意外な有名曲の録音をなかなかしなかったということがあった。
例えば、本盤に収められたブラームスの交響曲全集については、１９７７年〜１９７９年になって漸く初録音したところである。
その理由は定かではないが、まさに満を持して録音に臨んだだけに、スケールの大きな巨匠風の表現で、ショルティの名声をいささかも傷つけることがない素晴らしい名演に仕上がっていると高く評価したいと考える。
演奏内容は、１９７０年代のベートーヴェンの交響曲全集同様、きわめて剛直・骨太で構築的な仕上がりを見せるが、叙情的な場面での気遣いもなかなかのもので、オーケストラのパワーと表現力がフルに生かされたきわめて立派な演奏である。
ブラームスにおけるショルティのアプローチは、例によって強靭なリズム感とメリハリの明瞭さを全面に打ち出したものであり、その鋭角的な指揮ぶりからも明らかなように、どこをとっても曖昧な箇所がなく、明瞭で光彩陸離たる音響に満たされていると言えるところだ。
ショルティは機能的に優秀なシカゴ交響楽団の名人芸をフルに発揮させて、タカ派とも言えるエネルギッシュで、戦闘的なブラームス像を描き上げている。
それでいて、１９７０年代後半に入ってショルティの指揮芸術にも円熟の境地とも言うべきある種の懐の深さ、奥行きの深さが付加されてきたところであり、本演奏にもそうした点が如実にあらわれている。
要は、ショルティを貶す識者が欠点と批判してきた力づくとも言うべき無機的な強引さが本演奏においては影を潜め、いかなる最強奏の箇所に至っても、懐の深さ、格調の高さを失っていないのが素晴らしい。
スケールも雄渾の極みと言えるところであり、いい意味での剛柔のバランスのとれたスケール雄大な演奏というのが本演奏の特質と言えるのかもしれない。
更にはブラームスの絶対音楽としての魅力を十分に堪能させてくれる本演奏に対しては、文句は言えないのではないかと考えられるところだ。
いかにもショルティらしい表現で、どの曲も堅固な造形でまとめられ、それが同時にショルティの資質と音楽的な特色を示している。
交響曲ではスコアに指定された反復を全て実行し、しかも各曲それぞれの性格が鮮明に表されているのが素晴らしい。
例えば第１番は妥当なテンポで堅実にまとめられながらも、そこに作品に必須の豪快さや劇性が存分に示されているのだ。
加えて第２番の風格豊かで明朗な歌、第３番の古典的な語法とロマン的内容のバランスのよさ、第４番の精妙にブレンドされた響きなど、現代的なコンセプトによるブラームスの典型的演奏と言って良い。
２曲の序曲とハイドンの主題による変奏曲も精緻な表現である。
そして、本演奏において更に素晴らしいのはシカゴ交響楽団の超絶的な技量であろう。
ショルティの指揮にシカゴ交響楽団が一糸乱れぬアンサンブルを駆使してついていっているところが見事であり、ショルティ統率下のシカゴ交響楽団がいかにスーパー軍団であったのかを認識させるのに十分なヴィルトゥオジティを最大限に発揮している。
かかるシカゴ交響楽団の好パフォーマンスが、本演奏を壮絶な名演たらしめるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
セッションに使用された会場は、ショルティ＆シカゴ交響楽団黄金時代のサウンド・イメージを世界に広めたシカゴのメディナ・テンプルで、名エンジニア、ケネス・ウィルキンスンの手腕が奏功してか、３０年経った現在聴いても実に素晴らしいサウンドである。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年08月11日
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このＣＤの音源はリヒテル・アメリカ・デビュー盤のひとつとしてＬＰ時代から評価の高いものだった。
過去にはラインスドルフ＆シカゴ響とリヒテルの爆演のように言われたこともあるが、良く聴いてみるとシカゴ響はラインスドルフによって非常に良くコントロールされていて、力強いが野放図な音を出しているわけではなく、リヒテルも決して力に任せて対決するような姿勢ではない。
そこには極めてスケールの大きい音楽的な構想を持ったピアニズムが展開されていて、両者の張り詰めた緊張感の中に溢れるほどのリリシズムを湛えた演奏が感動的だ。
またリヒテル壮年期の水も漏らさぬテクニックの冴えもさることながら、第３楽章を頂点として随所にあらわれる抒情の美しさが如何にもリヒテルらしい。
