ブラームス
2019年05月12日
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第１、４番が１９５８年、第２番が１９５４年、第３番が１９５６年に録音されたベイヌム畢生の名演。
ベイヌムは１９０１年アルンヘム（アーネム）に生まれ、１９５９年アムステルダムでブラームスの《交響曲第１番》をリハーサル中に亡くなったオランダの名指揮者である。
長らくオランダの名門コンセルトヘボウ管弦楽団の首席指揮者として活躍してきたが、ステレオ録音が本格化した矢先に、しかも指揮者としてはこれからが円熟期という５８歳の若さで急逝した本当に惜しまれる指揮者であった。
コンセルトヘボウ管弦楽団はメンゲルベルク一代で世界屈指の名門オーケストラに育て上げられたが、第２次大戦中のナチスとの関係によりメンゲルベルクは戦後、楽壇から追放されてしまった。
そこで名門オーケストラの再建という重い課題が４４歳のベイヌムの肩にのしかかってきたわけだが、彼はただ単にオーケストラを立て直しただけでなく、コンセルトヘボウ管弦楽団を近代的な機能美と柔軟で英雄的な表現力を併せ持つオーケストラへと脱皮させ、新たなる名演の時代を作り出した。
バッハ、ヘンデルからドビュッシー、シベリウス、バルトークさらにはストラヴィンスキー、ブリテンに至る幅広い作品で名演を聴かせたベイヌムだが、オーソドックスなブラームスの交響曲は最も定評が高かったもので、今なお輝きを失ってはいない。
作品を正面からとらえた恰幅豊かな演奏ながら、リズムの切れがよく、フレーズも実に明快に歌われており、鮮度高く、フォーカスもシャープで全く色褪せていない。
骨格がしっかりと据えられた骨のある演奏で、洒落っ気はないが、真の誠実さ、謙虚なる客観性に火がつくとどんなに凄いことが起きるかをまざまざと体験させてくれる。
ベイヌムは目立たない指揮者、とちらかと言えば職人肌の指揮者だったが、第１番終楽章に聴かせるバロック的壮麗さなど、他のどんな名指揮者も実現させ得なかった熱い興奮へと誘う気迫が充満、往時の名声のほどをしのばせる。
定評ある第１、４番はもとより、他の２曲も充実し、最晩年の録音となるが、この時期のベイヌムの演奏には死の淵を垣間見せるようになっており、音楽性の上でさらに奥行きを見せ始めたことを実感させる。
さらに特筆されるべきは１９５０年代のコンセルトヘボウ管弦楽団の優秀さであろう。
オーケストラが充実、安定感溢れる力強いサウンドの魅力に加えて演奏全体に漲る積極性と躍動感に魅せられる。
響き全体に風格があり、アンサンブルは格調高く、しかも折り目正しく、ソロには威厳があって、オーケストラそれ自体が一つの芸術品であることがよく分かってくる。
またオーケストラ・サウンドに豊かなブレンド感がありながら、各セクションそれぞれに独自の色と香りがあり、それらが混濁することなく見通しのよいアンサンブルを編み上げていくあたりも出色である。
もちろん世界最高の音響特性を誇るコンセルトヘボウでの収録だが、半世紀以上前の録音からもホールの優秀さが感じ取れるというのは、考えてみれば奇跡のような事件であり、なるほどホールも楽器だと再確認させられる。
名演奏家の数だけ名盤が存在するが、不幸にして聴き手が出会える数は限られているので、このセットは大切だ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年04月14日
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ジネット・ヌヴー(1919-49)の録音集は既にコンプリート・スタジオ録音4枚組がドキュメンツからリリースされているが、ヴェニアスによってライヴを含めた彼女の1938年から49年までの音源が、よりインテグラルな形で纏められた。
1935年のヴィエニャフスキ・コンクールで僅か15歳だったヌヴーが26歳のダヴィッド・オイストラフを抑えて優勝したエピソードは両者のキャリアが語られる時、必ずと言っていいほど引き合いに出されるが、実際にはこの２人の演奏スタイルはデュオニュソスとアポロンに喩えても良いほど異なっている。
少なくともこの時期のヌヴーは強い感性に導かれるままに演奏しているように思える。
それは天才だけが成し得る技には違いないのだけれど、一方でオイストラフはクラシックの将来の演奏様式を先取りするような個性の表出を避けた高踏的な解釈が特徴だ。
残念ながら彼女は円熟期を迎えることなく夭折したので、その後どのような演奏を開拓したかは知る由もない。
しかしここに示された作品にのめり込むような濃密な情念はヌヴー若き日ならではの奏法だ。
しかも彼女は、当時としても稀有な、音楽に対する烈しい情熱と深い洞察力、解釈を構成する夥しい精神と明晰な知性をそなえており、並外れた自発性と詩的感覚がそれを支えている。
このようなテンペラメントは確実な技巧と結びついて、スケールの大きい、力強い演奏を生み出した。
彼女がベートーヴェン、ブラームス、シベリウスの協奏曲で、戦前からの巨匠に伍して充実した演奏をしたのもそのためである。
中でもイッセルシュテット、北西ドイツ放送交響楽団のサポートによるブラームスは白眉で、何かに憑かれたような激しさが聴く者を圧倒する。
２年前のスタジオ録音も構成力と感情表現のバランスが見事であったが、それに比べてライヴ録音の緊張感が演奏にいっそうの輝きを与えていて、臨場感があり、高揚した精神が演奏の隅々まで行き渡っている。
その反面、第２楽章では旋律を優美に歌わせて優美な情感を引き出している。
それはあたかも短く燃え尽きる彼女の人生を予感しているようで感慨深い。
ドラティ、ハーグ・レジデンティ管弦楽団のサポートによるブラームスは、３種類ある彼女の録音の最後であるが、彼女の演奏がますます充実してゆくのがよくわかる。
ブラームスのロマンティシズムを健康な精神と結びつけた彼女の解釈は、この曲の理想的な演奏を生み出している。
ロスバウト、南西ドイツ放送交響楽団のサポートによるベートーヴェンでも、彼女の力強い個性は、雄渾な解釈で、この音楽にあらゆる面から迫っている。
第２楽章の優美な表情は、彼女の幅広い、そして深い感情移入を示している。
ジュスキント、フィルハーモニア管弦楽団のサポートによるシベリウスも素晴らしく、この曲のロマンティシズムを線の太い解釈で豊かに表現し、テクニックもしっかりとしており、現在もこの曲の代表的な演奏の１つである。
得意としたフランス近代音楽でも、彼女は決して感覚的な魅力を求めていない。
ここに収められたショーソン、ドビュッシー、ラヴェルの音楽は、豊かな感情を伴って聴き手に語りかける。
今日でも、３０歳でヌヴーほどの存在感を持ったヴァイオリニストは思い当たらないし、彼女は、他のヴァイオリニストが４０代、５０代で到達する精神的な深さを獲得していた。
それだけに、遺された録音を聴くことは大きな幸福であり、それは常に畏敬と驚きを喚び起こす。
彼女の芸術は、彼女の性別・年齢を超えて訴えかけるし、また、大曲、小曲にかかわらず、彼女の演奏は充実していて、�狄燭侶歃儔鉢瓩箸枠狃�に対して使われる言葉である。
ヌヴーはモーツァルトのように短い生涯を駆け抜けたが、あるいは彼女の生涯を見越して天がこのような充実感と完成度を与えたのであろうか。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年04月12日
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カッチェンのピアノ、スークのヴァイオリン、シュタルケルのチェロという名手によるブラームスのピアノ・トリオは音楽的な美しさから言えば現在でも第一線に挙げられる演奏だ。
１９６７年から６８年にかけての録音であるにも拘らず、三者の楽器の音色を生々しく捉えた臨場感のある音質は、当時のデッカの技術水準の高さを証明している。
特に音色の美しさではこのトリオは群を抜いて素晴らしく、また彼らの高い音楽性は馥郁とした薫りを放っていて、聴き手に幸福感をもたらしてくれる。
初めてこれらの曲を聴く方にも躊躇なくお勧めできる。
この３人のコンビの演奏の特色は、ピアノ中心の情感豊かな演奏ということになるだろう。
カッチェンの並外れた演奏技術と音楽の大きさがそうさせるのだろうが、ピアノがやや勝ちすぎの感がなくもない。
ソロの演奏ではエネルギッシュで爽快な印象のあるカッチェンだが、それでもこうしたアンサンブルでは驚くほど抑制を効かせたピアノ・パートに徹している。
トリオ第１番の冒頭の溜息をつくようなピアノの導入に、静かに歌いだすシュタルケルの第一声と、それに重なるスークのヴァイオリンがなんとも素晴らしい。
また第３番のようなドラマティックな曲想の再現でも、彼らはよりリリカルな表現を基本にしているようだ。
ＣＤ２枚目の後半では、シュタルケルとのチェロ・ソナタ第２番が入っている。
カッチェンの早過ぎる死によってもう１曲のソナタが録音されずじまいになったのは残念だが、シュタルケルは１９７８年にジェルジ・シェベックと全２曲のソナタを再録音している。
最後に収められているヴァイオリンの為のスケルツォは、シューマン、ディートリヒとの共作によるヴァイオリン・ソナタの第３楽章をなすもの。
カッチェンがスークと１９６７年に録音したブラームスの３曲のヴァイオリン・ソナタと時を同じくして行われたセッションのものと思われるが、おそらく収録時間の関係でこちらに入っているのだろう。
カッチェンとシュタルケル、カッチェンとスークの二重奏は録音が古いためか、弦よりもピアノが前面に出てきて、カッチェン主役の傾向を一段と強めている。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年03月03日
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ブラームスの交響曲第1番はブロムシュテットが我が国でも実演を何度と無く繰り返している十八番レパートリーだが、CDでは初登場のレパートリーとなる。
シュターツカペレ・ドレスデンのブラ1というのも、意外と少なくこれまでザンデルリンクだけではないだろうか。
演奏は誠実そのもののブロムシュテット流で、はったりこけおどし一切無しでここまで説得力がある名演はそうそうない。
氏も「いずれも現在の私の解釈とは全く異なるものの、ドレスデンとの美しい想い出の記録」とリリースを許可した。
冒頭からシュターツカペレ・ドレスデン特有の荘重なサウンドが響き渡る。
ブロムシュテットはオーケストラの持ち味を最大限に発揮させる指揮者だが、ここでも彼らの華美にならない音色が落ち着いたテンポ設定によって生かされている。
安直に言ってしまえば正統派以外の何ものでもないのだが、決して凡庸という意味ではなく、全曲に通じる構成力の確かさやダイナミズムの鮮やかな変化は、この作品に新しい生命を吹き込んでいるような生気を感じさせる。
第2楽章での硬質な抒情が歌われる中で、後半ペーター・ダムのホルンに支えられたコンサート・マスター、ペーター・ミリングのヴァイオリン・ソロも輝いているし、終楽章のコーダに向かって緊張を高める求心力も見事だ。
ブロムシュテットはこれまでに2種類のベートーヴェン交響曲全集を始めとして、シューベルト、ブルックナー、ニールセン及びシベリウスなどの交響曲全曲録音を果たしてきた。
しかしブラームスに関しては同じオーケストラでの全集はなく、第1番をシュターツカペレ・ドレスデン、第2番及び第4番はライプツィヒ・ゲヴァントハウスとの音源が存在するが、第3番が欠けている。
理由は分からないが、機会に恵まれなかったのだろう。
尚この音源は2009年にリリースされたディスクのリイシュー盤になる。
ライヴなので客席からの雑音が若干入っている。
録音状態はオン・マイクで採った良好なもので、それぞれの楽器のパートごとのアンサンブルも明瞭に聴き取れるが、全体的なバランスにやや偏りがある。
例えば中低音は豊かだがいまひとつ焦点がぼやけている。
またブラス・セクションに比較して弦楽の高音部が多少弱い。
これは当時使われた演奏会場、ドレスデンのクルトゥーア・パラストの弱点だろう。
1969年開場の1400名収容多目的ホールで大戦末期に空襲で大破したゼンパーオーパーが85年まで修復工事で閉鎖されていたので、クラシックのための音楽ホールとしても急場凌ぎに使われていた会場だ。
セッションであればルカ教会が理想的だが、録音データを見ると1991年6月7日のライヴなので、復帰したゼンパーオーパーはオペラ公演で塞がっていたのかも知れない。
現在このクルトゥーア・パラストも５年間かけて大改装され、2017年に大オルガンを装備した専用の音楽ホールとして再オープンしてドレスデン・フィルハーモニーの活動の本拠地にもなっている。
ブロムシュテット本人による英語、日本語、ドイツ語のライナーノーツも嬉しく興味深く読める。
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2019年02月10日
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オットー・クレンペラーはブラームスの最高の解釈者のひとりであった。
晩年の彼は、やや速めのテンポで音楽から揺るぎない構成を引き出し、強い精神力でそれに生命を与え、豊かな情感で充実させていく。
最初は意識させないのに、気がついた時には、聴き手は彼の解釈と一体になっている自分を発見する。
これは、クレンペラーがステレオの最初期、１９５５〜６２年にかけて録音したブラームスの集成で、４枚に全曲を収め、ロープライスに抑えたのが魅力だ。
クレンペラー独特の古雅な風格をもったブラームスで、何回ものセッションを費やして完成された交響曲全集は、壮大・峻厳な趣を持ち、重厚な響きで確信に貫かれた演奏が作られている。
一瞬のゆるみもない緊張と力に支えられた端正な演奏の中から、ブラームスの苦渋とロマンが湧き上がり、もはやこのような表現は、現今の指揮者には望むべくもない。
ところでブラームスにも若い時代があったのだろうが、白髭を生やした姿しか思い浮かばないし、彼の交響曲にもそんな老いの表情が打ち消せない。
しかしそこには厳父の孤高さと慈父の柔和さが滲み出ており、雄渾でありながら包容力に富むひびきが聴きとれる。
また思索をどこまでも深くめぐらせる賢人か哲人といった風貌をただよわせ、預言者的な風格すらおびている。
宇宙の奥義を究めたようなその教えは、いくぶん神秘的で晦渋かも知れないが、噛めば噛むほど味わいの増す知恵に満ちている。
クレンペラーの演奏は、些事に拘泥せず、ブラームスのそうした味わい深いひびきの世界を悠揚迫らぬスケールの大きさで描き出しており、その感動は震撼的ですらある。
『ドイツ・レクイエム』は悠揚迫らぬ骨格の太い、すこぶる腰のすわった重厚な表現で、伝統的なドイツの演奏スタイルをそのまま伝える名演である。
クレンペラーの包容力の豊かさが各章に感じられ、その重量感はまさしく巨造建築を仰ぎみているようだし、ブラームスへの畏敬の念に満ちている。
正統、かつ重厚で、その内面の深さは量り知れない、まさに１９６０年代を代表するブラームスの演奏様式というべきだろう。
現在のブラームス演奏からは隔たっているかもしれないが、頑固なまでに自己の信条に忠実だったクレンペラーの融通の利かない反時代性が、この１９６１年録音から、いま鮮明によみがえる。
彼の解釈が最高に発揮された名演で、堂々たる歩みの中に威厳と深い悲哀をたたえた演奏は、聴く人を感動させずにはおかない。
独唱者たちもクレンペラーの解釈を忠実に守り、その意図を体現した隙のない好演で、声の美しさと内面的な深さで光る。
シュヴァルツコップの歌唱は、肺腑を突き、フィッシャー=ディースカウも敬虔いっぱいのブラームスを聴かせてくれる。
『アルト・ラプソディ』は、クレンペラーがブラームスにふさわしい重厚な表現でじっくりとオーケストラをまとめているし、ルートヴィヒも体の深部からあふれ出るような苦汁に満ちた声で共感を込めて歌い上げている。
それだけに第１部では、ゲーテが冬のハルツの旅に伴った青年プレッシングの苦悩がひしひしと伝わってくるし、また厭世的な若者の心の救済を願う第２部にも深い祈りが込められている。
『ドイツ・レクイエム』『アルト・ラプソディ』ともに合唱団の歌い込みも充分である。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年01月25日
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スメタナ四重奏団によるブラームスの録音は意外に少なく、ここに収められた２曲の弦楽六重奏曲のほかには弦楽四重奏曲第３番変ロ長調とクラリネット五重奏曲ロ短調があるだけで、しかもそれらの２曲はいずれも１９６０年代のもので、その後再録音の機会には恵まれなかったようだ。
一方こちらの六重奏曲のほうは１９８７年のディジタル録音になり、コチアン四重奏団のメンバーに第２ヴィオラとしてシュカンパ、第２チェロにコホウトが加わるという変則的なメンバーによる演奏だが、アンサンブルの完璧さでは他の追随を許さないものがある。
コチアン四重奏団は１９７２年にコホウトの指導の下に結成され、スメタナ四重奏団とは師弟関係にあり、室内楽の国チェコの良き伝統が、美しく受け継がれていく様子を綴った偉大な記録と言えよう。
多彩な音色の変化と、アンサンブルの緊密さに抜きん出た優れた演奏で、彼らが着実に成長していた印象を深める。
今回ブルー・スペックＣＤでこの名演がリニューアルされ、以前にも増して本来の弦の音色を再現できるようになったことは評価したい。
コチアンの４人にヴィオラとチェロを加えたこの六重奏は、流石にアンサンブルの妙味を見せて、しっくりとまとまって、厚みがあり、微妙な色合いの変化もある見事な室内楽と言って良い。
彼らが特に秀でているのは、６人が同等の立場でお互いのパートを細心の注意を払って聴き合い、絶妙な音楽の流れを創りだすところにある。
どちらも穏やかな中にも隠された情熱と緊張感を孕んだ楽想が支配的だが、それだけに低音を受け持つスメタナ四重奏団の２人には、ことさら曲想が重苦しくならないようにするための格別な配慮が感じられる。
そこには殆んど祈りにも似た静謐と安堵の世界が広がり、一種幽玄のたたずまいを呈しているといっても過言ではない。
こうしたところにもブラームスのアンサンブルの醍醐味があることを改めて納得させられる演奏だ。
特に第１番は音色ばかりではなく、様式感においても統一のとれた解釈に基づいており、旋律を歌わせるときのこまやかな情感はこの曲の抒情性に最適だ。
曲自体がシンフォニックに傾く第１番では耳に優しい室内楽として再現しているのに対し、第２番では味を濃くつけて熱っぽく弾いている。
ブラームスの手掛けた一番大きな編成の室内楽曲が、この２曲の弦楽六重奏曲で、第１番は２７歳の１８６０年に、第２番はその５年後に完成した。
この弦楽六重奏という形式は、弦楽四重奏にヴィオラとチェロをだぶらせたもので、音響的には中、低音域が厚すぎて扱いが難しいため、あまり取り上げられることのない形式であった。
ブラームスは、先輩ベートーヴェンでさえ手を染めなかったこの形式に挑戦して、輝かしい成果を収めたのである。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年01月21日
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ブロムシュテットは同一のオーケストラとのブラームスの交響曲全集をまだ完成させていないし、第３番に関しては録音自体見当たらない。
第１番はシュターツカペレ・ドレスデンと、第２番及び第４番はゲヴァントハウスとの音源があるが、それらの中ではこのディスクに収録された第４番だけがセッション録音で、他の２曲はいずれもライヴになる。
データを見るとCD1が1996年に彼ら専用のコンサートホール、ゲヴァントハウスで収録され、CD2の方は1989年にサン・フランシスコのデイヴィス・シンフォニーホールでの録音だが、どちらも音質的には当時のデッカとしては意外にも凡庸の域を出ていない。
鮮明さと臨場感を期待して聴いたからかも知れないが、オフ・マイクぎみに採ったオーケストラはやや精彩を欠いている。
これはあくまでも録音状態から判断する評価で、前者はブロムシュテットがゲヴァントハウスの首席指揮者に就任した年のお披露目の演奏でもあり、彼らの力強く生き生きとした意欲を感じさせるだけに惜しまれる。