一方ここにカップリングされたベートーヴェンのピアノ・ソナタ『熱情』は同年にニューヨークのカーネギー・ホールで録音されたもので、当初はもう１曲の『葬送』と共にリリースされた。
この２曲のソナタは２００４年にＸＲＣＤ化もされているが、リヒテルの凄まじい集中力と緊張感の持続が恐ろしいほど伝わってくる。
彼自身はこの演奏を嫌って失敗作のように言っていたが、音楽的な造形からも、またその表現力の幅広さと強烈なダイナミズムからもベートーヴェンに相応しい曲作りで、本人ならともかく、あらを探すような次元の演奏ではないと思う。
１９６０年にリヒテルはアメリカにおいて一連のセッション及びライヴから当地でのファースト・レコーディングを行っているが、このＣＤに収められている２曲もその時の音源で、リヴィング・ステレオの良質なマスターが今回のＤＳＤリマスタリングによって更に洗練された音質で蘇っている。
ソニー・クラシカル・オリジナルスは古い音源を最新の技術でリマスターして、それまでのＣＤとは異なった音響体験を提案している興味深いシリーズだが、何故か音源によってリマスタリングの方法が違う。
このＣＤではＳＡＣＤ用のＤＳＤ方式が採用されているが、同シリーズの総てのＣＤと同様レギュラーのＣＤに収めてあり、ミドル・プライスで提供しているのがメリットだ。
音質は鮮明で協奏曲ではシカゴ・オーケストラ・ホールの音響空間もよく再現されている。
またピアノも潤いのある自然で艶やかな音色が特徴で、オーケストラとのバランスも理想的だ。
尚ライナー・ノーツは１０ページほどでＬＰ初出時のオリジナルの解説が英、独、仏語で掲載されている。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年07月02日
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筆者は、ウィーンに行くと、必ずウィーン国立歌劇場と、ムジークフェライン・ザールに行くことにしている。
ムジークフェライン・ザールは、コンサート専用のホールで、「黄金大ホール」といわれているように、ホールの内装は金ピカで、古き良き時代のオーストリアが、いかに音楽に対して贅をつくしていたかがよくわかる。
このホールは、音響効果の優れていることでも有名で、ホール全体が、あたかも楽器そのもののようである。
このロシアの巨匠ムラヴィンスキーとレニングラード・フィルハーモニー管弦楽団によるディスクは、１９７８年の６月、ウィーン芸術週間に、このホールで行われた演奏会のライヴ録音である。
このコンビによるブラームスの交響曲第２番の録音は、いままでに何枚か出ているが、今回のは、それらのものを遥かに凌ぐ名演奏で、この曲を完全に手中に収めた、悠然たる構えの表現である。
ムラヴィンスキーはドイツ古典派、ロマン派の音楽に深い造詣を持っていたことはよく知られている。
ムラヴィンスキーが来日公演で「ベト４」に聴かせたあの揺るぎなく格調の高い指揮ぶりは、優秀録音からもよく伝わってきて、深い感銘を残さずにはおかなかった。
この「ブラ２」でも堅固で明快な構成感を打ち出しながら、しかもその内側にブラームスのロマンをはっきりととらえた、力強く集中度の高い演奏を聴かせてくれる。
それはよく言われるようにこの交響曲の田園風の味わいというよりは、強靭で意志的なものを感じさせるが、そんなところがこの指揮者の厳しい格調に通じるものにも他ならないだろう。
眼光紙背に徹したスコアの読み方は人工的なほどだが、音として出てきたものはきわめて自然でしなやかで、純音楽的である。
淡々とした運びの中の自在な表情と無限の息づき、強弱のたゆたいや寂しさ、魔法のようなテンポの動きなど、センス満点の名演だ。
驚かさせられるのは、驚異的なダイナミックレンジの広さであり、フィナーレ冒頭の弱音とコーダにおける想像を絶する巨大さとの対比、それも先へ行くに従いどんどん熱を帯びて調子があがっていく様を当時の観客と共有できる。
さらに第２楽章の中間部から終わりまでの恐ろしいまでの充実度、ムラヴィンスキーの神業に震えがくる思いがする。
興味深いのが、まぎれもないブラームスの音楽でありながら、チャイコフスキーを思わせる部分が多々あることだ。
第１楽章終結部の弾むようなリズム感、また第３楽章中間部の木管の軽やかなアンサンブルなど、バレエ指揮で鍛えたムラヴィンスキーならではの独特な解釈にうならされる。
また、全体に音色が透明で、ことに弦楽の冷たい響きはロシア音楽のように聴こえる。
ただしロシア物を指揮するムラヴィンスキーと、ブラームスを指揮する彼では、微妙な相違があったような気がする。
ブラームスの場合には、どこか醒めていて、陶酔に陥るのを避けるべく自らをコントロールしているような演奏ぶりだ。
例えば第４楽章は、なんとも情熱的な演奏ぶりで聴き手を圧倒するものがあるが、ムラヴィンスキーその人は、仕掛人として終始冷静にことを運び、熱狂の渦の外に立っているようだった。
その姿は、まさしく「謹厳で冷徹な指揮者」というにふさわしいものであり、まさに「ロシアの大指揮者の目を通したブラームス」として目から鱗が落ちる思いがした。
そのうえ、巨匠的風格が曲のすみずみまでに滲み出ており、ライヴ独特のきりりと引き締まった緊張感が何とも素晴らしく、激しく心を揺さぶられる。
ウェーバーの「オベロン」序曲の演奏にも同様のことがいえ、ムラヴィンスキーはオーケストラをきりりと引き締め、一分の隙もない厳しい表現を行っている。
録音はムジークフェラインの響きとしてはやや乾いた印象を与えるとはいえ、一連の旧ソヴィエト録音よりはるかに条件は整っており、ムラヴィンスキーによる同曲の録音といえば、まずこの演奏を聴く必要があろう。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年06月30日
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ワルターと言えば、モーツァルトの優美な名演の印象が強いだけに、誠実で温かみのあるヒューマンな演奏だとか、温厚篤実な演奏を行っていたとの評価も一部にはあるが、このブラームスの「第１」の熱い演奏は、そのような評価も吹き飛んでしまうような圧倒的な力強さを湛えている。
「第１」は、１９５９年の録音であるが、とても死の３年前とは思えないような、切れば血が吹き出てくるような生命力に満ち溢れた熱演だ。
もちろん、第２楽章や第３楽章の豊かな抒情も、いかにも晩年のワルターならではの温かみを感じさせるが、老いの影などいささかも感じられず、まさに、ワルター渾身の力感漲る名演と高く評価したい。
コロンビア交響楽団は、例えば、終楽章のフルートのヴィブラートなど、いささか品を欠く演奏も散見されるものの、ワルターの統率の下、編成の小ささを感じさせない重量感溢れる好演を示している点を評価したい。
ワルターによるブラームスの「第２」と言えば、ニューヨーク・フィルとの１９５３年盤（モノラル）が超名演として知られている。
特に、終楽章の阿修羅の如き猛烈なアッチェレランドなど、圧倒的な迫力のある爆演と言ってもいい演奏であったが、本盤の演奏は、１９５３年盤に比べると、随分と角が取れた演奏に仕上がっている。
しかしながら、楽曲がブラームスの「田園」とも称される「第２」だけに、ワルターの歌心に満ち溢れたヒューマンな抒情を旨とする晩年の芸風にぴたりと符合している。
第１楽章から第３楽章にかけての、情感溢れる感動的な歌い方は、ワルターと言えども最晩年になって漸く到達し得た至高・至純の境地ではないかと思われる。
終楽章は、１９５３年盤に比べると、幾分角のとれた柔らかい表現にはなっているものの、それまでの楽章とは一転して、力感溢れる重量級の演奏を行っている。
コロンビア交響楽団は、金管楽器などにやや力不足の点も散見されるが、ワルターの統率の下、なかなかの好演を行っている。
「第３」は、巷間第１楽章や第４楽章の力強さから、ブラームスの「英雄」と称されることもあるが、筆者としては、むしろ、第２楽章や第３楽章の詩情溢れる抒情豊かな美しい旋律のイメージがあまりにも強く、ここをいかに巧く演奏できるかによって、演奏の成否が決定づけられると言っても過言ではないと考えている。
その点において、ワルターほどの理想的な指揮者は他にいるであろうか。
ワルターは、ヨーロッパ時代、亡命後のニューヨーク・フィルを指揮していた時代、そして最晩年のコロンビア交響楽団を指揮していた時代などと、年代毎に芸風を大きく変化させていった指揮者であるが、この最晩年の芸風は、歌心溢れるヒューマンな抒情豊かな演奏を旨としており、そうした最晩年の芸風が「第３」の曲想（特に第２楽章と第３楽章）にぴたりと符合し、どこをとっても過不足のない情感溢れる音楽が紡ぎだされている。
もちろん、両端楽章の力強さにもいささかの不足もなく、総体として、「第３」のあまたの名演でも上位にランキングされる名演と高く評価したい。