むしろ１枚目後半にカップリングされたパウル=ゲルハルト教会での３曲のコーラス作品の方が明瞭な音質が得られている。
サン・フランシスコのホールは当初から音響に問題があったようだが、これは改修以前の録音のためかサウンドにいまひとつ厚みがない。
ゲヴァントハウスのような古い伝統を引っ提げた楽団は、どんな曲目を演奏しても自ずとその貫禄を感じさせるが、このブラームスに関して言えば決して重苦しいものではなく、第１楽章冒頭はむしろフレッシュで苦悩から解放されている。
こうした演奏様式が開拓し尽くされたクラシックの名曲はあらゆる指揮者があらゆるオーケストラと挑戦するが、スコアに忠実であろうとすれば退屈になる恐れがあり、また過去の名演の向こうを張って個性を強調しようとするとブラームスの様式から乖離してしまう厄介なレパートリーでもある。
ブロムシュテットはブラームスの様式からは決して逸脱しないが、そこに可能な限り現代的センスとダイナミズムを持ち込んでロマン派の壮麗な音楽を聴かせる。
彼の解釈には閃きだけでなく周到な準備とオーケストラへの非凡な統率力が窺える。
２枚目のサン・フランシスコ交響楽団及び合唱団によるオーケストラ付コーラス作品は、意外にもブロムシュテット初のブラームスで、ゲヴァントハウスほどの重厚さやくっきりとした造形美にはやや欠けるが、几帳面で堅実な手法に加えて明るい響きと自由闊達な物語性の表現がドイツ的ロマンスを体験させてくれる。
『悲歌』は何という深い哀しみを湛えたブラームスだろう。
人間の根源にある悲しみと憧れを深々と歌い上げた演奏だ。
『運命の歌』ではブラームスの想念の凄さが、重い歩みのなかに切実感をもって聴く者に迫る。
『アルト・ラプソディー』でソロを歌うオランダ人の新進メゾ・ソプラノ、ジャード・ヴァン・ネスは、スケールは大きくないが手堅い歌唱で好感が持てる。
他の曲においても、ブラームスへの全身的共感がブロムシュテットのなかから噴き出ており、オケと合唱団がこれに全幅の信頼をもって反応している。
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2019年01月09日
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2016年にバンベルク交響楽団の首席指揮者に就任したチェコの俊英ヤクブ・フルシャがブラームスとドヴォルザークの交響曲集の制作に着手した。
その第１集が両作曲家の最後の交響曲を２枚のハイブリッドSACDに収録した当アルバムで、ディスクの音質の良さもさることながら彼らの一糸乱れぬアンサンブルとオーケストラの音響の見事さが傑出した演奏だ。
バンベルクはベルリン・フィルのようなスター・プレイヤーの華麗なサウンドで魅了する楽団ではないし、ここで感知されるようにむしろ首席奏者達の音色は地味な方だ。
しかしながらフルシャの創り出す混濁のない精緻なハーモニーの美しさはドイツの中堅オーケストラとしてはおそらくトップ・クラスだろう。
彼らが是非この新企画を完成させてくれることを期待したい。
SACD化によって高音の伸びが非常にきめ細かく再生される。
特にトライアングルの繊細で軽やかな響きが心地良い。
録音データを見て驚いたのは、ドヴォルザークは筆者自身が偶然予約していた一昨年秋のコンツェルトハレでの定期演奏会のライヴ録音で、当日聴いた演奏がテイクされていたことだ。
その時はフルシャのもうひとつのお国物、スメタナの『モルダウ』がプログラムに入っていた。
彼は若手であるにも拘らず覇気で通すタイプではなく、オーケストラに隅々まで計算された丁寧な指示を与え、しかも第１楽章第２主題で大胆なラレンタンドをかけるなど自由闊達なドヴォルザークを表現しているという印象で、それは彼らの緊密なコラボの賜物だろう。
一方ブラームスの方は同年５月の収録で、こちらはセッションのようだ。先ず冒頭の瑞々しくしなやかなサウンドに耳を奪われる。
端正でかなり几帳面だが冷徹さはなく柔軟な音楽性に特徴があり、ブラームスにしては辛気臭くない明るい演奏だ。
第２楽章で聴かせるカンタービレや第３楽章での歓喜、終楽章の堂々たるパッサカリアには絶妙な節度がある。
このあたりにもフルシャの知性的でモダンな解釈が窺われ、将来への期待が持たれる有望な指揮者であることが理解できる。
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2018年12月20日
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マウリツィオ・ポリーニ若き日のブラームスのピアノ協奏曲集で、第１番がカール・ベーム指揮ウィーン・フィルとの１９７９年の録音、第２番がクラウディオ・アバド指揮ウィーン・フィルとの１９７６年の録音になる。
国内盤では以上２曲のみの収録だったが、輸入盤には更にベーム指揮ウィーン・フィルの演奏でハイドンの主題による変奏曲と悲劇的序曲が収録されている。
ポリーニが協奏曲を集中的に録音していた時期の演奏であり、第１番で当時３７歳の彼は老練なベームの指揮を得て、のびのびとしたソロを聴かせる。
透徹したタッチで弾き進めるポリーニは、冴えたテクニックを披露しながら、ブラームスのシンフォニックな協奏曲に対して明晰なアプローチを示す。
ニュアンスの与え方が細部まで丁寧であり、作品の持つロマンティックな叙情美を見事に浮かび上がらせたその演奏は、現在においても新鮮な魅力を放つ。
一方、ベームの端正にして気品を保った指揮は、オーケストラから情感豊かな表現を引き出すと共に、温かな眼差しをもって、ポリーニのピアノを着実に支えている。
ベームの指揮から生まれるウィーン・フィルの音色には練り上げられた滑らかさと落ち着いた光沢があって、それがこのピアノ協奏曲第１番の冒頭のような激しく高揚する緊張感を表現する時でも決して損なわれることなく、常に鷹揚で気品のある風格を保っている。
彼の指揮にはブラームスの音楽の内部から溢れ出す激情をことさら誇張せずに楽想自体から自然に生み出されるエネルギーをそのまま引き出している必然性が感じられる。
また常に自然体でありながら感情の機微を伝える術を知っていた数少ない指揮者の一人だった。
一方第２番はアバドの指揮に替わるが、彼はポリーニのとても相性の良いパートナーであり、第１番とは対照的にこの曲の持っている叙情性を最大限生かしたリリシズムに満ちた解釈が聴き所だ。
オーケストラのカンティレーナの美しさやナチュラルでしなやかな感情の起伏など、哲学的な深刻さよりもむしろ平明かつ流麗でしかも張りのあるダイナミックで視覚的な表現の選択はイタリア人指揮者ならではのものだ。
この頃のポリーニには、現在の彼にはもはや求めることのできない恐ろしく強靭な集中力と人間離れしたテクニックの冴えがあった。
そうした条件が見事に一体化したこの演奏は、瑞々しい歌と白熱した緊迫感に溢れる名演になっており、特に第１、第２楽章の輝かしい表現は、未だに新鮮で圧倒的なアピールを保ち続けている。
ポリーニの能力の並外れた点は曲全体を客観的に俯瞰することによってその構造を確実に把握し、聴く側に一切の曖昧さを排した一点の曇りも無い明瞭なイメージを伝えるところにある。
その為には細部の表情付けに拘泥することは避け、一種の冷徹さを持って演奏を推進していく。
良く言われる輝かしく彫りの深い表現というのは決して彼の明晰で精緻な打鍵のみを指しているのではなく、この奏法をあくまでも表現手段として用いた頭脳的な曲作りに彼の本領が発揮されている筈だ。
ポリーニの音楽には陰影に包まれた憂愁の美といったものは期待できないが、彼が伝統的なドイツのピアノ音楽を完全に手中に収めているのはこうした理由からだろう。
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2018年09月08日
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ワーナーでは昨年フルトヴェングラーのベートーヴェン交響曲全集のバジェット・ボックスをリリースして、それまで決してリーズナブルとは言えなかったEMI音源の個別売りやセット物がひとつに纏められた。
これはその第２集に当たり、ブラームスの４曲の交響曲及び３曲の協奏曲の他にハイドンの主題による変奏曲、ハンガリー舞曲集と『ドイツ・レクイエム』を６枚のCDに収録している。
ブラームスの音楽は、古典的な特質に重点を置くか、それともロマン的な特質を重視するかで表現がかなり違ったものとなるが、基本的な解釈を充分抑えた上で自在な感興に任せつつ、うねるように感情豊かな音楽を繰り出していくフルトヴェングラーの自在な棒は、ブラームスのロマン的な面に重心を置いたものと言えよう。
聴きどころはSACD用DSDリマスタリングによってどれだけ音質が改善されたかで、廉価盤ということもあってそれほど期待していなかったが、概ね良好なサウンドが再生される。
当然晩年のウィーン・フィルとの共演の方が音質が良く、当時のコンサート・マスター、ボスコフスキーやブラベッツのソロを始め往年の名首席達、レズニチェック、カメシュ、ウラッハなどのアンサンブルに間接的に触れることができるのも幸いだ。
交響曲はフルトヴェングラーの戦後のライヴを集めた全集で、第１番のみウィーン・フィル、あとの３曲は手兵ベルリン・フィル。
第１番のスケール感と劇的起伏に満ちた迫力、第２番での自由な精神の飛翔、第３番における取り憑かれたような感情の激動、第４番の内と外への雄渾な広がり、と音楽の深部にまでのめり込んでの鬼気迫る名演である。
戦中のライヴになるエドヴィン・フィッシャーとのピアノ協奏曲第２番は思ったよりまともな音が保たれている。
ルツェルンとの音源は、メニューインを迎えたヴァイオリン協奏曲が２人のカリスマ性が火花を散らす魅力的な演奏だが、第１楽章の長いカデンツァは今となってはややくどい印象を否めない。
一方保存状態が好ましくないストックホルム・フィルとの『ドイツ・レクイエム』に関しては、お世辞にも良好とは言えないが、これらは別物のマスターでも発見されない限り、これ以上の音質改善は望めないだろう。
むしろ現在となっては、片っ端からSACDや高音質CDに焼き直して価格を吊り上げるより、先ずレギュラー・フォーマットのCDで気軽にフルトヴェングラーの名演に触れることの方が先決だと思う。
勿論フルトヴェングラーのファンであれば立派なコレクションとしての価値を持ったセットだ。
尚それぞれのCDにオリジナル・カバー・デザインが使用され、ライナー・ノーツにはフランスのクラシック・ジャーナリスト、ユーグ・ムソーによる新規の欧文エッセイが掲載されているが、録音データに関してはウォリット裏面にしか印刷されていない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2018年03月08日
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リヒテルのザ・マスター・シリーズの７巻目で、フィリップスとデッカのそれぞれの音源から集められたブラームスとシューマンの作品集になる。
例によってこのシリーズのライナー・ノーツには録音データらしきものはなく、謎に包まれたライヴ集なので参考までに個人的に調べた録音年月日と場所を記しておく。
その長いキャリアをセッションという形ではなく、むしろライヴに賭けた巨匠の至芸を堪能できるシリーズのひとつとしてお勧めしたい。
音質は押し並べて良く、演奏終了後の拍手は入っているがライヴに付き物の聴衆の雑音が非常に少ないのも好感が持てる。
ブラームスの２曲のソナタはいずれも１９８６年５月２７日にイタリア、マントヴァで開かれたリサイタルで、この２枚のＣＤでは唯一デッカが持っているマスターだ。
重厚な押し出しとペダルの使用を控えた彫琢するような明瞭な造形美には円熟期のリヒテルならではの味わいがある。
『パガニーニのテーマによるヴァリエーション』は第１部、第２部共に１９８８年６月１９日にフランスのメスレーで収録されたものらしい。
超絶技巧で名高い曲でライヴ録音も珍しいが、彼は全く躊躇のない恐ろしいほどの集中力で弾き切っている。
一方『バラードト短調』、『カプリッチョハ長調』、『間奏曲ホ短調』及び『ラプソディー変ホ長調』の総ては１９６６年９月８日にスイス、ロカルノのサン・フランチェスコ教会でのライヴで、この曲集では最も古い音源だが、いくらか武骨な力強さがブラームスの素朴な音楽性を良く示しているように思う。
最後のシューマンの『幻想曲ハ長調』は、１９７９年１２月１７日にドイツ、レヴァークーゼンで行われたコンサートから採られたものだ。
シューマン特有の内省的な思索がリヒテルの得意とする奏法でもあることが理解できる、あらゆる意味でバランスに長けた演奏だ。
尚このセットでは以前フィリップスのザ・オーソライズド・レコーディングスに組み込まれていたシューマンの『マーチト短調』、『ノヴェレッテヘ長調』、『４つの夜曲』、『花の曲』そして『パガニーニのカプリースによる演奏会用練習曲』が何故か選択から漏れている。
既に両シリーズ共に製造中止の憂き目に遭っているので残念だ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2018年02月10日
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オーストラリア・エロクエンスからの２枚組廉価盤で、ラファエル・クーベリック指揮、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団によるブラームスの交響曲全４曲を収録している。
ライナー・ノーツの録音データを見ると第１番から第３番までが1957年、第４番が1956年で、いずれもウィーンのゾフィエンザールでのステレオ・セッション録音になり、本家デッカからはCDとして初リリースのようだ。
ただし日本ではタワーレコードからヴィンテージ・コレクションでクーベリック生誕100周年記念盤として2014年に既に復刻されている。
ある程度プライス・ダウンされているところがセールス・ポイントだろうか。
早くからステレオ録音に取り組んだデッカだけあって、音質は鮮明で分離状態も良いが全体的なサウンドがややデッドで、もう少し豊かな中低音と柔らかさが欲しいところだが、これはリマスタリングの結果というより音源の持つ弱点と思われる。
クーベリックは1983年にバイエルン放送交響楽団ともブラームスの交響曲全曲を再録音しているが、先ず決定的に違うのが演奏時間で、第３番以外では第１楽章の提示部の繰り返しを省略していることもあるが、テンポの取り方もこちらの方がかなり速めになっている。
２枚のCDに収まっているのもこのためだ。
しかしクーベリック４０代前半の強い推進力が感じられても、決して尖った演奏にならないのはオーケストラの奏法に負うところが大きい。
ここでは１９５０年代後半のウィーン・フィルのこぼれる魅惑に満ち溢れており、彼はオケの自主性を重んじた柔和な音楽作りを見せる。
この頃のウィーン・フィルはコンサート・マスターがボスコフスキー、首席奏者にはフルートのハンス・レズニチェク、オーボエのハンス・カメシュ、ホルンはフォン・フライベルクという頑固なまでにウィーン流派を受け継ぐメンバーが揃っていて、クラリネットのウラッハは少し前に引退していたが、替わって彼の高弟プリンツが首席に着いていた。
若手指揮者の言うことを聞かないことで有名なウィーン・フィルでは、クーベリックも彼らに一目を置かなければならなかっただろう。
第３番第３楽章を始めとする様々な楽器によるソロの部分での彼らの培ってきた伝統的な音色と奏法による巧みなアンサンブルを聴くことができる。
白眉は快速で駆け抜ける第４番の第１楽章で、いち早く過ぎ去ってゆく情景にウィーン・フィルの面々が歌という刻印を残してゆく様は圧巻だ。
尚第１番第２楽章のヴァイオリン・ソロはボスコフスキーと思われる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年12月18日
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この4枚に収録されたデ・サーバタの演奏は、例えばブラームスの交響曲第4番第2楽章における深みのあるリリカルなカンタービレや、ベートーヴェンの『英雄』第2楽章の壮麗なしめやかさに表れている。
彼が引退後最後に公衆の前に現れたのは1957年1月のトスカニーニの葬儀の日で、当日この葬送行進曲が彼の指揮で演奏されたが、CD4でそれに先立つ1946年の同曲を鑑賞できる。
全曲を51分かけた演奏で第2楽章の17分間は最も長いが緻密な音楽設計によって弛緩のない緊張感が貫かれている。
またシベリウスでの沈潜した神秘性と熱狂、コダーイの野太さと狂乱する民族舞踏の敏捷性にも真似のできない彼独自の哲学と手法が示されていて、ベルリン・フィルも彼らの機動力をフルに稼動させて呼応しているのが聴きどころだ。
最後の『ワルキューレの騎行』の閃光が飛び交うような鮮烈なサウンドはステレオ音源で聴くことをイメージすると、その神々しさがのっぴきならないものに思われる。
モーツァルトの『レクイエム』に関してはソリスト4人が個性的なオペラ歌手であったために、過去にはこの演奏が準イタリア・オペラのように評価されたことがあった。
しかし実際にはデ・サーバタによって良く統制され、歌手達も抑制した歌唱とアンサンブルで、確かにイタリア的なモーツァルトだが決して様式から逸脱した音楽ではない。
戦中戦後のイタリアを代表する指揮者ヴィクトル・デ・サーバタ(1892-1967)は、トスカニーニ、セラフィンに続く歴代ミラノ・スカラ座の音楽監督の一人で、戦後はマリア・カラスに代表される大歌手達と共にスカラ座黄金時代を築いた巨匠であった。
残念ながら全盛期に心臓発作で引退を余儀なくされたために遺された音源は少なく、また総てが古いモノラル音源である。
録音条件とその音質の稚拙さを受け入れるならば、彼の極めて精緻でありながら振幅の広いダイナミズムとイタリア人らしいパッショネイトな指揮による、スケールの大きな表現は時代を感じさせないだけの高い音楽性の裏付けが感じられるし、それは後輩のカンテッリやジュリーニにも一脈通じるオリジナリティーと言えるだろう。
彼のオペラ及び宗教曲での名演はなんと言ってもカラス、ディ・ステファノ、ゴッビを迎えたプッチーニの『トスカ』と、シュヴァルツコップ、ドミンゲス、ディ・ステファノ、シエピとのヴェルディのレクイエムだがEMI音源なのでここには収録されていない。
このセットで唯一の声楽曲はチェトラ音源でイタリアのオペラ歌手を起用したモーツァルトのレクイエムになり、その他はオーケストラル・ワークで占められている。
勿論当時からスカラ座の音楽監督はイタリア・オペラに精通しているだけでなく、ベートーヴェンを始めとするゲルマン系の管弦楽曲にも最大限の敬意を払って積極的にレパートリーに取り入れていたので、決して彼らにとっても稀な演目ではなかった。
ライナー・ノーツによればデ・サーバタの両親は第1次世界大戦後イタリアに編入された旧オーストリア領出身で、それは彼のレパートリーにも大きく反映され、スカラ座管弦楽団を率いたベートーヴェン交響曲全曲チクルスも行っていたようだ。
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2017年12月01日
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アンドレ・ナヴァラは1951年にプラハの春音楽祭で華やかなデビューを飾った後、60年代までプラハにおいて当時を代表するチェコの音楽家やチェコ・フィルなど当地のオーケストラ、アンサンブルと多くの協演をしている。
このセットに収められた５枚はナヴァラがプラハ・スプラフォンに遺した全音源で、西側の大手レコード・メーカーとの契約に恵まれなかった彼には同時代のチェリストに比較して正規録音がそれほど多くないが、実力派の彼の力量が充分に発揮された演奏集としてオールド・ファンのみならずチェロを愛する方には聴き逃せないセットだ。
仏フォンダメンタから昨年リリースされたナヴァラ協会のオフィシャル・エディションの６枚組とはカレル・アンチェル及びヨゼフ・スークと協演したCD2枚分の曲目がだぶっているが、このセットではナヴァラの室内楽への情熱とアンサンブルの腕前を堪能できるのが特徴である。