「第４」におけるワルターのアプローチは、何か特別な解釈を施したりするものではなく、むしろ至極オーソドックスなものと言えるだろう。
しかしながら、一聴すると何の仕掛けも施されていない演奏の端々から滲み出してくる憂愁に満ち溢れた情感や寂寥感は、抗し難い魅力に満ち溢れている。
これは、人生の辛酸を舐め尽くした巨匠が、その波乱に満ちた生涯を自省の気持ちを込めて振り返るような趣きがあり、かかる演奏は、巨匠ワルターが最晩年に至って漸く到達し得た至高・至純の境地にあるとも言っても過言ではあるまい。
いずれにしても、本演奏は、ブラームスの「第４」の深遠な世界を心身ともに完璧に音化し得た至高の超名演と高く評価したい。
小編成で重厚さに難があるコロンビア交響楽団ではあるが、ここではワルターの統率の下、持ち得る実力を最大限に発揮した最高の演奏を披露しているのも、本名演に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
併録の２つの序曲も名演で、特に、大学祝典序曲など、下手な指揮者にかかるといかにも安っぽいばか騒ぎに終始してしまいかねないが、ワルターは、テンポを微妙に変化させて、実にコクのある名演を成し遂げている。
悲劇的序曲は、「第２」の終楽章の延長線にあるような、力強い劇的な演奏となっており、ワルター円熟の名演と高く評価したい。
他方、ハイドンの主題による変奏曲は、めまぐるしく変遷する各変奏曲の描き分けが実に巧みであり、これまた老巨匠の円熟の至芸を味わうことができる名演と言える。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年06月11日
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ティタニア・パラストにおける定期演奏会の実況録音であり、場内の咳ばらいが異常に多いが、そんなことが気にならないほど演奏は素晴らしく、音も当時のものとしてはかなり良い。
フルトヴェングラーの数多いＣＤの中でも、特に注目すべきものであろう。
ブラームスの「第３」は、ブラームスを聴くよりはフルトヴェングラーの名人芸を味わうべき演奏だと思う。
彼は音楽を完全に自己の個性の中に同化しており、テンポの極端な流動感、ドラマティックな設定、スコアにないティンパニに追加など、さながらフルトヴェングラー作曲の交響曲を聴く想いがするほどだ。
ことに驚くべきは、フレーズとフレーズの有機的な移り変わりで、その密接な血の通わせ方は際立って見事であり、これだけ自由自在な表現なのにもかかわらず、作り物の感じが皆無で、音楽が瞬間瞬間に生まれ、湧き起こってくる。
まさにフルトヴェングラー芸術の神髄ではなかろうか。
第１楽章の冒頭からして以上のことは明らかであり、第１主題の提示から第２主題の登場にかけての細かいテンポの流動は、ワルター＆ニューヨーク・フィルにも匹敵するほどで、これでこそこの部分の音楽は生きるのである。
何とも言えぬ情感に浸りきる第２主題を経て、音楽は再び冒頭に戻されるが、第１主題がいっそうの情熱を持って反復されるところ、単なる機械的な提示部の繰り返しでないことがわかるであろう。
激しい気迫で追い込んでゆく展開部の加速は雄弁なドラマであり、その終わりの部分から再現部初めにかけての、ものものしいテンポの落とし具合は、沸き立つコーダの高まりとともに、音楽自体の呼吸と完全に一致して少しも違和感もない。
スコアのフレージング指定を改変して始まる第２楽章もフルトヴェングラーの独壇場だ。
ブラームス・ファン以外にはかなり重荷なこの音楽も、彼の手にかかると思わず聴き惚れてしまう。
ピアニッシモは強調されているが、全体としては強めで豊かな音楽になっており、漸強弱の指定があると、待っていましたとばかり強調する。
これはフルトヴェングラーとしても珍しい例であり、テンポの激変といい、旋律の思い切った歌といい、ブラームスのひそやかさを愛する人にはいささかの抵抗があるかもしれない。
第３楽章は中間部の後半以後のほとばしるような憧れの情が聴きもので、中でも再現部でテーマが第１ヴァイオリンに歌われる部分はほとんど泣いているかのようだ。
第４楽章は最もフルトヴェングラー的な部分であろう。
主部だけでもテンポが４段階に激しく変わり、同じ�爛▲譽哀蹲瓩涼罎妊▲鵐瀬鵐討�らプレストまでの差があり、音楽的な常識からは考えられないことであり、彼だから許されるというべきであろう。