CD3の後半からCD5までがバロックから20世紀に至る作曲家のヴァイオリンとのデュエット、チェロ・ソナタやチェロのための小品に当てられている。
ヴァイオリンとのデュエット集で協演しているのがヨゼフ・スークで、CD4にコダーイ、オネゲル及びマルティヌーによる４曲が纏められているが、これらは数年前に同スプラフォンからリリースされたスーク早期レコーディング集にも収録されていた名演になる。
いずれの作品も録音が少なく、またコンサートでも滅多に採り上げられないが、オーケストラを髣髴とさせるような豊かなダイナミズムだけでなく音楽的にも特有の深みを持っている。
ソナタ集ではチェコのピアニスト、ホレチェクの伴奏でのブラームス、プロコフィエフ、ベートーヴェンが素朴ながらストレートで豪快な奏法で如何にもナヴァラらしい。
またやや音質は劣るがケー=デルヴロワ、ボッケリーニ及びラヴェルはナヴァラの数少ない室内楽録音のサンプルで、ピアノはパネンカやハーラの師でもあったフランティシェク・マクシアーンの貴重なサポートで聴くことができる。
カレル・アンチェル、チェコ・フィルとのブラームスの二重協奏曲には彼らの典型的な演奏スタイルが表れている。
スーク、ナヴァラのしなやかだが鋼のようなデュエットにアンチェルの気迫のこもったスケールの大きな演奏が聴きどころで幸い良好なステレオ録音で遺されている。
アンチェルはソヴィエトのプラハへの軍事介入に抵抗して68年にカナダに亡命し、チェコ・フィルの音楽監督も辞任してしまうので、その意味でも貴重な録音に違いない。
アンチェルとはシューマン、ブロッホ、レスピーギ及びプロコフィエフでもパッショネイトな演奏を繰り広げているが、特にブロッホの『シェロモ』では多彩なオーケストレーションがアンチェルによって絶妙に引き出されている。
総てオリジナル音源からのリマスタリングで、仏フォンダメンタに比較して音量ボリュームはやや低いが音質は柔らかく繊細に仕上げられている。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年06月18日
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独ヘンスラーのプロフィール・レーベルからリリースされているカルロ・マリア・ジュリーニがドイツのオーケストラに客演したラジオ放送用ライヴ録音シリーズのひとつ。
１９７９年１月２６日に収録された質の良いステレオ音源は、大手メーカーのセッション録音に引けを取らない音質が再現されているし、また鑑賞の時に煩わしい聴衆からの雑音は一切混入していないのも幸いだ。
プロフィール・レーベルのリマスタリングには定評があり、それはこれまでにリリースされたジュリーニがドイツの放送局に遺した幾つかの音源でも証明されている。
この録音でも音場が広く分離状態も良くオーケストラのそれぞれの楽器配置も明瞭で、確かにやっつけ仕事ではない良心的で丁寧な仕上がりが感知される。
唯一の弱点を挙げるとすれば収録曲がブラームスの交響曲第１番ハ短調の１曲のみというところだろう。
ジュリーニは若い頃オペラからオーケストラル・ワークに至るかなりのレパートリーを持っていたが、年と共にそれらを厳しく収斂していった指揮者なので、こうした音源の発掘は歓迎したい。
ブラームスはジュリーニが得意としていた作曲家の１人で、交響曲第１番に関しては、フィルハーモニア管弦楽団（１９６１年）、ロスアンジェルス・フィル（１９８１年）、ウィーン・フィル（１９９１年）とそれぞれスタジオ録音している。
ここでのジュリー二の指揮は難解に感じられる部分が全くない明快なもので、冒頭からメリハリを利かせた起伏のあるダイナミズムの中にブラームスの演奏には異例なほどの鮮やかな色彩感を反映させている。
テンポの采配もかなり自由で、第２楽章後半のヴァイオリン・ソロとホルンのユニゾンではカンタービレを充分に奏でる流麗な抒情が美しいし、終楽章のテーマもテンポを抑えて悠々とした歌心を披露している。
ジュリーニは音楽を理詰めで聴かせるタイプの指揮者ではなく、あくまでも作曲家のオーケストレーションの妙を引き出し、それを最大限活かしながら表現する、言ってみれば感性が主導する解釈が支配的だが、その一方で音楽の起承転結を疎かにせず作品を弛緩させることのない巧妙なバランス感覚が彼の美学でもある筈だ。
その結果オーケストラの重厚さやほの暗さによって表されるブラームスの諦観よりも、むしろ平明だがより開放的なサウンドが特徴だろう。
ジュリーニはまた、ブラームスの作品独自の重厚な音構造、和声感覚、ディテールの入念な動きをことごとく表出しながら、伴奏音型、対旋律、普通なら目立たない楽句も手にとるように表現している。
それもバイエルン放送交響楽団がジュリーニの手足の如く自在に力量を発揮し、緻密な演奏をする姿勢がなければ不可能だが、事実、オケは極めて質の高い水準を示している。
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2017年03月18日
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リヒテルが初めてアメリカを訪れた際の歴史的録音で、このＣＤの音源はリヒテル・アメリカ・デビュー盤のひとつとしてＬＰ時代から評価の高いものだった。
この録音が行われた１９６０年はいわゆる冷戦下、アメリカから見れば“鉄のカーテン”で隔てられていた“東側”の演奏家が初めてアメリカに来演した年にあたる。
とりわけリヒテルの２ヵ月にわたるツアーはセンセーションを巻き起こし、ＲＣＡによるレコーディングも並行して行われた。
その初録音がここに収められたブラームスで、同年１１月に収録された『熱情』ともども、リヒテル絶頂期の凄みが生々しく伝わってくる。
リヒテルは超人的技巧を駆使しながらもスケールの大きい、厳しい感情表現を示しており、特に両端楽章が立派だ。
ラインスドルフの指揮は極めて熱っぽく、オーケストラの華やかさも加えて、リヒテルとがっぷり四つに組んでいる。
過去にはラインスドルフ＆シカゴ響とリヒテルの爆演のように言われたこともあるが、良く聴いてみるとシカゴ響はラインスドルフによって非常に良くコントロールされていて、力強いが野放図な音を出しているわけではなく、リヒテルも決して力に任せて対決するような姿勢ではない。
それぞれが個性を完全に燃焼させながらもぴったりと呼吸を合わせて、コンチェルトを聴く醍醐味を満喫させてくれるのだ。
そこには極めてスケールの大きい音楽的な構想を持ったピアニズムが展開されていて、両者の張り詰めた緊張感の中に溢れるほどのリリシズムを湛えた演奏が感動的だ。
またリヒテル壮年期の水も漏らさぬテクニックの冴えもさることながら、第３楽章を頂点として随所に現れる抒情の美しさは如何にも彼らしい。
一方ここにカップリングされたベートーヴェンのピアノ・ソナタ『熱情』は同年にニューヨークのカーネギー・ホールで録音されたもので、当初はもう１曲の『葬送』と共にリリースされた。
この２曲のソナタは２００４年にＸＲＣＤ化もされているが、リヒテルの凄まじい集中力と緊張感の持続が恐ろしいほど伝わってくる。
リヒテルは深々とした呼吸で熱っぽく弾きあげた、ダイナミックな根太い演奏で、全篇に溢れる強烈なファンタジーが魅力だ。
この曲の力強さと抒情性を、巧みに弾きわけていて見事で、全体に、極めてエネルギッシュな表現である。
彼自身はこの演奏を嫌って失敗作のように言っていたが、音楽的な造形からも、またその表現力の幅広さと強烈なダイナミズムからもベートーヴェンに相応しい曲作りで、本人であればともかくあらを探すような次元の演奏では決してない。
１９６０年にリヒテルはアメリカにおいて一連のセッション及びライヴから当地でのファースト・レコーディングを行っているが、このＣＤに収められている２曲もその時の音源で、リヴィング・ステレオの良質なオリジナル・マスターが今回のＤＳＤリマスタリングによって更に洗練された音質で甦っている。
ソニー・クラシカル・オリジナルスは、古い音源を最新のテクニックでリマスターして、従来のＣＤとは異なった音響体験を提案している興味深いシリーズだが、何故か音源によってリマスタリングの方法が異なっている。
このＣＤではＳＡＣＤ用のＤＳＤ方式が採用されているが、同シリーズの総てのＣＤと同様レギュラー・フォーマット仕様でミッド・プライスで提供しているのがメリットだろう。
音質は鮮明で協奏曲ではシカゴ・オーケストラ・ホールの音響空間も自然に再現されているし、ソロ・ピアノも潤いのある艶やかな音色が特徴で、オーケストラとのバランスも理想的だ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年02月05日
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円熟の極みにあったベームの指揮と、ウィーン・フィルの伝統のある響きと卓越した表現力が一体化した名盤。
男性的ともいえる雄渾な楽想とともに、限りない憧憬を秘めた第３楽章が映画音楽に使われた交響曲第３番と、哀愁感や情感を存分に湛え内省的で諦観に満ちた、作曲家晩年の枯淡の境地を示す交響曲第４番を収録。
ベームのブラームスと言えば、「第１」にはベルリン・フィルとの旧盤（１９５９年スタジオ録音）、ウィーン・フィルとの来日公演のライヴ録音（１９７５年）があり、「第２」にもベルリン・フィルとの旧盤（１９５６年スタジオ録音）、ウィーン・フィルとの来日公演のライヴ（１９７７年）が存在する。
しかし「第３」と「第４」にはそのような競合盤が存在せず、本盤がそれぞれのベームの代表盤と言うことができる。
遅いテンポで悠然と進むなかにも緊張感がみなぎっていて、ベームの録音のなかでも高い評価を得ているもののひとつ。
ブラームスとベームの相性は抜群だと思う。
ブラームスの渋い芸風が、これまたベームの華やかさと無縁の芸風と見事に符合し、ブラームス演奏のひとつの規範とも言えるオーソドックスな演奏に仕上がっている。
近年のブラームスの交響曲で、最も規範とされているに違いない充実の名演と言えるところであり、月並みな言い方だが、まさに両曲とも最高の意味でのオーソドックスという言葉が相応しい。
十分に力強くありながら、同時に柔軟でもあり、情に流されることがなく、構造美への志向が高い。
それは、ただ見事というだけでなく、ここに暖かな人間の血が通っているのであり、晩年のベームと伝統のウィーン・フィルの美質がしっかり刻まれていて、全体としてブラームスの交響曲の魅力を大いに味わわせてくれる。
ベームには、この曲をこのように料理してやろうと言う恣意的な解釈は皆無であり、こうしたベームの自然体のアプローチが、ブラームスの芸術の真の魅力を存分に満喫させてくれるのである。
特に「第４」は、この曲の真髄を突いた最高級の表現であり、そのようなベームとブラームスの相性の良さを感じさせる名演だと思う。
こうした構造の精緻な音楽はベームも最も得意とするところだが、録音当時８０歳、寂寥感とか哀愁を感じさせるところが少なくない。
中庸のテンポで、決して奇を衒うことなくオーソドックスな演奏をしているが、平板さや冗長さは皆無であり、ブラームスの音楽の素晴らしさ、美しさ、更には、晩年のブラームスならではの人生のわびしさ、諦観などがダイレクトに伝わってくる。
ベームは、その自伝に著しているように、造型を大切にする指揮者であるが、凝縮度は壮年期に比して衰えは見られるものの、全体の造型にはいささかの揺るぎもみられない。
一方、「第３」は、まとめるのがなかなか難しい曲だけに、「第４」ほどの名演ではないと思うが、全篇ゆったりと恰幅の良いテンポに、中身がぎっしり詰まっている。
第２楽章の濃厚な歌はまるで夢うつつの天国的気分、第３楽章には枯れた味わいなど、いかにも晩年のベームならではの至芸を味わうことができるが、それでいて、両端楽章の地を抉るような深いリズムなど一瞬たりとも集中の途切れることがない。
それにしても、この頃（１９７０年半ば）のウィーン・フィルは音の厚みとともに合奏が途轍もなく強力だ。
１９５０年代後半から１９６０年代初頭にかけての絶頂期以来、もうひとつの頂点にあったのではないだろうか。
セッションだけあって盛り上がりはいまひとつとも言えるかもしれないし、ライヴなら全体として、もっと燃え立った表現になっていると思われるが、それを補って余りある緻密で味の濃い演奏は、ＬＰ時代から未だに離れられないでいる。
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2017年01月04日
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シュタルケルのブラームス・チェロ・ソナタ集は１９７９年のエラート音源で、ピアニストはジェルジ・シェベックだが、これは彼らにとって第２回目のセッション録音となり同メンバーによる１９６４年のマーキュリー音源とは別物になる。
メンデルスゾーンのチェロ・ソナタをカップリングしてあるマーキュリー盤は現在単独でもセット物でも選択肢が多いが、当ＣＤは３回目のベートーヴェン・チェロ・ソナタ全集と同様アペックスからのリイシュー廉価盤で、現在ワーナーのイコン・シリーズの１０枚組かこのアペックス盤のみで入手可能だ。
第１回目の録音から更に１５年を経たシュタルケルの解釈は大きな変化を遂げたわけではないし、テンポも第１番の第１楽章がややゆったりしている他は殆んど変わっていない。
むしろ様式の洗練によってブラームスの対位法が更に明確になり派手なアピールこそないが、それだけにハッタリのない、しかし圧倒的な余裕と確信を感じさせる演奏と言えるだろう。
ブラームスのチェロ・ソナタ第１番ホ短調は彼が３２歳の時に完成した作品で、素朴な民謡風の語り口調の冒頭とバッハの『フーガの技法』から採り入れたテーマによる終楽章のフーガがこの曲に意欲的な性格を与えている。
それとは対照的に第２番ヘ長調はブラームス５３歳の円熟期の曲で、おおらかに歌い上げるカンタービレと自在に変化する細やかな曲想が印象的だ。
シュタルケルは回を重ねるごとに解釈を切磋琢磨して、よりシンプルだが作品の核心を衝く磨き抜かれた演奏を遺しているが、この２回目の録音でも曲想にのめり込むことなく確実なテクニックに裏付けられた表現で作品全体に毅然とした輪郭を与え、硬派のロマンティシズムを聴かせている。
ピアニスト、ジョルジ・シェベックはシュタルケルとは同郷の朋友でハンガリー時代からの協演者だが、彼の演奏は常に明快でチェロを巧みに引き立てるだけでなく、時には大胆な音響でソロに拮抗している。
録音状態は当時のものとしては極めて良好で、溌剌とした擦弦音をも捉えた生々しい音質が再現されている。
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2016年12月07日
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バルビローリは、どちらかと言えば北欧音楽や英国音楽を得意のレパートリーとした指揮者として広く知られているが、独墺系の作曲家の演奏も比較的多く手掛けていたと言えるところだ。
そのような中でも、ブラームスは特別な存在であったようであり、本盤に収められたウィーン・フィルとの全集を含め、いくつかのライヴ録音を遺している。
また、バルビローリは、手兵のハレ管弦楽団を始め、フィルハーモニア管弦楽団、ロンドン交響楽団など、英国のオーケストラとの間で素晴らしい名演の数々を遺しているが、次いで独墺系のオーケストラではベルリン・フィルとの相性が抜群であったことがよく知られている。
何よりも、ベルリン・フィルの楽団員や芸術監督のカラヤンがバルビローリに対して敬意を有していたことが何よりも大きいとも言える。
これに対して、ウィーン・フィルとの相性は、巷間あまり良くなかったとも言われている。
確かに、バルビローリがウィーン・フィルとともに遺した録音は、筆者の知る限りでは、ブラームスの交響曲全集、管弦楽曲集のみであるところであり、こうした点にもそれが表れていると言えるのかもしれない。
しかしながら、ウィーン・フィルとの唯一のスタジオ録音となるブラームスの交響曲全集、管弦楽曲集は素晴らしい名演だ。
バルビローリは、一般的にはシベリウスやエルガー、ディーリアスなどの名演が印象的だけに、抒情的でヒューマニティ溢れる指揮をするとのイメージが先行しているが、確かに、ブラームスの各交響曲の緩徐楽章における情感豊かな演奏には、そうしたバルビローリの芸術の真骨頂が見事にあらわれている。
それ故に第２番や第４番がとりわけ名演との誉れ高いのは当然のことであるが、マーラーの交響曲を得意としていただけあって、ドラマティックな表現や強靭さを基調とする演奏も頻繁に行っていたことを忘れてはならない。
交響曲第１番も、バルビローリ＝抒情的でヒューマニティ溢れる演奏をする指揮者というある種の固定観念を覆すに足る力強い演奏を行っている。
冒頭の序奏からして凄まじいまでの迫力を誇っており、主部に入ってからの堂々たる進軍は、ゆったりとしたテンポによる微動だにしない威容を誇っている。
終楽章も決して急がない音楽ではあるが、頂点に向けて畳み掛けていくような気迫と生命力は、バルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
もちろん、第２楽章の枯淡の境地とも評すべき情感豊かな表現は、バルビローリならではのヒューマニティ溢れるもので、抗し難い魅力に満ち溢れている。
交響曲第２番の演奏は、バルビローリとウィーン・フィルの相性の良くなかったとの評価が果たして正しかったのかどうか再検証が必要なほどの名演に仕上がっていると言えるのではないだろうか。
何よりも、第２番という楽曲の性格とバルビローリの芸風が見事に符号している点が大きく、抒情的でヒューマニティ溢れる指揮をするという指揮芸術の在り様が第２番と見事に合致。
同曲の随所に聴くことが可能な枯淡の境地とも評すべき名旋律の数々を、バルビローリは、これ以上は求め得ないほど情感豊かに歌い抜いているところであり、そのヒューマニティ溢れる表現の美しさには、抗し難い魅力に満ち溢れている。
もっとも、終楽章の終結部における頂点に向けて畳み掛けていくような気迫と生命力においてもいささかも不足はなく、これはバルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
併録の悲劇的序曲も、バルビローリならではの素晴らしい名演だ。
交響曲第３番も第１番と同様、バルビローリ＝抒情的でヒューマニティ溢れる演奏をする指揮者というある種の固定観念を覆すに足る力強い演奏を行っている。
第１楽章冒頭からして凄まじいまでの迫力を誇っており、主部からの堂々たる進軍は微動だにしない威容を誇っている。
終楽章の頂点に向けて畳み掛けていくような気迫と生命力は、バルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
もちろん、第２楽章及び第３楽章の枯淡の境地とも評すべき情感豊かな表現は、バルビローリならではのヒューマニティ溢れるもので、抗し難い魅力に満ち溢れている。
ハイドンの主題による変奏曲は、各変奏曲の描き分けが実に巧みであり、名匠バルビローリならではの老獪な至芸を堪能することが可能な素晴らしい名演に仕上がっている。
交響曲第４番の演奏は、バルビローリ＆ウィーン・フィルによるブラームスの交響曲全集の中でも白眉とも言うべき素晴らしい名演だ。
この両者の相性の良くなかったとの評価が果たして正しかったのかどうか再検証が必要なほどの名演に仕上がっていると言えるのではないだろうか。
何よりも、第４番という楽曲の性格とバルビローリの芸風が見事に符号している点が大きく、第２番と同様に抒情的でヒューマニティ溢れる指揮芸術の在り様が第４番と見事に合致。
同曲の随所に聴くことが可能な人生の諦観を感じさせる枯淡の境地とも評すべき名旋律の数々を、バルビローリは、これ以上は求め得ないほど情感豊かに歌い抜いているところであり、そのヒューマニティ溢れる表現の美しさには、抗し難い魅力に満ち溢れている。
もっとも、第３楽章における畳み掛けていくような気迫と生命力においてもいささかも不足はなく、これはバルビローリの指揮芸術の懐の深さを如実にあらわしていると言えるだろう。
終楽章の各変奏の描き分けの巧みさは、名匠バルビローリの老獪な至芸を十分に満喫することが可能だ。
そして全体的に、ウィーン・フィルによる美しい演奏が、演奏全体に更なる潤いと温もりを付加させているのを忘れてはならない。
いずれにしても、本演奏は、バルビローリならではの懐の深さをあらためて再認識させるとともに、情感溢れる指揮芸術を堪能することが可能な素晴らしい名演集と高く評価したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年11月01日
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ドイツ・グラモフォンからブラームス・エディション全８巻が刊行されたのは、確か作曲家の没後１００周年を前にした１９９６年だったと思う。
しかしその全集と更に翌年のベートーヴェン全集に組み入れられた交響曲全集はカラヤン＆ベルリン・フィルのものだった。
確かに人気、実力ともに彼らの演奏は圧倒的な強みを持っていたので、当然と言えば当然の選択だったのかも知れない。
だがベーム＆ウィーン・フィルによる交響曲全集はあくまでもウィーン流美学にこだわったブラームスで、他の指揮者やオーケストラでは替え難い魅力を持っており、このコンビのスタイル全開の演奏を堪能できるものだ。
また随所に聴かれるソロ・パートやアンサンブルの巧みさ、弦の響きの瑞々しさとウィンナ・ホルンの渋い音色などがベーム晩年の鷹揚かつ洗練された手法で絶妙に統合されている。
交響曲第１番の冒頭や終楽章の追い込みでもベームの指揮はことさら個性を強調したものではないし、迫力を誇示するようなハッタリもない自然体が基調だ。
それは音楽自体が内包するエネルギーの開放であり、オーケストラをこれだけ美しく響かせながら律儀に構築されたブラームスも珍しいのではないだろうか。
緩徐部分では秋の日の静かな森の中を散策しているような木の葉のざわめきや木漏れ日をイメージさせる。
第２楽章での官能的なソロ・ヴァイオリンは当時のコンサート・マスター、ゲルハルト・へッツェルが弾いている。
交響曲第２番は第１番の張り詰めた緊張感から開放された、安らぎと機知に富んだ作曲家のアイデアが面目躍如だ。
冒頭のテーマがウィンナ・ホルンの牧歌的な響きを充分に醸し出していて、この曲全体の雰囲気を決定しているのも印象的だ。
また終楽章でも決して羽目を外さない厳格さには、流石にブラームスを知り尽くしているベームの頑固なまでに堅実な指揮ぶりが健在である。
第３番冒頭のブラス・パートの荘厳な響きは決してスペクタクルな効果を狙ったものではないが、このオーケストラの伝統を背負うような重厚なハーモニーだ。
またしばしば現れる管楽器のソロも弦楽器のたゆとうようなメロディーも、ベームの采配によって雄弁にまとめられている。
第３楽章ポコ・アレグレットのひたひたと忍び寄るような諦観も彼ら独自の表現である。
当時のウィーン・フィルはコンサート・マスターのへッツェルを始めとしてフルートのトリップ、クラリネットのプリンツ、ファゴットのツェーマンやホルンのヘーグナーなどの首席奏者達の全盛期で、彼らがウィーン・フィルの音色やウィーンの演奏スタイルを決定していたと言っても過言ではないだろう。
また第４番冒頭の瑞々しい哀愁も、カラヤン＆ベルリン・フィルとは全く異なった枯淡の味わいを持っている。
しかしそれは脆弱さとは無縁で、第２楽章の静謐だが溢れんばかりの幸福感に満たされたオーケストレーションの処理や終楽章パッサカリアの造形美の鮮やかさもベームの卓越した指揮法に負っている。
カップリングには、『ハイドンの主題による変奏曲』、クリスタ・ルートヴィヒのメゾ・ソプラノとウィーン楽友協会の男声コーラスが加わる『アルト・ラプソディー』、そして『悲劇的序曲』の３曲が収録されている。
彼らが『大学祝典序曲』を残してくれなかったのは残念だが、これらの作品にもウィーンの演奏者ならではの情緒が滲み出ている。
それは後半生を同地で過ごしたブラームスの作品の解釈において、ひとつの流儀として受け継がれているのではないだろうか。
『ハイドンの主題による変奏曲』は、端正な音楽作りと上品な佇まいで、数多いこの曲の演奏の中では傑出したセッションと言える。
『アルト・ラプソディー』で歌われるゲーテの『冬のハルツ紀行』は、まさに当時のブラームスの心境を反映させた内面的な独白をアルト・ソロに託している。
クリスタ・ルートヴィヒはウィーン出身ではないが、ベームの薫陶を受けた歌手だけあって指揮者のこだわりをわきまえた理知的で、しかもリリカルになり過ぎない手堅い表現が秀逸だ。
『悲劇的序曲』では、ベームはこの作品のタイトルを額面通りに受け止めるのではなく、むしろ古典派的な様式感を感知させることに注意を払っているようで、それだけにドラマティックな表現はいくらか控えめに留めている。
録音場所は総てウィーンの黄金ホールと呼ばれるムジークフェラインのグローサー・ザールで、１８７０年オープンの歴史的コンサート・ホールだ。
この演奏会場は内部装飾の豪華さもさることながら、残響の潤沢なことでも良く知られている。
因みに残響時間は１６８０人の満席時で２秒なので、当然聴衆のいないセッションでは更に長くなる。
曲種によってはそれがいくらか煩わしいこともあるが、こうした純粋なオーケストラル・ワークでは最良の効果を発揮できる。
録音は１９７５年から７７年にかけてのベーム最晩年のセッションになるが、音楽的な高揚と充実感は全く衰えておらず、音質はこの時代のものとしては極めて良好で、楽器間の分離状態、高音の伸びや潤いも時代を感じさせず、臨場感にも不足していない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年10月16日
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ベルナルト・ハイティンクとヨーロッパのオーケストラでは最高水準を誇るコンセルトヘボウによるブラームスのオーケストラ・ワーク集で、７枚のＣＤに声楽が加わらない管弦楽曲と協奏曲が網羅されている（ただしハンガリー舞曲は第１０番までになる）。
いずれにしても１人の指揮者が同一の作曲家の作品を同じオーケストラでこれだけ録音すること自体稀であり、ハイティンクのブラームスに賭ける情熱とその徹底ぶりが窺える。
４曲の交響曲はハイティンクのスコアへの深い読み取りが手に取るように実現されていて、それがかえってインスピレーションに乏しい無個性で学究的な演奏と受け取られる為か、日本での彼への評価はいまひとつ相応なものではない。
だが実際には細部までコントロールの行き届いたオーケストレーションの再現は、理性と感性とのバランスの調和であり、大見得を切るような表現こそないが非常に味わい深い、まさに大指揮者の風格をもっている。
ハイティンクの棒に従うコンセルトヘボウの巧さと音色の美しさも特筆される。
２曲のピアノ協奏曲のソロを弾くクラウディオ・アラウはピアノを響かせることを熟知していた巨匠だった。
衝撃的な音質を一切避けた潤いに満ちたおおらかで悠然と奏でる音楽のスケールは大きく、良い意味での古き良き時代を髣髴とさせるロマンティックな演奏だが、それは時代を超えた魅力に溢れている。
両方とも廃盤になって久しかったものの復活になる。
一方ヴァイオリン協奏曲のソロはシェリングで、円熟期特有のやや内省的で緻密な音楽設計による表現は、しばしば精彩を欠いた演奏として批判されるが、改めて聴き直してみると、音楽の内部に向かって注がれる集中力と気高い音楽性は決して低く評価されるものではない。
また同様のコンセプトでサポートするハイティンク＆コンセルトヘボウの一糸乱れぬ統率感とアンサンブルの巧みさも秀逸。
二重協奏曲も非常に完成度の高い仕上がりで、シェリングとシュタルケルの水も漏らさぬデュエットが聴き所だ。
それはひとえに両者間の協調から生み出されるもので、ブラームスの作品らしく殆ど峻厳とも言える音楽的な密度の濃さと、その演奏から醸し出される独特の透明感は一種冒し難い雰囲気さえある。
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2016年04月15日
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本盤に収められたブラームスの交響曲全集は、カラヤン＆ベルリン・フィルによる３度目の、そして最後のスタジオ録音である。
それだけでなく、数多くの様々な作曲家に係る交響曲全集のスタジオ録音を行ってきた、史上最高のレコーディング・アーティストであるカラヤンによる最後の交響曲全集にも相当する。
３度にわたるカラヤン＆ベルリン・フィルによるブラームスの交響曲全集の中でも、最もカラヤンの個性が発揮されているのは、１９７７〜１９７８年に録音された２度目の全集であると考えられる。
というのも、この当時はカラヤン＆ベルリン・フィルの全盛期であったと言えるからだ。
分厚い弦楽合奏、ブリリアントなブラスセクションの響き、桁外れのテクニックをベースに美音を振り撒く木管楽器群、そして雷鳴のように轟きわたるティンパニなどが、鉄壁のアンサンブルの下に融合し、およそ信じ難いような超絶的な名演奏の数々を繰り広げていた。
カラヤンは、このようなベルリン・フィルをしっかりと統率するとともに、流麗なレガートを施すことによっていわゆるカラヤンサウンドを醸成し、オーケストラ演奏の極致とも言うべき圧倒的な音のドラマを構築していた。
当該２度目の全集においても、かかる圧倒的な音のドラマは健在であり、どこをとってもいわゆるカラヤンサウンドに覆い尽くされた圧巻の名演に仕上がっていた。
これに対して、本盤の３度目の全集においては、カラヤンの統率力の衰えは隠しようもない。
１９８２年に勃発したザビーネ・マイヤー事件によって、カラヤンとベルリン・フィルの間には修復不可能な亀裂が入るとともに、カラヤン自身の著しい健康悪化も加わって、カラヤン＆ベルリン・フィルによる演奏に、１９７０年代以前のような輝きが失われるようになったからだ。
したがって、いわゆるカラヤンの個性が全開であるとか、はたまたカラヤン＆ベルリン・フィルによる圧倒的な音のドラマの構築と言った観点からすれば、第１番などには全盛期の豪演の片鱗が感じられなくもないが、前述の１９７７〜１９７８年の２度目の全集と比較するといささか劣っていると言わざるを得ない。
しかしながら、本演奏には、死の１〜３年前の演奏ということもあって、枯淡の境地を感じさせるような独特の味わいがあると言えるところであり、このような演奏の奥深い味わい深さと言った点においては、カラヤンによるこれまでのいかなる演奏をも凌駕していると言えるだろう。
このような奥行きのある味わい深さは、カラヤンが最晩年に至って漸く到達し得た至高・至純の境地であったと言えるのかもしれない。
もっとも、本盤においては、何故か交響曲第４番について１９８８年の録音ではなく、１９７７〜１９７８年の２度目の全集中の録音を採用している。
演奏自体は１９７７〜１９７８年の演奏もきわめて優れてはいるのであるが、全集の構成としてははなはだ疑問を感じずにはいられない。
最近になって、最後の全集が輸入盤で発売はされたが、このような疑問を感じさせるカップリングについては、早急に改めていただくようにユニバーサルに対して要望しておきたい。
音質は、従来盤でも十分に満足できるものであると言えるが、数年前にカラヤン生誕１００年を記念して発売されたＳＨＭ−ＣＤ盤がより良好な音質であった。
もっとも、カラヤンによる最晩年の至高の名演でもあり、今後はシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化を図るなど、更なる高音質化を大いに望んでおきたいと考える。
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2016年04月07日
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２００８年に３８年に亘った演奏活動に終止符を打ったアルバン・ベルク四重奏団が、その全盛期に録音した、彼らにとっては２度目に当たるブラームスの３曲の弦楽四重奏曲とピアノ五重奏曲へ短調を収録した２枚組リイシュー盤になる。
当時のメンバーは結成当時からの第１ヴァイオリンのギュンター・ピヒラー及びチェロのヴァレンティン・エルベンの他、第２ヴァイオリンがゲルハルト・シュルツ、ヴィオラがトマス・カクシュカで、ピアノにはブラームスのスペシャリスト、エリーザベト・レオンスカヤを迎えている。
アルバン・ベルク四重奏団のブラームスは彼ら特有の鋭い感性に貫かれた演奏であるために、ある意味で聴く人を選んでしまうかもしれない。
しかもここに収められた４曲は作曲家が推敲に推敲を重ねた結果の、ひたすら個人的な思索の所産に他ならず、多くの聴衆を想定した音楽ではないからだ。
それはベートーヴェンの後期の弦楽四重奏曲にも喩えられるだろう。
人によってはいたたまれないくらい厳しい曲想だろうし、また好む人にとっては逆に限りなく深みのある室内楽のエッセンスが堪能できるといった複雑なプロフィールは、聴く人におもねることのないブラームスの気質を窺わせている。
楽器の扱いにも細心の注意が払われていて、例えば第３番変ロ長調第３楽章では、ブラームスが生涯に亘って愛着を示したヴィオラをリードさせる魅力的なスケルツォが展開する。
ここではトマス・カクシュカの精緻だがエネルギッシュなヴィオラ・パートが聴きどころだ。
彼らの持ち味でもある緊密なアンサンブルや強い集中力、そして果敢な表現力が縦横に駆使された熱演だが、一方で現代的に洗練されたクールなセンスが、これらの作品を通じて新時代のブラームス像を提示しているのではないだろうか。
ピアノ五重奏曲では当時既にブラームスでは一家言を持っていたベテラン、レオンスカヤが協演しているが、主導権を握っているのはアルバン・ベルク側で、これはポリーニ、イタリア四重奏団とは好対照をなしている。
後者はあたかもピアノ協奏曲のような華やかさがあって、輝かしくスケールの大きなブラームスに仕上がっているが、レオンスカヤ、アルバン・ベルクはあくまでも室内楽という範疇でのブラームスの小宇宙を描いた演奏と言えるだろう。
彼ら自体かなり個性的なカルテットなので外部からの協演者が入ると、時としてよそよそしい雰囲気が露呈されることが無きにしも非ずだが、この曲に関しては成功しているといって間違いない。
尚音源は１９８７年６月２１日にウィーン・コンツェルトハウスのモーツァルト・ザールで行われたライヴ録音になる。
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2016年03月28日
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プラガ・ディジタルスの新シリーズ、ジェニュイン・ステレオ・ラブからの左手のためのピアノ曲集第２集になり、第１集のヴィトゲンシュタインに続いてチェコのピアニスト、オタカー・ホルマン(1894-1967)に因んだ作品を中心に４曲が収録されている。
日頃コンサートやメディアを通して鑑賞する機会の少ない曲種を集めた面白い企画に興味をそそられて買った１枚。
ヴィトゲンシュタイン同様ホルマンも第一次世界大戦で右手の機能を失い、左手のみでコンサート活動を続けたピアニストの１人だ。
彼のために作曲されたのがヤナーチェクの『カプリッチョ』及びマルティヌーの小協奏曲で、前者はフルート、トランペット２、トロンボーン３、チューバのブラス・アンサンブルにピアノの左手がソロとして加わるユニークな楽器編成を持っている。
ヤナーチェク特有の発話旋律が使われた、泥臭さはあるが語りかけるような生き生きしたリズム感とピアノ・パートが超然として斬新な音響を創造している。
一方マルティヌーのそれは『ディヴェルティメント』の副題が示すようにいくらか取り留めのない嬉遊性を感じさせる３楽章の協奏曲に仕上げられた曲だ。
他の２曲はブラームスの『左手のためのシャコンヌニ短調』とリヒャルト・シュトラウスのピアノ協奏曲『家庭交響曲からのパレルゴン』になる。
ブラームスの『シャコンヌ』は右手の故障で演奏活動を休止していたクララ・シューマンの慰みのために編曲されたと言われている。
バッハの無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第２番ニ短調の終曲『シャコンヌ』の骨格と和声を忠実にピアノの左手に移したもので、ヴァルター・クリーンの１９６４年のラジオ・ライヴから採られている。
クリーンは伴奏家としてもグリュミオーとの協演で知られたピアニストだがブラームスのスペシャリストでもあり、ここでは骨太で力強い彼のソロを聴くことができる。
シュトラウスの方はヴィトゲンシュタインの要請に応える形で自作の『家庭交響曲』からのモチーフを取り入れて作曲され、フリッツ・ブッシュ指揮、ヴィトゲンシュタインのソロで初演された。
単一楽章で書かれていて後半部はタティアーナ・ニコラーエワの超絶技巧を、ロジェストヴェンスキーが華麗で堂々たるオーケストラでサポートしたモスクワ・ライヴになる。
第１集に比べて曲目の知名度がそれほど高くないために音源の選択肢も少なく、それだけに貴重なアルバムだ。
録音状態は概ね良好で鑑賞に難はない。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年03月15日
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アバドはブラームスの楽曲を数多く指揮しており、交響曲や管弦楽曲、協奏曲、声楽曲などあらゆる分野の楽曲の演奏・録音を行っているが、アバドの芸風に符号した楽曲も多いこともあって、少なくともベートーヴェンよりは多くの名演を遺していると言えるのではないだろうか。
そうしたアバドによる数あるブラームスの楽曲の名演の中でもトップの座を争うのは、ブレンデルと組んだピアノ協奏曲第１番（１９８６年）と本盤に収められたハンガリー舞曲集ではないかと考えている。
本ハンガリー舞曲集については、ブラームスが生誕１５０年を迎えるのを記念して録音が行われたものであるが、古今東西の指揮者による同曲の多種多様な演奏の中でも、フィッシャー＆ブダペスト祝祭管による名演（１９９８年（旧盤（１９８５年）も名演であるが、どちらを上位にするかは議論の余地があるところだ。））と双璧を成す至高の超名演と高く評価したい。
本演奏においては、何よりもアバドの指揮が素晴らしい。
この当時のアバドは次代を担う気鋭の指揮者として、ロンドン交響楽団などと素晴らしい名演の数々を行っていた時代である。
ここでも、そのような気鋭の指揮者アバドならではの生命力溢れる力強さとともに、豊かな歌謡性に満ち溢れた快演に仕上がっている。
ハンガリー舞曲はごくごくソフィスティケイトされた形ではあるけれどハンガリー・ジプシー音楽が直接あるいは間接に取り入れられた作品。
そのエキゾチックな雰囲気を、アバドとウィーン・フィルがきびきびした足取りと抜群のアンサンブルでたっぷりと楽しませてくれる。
確かに、本演奏には、前述のフィッシャー盤のような民族色の濃さは感じられないが、豊かな音楽性や歌謡性、そして湧き立つような躍動感においては、ハンガリー舞曲集の演奏としていささかも不足はないと言えるだろう。
このようなアバドとともに、豊穣な美しさを誇る名演奏を繰り広げたウィーン・フィルにも大きな拍手を送りたい。
本名演の成功の半分はアバドの指揮によるものであるが、ウィーン・フィルの優美にして豊麗な響きも、本演奏に独特の魅力や味わい深さを付加していることを忘れてはならない。
録音は、従来盤でも十分に満足し得る音質であったが、今般のＳＨＭ−ＣＤ化によって音質がより鮮明になるとともに、音場が広がったように思われる。
アバド＆ウィーン・フィルによる素晴らしい名演をＳＨＭ−ＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したい。
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2016年02月13日
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このＣＤの特徴は先ずダヴィッド・オイストラフによるブラームスが作曲したソロ・ヴァイオリンとピアノのための作品全４曲が収録されていることで、これ迄に個別にしかリリースされていなかったものを１枚のＣＤにまとめた画期的な企画と言える。