展開部の熾烈な迫力などは凄まじさのかぎりだし、部分的には見事なところも多いが、実演を直接聴いているのならともかく、ＣＤになるとやや極端な感じが否めない。
「マンフレッド」序曲も素晴らしい名演で、何よりも歌い方の豊かさにまいってしまう。
オーケストラの響きが満ち溢れるようであり、すみずみにまでフルトヴェングラーの血が通い、感情の波が大きく拡がってゆく。
フォルトナーはドイツの前衛的な作曲家で、このヴァイオリン協奏曲は１９４６年の作であり、現代音楽的な理屈っぽさを持つが、ドイツの作曲家ならではの心を打つ場面にも欠けてはおらず、だからこそフルトヴェングラーも採り上げたのであろう。
この曲の初演者でもあり、献呈もされたタッシュナーのヴァイオリンは線が細いが、高音に意味と魅力があり、ポルタメントが心をそそる。
音楽を身近に感じていることがよくわかる演奏だ。
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2015年05月22日
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本盤に収められたブラームスの交響曲全集はジュリーニによる２度目の全集に相当する。
最初の全集が、フィルハーモニア管弦楽団との１９６０年代の録音（１９６０、１９６２、１９６８年）であったことから、本演奏はそれから約３０年後の録音である。
もっとも、ジュリーニは、その間にもロサンゼルス・フィルとともに第１番（１９８１年）及び第２番（１９８０年）をスタジオ録音するとともに、バイエルン放送交響楽団とともに第１番をライヴ録音（１９７９年）していることから、ジュリーニはブラームスを得意中の得意としていたと言っても過言ではあるまい。
また、本盤の演奏は、今後ライヴ録音などが発売されれば事情が変わる可能性もあるが、現時点ではジュリーニによる最後のブラームスの交響曲の演奏ということでもあり、ある意味ではブラームスを得意としたジュリーニによる最終的な解釈が刻印されていると言えるのではないだろうか。
本演奏は、これまでの演奏と異なって、実にゆったりとしたテンポをとっている。
また、反復も原則として行っており、演奏時間もこれらの楽曲の演奏の中ではきわめて長い部類に入るものと考えられる。
テンポもあまり動かさずに悠揚迫らぬインテンポで曲想が進んでいくが、これだけの遅いテンポだと、場合によっては冗長さを感じさせたり、全体の造型が弛緩する危険性も孕んでいる。
しかしながら、ジュリーニの場合は、全体の造型が弛緩することはいささかもなく、各フレーズには独特のニュアンスや豊かな歌心が込められるなど、常にコクのある情感豊かな充実した音楽が構築されているのが素晴らしい。
ここぞという時の強靭な迫力や重厚さにおいてもいささかも欠けることがなく、例えば第１番や第２番の終楽章における圧倒的な高揚感には我々聴き手の度肝を抜くのに十分な迫力を誇っている。
また、第１番の第２楽章、第２番の第２楽章、第３番の第２楽章及び第３楽章、そして第４番の第１楽章及び第２楽章の濃厚で心を込めた情感豊かな歌い方には抗し難い魅力に満ち溢れている。
第４番の終楽章においても、パッサカリアによる表情が目まぐるしく各変奏を巧みに描き分け、巨匠ならではの老獪な至芸を感じさせるのが見事である。
そして、何よりもジュリーニが素晴らしいのは、いかなるトゥッティに差し掛かろうと、はたまた緩徐楽章などにおいて心を込めて歌い上げていようと、格調の高さをいささかも失っていない点である。
とかく重厚で仰々しいブラームスの演奏が数多く行われている中で、ジュリーニによる本演奏が含有する気品と風格は際立っている言えるところであり、ゆったりとしたテンポによるスケール雄大な演奏であることも相俟って、本演奏はまさに巨匠ならではの大人（たいじん）の至芸と言っても過言ではあるまい。
また、ジュリーニの統率の下、これ以上は求め得ないような美しい演奏を展開したウィーン・フィルによる好パフォーマンスも、本名演に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
併録のハイドンの主題による変奏曲や悲劇的序曲も、晩年のジュリーニならではのスケール雄大で、重厚さと優美さを兼ね備えた素晴らしい名演に仕上がっていると評価したい。