また総てがライヴ録音だが幸い音質が極めて良好なステレオ音源で、客席からの雑音や拍手は入っているが、鮮明な音像が再現されている。
オイストラフのスコアへの読み込みの深さと共に押し出しの良い堂々たる表現力、そしてストラディヴァリウス "マルシック" の磨き抜かれた明るく艶やかな音色が全曲を通じて堪能できるアルバムだ。
オイストラフは生前ブラームスのヴァイオリン・ソナタをセッション、ライヴを含めると全曲録音している。
ただし全曲集としての企画ではなく、それぞれが異なった機会のために演奏されたもので、協演のピアニストは少なくとも４人いる。
リリースしたレーベルについては複雑になるので省略するが、それらの音源は第１番ト長調『雨の歌』がオボーリンとの１９５７年及びこのＣＤに収められているバウアーとの１９７２年盤があり、第２番イ長調にはモスクワとザルツブルク・ライヴの２種類のリヒテルとの１９７２年盤が存在し、第３番ニ短調では１９５５年及び１９５７年にヤンポリスキー、１９６６年にはバウアーと、そして１９７２年にはリヒテルとも協演している。
しかしヨアヒムに献呈されたＦ．Ａ．Ｅ．ソナタのスケルツォハ短調に関してはここに収められた１９６８年のリヒテルとのライヴが唯一の音源らしい。
スケルツォハ短調はシューマン、ディートリヒ、ブラームスの合作によるヴァイオリン・ソナタの第３楽章として作曲されたもので、オイストラフの毅然として打ち込むようなリズムにリヒテルの緊張感に充ちたピアノが煽るような躍動感を響かせ、短い中間部では両者が息の合った硬派のカンタービレを聴かせる魅力的な小品に仕上がっている。
尚この曲集では何故かヴァイオリン・ソナタ第３番をリヒテルではなくバウアーとのプラハ・ライヴを選んでいる。
勿論バウアーは伴奏者としても独自の主張を持った優れたピアニストだったので、隙のない華やかなフィナーレを飾って盛大な拍手を受けていて、むしろこのＣＤでは最もスケールが大きく劇的な演奏をしている。
リヒテルの伴奏については、そのきめ細かい表現とアンサンブルの巧さは言うまでもないが、オイストラフとは一番相性の良かったピアニストではないだろうか。
オイストラフ＆リヒテルによる全曲録音が遺されなかったことが惜しまれる。
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2015年09月28日
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１曲目のゴールトマルクの『ヴァイオリン協奏曲第１番イ短調』は、ミルシテインの洗練を極めたヴァイオリンの音色とそのテクニックが驚異的で、この曲の真価を正統的に示した名演と言えるだろう。
ハンガリーの作曲家、カロリー・ゴールトマルクのこの作品は、作曲年代からすれば後期ロマン派の範疇に属しているが、ミルシテインは艶やかで透明な音色をフルに活かしながらも、恣意的な表現や感傷を斥け潔癖とも言える解釈で作品の構造と本来のロマン性を明らかにしている。
この時代において早くも耽美的な演奏から脱却し、よりモダンなヴァイオリン奏法を実践したヴァイオリニストとしてのミルシテインの存在は鮮烈な印象を与えている。
全曲を通じて非常に完成度の高いセッションだが、とりわけ終楽章のポロネーズのリズムに乗った天翔るような自由闊達さとカデンツァの覇気に満ちた推進力は格別だ。
ハリー・ブレック指揮するフィルハーモニア管弦楽団との協演で、筆者が過去に聴いたこの曲の録音の中でも傑出した演奏だと断言できる。
２曲目のブラームスでも切れ味の良いソロが冴え渡っているが、第１楽章のカデンツァはミルシテイン自身の手になるもので、通常多くのヴァイオリニストが弾くヨアヒムやクライスラー版とはまた趣きを異にしたオリジナリティーを感じさせる。
第２楽章のカンタービレでも曲想の流れに任せる古いロマンティシズムの表現とは常に一線を画した、高踏的なスタイルをミルシテインが既に確立していたことが理解できる。
終楽章では歓喜する輝かしいヴァイオリンの動きにぴったり寄り添うフィストゥラーリ指揮によるフィルハーモニア管弦楽団のドラマティックに盛り上がるサポートも聴きどころだ。
ゴールトマルクが１９５７年、ブラームスが１９６０年のロンドンにおけるセッション録音で、どちらもエンジェルのオープン・リール・ステレオ・テープからのＤＳＤリマスタリングと記載されている。
オリジナル・マスターの保存状態も良く、ＳＡＣＤ化の効果も明瞭に出ている成功例のひとつだ。
尚最後に置かれたバッハの『無伴奏パルティータ第２番』からの「シャコンヌ」は全曲演奏ではなく何故か６分５２秒で終わっている。
ライナー・ノーツには１９５６年８月６日のザルツブルク・ライヴからのプライベートなモノラル音源と表記されているが、不思議にもライヴ特有のノイズは全くない。
この演奏も透徹したミルシテインの緊張感とその音質が素晴らしいだけに中途半端な編集が惜しまれる。
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2015年08月18日
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ブラームスの交響曲全集は、現在カタログには４０種類以上の現役盤がひしめいているが、結局、魅力度ということにかけては、ショルティ＆シカゴ交響楽団が、圧倒的な貫禄であたりを睥睨している。
ショルティは先輩格のカラヤンと同様に、極めて広範なレパートリーを誇っており、数多くのレコーディングを行ったところであるが、意外な有名曲の録音をなかなかしなかったということがあった。
例えば、本盤に収められたブラームスの交響曲全集については、１９７７年〜１９７９年になって漸く初録音したところである。
その理由は定かではないが、まさに満を持して録音に臨んだだけに、スケールの大きな巨匠風の表現で、ショルティの名声をいささかも傷つけることがない素晴らしい名演に仕上がっていると高く評価したいと考える。
演奏内容は、１９７０年代のベートーヴェンの交響曲全集同様、きわめて剛直・骨太で構築的な仕上がりを見せるが、叙情的な場面での気遣いもなかなかのもので、オーケストラのパワーと表現力がフルに生かされたきわめて立派な演奏である。
ブラームスにおけるショルティのアプローチは、例によって強靭なリズム感とメリハリの明瞭さを全面に打ち出したものであり、その鋭角的な指揮ぶりからも明らかなように、どこをとっても曖昧な箇所がなく、明瞭で光彩陸離たる音響に満たされていると言えるところだ。
ショルティは機能的に優秀なシカゴ交響楽団の名人芸をフルに発揮させて、タカ派とも言えるエネルギッシュで、戦闘的なブラームス像を描き上げている。
それでいて、１９７０年代後半に入ってショルティの指揮芸術にも円熟の境地とも言うべきある種の懐の深さ、奥行きの深さが付加されてきたところであり、本演奏にもそうした点が如実にあらわれている。
要は、ショルティを貶す識者が欠点と批判してきた力づくとも言うべき無機的な強引さが本演奏においては影を潜め、いかなる最強奏の箇所に至っても、懐の深さ、格調の高さを失っていないのが素晴らしい。
スケールも雄渾の極みと言えるところであり、いい意味での剛柔のバランスのとれたスケール雄大な演奏というのが本演奏の特質と言えるのかもしれない。
更にはブラームスの絶対音楽としての魅力を十分に堪能させてくれる本演奏に対しては、文句は言えないのではないかと考えられるところだ。
いかにもショルティらしい表現で、どの曲も堅固な造形でまとめられ、それが同時にショルティの資質と音楽的な特色を示している。
交響曲ではスコアに指定された反復を全て実行し、しかも各曲それぞれの性格が鮮明に表されているのが素晴らしい。
例えば第１番は妥当なテンポで堅実にまとめられながらも、そこに作品に必須の豪快さや劇性が存分に示されているのだ。
加えて第２番の風格豊かで明朗な歌、第３番の古典的な語法とロマン的内容のバランスのよさ、第４番の精妙にブレンドされた響きなど、現代的なコンセプトによるブラームスの典型的演奏と言って良い。
２曲の序曲とハイドンの主題による変奏曲も精緻な表現である。
そして、本演奏において更に素晴らしいのはシカゴ交響楽団の超絶的な技量であろう。
ショルティの指揮にシカゴ交響楽団が一糸乱れぬアンサンブルを駆使してついていっているところが見事であり、ショルティ統率下のシカゴ交響楽団がいかにスーパー軍団であったのかを認識させるのに十分なヴィルトゥオジティを最大限に発揮している。
かかるシカゴ交響楽団の好パフォーマンスが、本演奏を壮絶な名演たらしめるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
セッションに使用された会場は、ショルティ＆シカゴ交響楽団黄金時代のサウンド・イメージを世界に広めたシカゴのメディナ・テンプルで、名エンジニア、ケネス・ウィルキンスンの手腕が奏功してか、３０年経った現在聴いても実に素晴らしいサウンドである。
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2015年08月11日
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このＣＤの音源はリヒテル・アメリカ・デビュー盤のひとつとしてＬＰ時代から評価の高いものだった。
過去にはラインスドルフ＆シカゴ響とリヒテルの爆演のように言われたこともあるが、良く聴いてみるとシカゴ響はラインスドルフによって非常に良くコントロールされていて、力強いが野放図な音を出しているわけではなく、リヒテルも決して力に任せて対決するような姿勢ではない。
そこには極めてスケールの大きい音楽的な構想を持ったピアニズムが展開されていて、両者の張り詰めた緊張感の中に溢れるほどのリリシズムを湛えた演奏が感動的だ。
またリヒテル壮年期の水も漏らさぬテクニックの冴えもさることながら、第３楽章を頂点として随所にあらわれる抒情の美しさが如何にもリヒテルらしい。
一方ここにカップリングされたベートーヴェンのピアノ・ソナタ『熱情』は同年にニューヨークのカーネギー・ホールで録音されたもので、当初はもう１曲の『葬送』と共にリリースされた。
この２曲のソナタは２００４年にＸＲＣＤ化もされているが、リヒテルの凄まじい集中力と緊張感の持続が恐ろしいほど伝わってくる。
彼自身はこの演奏を嫌って失敗作のように言っていたが、音楽的な造形からも、またその表現力の幅広さと強烈なダイナミズムからもベートーヴェンに相応しい曲作りで、本人ならともかく、あらを探すような次元の演奏ではないと思う。
１９６０年にリヒテルはアメリカにおいて一連のセッション及びライヴから当地でのファースト・レコーディングを行っているが、このＣＤに収められている２曲もその時の音源で、リヴィング・ステレオの良質なマスターが今回のＤＳＤリマスタリングによって更に洗練された音質で蘇っている。
ソニー・クラシカル・オリジナルスは古い音源を最新の技術でリマスターして、それまでのＣＤとは異なった音響体験を提案している興味深いシリーズだが、何故か音源によってリマスタリングの方法が違う。
このＣＤではＳＡＣＤ用のＤＳＤ方式が採用されているが、同シリーズの総てのＣＤと同様レギュラーのＣＤに収めてあり、ミドル・プライスで提供しているのがメリットだ。
音質は鮮明で協奏曲ではシカゴ・オーケストラ・ホールの音響空間もよく再現されている。
またピアノも潤いのある自然で艶やかな音色が特徴で、オーケストラとのバランスも理想的だ。
尚ライナー・ノーツは１０ページほどでＬＰ初出時のオリジナルの解説が英、独、仏語で掲載されている。
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2015年07月02日
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筆者は、ウィーンに行くと、必ずウィーン国立歌劇場と、ムジークフェライン・ザールに行くことにしている。
ムジークフェライン・ザールは、コンサート専用のホールで、「黄金大ホール」といわれているように、ホールの内装は金ピカで、古き良き時代のオーストリアが、いかに音楽に対して贅をつくしていたかがよくわかる。
このホールは、音響効果の優れていることでも有名で、ホール全体が、あたかも楽器そのもののようである。
このロシアの巨匠ムラヴィンスキーとレニングラード・フィルハーモニー管弦楽団によるディスクは、１９７８年の６月、ウィーン芸術週間に、このホールで行われた演奏会のライヴ録音である。
このコンビによるブラームスの交響曲第２番の録音は、いままでに何枚か出ているが、今回のは、それらのものを遥かに凌ぐ名演奏で、この曲を完全に手中に収めた、悠然たる構えの表現である。
ムラヴィンスキーはドイツ古典派、ロマン派の音楽に深い造詣を持っていたことはよく知られている。
ムラヴィンスキーが来日公演で「ベト４」に聴かせたあの揺るぎなく格調の高い指揮ぶりは、優秀録音からもよく伝わってきて、深い感銘を残さずにはおかなかった。
この「ブラ２」でも堅固で明快な構成感を打ち出しながら、しかもその内側にブラームスのロマンをはっきりととらえた、力強く集中度の高い演奏を聴かせてくれる。
それはよく言われるようにこの交響曲の田園風の味わいというよりは、強靭で意志的なものを感じさせるが、そんなところがこの指揮者の厳しい格調に通じるものにも他ならないだろう。
眼光紙背に徹したスコアの読み方は人工的なほどだが、音として出てきたものはきわめて自然でしなやかで、純音楽的である。
淡々とした運びの中の自在な表情と無限の息づき、強弱のたゆたいや寂しさ、魔法のようなテンポの動きなど、センス満点の名演だ。
驚かさせられるのは、驚異的なダイナミックレンジの広さであり、フィナーレ冒頭の弱音とコーダにおける想像を絶する巨大さとの対比、それも先へ行くに従いどんどん熱を帯びて調子があがっていく様を当時の観客と共有できる。
さらに第２楽章の中間部から終わりまでの恐ろしいまでの充実度、ムラヴィンスキーの神業に震えがくる思いがする。
興味深いのが、まぎれもないブラームスの音楽でありながら、チャイコフスキーを思わせる部分が多々あることだ。
第１楽章終結部の弾むようなリズム感、また第３楽章中間部の木管の軽やかなアンサンブルなど、バレエ指揮で鍛えたムラヴィンスキーならではの独特な解釈にうならされる。
また、全体に音色が透明で、ことに弦楽の冷たい響きはロシア音楽のように聴こえる。
ただしロシア物を指揮するムラヴィンスキーと、ブラームスを指揮する彼では、微妙な相違があったような気がする。
ブラームスの場合には、どこか醒めていて、陶酔に陥るのを避けるべく自らをコントロールしているような演奏ぶりだ。
例えば第４楽章は、なんとも情熱的な演奏ぶりで聴き手を圧倒するものがあるが、ムラヴィンスキーその人は、仕掛人として終始冷静にことを運び、熱狂の渦の外に立っているようだった。
その姿は、まさしく「謹厳で冷徹な指揮者」というにふさわしいものであり、まさに「ロシアの大指揮者の目を通したブラームス」として目から鱗が落ちる思いがした。
そのうえ、巨匠的風格が曲のすみずみまでに滲み出ており、ライヴ独特のきりりと引き締まった緊張感が何とも素晴らしく、激しく心を揺さぶられる。
ウェーバーの「オベロン」序曲の演奏にも同様のことがいえ、ムラヴィンスキーはオーケストラをきりりと引き締め、一分の隙もない厳しい表現を行っている。
録音はムジークフェラインの響きとしてはやや乾いた印象を与えるとはいえ、一連の旧ソヴィエト録音よりはるかに条件は整っており、ムラヴィンスキーによる同曲の録音といえば、まずこの演奏を聴く必要があろう。
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2015年06月30日
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ワルターと言えば、モーツァルトの優美な名演の印象が強いだけに、誠実で温かみのあるヒューマンな演奏だとか、温厚篤実な演奏を行っていたとの評価も一部にはあるが、このブラームスの「第１」の熱い演奏は、そのような評価も吹き飛んでしまうような圧倒的な力強さを湛えている。
「第１」は、１９５９年の録音であるが、とても死の３年前とは思えないような、切れば血が吹き出てくるような生命力に満ち溢れた熱演だ。
もちろん、第２楽章や第３楽章の豊かな抒情も、いかにも晩年のワルターならではの温かみを感じさせるが、老いの影などいささかも感じられず、まさに、ワルター渾身の力感漲る名演と高く評価したい。
コロンビア交響楽団は、例えば、終楽章のフルートのヴィブラートなど、いささか品を欠く演奏も散見されるものの、ワルターの統率の下、編成の小ささを感じさせない重量感溢れる好演を示している点を評価したい。
ワルターによるブラームスの「第２」と言えば、ニューヨーク・フィルとの１９５３年盤（モノラル）が超名演として知られている。
特に、終楽章の阿修羅の如き猛烈なアッチェレランドなど、圧倒的な迫力のある爆演と言ってもいい演奏であったが、本盤の演奏は、１９５３年盤に比べると、随分と角が取れた演奏に仕上がっている。
しかしながら、楽曲がブラームスの「田園」とも称される「第２」だけに、ワルターの歌心に満ち溢れたヒューマンな抒情を旨とする晩年の芸風にぴたりと符合している。
第１楽章から第３楽章にかけての、情感溢れる感動的な歌い方は、ワルターと言えども最晩年になって漸く到達し得た至高・至純の境地ではないかと思われる。
終楽章は、１９５３年盤に比べると、幾分角のとれた柔らかい表現にはなっているものの、それまでの楽章とは一転して、力感溢れる重量級の演奏を行っている。
コロンビア交響楽団は、金管楽器などにやや力不足の点も散見されるが、ワルターの統率の下、なかなかの好演を行っている。
「第３」は、巷間第１楽章や第４楽章の力強さから、ブラームスの「英雄」と称されることもあるが、筆者としては、むしろ、第２楽章や第３楽章の詩情溢れる抒情豊かな美しい旋律のイメージがあまりにも強く、ここをいかに巧く演奏できるかによって、演奏の成否が決定づけられると言っても過言ではないと考えている。
その点において、ワルターほどの理想的な指揮者は他にいるであろうか。
ワルターは、ヨーロッパ時代、亡命後のニューヨーク・フィルを指揮していた時代、そして最晩年のコロンビア交響楽団を指揮していた時代などと、年代毎に芸風を大きく変化させていった指揮者であるが、この最晩年の芸風は、歌心溢れるヒューマンな抒情豊かな演奏を旨としており、そうした最晩年の芸風が「第３」の曲想（特に第２楽章と第３楽章）にぴたりと符合し、どこをとっても過不足のない情感溢れる音楽が紡ぎだされている。
もちろん、両端楽章の力強さにもいささかの不足もなく、総体として、「第３」のあまたの名演でも上位にランキングされる名演と高く評価したい。
「第４」におけるワルターのアプローチは、何か特別な解釈を施したりするものではなく、むしろ至極オーソドックスなものと言えるだろう。
しかしながら、一聴すると何の仕掛けも施されていない演奏の端々から滲み出してくる憂愁に満ち溢れた情感や寂寥感は、抗し難い魅力に満ち溢れている。
これは、人生の辛酸を舐め尽くした巨匠が、その波乱に満ちた生涯を自省の気持ちを込めて振り返るような趣きがあり、かかる演奏は、巨匠ワルターが最晩年に至って漸く到達し得た至高・至純の境地にあるとも言っても過言ではあるまい。
いずれにしても、本演奏は、ブラームスの「第４」の深遠な世界を心身ともに完璧に音化し得た至高の超名演と高く評価したい。
小編成で重厚さに難があるコロンビア交響楽団ではあるが、ここではワルターの統率の下、持ち得る実力を最大限に発揮した最高の演奏を披露しているのも、本名演に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
併録の２つの序曲も名演で、特に、大学祝典序曲など、下手な指揮者にかかるといかにも安っぽいばか騒ぎに終始してしまいかねないが、ワルターは、テンポを微妙に変化させて、実にコクのある名演を成し遂げている。
悲劇的序曲は、「第２」の終楽章の延長線にあるような、力強い劇的な演奏となっており、ワルター円熟の名演と高く評価したい。
他方、ハイドンの主題による変奏曲は、めまぐるしく変遷する各変奏曲の描き分けが実に巧みであり、これまた老巨匠の円熟の至芸を味わうことができる名演と言える。
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2015年06月11日
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ティタニア・パラストにおける定期演奏会の実況録音であり、場内の咳ばらいが異常に多いが、そんなことが気にならないほど演奏は素晴らしく、音も当時のものとしてはかなり良い。
フルトヴェングラーの数多いＣＤの中でも、特に注目すべきものであろう。
ブラームスの「第３」は、ブラームスを聴くよりはフルトヴェングラーの名人芸を味わうべき演奏だと思う。
彼は音楽を完全に自己の個性の中に同化しており、テンポの極端な流動感、ドラマティックな設定、スコアにないティンパニに追加など、さながらフルトヴェングラー作曲の交響曲を聴く想いがするほどだ。
ことに驚くべきは、フレーズとフレーズの有機的な移り変わりで、その密接な血の通わせ方は際立って見事であり、これだけ自由自在な表現なのにもかかわらず、作り物の感じが皆無で、音楽が瞬間瞬間に生まれ、湧き起こってくる。
まさにフルトヴェングラー芸術の神髄ではなかろうか。
第１楽章の冒頭からして以上のことは明らかであり、第１主題の提示から第２主題の登場にかけての細かいテンポの流動は、ワルター＆ニューヨーク・フィルにも匹敵するほどで、これでこそこの部分の音楽は生きるのである。
何とも言えぬ情感に浸りきる第２主題を経て、音楽は再び冒頭に戻されるが、第１主題がいっそうの情熱を持って反復されるところ、単なる機械的な提示部の繰り返しでないことがわかるであろう。
激しい気迫で追い込んでゆく展開部の加速は雄弁なドラマであり、その終わりの部分から再現部初めにかけての、ものものしいテンポの落とし具合は、沸き立つコーダの高まりとともに、音楽自体の呼吸と完全に一致して少しも違和感もない。
スコアのフレージング指定を改変して始まる第２楽章もフルトヴェングラーの独壇場だ。
ブラームス・ファン以外にはかなり重荷なこの音楽も、彼の手にかかると思わず聴き惚れてしまう。
ピアニッシモは強調されているが、全体としては強めで豊かな音楽になっており、漸強弱の指定があると、待っていましたとばかり強調する。
これはフルトヴェングラーとしても珍しい例であり、テンポの激変といい、旋律の思い切った歌といい、ブラームスのひそやかさを愛する人にはいささかの抵抗があるかもしれない。
第３楽章は中間部の後半以後のほとばしるような憧れの情が聴きもので、中でも再現部でテーマが第１ヴァイオリンに歌われる部分はほとんど泣いているかのようだ。
第４楽章は最もフルトヴェングラー的な部分であろう。
主部だけでもテンポが４段階に激しく変わり、同じ�爛▲譽哀蹲瓩涼罎妊▲鵐瀬鵐討�らプレストまでの差があり、音楽的な常識からは考えられないことであり、彼だから許されるというべきであろう。
展開部の熾烈な迫力などは凄まじさのかぎりだし、部分的には見事なところも多いが、実演を直接聴いているのならともかく、ＣＤになるとやや極端な感じが否めない。
「マンフレッド」序曲も素晴らしい名演で、何よりも歌い方の豊かさにまいってしまう。
オーケストラの響きが満ち溢れるようであり、すみずみにまでフルトヴェングラーの血が通い、感情の波が大きく拡がってゆく。
フォルトナーはドイツの前衛的な作曲家で、このヴァイオリン協奏曲は１９４６年の作であり、現代音楽的な理屈っぽさを持つが、ドイツの作曲家ならではの心を打つ場面にも欠けてはおらず、だからこそフルトヴェングラーも採り上げたのであろう。
この曲の初演者でもあり、献呈もされたタッシュナーのヴァイオリンは線が細いが、高音に意味と魅力があり、ポルタメントが心をそそる。
音楽を身近に感じていることがよくわかる演奏だ。
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2015年05月22日
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本盤に収められたブラームスの交響曲全集はジュリーニによる２度目の全集に相当する。
最初の全集が、フィルハーモニア管弦楽団との１９６０年代の録音（１９６０、１９６２、１９６８年）であったことから、本演奏はそれから約３０年後の録音である。
もっとも、ジュリーニは、その間にもロサンゼルス・フィルとともに第１番（１９８１年）及び第２番（１９８０年）をスタジオ録音するとともに、バイエルン放送交響楽団とともに第１番をライヴ録音（１９７９年）していることから、ジュリーニはブラームスを得意中の得意としていたと言っても過言ではあるまい。
また、本盤の演奏は、今後ライヴ録音などが発売されれば事情が変わる可能性もあるが、現時点ではジュリーニによる最後のブラームスの交響曲の演奏ということでもあり、ある意味ではブラームスを得意としたジュリーニによる最終的な解釈が刻印されていると言えるのではないだろうか。
本演奏は、これまでの演奏と異なって、実にゆったりとしたテンポをとっている。
また、反復も原則として行っており、演奏時間もこれらの楽曲の演奏の中ではきわめて長い部類に入るものと考えられる。
テンポもあまり動かさずに悠揚迫らぬインテンポで曲想が進んでいくが、これだけの遅いテンポだと、場合によっては冗長さを感じさせたり、全体の造型が弛緩する危険性も孕んでいる。
しかしながら、ジュリーニの場合は、全体の造型が弛緩することはいささかもなく、各フレーズには独特のニュアンスや豊かな歌心が込められるなど、常にコクのある情感豊かな充実した音楽が構築されているのが素晴らしい。
ここぞという時の強靭な迫力や重厚さにおいてもいささかも欠けることがなく、例えば第１番や第２番の終楽章における圧倒的な高揚感には我々聴き手の度肝を抜くのに十分な迫力を誇っている。
また、第１番の第２楽章、第２番の第２楽章、第３番の第２楽章及び第３楽章、そして第４番の第１楽章及び第２楽章の濃厚で心を込めた情感豊かな歌い方には抗し難い魅力に満ち溢れている。
第４番の終楽章においても、パッサカリアによる表情が目まぐるしく各変奏を巧みに描き分け、巨匠ならではの老獪な至芸を感じさせるのが見事である。
そして、何よりもジュリーニが素晴らしいのは、いかなるトゥッティに差し掛かろうと、はたまた緩徐楽章などにおいて心を込めて歌い上げていようと、格調の高さをいささかも失っていない点である。
とかく重厚で仰々しいブラームスの演奏が数多く行われている中で、ジュリーニによる本演奏が含有する気品と風格は際立っている言えるところであり、ゆったりとしたテンポによるスケール雄大な演奏であることも相俟って、本演奏はまさに巨匠ならではの大人（たいじん）の至芸と言っても過言ではあるまい。
また、ジュリーニの統率の下、これ以上は求め得ないような美しい演奏を展開したウィーン・フィルによる好パフォーマンスも、本名演に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
併録のハイドンの主題による変奏曲や悲劇的序曲も、晩年のジュリーニならではのスケール雄大で、重厚さと優美さを兼ね備えた素晴らしい名演に仕上がっていると評価したい。
とりわけ、ハイドンの主題による変奏曲における第７変奏の筆舌には尽くし難い美しさは、ジュリーニとしても空前にして絶後の名演奏と言えるのではないだろうか。
録音は、従来盤でもムジークフェラインザールの豊かな残響を活かした十分に満足できる音質であったが、数年前に第１番及び第４番のみＳＨＭ−ＣＤ盤で発売され、現在では当該ＳＨＭ−ＣＤ盤がベストの音質である。
もっとも、ジュリーニによる遺産とも言うべき至高の名演でもあり、今後は第２番及び第３番のＳＨＭ−ＣＤ化、そして可能であれば本全集全体についてシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化を図るなど、更なる高音質化を大いに望んでおきたいと考える。
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2015年05月14日
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本盤に収められたブラームスのピアノ協奏曲第２番、そして、ベートーヴェンのピアノ・ソナタの第２３番「熱情」は、東西冷戦の真っ只中であった時代、当時の鉄のカーテンの向こう側からやってきた壮年期のリヒテルによる記念碑的な名演だ。
協奏曲、ソナタともに、リヒテル最初のアメリカ・ツアーの折の録音で、その雄弁な表現に圧倒されてしまう。
リヒテルは、偉大なピアニストであったが、同時代に活躍していた世界的な大ピアニストとは異なり、全集を好んで録音したピアニストではなかった。
こうした事実は、これだけの実績のあるピアニストにしては大変珍しいとも言えるし、我々クラシック音楽ファンとしてはいささか残念であるとも言えるところである。
したがって、リヒテルが特定の作曲家のピアノ協奏曲全集やピアノ・ソナタ全集を録音したという記録はない。
ブラームスのピアノ協奏曲について言えば、スタジオ録音としては、単発的に、本盤の第２番などを録音し、後年にマゼールと再録音が遺されているが、他の諸曲についてはライヴ録音が何点か遺されているのみである。
ベートーヴェンのピアノ・ソナタについても同様であり、こうしたことは、リヒテルがいかに楽曲に対する理解と確信を得ない限り、録音をしようとしないという芸術家としての真摯な姿勢の証左とも言えるのではないだろうか。
それだけに、本盤に収められた各曲の演奏は、貴重な記録であると同時に、リヒテルが自信を持って世に送り出した会心の名演奏とも言えるところだ。
ブラームスのピアノ協奏曲第２番にしても、ベートーヴェンのピアノ・ソナタ第２３番「熱情」にしても、リヒテルは、超絶的な技巧は当然のことながら、演奏全体のスケールの雄大さ、各フレーズに込められたニュアンスの豊かさ、そして表現の彫りの深さなど、どれをとっても非の打ちどころのない演奏を展開している。
人間業とは思えないような強靭な打鍵から繊細な抒情に至るまで表現の幅広さは桁外れであり、十分に個性的な表現を駆使していると言えるが、それでいて、そうした表現があくまでも自然体の中で行われており、芝居がかったところがいささかも見られない。
要は、恣意的な解釈が聴かれないということであり、ブラームスやベートーヴェンへの深い愛着と敬意以外には私心というものが感じられないのが見事である。
個性の発揮とスコア・リーディングの厳格さという二律背反する要素を両立させている点に、本演奏の凄みがあるとも言えるだろう。
とりわけ、ピアノ・ソナタ「熱情」におけるピアノが壊れてしまうと思われるような強靭な打鍵から繊細な抒情に至るまでのダイナミックレンジの幅広さには出色のものがあり、終楽章終結部の猛烈なアッチェレランドはもはや人間業とは思えないほどの凄みのある演奏に仕上がっていると高く評価したい。
またブラームスのピアノ協奏曲第２番では、オケとともに凄まじい迫力がその演奏にもたらされており、刺激的なものとなっている。
また、同曲に込められたブラームスの枯淡の境地とも言うべき美しい旋律の数々を、格調の高さを損なうことなく情感豊かに歌い抜いているのも素晴らしい。
そして、演奏全体のスケールの雄大さは、ロシアの悠久の大地を思わせるような威容を誇っていると言えるところであり、これぞまさしくリヒテルの本演奏におけるピアニズムの最大の美質と言っても過言ではあるまい。
バックをつとめているのはラインスドルフ＆シカゴ交響楽団であるが、さすがにここでもドイツ風の重厚な演奏を行っており、リヒテルによる凄みのあるピアノ演奏のバックとして、最高のパフォーマンスを示していると高く評価したい。
リヒテルの再録音、即ちマゼールと共演したものもあるが、間延びしていて、ラインスドルフとの共演よりも集中力が保持できていないもどかしさを感じさせるところであり、それに対しこの旧盤は一気呵成に終楽章まで聴かせ、燃焼度も高く、オーケストラと一体となってブラームスの世界を紡ぎ出している。
いずれにしても、本盤に収められた各演奏は、リヒテルのピアニストとしての偉大さを十二分に窺い知ることが可能な圧倒的な超名演と高く評価したいと考える。
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2015年05月12日
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２００８年はカラヤンの生誕１００年ということで、数々の企画盤やライヴ音源の復刻が行われたが、本盤もその貴重な１枚。
１９８８年ロンドンでのベルリンフィルとの演奏会で、結果的にこれが最後のロンドン公演だったとのこと。
楽器の到着が間に合わなかったドタバタや、もうあまり体が動かせなくなっていた帝王の姿など、その模様をカラヤンの評伝も書いたリチャード・オズボーンがライナーノーツに記している。
曲目はシェーンベルクの「浄夜（弦楽合奏版）」とブラームスの交響曲第１番で、音質はあまり良いとは言えないが、演奏は名演の前に「超」をいくつか付してもいいくらいの超絶的な大名演だ。
ここでの「浄夜」に聴かれる重厚な美音の洪水、このような重厚な演奏は、現在のベルリンフィルからはもはや聴けないものだ。
今の感覚からするとやや重たいかもしれない曲線美、降り注ぐような弦の霜降り的な濃厚さ、しかし決してテンポはもたれはしないそのバランス感覚は絶妙。
あくまで後期ロマン主義の傑作としての演奏で、世紀の替り目に書かれたシェーンベルクが、ココシュカやエゴン・シーレと魂を同じくする音楽というよりはクリムトの時代の背景音楽としてのゴージャス感で響いてくる。
しばしば疎ましかったカラヤン独特のレガート・スタイルも、曲との適合か、心地良く感じられるほど。
Ｒ.シュトラウスの名演で鳴らしたカラヤンが「グレの歌」を手がけなかったのが惜しくなった。
一方のブラームスは壮観なまでに音響が聳え立ち、何かドラマが人工物にすり替えられているような抵抗を感じないではないのだが、しかしやはりこれを実演で聴いて圧倒されないではいることは出来なかったことであろう。
内声の隅々に至るまで充実した分厚さ（あまりにもべったり塗り籠めていると嫌悪を覚える方もいるかもしれない）や、集団の高度な自発性がもたらす弾力性（ふと精強な軍隊のイメージが頭をよぎるのはやはり否めない）が相俟って、轟々たる推進力が生まれている。
特に終楽章でこんなコーダを築き上げられるオーケストラは他になく、その場に居合わせたら恐怖すら覚えたかもしれない。
カラヤンのブラームスの「第１」には他にも数々の名演があるが、その中でもこの演奏はダントツだと思う。
とても死の１年前の指揮者によるものとは言えない、情熱的で熱い演奏が繰り広げられている。
やはり、カラヤンはライヴの人だったのだ。
ロイヤル・フェスティバル・ホールの聴衆にとって当夜のことは確かに一生の思い出であろう。
もはや好悪を超えた次元にあった音楽家集団の記録として忘れられなくなりそうだ。
カラヤンの録音芸術における完全主義により、テクノロジーの粋を極めた数々の作品は、それゆえに支持するもの、拒否するものも多かった。
しかし、カラヤンの数々のアプローチは録音技術における数々のアカデミックな研究につながり、多元的な成果を生み出した。
カラヤンが常に新しいメディアに興味を示したのは、なにか新しいことを伝えられる媒介を探求するという彼の姿勢がそのまま投影されたものであり、時代を先駆けたマルチな芸術家であった証左である。
逆に言えば、録音技術というフィルターの効果の薄いライヴ録音（もちろんリマスターはあるけれど）はまた別のものを伝える貴重な記録となる。
本ディスクも録音状態から言えば必ずしも良好とは言えないし、またカラヤンが目指した究極形態と比して完成度は劣るが、演奏それ自体として魅力が横溢している。
立派な、といえば、もう立派すぎるくらいの演奏で、在りし日のカラヤン＆ベルリン・フィルの音作りがどういうものであったかを典型的に伝えてくれる１枚には違いない。
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2015年05月10日
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アファナシエフ究極の名演という言葉は、この録音にこそふさわしいと思う。
ロシア・ピアニズムの流れを組む名手でありながら孤高の芸術世界を築くアファナシエフの描く音楽はいずれも心の深淵をのぞき込むかのように深く暗い表情を湛えている。
感情的興奮やヴィルトゥオジティとは全く次元の異なる世界にリスナーはとまどい、やがて言葉を失うほどの感銘を覚える。
アファナシエフは、ブラームスの深淵に浸りきり、研ぎ澄まされた音の中にあらゆる感情が込められた空前の表現を行っている。
前作の後期ピアノ作品集は、おそらくは過去のブラームスのピアノ作品集のＣＤ中最高の超名演（私見ではグールドより上）であったが、本盤も、前作ほどではないものの、素晴らしい名演である。
確かに「アファナシエフ流」のインパクトは後期作品集に劣るが、ポツポツと弾かれる音が漂う「間」（ま）、その空白を感傷が埋めているような、この人特有の音空間はやはりとんでもなく美しく、録音が良いせいか、本当に音の１つ１つが冴え渡っている。
特に、作品１１６の７つの幻想曲は、ブラームスの最晩年の作品だけに、前作の深みのある鋭い名演に繋がるアプローチを行っている。
同曲は、複数のカプリチオと間奏曲で構成されているが、各曲ごとに大きく異なる楽想を、アファナシエフならではのゆったりとしたテンポで、ブラームスの心底の深淵を覗き込むような深遠なアプローチを行っている。
シェーンベルクの十二音技法にも通じるような深みを湛えた至純の名作であるが、アファナシエフの演奏は、まさに、こうした近現代の音楽に繋がっていくような鋭さがある。
それでいて、晩年のブラームスの心の奥底を抉り出すような深みのある情感豊かさも、感傷的にはいささかも陥らず、あくまでも高踏的な次元において描き出している点も素晴らしい。
テンポは、過去のいかなる演奏と比較しても、相当に（というか極端に）遅いと言わざるを得ないが、シューベルトの後期３大ピアノ・ソナタの時のようなもたれるということはなく、こうした遅いテンポが、おそらくはアファナシエフにだけ可能な濃密な世界（小宇宙）を構築している。
研ぎ澄まされた鋭さ、深みのある情感、内容の濃密さという３つの要素が盛り込まれたこの演奏は、聴き手にもとてつもない集中力を要求する。
その深みのある情感豊かさは、同曲の過去のいかなる演奏をも凌駕するような至高・至純の高みに達している。
４つのバラードは、ブラームスの若書きの作品ではあるが、アファナシエフの解釈は、晩年の諸作品へのアプローチと何ら変わることがない。
バラード集の時間軸を変容させ、独特の呼吸で横の線を異化していく特異な世界があるが、このバラード集に纏わりつく死のイメージをここまで音化した演奏は思いつかない。
誰の演奏を聴いてもイマイチ感のあるバラード集で、暗黒面の境界線に佇みながら静かに生者のほうを見つめるピアノを聴かせてくれる、凄い演奏が作品の方向性を作り変えている。
要は、同曲を、最晩年の作品に繋がっていく道程と位置づけており、各バラードの解釈は、初めて耳にするような深みを湛えている。
２つのラプソディーは、ブラームスとしては比較的めまぐるしく表情が変転する楽曲であるが、アファナシエフは、ここでも単なるお祭りさわぎに終始することなく、次元の高い深みのある音楽が紡ぎだされていく。
また、本質的にこの人のピアノはロマン派と相性が良いのだということが良く分かる点も、後期作品集と同様である。
そういえば、アファナシエフが「もののあはれ」を表現の原点としているというエピソードがあるが、この人の演奏を聴いていると、「もののあはれ」というものが、普通な意味でのメランコリーを否定しつつも、結局はメランコリーの一形態だったではないか、ということを思い出させられる。
我々がアファナシエフの演奏をメランコリックとつい評してしまうときも、本来そのような重層的な意味合いを意識すべきなのかもしれないが、そんな遠回りをしなくても、本盤の場合はストレートにメランコリックである。
Blu-spec-CD化によって、アファナシエフのタッチをより鮮明に味わうことができるようになったことを大いに喜びたい。
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2015年04月29日