とりわけ、ハイドンの主題による変奏曲における第７変奏の筆舌には尽くし難い美しさは、ジュリーニとしても空前にして絶後の名演奏と言えるのではないだろうか。
録音は、従来盤でもムジークフェラインザールの豊かな残響を活かした十分に満足できる音質であったが、数年前に第１番及び第４番のみＳＨＭ−ＣＤ盤で発売され、現在では当該ＳＨＭ−ＣＤ盤がベストの音質である。
もっとも、ジュリーニによる遺産とも言うべき至高の名演でもあり、今後は第２番及び第３番のＳＨＭ−ＣＤ化、そして可能であれば本全集全体についてシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化を図るなど、更なる高音質化を大いに望んでおきたいと考える。
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2015年05月14日
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本盤に収められたブラームスのピアノ協奏曲第２番、そして、ベートーヴェンのピアノ・ソナタの第２３番「熱情」は、東西冷戦の真っ只中であった時代、当時の鉄のカーテンの向こう側からやってきた壮年期のリヒテルによる記念碑的な名演だ。
協奏曲、ソナタともに、リヒテル最初のアメリカ・ツアーの折の録音で、その雄弁な表現に圧倒されてしまう。
リヒテルは、偉大なピアニストであったが、同時代に活躍していた世界的な大ピアニストとは異なり、全集を好んで録音したピアニストではなかった。
こうした事実は、これだけの実績のあるピアニストにしては大変珍しいとも言えるし、我々クラシック音楽ファンとしてはいささか残念であるとも言えるところである。
したがって、リヒテルが特定の作曲家のピアノ協奏曲全集やピアノ・ソナタ全集を録音したという記録はない。
ブラームスのピアノ協奏曲について言えば、スタジオ録音としては、単発的に、本盤の第２番などを録音し、後年にマゼールと再録音が遺されているが、他の諸曲についてはライヴ録音が何点か遺されているのみである。
ベートーヴェンのピアノ・ソナタについても同様であり、こうしたことは、リヒテルがいかに楽曲に対する理解と確信を得ない限り、録音をしようとしないという芸術家としての真摯な姿勢の証左とも言えるのではないだろうか。
それだけに、本盤に収められた各曲の演奏は、貴重な記録であると同時に、リヒテルが自信を持って世に送り出した会心の名演奏とも言えるところだ。
ブラームスのピアノ協奏曲第２番にしても、ベートーヴェンのピアノ・ソナタ第２３番「熱情」にしても、リヒテルは、超絶的な技巧は当然のことながら、演奏全体のスケールの雄大さ、各フレーズに込められたニュアンスの豊かさ、そして表現の彫りの深さなど、どれをとっても非の打ちどころのない演奏を展開している。
人間業とは思えないような強靭な打鍵から繊細な抒情に至るまで表現の幅広さは桁外れであり、十分に個性的な表現を駆使していると言えるが、それでいて、そうした表現があくまでも自然体の中で行われており、芝居がかったところがいささかも見られない。
要は、恣意的な解釈が聴かれないということであり、ブラームスやベートーヴェンへの深い愛着と敬意以外には私心というものが感じられないのが見事である。
個性の発揮とスコア・リーディングの厳格さという二律背反する要素を両立させている点に、本演奏の凄みがあるとも言えるだろう。
とりわけ、ピアノ・ソナタ「熱情」におけるピアノが壊れてしまうと思われるような強靭な打鍵から繊細な抒情に至るまでのダイナミックレンジの幅広さには出色のものがあり、終楽章終結部の猛烈なアッチェレランドはもはや人間業とは思えないほどの凄みのある演奏に仕上がっていると高く評価したい。
またブラームスのピアノ協奏曲第２番では、オケとともに凄まじい迫力がその演奏にもたらされており、刺激的なものとなっている。
また、同曲に込められたブラームスの枯淡の境地とも言うべき美しい旋律の数々を、格調の高さを損なうことなく情感豊かに歌い抜いているのも素晴らしい。
そして、演奏全体のスケールの雄大さは、ロシアの悠久の大地を思わせるような威容を誇っていると言えるところであり、これぞまさしくリヒテルの本演奏におけるピアニズムの最大の美質と言っても過言ではあるまい。
バックをつとめているのはラインスドルフ＆シカゴ交響楽団であるが、さすがにここでもドイツ風の重厚な演奏を行っており、リヒテルによる凄みのあるピアノ演奏のバックとして、最高のパフォーマンスを示していると高く評価したい。