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名匠、名伴奏者オーマンディが指揮するフィラデルフィア管弦楽団とがっぷり組み合ったブラームスの第２協奏曲は、ルービンシュタインによる４度目の録音で８５歳のピアノとは思えない矍鑠ぶりを記録しており、バックハウス＆ベーム盤と並ぶ名演と言えるだろう。
ブラームスは、何よりもルービンシュタインの堂々たるピアノが素晴らしい。
ルービンシュタインの音楽が円熟を極めると同時にテクニックの水準が非常に高いレベルにあった、またとない貴重な時期の演奏である。
ブラームスの演奏には、堅固な造形が前面に出たものと、ロマンティシズムが前面に出たものがあり、この演奏は後者に属する。
しかし構成感や造形も申し分なく、足腰がしっかりしていてバランスがピカイチ、これこそブラームスの全体像を見事に捉えた演奏である。
自然な情感が実に豊かで、気難しくはないけれども歯ごたえがしっかりしているので、聴いていて心地よく音楽の流れに身を任せることができ、同時に感慨や高揚感も十分である。
作品の良さが自然に、トータルに引き出されているのでうっとうしさや嫌みがなく、内容充実とともに繰り返し聴きたくなる。
さすがに若いころからブラームスに傾倒して長年にわたり演奏を積み重ねてきただけのことはある。
この人特有の低音域の豊かさとまろやかで深い音色、充実した分厚い和音の響き、何よりテクニックに安定感と余裕があり、それを派手にひけらかすことなくブラームスの音楽と一体化させている。
ルービンシュタインのステレオ録音には、とかく「この年齢にもかかわらず」との評がありがちで、確かにそう言いたくなる演奏があるのもわかるところではある。
しかし、このみずみずしくてテンポが遅すぎず、流れに滞りのない演奏にはそういったご心配は一切無用。
人生の辛酸を舐め尽くした巨匠の味わい深い演奏が、生涯独身を貫いて、人生の寂しさやわびしさを人一倍感じ、華麗さとは無縁の渋い作品を生み出してきたブラームスの音楽に見事に符合する。
オーマンディ指揮のフィラデルフィア管弦楽団は、いささか音の重心が軽く、ブラームスとしては今一歩深みが乏しい気もするが、確かな技量と様式感で、ピアノと一体化した解釈が素晴らしい。
ルービンシュタインの堂々たる演奏を加味すれば、総合的評価として、本演奏を名演と評価することに躊躇しない。
録音もピアノとオーケストラのバランスがとてもよく、奥行き感や残響がうまく捉えられていて、ふくよかで豊かな表情を生み出している。
ルービンシュタインの協奏曲録音には、たとえステレオでもこれらの要素に違和感があるものがいくつかあるのだが、この録音は彼のものでも最高の状態であろう。
他方、シューマンは、ルービンシュタイン生涯最後のセッション録音だけに、実に演奏の奥が深く、作品の内面的なロマンティシズムを見事に描き出していて余すところがない。
冒頭の「夕べに」からして、他のピアニストとは次元の違う音のドラマが繰り広げられており、この幻想小曲集こそ、ルービンシュタインが人生のゴールで到達した至高・至純の境地と言えるのだろう。
幻想小曲集の随一の超名演と評価したい。
Blu-spec-CD化によって、ルービンシュタインの名演がより鮮明に味わうことができることを大いに喜びたい。
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2015年04月28日
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カラヤンは手兵ベルリン・フィルとともにベートーヴェンの交響曲全集を３度にわたってスタジオ録音しているが、同時にブラームスの交響曲全集も３度にわたってスタジオ録音している。
その他にも、一部の交響曲について、ウィーン・フィルやフィルハーモニア管弦楽団、コンセルトへボウ・アムステルダムなどと録音を行うとともに、ベルリン・フィルなどとのライヴ録音も遺されていることから、カラヤンがいかにブラームスの交響曲を得意としていたのかがよく理解できるところだ。
ベルリン・フィルとの全集で言えば、最初の全集が１９６３〜１９６４年、本盤の２度目の全集が１９７７〜１９７８年、そして３度目の全集が１９８７〜１９８８年と、ほぼ１０年毎に、そしてベートーヴェンの交響曲全集のほぼ直後に録音されているのが特徴である。
この３つの全集の中で、最もカラヤンの個性が発揮されているのは、紛れもなく本盤の２度目の全集であると考えられる。
この当時のカラヤン＆ベルリン・フィルは、まさにこの黄金コンビの全盛時代である。
分厚い弦楽合奏、ブリリアントなブラスセクションの響き、桁外れのテクニックをベースに美音を振り撒く木管楽器群、そして雷鳴のように轟きわたるティンパニなどが、鉄壁のアンサンブルの下に融合し、およそ信じ難いような超絶的な名演奏の数々を繰り広げていたと言える。
カラヤンは、このようなベルリン・フィルをしっかりと統率するとともに、流麗なレガートを施すことによっていわゆるカラヤンサウンドを醸成し、オーケストラ演奏の極致とも言うべき圧倒的な音のドラマを構築していた。
本盤においても、かかる圧倒的な音のドラマは健在であり、どこをとってもいわゆるカラヤンサウンドに覆い尽くされた圧巻の名演に仕上がっている。
特に第３番は新盤よりこちらの方が音が整理され、情感溢れる名演であり、第２番のフィナーレのカラヤンらしからぬライヴのような突っ込みも圧倒的、第４番もこちらの方がしっとりしていい感じで、第１番だけは新盤の重量感ある録音が曲に合っているようだが、これも甲乙つけがたい。
このような演奏について、例えば全集においては、ザンデルリンク＆ベルリン響による名演（１９９０年）、第１番においては、フルトヴェングラー＆ベルリン・フィルによる名演（１９５２年）、第２番については、ワルター＆ニューヨーク・フィルによる名演（１９５３年）、第３番については、クナッパーツブッシュ＆ベルリン・フィルによる名演（１９５０年）、第４番については、フルトヴェングラー＆ベルリン・フィルによる名演（１９４８年）などと比較して、その精神的な深みの追求の欠如などを指摘する者もいるとは思われるが、これほどの圧倒的な音のドラマを構築したカラヤンによる名演との優劣を付けることは困難であると考える。
そして、このカラヤン生誕１００周年の交響曲シリーズの音質は、今までの国内盤とあまりに違い、スッキリと分離した楽器の音（ことに弦楽器）が、団子にならず歪まない。
フォルテでの迫力も、濁らずに鳴っているので、これがベルリン・フィルの絶頂期の録音だと、あらためて驚嘆する。
この後、最晩年に再録音し、そちらも名演とされているが、この１９７８年盤も負けていないし、より自然で鮮やかな演奏はフレッシュで、音の抜けも良く整った録音である。
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2015年04月21日
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ドイツ音楽の正統を伝える数少ない巨匠であったサヴァリッシュによる重厚長大かつホットなブラームス演奏をまとめたボックス・セット。
ＮＨＫ交響楽団との数多くの公演で我が国でも非常に有名なサヴァリッシュは、とある高名な音楽評論家などが著しく低評価を与えていたこともあり、敬遠されがちという印象があるが、実際にＮＨＫホールにその実演に接した音楽愛好家は彼の音楽性、理知的でありながら時に踏み外して情熱的になる演奏は高く評価されている。
そのように実力に関しては申し分のないサヴァリッシュであるが、人気の方については今一つと言わざるを得ない。
我が国のオーケストラを頻繁に指揮する指揮者については、過小評価されてしまうという不思議な風潮があるのはいかがなものかとも思うが、それでもサヴァリッシュの不人気ぶりには著しいものがあると言わざるを得ない。
確かに、サヴァリッシュが外国の一流オーケストラを指揮した名演というのは殆ど存在していないというのは事実である。
唯一、現在でも素晴らしい名演とされているのは、シュターツカペレ・ドレスデンを指揮してスタジオ録音（１９７２年）を行ったシューマンの交響曲全集であるというのは衆目の一致するところだ。
ただし、各交響曲のいずれもが様々な指揮者によるそれぞれの楽曲の演奏中のベストの名演ということではなく、全集全体として優れた演奏ということであり、まさに最大公約数的な名全集に仕上がっていたところである。
これはいかにもサヴァリッシュらしいとも言えるのではないだろうか。
サヴァリッシュは、史上最年少でバイロイト音楽祭に登場するなど、きわめて才能のある指揮者として将来を嘱望されていたにもかかわらず、その後はかなり伸び悩んだと言えなくもないところだ。
膨大な録音を行ってはいるが、前述のシューマンの交響曲全集以外にはヒット作が存在しない。
いい演奏は行うものの、他の指揮者を圧倒するような名演を成し遂げることが殆どないという、ある意味では凡庸と言ってもいいような存在に甘んじていると言っても過言ではあるまい。
本盤に収められたブラームスの交響曲全集は、目立った名演を殆ど遺していないサヴァリッシュとしては、前述のシューマンの交響曲全集に次ぐ名全集と言えるのではないだろうか。
確かに、個々の交響曲の演奏に限ってみれば、いずれの交響曲についても他に優れた演奏があまた存在していると言えるが、全集全体として見ると、水準以上の名演が揃った優れたものと言えるところだ。
サヴァリッシュの演奏は、鋭敏なバランス感覚と安全運転だけに終始しない即興性の見事な融合に特徴を見出せる。
確かに、バランス感覚が出すぎる演奏に出くわすと「安全運転」「生真面目」「平均点」という評価になることがある。
しかし、即興性が見事なバランス感覚の上に立ち現れたとき、我々はドイツ本流の指揮者による管弦楽を聴く醍醐味をこれでもか、と堪能することができる。
スケールが大きく、一点一画を揺るがせにしない、しかし全く窮屈でない、という過去のどんな指揮者の演奏に優るとも劣ることはあるまい。
堅固な造型美と重厚かつ剛毅さを兼ね備えたいかにもドイツ風の硬派の演奏と言えるが、かかる芸風はブラームスの交響曲の性格に見事に符号していると言えるところであり、ロンドン・フィルの渾身の名演奏も相俟って、素晴らしい名全集に仕上がっていると言えるだろう。
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2015年04月11日
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ブラームスを得意としたジュリーニであるが、１９９０年代に録音されたウィーン・フィルとの全集は、いかにも晩年のジュリーニらしいゆったりとしたテンポによる堂々たる名演揃いだ。
ジュリーニは特に晩年、たっぷり時間をかけてじっくりと演奏するタイプの指揮者であったが、ウィーン・フィルも非常に歌わせるタイプのオケで、ジュリーニとの相性もぴったりなので、演奏は哀愁たっぷりの胸にジーンとくるような詩情にあふれている。
ゆったりとしたテンポによる気品のあるブラームスで、鈍重さは微塵もなく、静かな緊張感に貫かれた表現がジュリーニらしい。
本盤に収められた「第１」は、ジュリーニならではのスローなテンポではあっても、緩ませず、ブラームスの憧れたベートーヴェンの交響曲を思い描いたような、重厚さに重きを置いた解釈の演奏である。
重厚さに重きを置くといっても、そこはやはりジュリーニらしい歌うような軽やかさも忘れていない。
ジュリーニは、オケとの調和をはかりつつ、理想とするブラームスの「形」を哀愁と優しさを感じさせながら描く。
非常にゆっくりしたテンポだが、今までの総決算のような気迫に満ち、第１楽章だけでも普通の交響曲を１曲を聴いたような充実感がある。
のっけから、ううむ、と唸ってしまうほど徹底的にテンポが遅いが、決して茫洋と失速しているわけではない。
音楽を運ぶ音の動きが常に克明に捉えられて、耳が鋭敏になった上に豊かな歌がのるために、その遅さが逆にたまらなく強烈に感覚を高ぶらせる。
まさに、熟成したブランデーのような濃密な味わいだ。
冒頭の和音はソフトなフォルティッシモで開始されるが、その後はゆったりとしたテンポによる堂々たる進軍を開始する。
この進軍は主部に入っても微動だにしないが、他方、隋所に現れるブラームスならではの抒情的旋律については、これ以上は不可能なくらい美しく、かつ風格豊かに歌い上げている。
このような優美な旋律のノーブルで風格豊かな歌い方は、第２楽章や第３楽章でも同様であり、これは最晩年のジュリーニが漸く到達した至高・至純の境地と言えるだろう。
第４楽章は、再び巨象の堂々たる進軍が開始されるが、主部の名旋律の演奏の何と歌心に満ち溢れていることか。
スローテンポを基調として、ブラームスが楽譜に書き込んだもの全てを歌い切っているかのようだ。
ジュリーニの演奏を見事に支えるウィーン・フィルの重厚にして優美な演奏も素晴らしいの一言であり、この「第１」は、万人向けではないが、ジュリーニの渾身の超名演と評価したい。
ハイドンの主題による変奏曲にも同様のことが言える名演であるが、ジュリーニの持ち味であるゆっくりとした演奏でじっくり曲を作りこむ点は変わらず、晩年ならではの歌うような演奏は非常に印象に残る。
特に、第７変奏の筆舌には尽くし難い美しさは、空前にして絶後と言えるのではないだろうか。
ジュリーニの持つ明快さとウィーン・フィルのしなやかさとが相俟った、緊張感に満ちた名演だ。
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2015年04月03日
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最初にＬＰで発売予定時から絶賛されていた演奏で、その年のレコード・アカデミー賞を受賞した、バーンスタイン晩年の最高度に円熟した演奏である。
現在カタログには、４０種類以上の現役盤がひしめいているが、結局魅力度ということにかけては、バーンスタイン指揮ウィーン・フィルが、圧倒的な貫禄であたりを睥睨している。
バーンスタインは押しも押されぬ史上最大のマーラー指揮者であると考えるが、その精神分裂的な性格がマーラーと通底するシューマンの交響曲や協奏曲を除けば、バーンスタインの指揮する独墺系の音楽は今一つ彫りの深さを感じさせる演奏が少ないと言える。
とりわけ、１９８０年代半ば以降のバーンスタインには、異常なスローテンポによる大仰な表情づけの演奏が増えてきたことから、マーラーやシューマンの楽曲を除いては、いささかウドの大木の誹りを免れない浅薄な凡演が多くなったと言わざるを得ない。
しかしながら、本盤に収められたブラームスの交響曲全集は、１９８１〜１９８２年のライヴ録音ということもあって、１９８０年代後半の演奏のような大仰さがなく、ウィーン・フィルによる名演奏も相俟って、素晴らしい名演に仕上がっていると言えるのではないだろうか。
いずれの曲も、ライヴならではの迫力で、スケールの大きな巨匠風の演奏であり、ロマンティシズムに溢れた演奏である。
バーンスタインはウィーン・フィルの柔らかなアンサンブルを駆使して、ふっくらと聴き手を包み込むような、包容力溢れる暖かい手触りの名演を展開している。
バーンスタインは己の感情をストレートにぶつける事によって古典的形式美の奥に封印された喜怒哀楽の全てを漏らさず紡ぎ出し、劇的でスリリングでしかも朗らかな歌心にも溢れた極めてロマン的なブラームス像を打ち出した。
バーンスタインは、１９６０〜１９６４年にかけてニューヨーク・フィルとともにブラームスの交響曲全集をスタジオ録音しているが、それはいかにもヤンキー気質丸出しのエネルギッシュな演奏であり、随所に力づくの強引な最強奏も聴かれるなど外面的な効果だけが際立った浅薄な演奏であった。
しかし、本盤に収められた演奏では、バーンスタインの音楽に彫りの深さを感じることが可能であり、持ち前のカロリー満点の生命力に満ち溢れた演奏に、ウィーン・フィルによる極上の美演が付加されることにより、演奏全体に潤いと適度な奥行き、そして重厚さを付加することに成功している点を忘れてはならない。
ウィーン・フィルはブラームスの交響曲を初演したオーケストラで、それだけにここでも並々ならぬ自信が感じられる。
バーンスタインはそうしたオーケストラの魅力を余すところなく発揮させており、ライヴ録音ならではの白熱的な演奏を展開している。
ウィーン・フィル独特の弦の柔らかな響きと管楽器の美しいハーモニー余すことなく表現して、指揮者と楽団の知的で親密さがなければ実現できなかったであろう快い緊張感に支えられた均質な演奏に聴き手は高い満足度を感じる全集であると言えるだろう。
いずれにしても、本全集は、バーンスタインによるエネルギッシュな力感溢れる指揮に、ウィーン・フィルによる美演が加わったことにより、剛柔バランスのとれた素晴らしい名演に仕上がっていると高く評価したい。
仮に、本全集の録音に際して、バーンスタインがウィーン・フィル以外のオーケストラを起用していたとすれば、これほどの魅力的で奥行きのある演奏にはならなかったのではないかとも考えられるところだ。
録音は１９８１〜１９８２年のデジタル・ライヴ録音であるが、従来盤でも充分に満足し得る高音質である。
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2015年04月02日
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本盤には、アバド＆ベルリン・フィルによるブラームスの交響曲全集等が収められているが、全曲ともに若干甘い気はするものの名演と評価したい。
アバドは、ベルリン・フィルの芸術監督就任間もない頃に、本盤に収められたブラームスの交響曲全集を完成させた。
ちなみにアバドは、４つのオーケストラを振り分けた旧全集（１９７０〜７２年）でも明るくのびやかな響きによって、溌剌と新鮮な表現を聴かせてくれたが、本全集の演奏には、いっそう美しい余裕と確かな構成感がある。
細部の琢磨にも一段と精緻であると同時に、きわめてバランスの良い表現は、常に豊かな歌を湛えており、しかものびやかに洗練され格調が高い。
もっとも、カラヤン時代の猛者がいまだ数多く在籍していたベルリン・フィルを掌握し得た時期の録音ではないことから、第１番などは名演の名には恥じない演奏であるとは言えるが、アバドの個性が必ずしも発揮された演奏とは言い難いものであった。
他方、楽曲の性格とのマッチングや録音時期（芸術監督就任前の１９８８年）の問題もあって、第２番はアバドならではの豊かな歌謡性が発揮された素晴らしい名演であった。
このようにベルリン・フィルの掌握の有無なども演奏の出来に作用する重要な要素であるとは思うが、根本的には、アバドの芸風に符号する楽曲かどうかというのが演奏の出来不出来の大きな分かれ目になっていると言えるのではないだろうか。
アバドのアプローチは、前任者のカラヤンのような独特の重厚なサウンドを有していたわけでもない。
むしろ、各楽器間のバランスを重視するとともに、イタリア人ならではの豊かな歌謡性を全面に打ち出した明朗な演奏を繰り広げている。
このようなアプローチの場合、第１番ではいささか物足りない演奏（もっとも、第１番はカラヤン時代の重厚な音色の残滓が付加されたことによって、怪我の功名的な名演に仕上がった）になる危険性があり、他方、第２番については、楽曲の明朗で抒情的な性格から名演を成し遂げることが可能であったと考えられる。
一方、第３番及び第４番も、楽曲の心眼に踏み込んでいくような彫りの深さ（とりわけ第３番の両端楽章や第４番の終楽章）といった面においてはいささか生ぬるい気がしないでもないが、とりわけ第３番の第２楽章及び第３楽章や第４番の第１楽章及び第２楽章などの情感豊かな歌い方には抗し難い魅力があり、第２番ほどではないものの、比較的アバドの芸風に符号した作品と言えるのではないだろうか。
また、第３番については、第２番と同様にアバドが芸術監督に就任する前の録音でもあり、ウィーン・フィルに軸足を移したカラヤンへの対抗意識もあって、ポストカラヤンの候補者と目される指揮者とは渾身の名演を繰り広げていたベルリン・フィルの途轍もない名演奏が、本名演に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
もっとも、大病を克服した後のアバドは、凄みのある名演を成し遂げる大指揮者に変貌していると言えるところであり、仮に現時点で、ブラームスの交響曲全集を録音すれば、より優れた名演を成し遂げる可能性が高いのではないかと考えられるところだ。