リヒテルの再録音、即ちマゼールと共演したものもあるが、間延びしていて、ラインスドルフとの共演よりも集中力が保持できていないもどかしさを感じさせるところであり、それに対しこの旧盤は一気呵成に終楽章まで聴かせ、燃焼度も高く、オーケストラと一体となってブラームスの世界を紡ぎ出している。
いずれにしても、本盤に収められた各演奏は、リヒテルのピアニストとしての偉大さを十二分に窺い知ることが可能な圧倒的な超名演と高く評価したいと考える。
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2015年05月12日
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２００８年はカラヤンの生誕１００年ということで、数々の企画盤やライヴ音源の復刻が行われたが、本盤もその貴重な１枚。
１９８８年ロンドンでのベルリンフィルとの演奏会で、結果的にこれが最後のロンドン公演だったとのこと。
楽器の到着が間に合わなかったドタバタや、もうあまり体が動かせなくなっていた帝王の姿など、その模様をカラヤンの評伝も書いたリチャード・オズボーンがライナーノーツに記している。
曲目はシェーンベルクの「浄夜（弦楽合奏版）」とブラームスの交響曲第１番で、音質はあまり良いとは言えないが、演奏は名演の前に「超」をいくつか付してもいいくらいの超絶的な大名演だ。
ここでの「浄夜」に聴かれる重厚な美音の洪水、このような重厚な演奏は、現在のベルリンフィルからはもはや聴けないものだ。
今の感覚からするとやや重たいかもしれない曲線美、降り注ぐような弦の霜降り的な濃厚さ、しかし決してテンポはもたれはしないそのバランス感覚は絶妙。
あくまで後期ロマン主義の傑作としての演奏で、世紀の替り目に書かれたシェーンベルクが、ココシュカやエゴン・シーレと魂を同じくする音楽というよりはクリムトの時代の背景音楽としてのゴージャス感で響いてくる。
しばしば疎ましかったカラヤン独特のレガート・スタイルも、曲との適合か、心地良く感じられるほど。
Ｒ.シュトラウスの名演で鳴らしたカラヤンが「グレの歌」を手がけなかったのが惜しくなった。
一方のブラームスは壮観なまでに音響が聳え立ち、何かドラマが人工物にすり替えられているような抵抗を感じないではないのだが、しかしやはりこれを実演で聴いて圧倒されないではいることは出来なかったことであろう。
内声の隅々に至るまで充実した分厚さ（あまりにもべったり塗り籠めていると嫌悪を覚える方もいるかもしれない）や、集団の高度な自発性がもたらす弾力性（ふと精強な軍隊のイメージが頭をよぎるのはやはり否めない）が相俟って、轟々たる推進力が生まれている。
特に終楽章でこんなコーダを築き上げられるオーケストラは他になく、その場に居合わせたら恐怖すら覚えたかもしれない。
カラヤンのブラームスの「第１」には他にも数々の名演があるが、その中でもこの演奏はダントツだと思う。
とても死の１年前の指揮者によるものとは言えない、情熱的で熱い演奏が繰り広げられている。
やはり、カラヤンはライヴの人だったのだ。
ロイヤル・フェスティバル・ホールの聴衆にとって当夜のことは確かに一生の思い出であろう。
もはや好悪を超えた次元にあった音楽家集団の記録として忘れられなくなりそうだ。
カラヤンの録音芸術における完全主義により、テクノロジーの粋を極めた数々の作品は、それゆえに支持するもの、拒否するものも多かった。
しかし、カラヤンの数々のアプローチは録音技術における数々のアカデミックな研究につながり、多元的な成果を生み出した。
カラヤンが常に新しいメディアに興味を示したのは、なにか新しいことを伝えられる媒介を探求するという彼の姿勢がそのまま投影されたものであり、時代を先駆けたマルチな芸術家であった証左である。
逆に言えば、録音技術というフィルターの効果の薄いライヴ録音（もちろんリマスターはあるけれど）はまた別のものを伝える貴重な記録となる。
本ディスクも録音状態から言えば必ずしも良好とは言えないし、またカラヤンが目指した究極形態と比して完成度は劣るが、演奏それ自体として魅力が横溢している。
立派な、といえば、もう立派すぎるくらいの演奏で、在りし日のカラヤン＆ベルリン・フィルの音作りがどういうものであったかを典型的に伝えてくれる１枚には違いない。
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2015年05月10日
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アファナシエフ究極の名演という言葉は、この録音にこそふさわしいと思う。
ロシア・ピアニズムの流れを組む名手でありながら孤高の芸術世界を築くアファナシエフの描く音楽はいずれも心の深淵をのぞき込むかのように深く暗い表情を湛えている。
感情的興奮やヴィルトゥオジティとは全く次元の異なる世界にリスナーはとまどい、やがて言葉を失うほどの感銘を覚える。
アファナシエフは、ブラームスの深淵に浸りきり、研ぎ澄まされた音の中にあらゆる感情が込められた空前の表現を行っている。
前作の後期ピアノ作品集は、おそらくは過去のブラームスのピアノ作品集のＣＤ中最高の超名演（私見ではグールドより上）であったが、本盤も、前作ほどではないものの、素晴らしい名演である。
確かに「アファナシエフ流」のインパクトは後期作品集に劣るが、ポツポツと弾かれる音が漂う「間」（ま）、その空白を感傷が埋めているような、この人特有の音空間はやはりとんでもなく美しく、録音が良いせいか、本当に音の１つ１つが冴え渡っている。
特に、作品１１６の７つの幻想曲は、ブラームスの最晩年の作品だけに、前作の深みのある鋭い名演に繋がるアプローチを行っている。
同曲は、複数のカプリチオと間奏曲で構成されているが、各曲ごとに大きく異なる楽想を、アファナシエフならではのゆったりとしたテンポで、ブラームスの心底の深淵を覗き込むような深遠なアプローチを行っている。
シェーンベルクの十二音技法にも通じるような深みを湛えた至純の名作であるが、アファナシエフの演奏は、まさに、こうした近現代の音楽に繋がっていくような鋭さがある。
それでいて、晩年のブラームスの心の奥底を抉り出すような深みのある情感豊かさも、感傷的にはいささかも陥らず、あくまでも高踏的な次元において描き出している点も素晴らしい。
テンポは、過去のいかなる演奏と比較しても、相当に（というか極端に）遅いと言わざるを得ないが、シューベルトの後期３大ピアノ・ソナタの時のようなもたれるということはなく、こうした遅いテンポが、おそらくはアファナシエフにだけ可能な濃密な世界（小宇宙）を構築している。
研ぎ澄まされた鋭さ、深みのある情感、内容の濃密さという３つの要素が盛り込まれたこの演奏は、聴き手にもとてつもない集中力を要求する。
その深みのある情感豊かさは、同曲の過去のいかなる演奏をも凌駕するような至高・至純の高みに達している。
４つのバラードは、ブラームスの若書きの作品ではあるが、アファナシエフの解釈は、晩年の諸作品へのアプローチと何ら変わることがない。
バラード集の時間軸を変容させ、独特の呼吸で横の線を異化していく特異な世界があるが、このバラード集に纏わりつく死のイメージをここまで音化した演奏は思いつかない。
誰の演奏を聴いてもイマイチ感のあるバラード集で、暗黒面の境界線に佇みながら静かに生者のほうを見つめるピアノを聴かせてくれる、凄い演奏が作品の方向性を作り変えている。
要は、同曲を、最晩年の作品に繋がっていく道程と位置づけており、各バラードの解釈は、初めて耳にするような深みを湛えている。
２つのラプソディーは、ブラームスとしては比較的めまぐるしく表情が変転する楽曲であるが、アファナシエフは、ここでも単なるお祭りさわぎに終始することなく、次元の高い深みのある音楽が紡ぎだされていく。
また、本質的にこの人のピアノはロマン派と相性が良いのだということが良く分かる点も、後期作品集と同様である。
そういえば、アファナシエフが「もののあはれ」を表現の原点としているというエピソードがあるが、この人の演奏を聴いていると、「もののあはれ」というものが、普通な意味でのメランコリーを否定しつつも、結局はメランコリーの一形態だったではないか、ということを思い出させられる。
我々がアファナシエフの演奏をメランコリックとつい評してしまうときも、本来そのような重層的な意味合いを意識すべきなのかもしれないが、そんな遠回りをしなくても、本盤の場合はストレートにメランコリックである。
Blu-spec-CD化によって、アファナシエフのタッチをより鮮明に味わうことができるようになったことを大いに喜びたい。
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