いずれにしても、アバドはベルリン・フィルの芸術監督就任直後にブラームスの交響曲全集を完成させるのではなく、芸術監督退任直前に録音を行うべきであったと言えるのではないか。
録音は従来盤でも十分に満足できる高音質である。
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2015年03月22日
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ブラームスの「第１」はカラヤンの名刺代わりの作品であった。
頭に思い浮かぶだけでも、ベルリン・フィルとの３種のスタジオ録音、先般相次いで発売された最後の来日時、死の前年のロンドンでの両ライヴ録音など、まだまだ数多くあるような気がする。
カラヤン得意の曲だけにいずれ劣らぬ名演揃いであるが、いずれも手兵のベルリン・フィルとの録音。
他方、本盤は古き良き時代のウィーンならではの芸術的な香りが残っていた１９５０年代のウィーン・フィルとのスタジオ録音、しかも、鮮明な英デッカのステレオによる名録音というだけで、他の盤とは異なった大きな存在価値がある。
当時、ベルリン・フィルとウィーン国立歌劇場を手中に収め、文字通り楽壇の帝王への道を突き進んでいたカラヤンの壮年期の生命力溢れる圧倒的な指揮ぶりが、これまた全盛期のウィーン・フィルの美演と見事に融合し、重厚さと優美さといういささか相反する要素を併せ持つ珠玉の名演となっている。
何よりも後年のベルリン・フィルとの諸録音には無い、黄金期ウィーン・フィルの輝かしく芳醇な音色が絶品だ。
特に第２、３楽章の濃厚妖艶なレガートと輝く弦楽の魅惑は、まだ素朴さを残した管も味があって最高である。
終楽章も明るく華麗に締め、ベルリン・フィルとの諸録音（特に１９８８年のロンドン・ライヴ）に聴かれる音響大洪水とはかけ離れているが、流麗華美でこれも魅力的。
いわゆるカラヤン臭が少なく、大家ぶったところもない、オケの思うまま、自由に演奏させているが締めるべきところは締めるといった演奏。
１９５９年の録音で、これから登り坂の壮年期のカラヤンの溌剌とした指揮とフルトヴェングラーの余韻が未だ残るウィーン・フィルのコラボが生んだ極上の名演と言えよう。
晩年、カラヤンはベルリン・フィルと決別して、ウィーン・フィルに回帰したが、そこには残念ながら、往時のカラヤンらしい抜群の切れはない。
しかし、この壮年期の演奏記録は別で、カラヤンが後にベルリン・フィルと録音したものと比べると、壮大さでは劣るかもしれないが、オケの音色の美しさは際立っているように思う。
驚くほど充実し、その音楽の＜純度＞、爽快な＜迫力＞には得難い魅力がある。
帝王カラヤンの最も充実した時期の記録であり、ウィーン・フィルは、このカリスマとの邂逅に、持てる力を出し切っている。
ベルリン・フィルの隙のない完璧な演奏スタイルとは異なり、ウイーン・フィルらしい流麗さ、時に統制を緩めたようなパッショネイトな表情もあり、生き生きと息づく音楽である。
カラヤンは、生涯にわたって大学祝典序曲を１度も録音しなかったが、他方、悲劇的序曲は晩年に至るまで幾度となく録音している。
本盤の演奏も、「第１」と同様の性格を有する流麗で幻想的、且つドラマティックな名演に仕上がっている。
壮年期のカラヤンの覇気が漲り、冒頭の２つの和音から一気に引き込まれるような推進力を持っている。
遅いテンポで濃厚ロマンティシズムが薫り立ち、ティンパニの激打と瞬発的金管強奏により、曲の持つ緊迫感とドラマを克明に打ち出した。
好みは分かれるかもしれないが、１９７０年代のカラヤン全盛期の録音よりもこの１９５９年録音の簡潔でバランスの取れた、絶妙の味わいの演奏を好む聴き手も少なくないだろう。
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2015年03月20日
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いずれも鮮烈な名演だ。
ブラームスの「第３」は１９５４年４月２７日、ベルリンのディタニア・パラストに於ける定期公演の実況盤であるが、音の状態は非常に良く、演奏も死の年のものだけに完璧をきわめ、フルトヴェングラーのディスクの中でも屈指の名盤と言えよう。
この「第３」は旧盤も素晴らしかった。
わけても第１楽章の情熱はむしろ古いほうを採りたいくらいであるが、第２楽章以下は録音の良さも含めて、完成されきった新盤に軍配を挙げるのが妥当であろう。
ただし、解釈の根本はまったく同じである。
とにかく大胆なアゴーギクによって情熱的で共感の限りを表明しており、彫りの深い表情には創造的な芸術性の力が漲っている。
第１楽章は冒頭から緊迫した生命力が湧き出しており、ティンパニの最強打が目立つほかは、旧盤の表現をいっそう凝縮させたものだ。
今回は提示部の反復も行われていない。
第２楽章は録音の鮮明さによって、楽器の音色そのものに心がにじみ出ていることが手に取るようにわかる。
相変わらずテンポの動きの大きい、むせるような歌に満ちたブラームスであるが、旧盤よりは遥かに結晶化されているようである。
第３楽章も音色自体に心がこもりきっており、それが後半、あふれんばかりにほとばしり出て来て、“音楽は心だ”と改めて思い知らされるような表現である。
ただし、第１主題のリズムは旧盤よりも格調があるとはいえ、再現部のホルンには若干崩れが見られる。
第４楽章は旧盤の造型をそのままに立派さを加えた超名演で、疑いもなく全曲の白眉と言えよう。
最晩年のフルトヴェングラーとしては、テンポの激しい動きと表情の凄まじさはその比を見ないほどであるが、ほとんど同じスタイルによる旧盤でいちばん不出来だったこの楽章が、新盤では最上の出来となったところに、フルトヴェングラーの芸術の完成をわれわれは知るのである。
わけても提示部、再現部のそれぞれ終わりの部分における追い込みで、オケの鳴りが少しも悪くならないこと、旧盤では随所に追加されたティンパニを一切使用していないこと、の２点に注目すべきである。
フルトヴェングラーが録音した５つの「未完成」の中で、いちばんすっきりしているのはウィーン盤であり、次いではこの１９５２年盤である。
解釈の基本は１回目のベルリン盤とまったく同一であり、それを円熟させた表現と言えるところであるが、厳しくも凝縮されたリズムとひびきが際立ち、入魂の演奏が随所に聴かれる。
無駄と虚飾のない秀演で、第１楽章は雄大なスケールをもち、旋律の表情が意外なほど素直に磨かれている。
第２楽章第２主題を吹くクラリネットの、思いをたっぷりと込めた哀しみのソロと、それに応える最弱音も印象的だ。
２曲ともフルトヴェングラーとしても屈指の優れた演奏だけに今後ＳＡＣＤ化するなど、更なる音質の向上が望まれる。
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2015年03月10日
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全体的に、マーツァルとしては今一つの出来と言わざるを得ない。
チェコ・フィルの音色と楽曲がとてもよく合った美演であり、実に美しい演奏ということは言えるのではないかと思う。
しかし、ブラームスの「第４」は、果たして、このように美しいだけの演奏でいいのであろうか。
第１楽章は思い入れたっぷりに曲が進んで行くし、残りの３楽章も淡々とはせず、音色が何とも美しく、多彩な音色を引き出しているマーツァルは素晴らしい指揮者には違いない。
マーツァルは、オーケストラを無理なくバランスよく鳴らすことにおいては抜群の才能を発揮する指揮者であり、チェコ・フィルの圧倒的な技量や中欧のオーケストラならではのしっとりとした美音も相俟って、このような美演となったのであると思われる。
いわゆるドイツ正統派の名演とは異なり、マーツァルの演奏は、むしろ柔和なイメージであるが、軟弱な演奏かというとそうではない。
ブラームスの音楽の美しさを、オーケストラを無理なく鳴らすことによって、優美に仕立て上げるというマーツァル得意の名人芸が繰り広げられているのだ。
但し、それ故に、曲によって相性の良さが分かれる結果となっており、ブラームスの「第１」は、美しさと重厚さを併せ持ったなかなかの名演であると思ったが、この「第４」はいかにも軽量級の演奏だ。
美しくはあるが、どこかうわべだけの綺麗さといった趣きであり、ブラームスの交響曲の演奏に必要不可欠な重量感が大いに不足している。
つまり、今一つ楽曲への踏み込みが足りないのではないかと考えられるところであり、決して、凡演とは言えないが、マーツァルならば、もう一段上の彫りの深い演奏を行うことができたのではないだろうか。
要するに、本演奏は、いかにも内容に乏しいのである。
表面だけをなぞっただけの浅薄な演奏では、「第１」などでは問題点が表面化することはなかったとも言えるが、ブラームスの交響曲中、最も内容の深い「第４」については、とても水準以上の演奏を成し遂げることはできないということなのだと思う。
エクストンによる自然で心地よく量感豊かな優れたＳＡＣＤによる極上の高音質録音が、ただただ虚しく聴こえるのも実に悲しい限りだ。
マーツァルは、マーラーやチャイコフスキー、ドヴォルザークでは、美しいだけではなく、盛り上がるところは自然に盛り上がり、心の内が熱くなるのを禁じえない感動があったと言えるところであり、筆者にとっては聴き込めば聴き込むほどに愛すべき宝物になったとも言えたところだ。
このような数々の素晴らしい名演を成し遂げているのに、ブラームスのようなドイツ正統派の音楽は、マーツァルには荷が重いのであろうか。
マーツァルならば、もっといい演奏が出来るのではないかと考えられるところであり、才能がある指揮者だけに、更なる自己研鑽が必要ということなのかもしれない。
チェコ・フィルは、見事な演奏を繰り広げており、とりわけ、中欧のオーケストラならではのしっとりとした美音が、演奏全体に適度の潤いと温もりを与えている点を忘れてはならない。
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2015年03月02日
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超完全主義者カルロス・クライバーが５０歳の時の録音で、クライバーの数少ないスタジオ録音中、最高の名演だと思う。
ヨハネス・ブラームスがこの曲を作曲した時とほぼ同年齢の時期の録音である。
ブラームスの「第４」は数ある交響曲の中でも最もユニークなものではないだろうか。
古色蒼然とした外観をまといながら、内に秘めた心からのロマンティックな想い、各楽器の特徴を知り尽くした管弦楽法、このような交響曲に名演を残せるのは、ほんの限られた指揮者とオーケストラだけであろう。
このクライバー盤は、絶妙なテンポの間と、巧みなオーケストレーションで、最高の名演奏の１つであることは良く知られている。
ブラームスの「第４」へのクライバーのアプローチは、名人の一筆書きのような、やや速めのテンポ設定の中、内容豊かなニュアンスを随所に感じさせるという味の濃いものであり、過去の名演では、シューリヒトやムラヴィンスキーに近いものである。
確かに、この録音当時５０歳であったクライバーに、シューリヒトやムラヴィンスキーのような深みを求めるのは酷であるが、逆説的に言うと、この若さにしてこれだけのブラームスを指揮したという若武者の快挙に拍手喝采を送るべきであろう。
有名な１９８２年１２月にベートーヴェンの交響曲第４番を練習中、意見の相違で楽員と対立し、定期演奏会をキャンセルしてしまったという所謂「テレーズ事件」の少し前であり、妥協を許さないクライバーと職人集団ウィーン・フィルの面々のぶつかりあいがまずきっとあって、徹底したこの曲についての論戦があってその後、録音したとしか思えない。
ブラームス最後の交響曲を演奏するにあたって、クライバーとウィーン・フィルの譲れないものを感じさせ、それが熱となり感動を呼ぶ。
物悲しい一面を強調した演奏も多いのであるが、この演奏は凛とした風格を美しい音色とテンポで表現しており弛緩といったものがない。
聴き始めから直ぐにブラームスの懐かしくもロマンティックな世界に引き込まれ、時間の経つのを忘れて聴き惚れる、そして驚くほど速く全曲を聴ききってしまう、素晴らしい音楽であり演奏である。
音楽の構成をありありと示してくれるよう表現であり、個々の楽器も十分に鳴っている。
この演奏を支えているのは、クライバーの天才的な音楽性は勿論であるが、オーケストラを歌わせる能力、良く考え抜かれたダイナミックスの配分、各楽器の実に巧妙な使い方、最終楽章の各変奏における特徴の把握、曲を分析し尽くした努力であろう。
しかし、音楽を聴いてみれば流れるように自然に良く歌う演奏であり、作為的なところは全く無い。
ややもするとウィーン・フィルは箍の緩んだ演奏をすることのある気まぐれ楽団であるが、クライバーにかかると真の実力を発揮しており、それが、クライバーの指揮するウィーン・フィルの魅力となっている。
ウィーン・フィルが一体化した結合感ある有機体になって哀しさに泣いているような演奏であり、第１楽章などまるで管の音がひらひらと哀しげに墜ちてくるような錯覚すら覚える。
これほどの指揮者はもう現れないだろうとさえ感じさせる神のタクトだ。
円熟期を迎えつつあった天才クライバーの、この曲に対する深い理解と曲に対する畏敬の念を感じられる名盤と言えるだろう。
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2015年02月15日
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朝比奈隆の実に４度目となるブラームスの交響曲全集である。
２０００年９月から２００１年３月のブラームス・チクルスのライヴ録音で、これが彼にとって最後のブラームス演奏となったものであるが、これは録音史上１０指、いや５指に入るブラームスではないか。
１９９０年以降の演奏はテンポがかなり遅く、重厚な響きと構成を重視した演奏になっているのは周知のとおりだ。
ロマンのうねりは、１９９０年代の２種類の録音が優っているが、澄み切った寒い青空の下にある葉のすべて落ちた巨木のように、飾り気のない枯淡・達観の演奏もまた印象深い。
朝比奈と言えば、まずは、ブルックナーの名演で知られるが、この最晩年のライブ１発録音は、壮絶でありながらも、引き締まったフォルムの見事な演奏であることがわかる。
そう、「引き締まった」というのが本全集の大きな特徴である。
いささか間延びがちであった大フィルとの旧全集より、テンポが速く、アンサンブルも緊密だ。
それは、第２番のコーダにも現れている。
大フィル盤と同じくテンポを煽るが、大フィルが朝比奈の指揮棒についていけず、縦の線が完全にずれているのに比べ、新日本フィルは乱れそうで乱れない。
第３番はロマン性よりも、クラシカルな端正さを感じさせるし、第４番も力感に溢れている。
朝比奈はこの演奏について「フルトヴェングラーのまねをするといろいろ問題があるけど、クレンペラーならよいのではないかと思ってね」と、述べていたように思うが、もちろんそれは朝比奈流の洒落であって、出てきた音楽を聴くと、クレンペラーの真似をしたわけではなく、紛れもない、朝比奈の音楽だ。
このブラームス、生演奏だからこその熱さが存分に感じられ、これぞブラームス！という重厚感がひしひし伝わる演奏である。
朝比奈のブラームスへの共感・憧れといった気持ちが全面に出ているように感じられるとともに、ルバートを排し、収斂したテンポで音楽を統一する再晩年の境地が聴ける。
文句の付け所のない完成度の高さ（録音も秀逸）で、音楽はこれまでにもまして白熱し、知・情・意が見事に一致した素晴らしい全集の完成だ。
同じ新日本フィルとのベートーヴェンの交響曲全集と並んで、世界に冠たる大全集の登場である。
なぜか、朝比奈の場合、実演よりも録音のほうが良く聴こえることが多いというのも妙だが、筆者としてはそう感じるのだから仕方ない。
普段朝比奈を「アバウト」な指揮者だと思っている人は、これを聴くと考えを改めるだろう。
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2015年02月08日
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ブラームスは、ウィーン時代のワルターを飾る絶品のひとつで、ワルターとウィーン・フィルがこれほどぴったりと意気投合し、細部まで心を通わせ合った例も少ないだろう。
なぜならば、ワルターにはかなりウィーン・フィルの楽員に任せたり妥協したりした演奏も数多く見られるからであり、ここでは両者の目指す美の方向が完全に一致しているようだ。
第１楽章の第１テーマを聴けば、彼らがリズムやアンサンブルなどには少しも神経を使わず、もっぱら音楽の心だけを表現していることがわかる。
ふつうはそれがプラスにもなる代わりにマイナスともなってしまうのだが、ここではプラスの面だけが濃く現われ、その結果として、内部には情熱の火が燃えさかっているにもかかわらず、外観は徹底して角が取れ、まろやかに円熟したのである。
１つ１つのメロディーが何と思い切って歌われることだろう。
第２、第３楽章にその最高の例が見られるが、しかもほんのわずかな外面性もないのは楽員１人１人が情緒を感じぬいているからだろうし、音色がすばらしく高貴なせいもあるのだろう。
両端楽章の、自由自在な緩急にも驚かされるが、情熱に任せてはめをはずすことなく、つねに自然なのは、偉とすべきだ。
終楽章第２テーマが現われた後の盛り上げにおいて、ぐんぐん加速するが、オーケストラが手足のごとくぴったりと密着していささかの崩れも見せず、完璧なアンサンブルを誇っているのはワルターにとっても珍しい。
たいていは棒が先に行ってしまうか、またはオーケストラがワルターの意図を見越してほんとうの情熱に燃えず、形だけをつくってしまうかのいずれかである。
第１楽章冒頭の柔らかい響き具合からもわかるように、全体に金管が少しも気張らず、ブラームスらしいしつこさから解放しているのも快いが、木管の恍惚たる和音といい、チェロや高弦の情緒に濡れた音色といい、耽美、陶酔という言葉が身をもって実感される瞬間である。
少しも聴かせようという構えがなく、自らの感じたままを正直に表現してゆくワルターとウィーン・フィルの名コンビに絶大な拍手を贈りたい。
豊かな音楽とはこのようなものをいうのであろう。
シュテファン・ツヴァイクが「ワルターの指揮で、その至福の瞬間には、彼自身が連れ去られてしまって、もうそこに居ないような感じ……」と書いているのは、ウィーン時代のワルターにこそ当てはまるだろう。
ハイドンは、ウィーン・フィルとの「軍隊」を想わせるモーツァルト風に優美でロマンティックな演奏である。
ただし、テンポはたいへん速く、その中でワルターは感じたことをすべて実現しているのだ。
ロンドン交響楽団の弦にウィーンのそれのような憧れを湛えた音色とレガートを求め、ダイナミズムの角を取って、情緒的な雰囲気を醸成している。
使用楽譜はもちろん旧版だが、これにはロマンティックな強弱の指示が細かく書き込まれており、ワルターは忠実に従っているため、エコー効果など常々の彼からは聴けないような神経質な感じがある。
しかもテンポの動きが驚くほど多く、かつ大きい（たとえば第１楽章第２主題）。
それを自然に成し遂げてしまうのが一口にいえぬ老熟の味であり、名人芸である。
全曲が現実を離れた歌となり、ワルターならでは成し得ぬ魅力の極を示したハイドンといえよう。
それにしても、このような歴史的な名演ＳＰを、現代に生きる我々に十分に鑑賞に耐えうるように復刻してくれたのは実に素晴らしいことであり、オーパス蔵に感謝の言葉を捧げたい。
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2015年01月31日
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ブラームスが４手のピアノ連弾用として作曲し、ドヴォルザークや自らのオーケストラ編曲版によってより広く親しまれるようになったハンガリー舞曲集。
またこの作品に触発されてドヴォルザークがやはり連弾用として作曲し、後に管弦楽用に編曲したスラヴ舞曲集。
カラヤンの指揮はずば抜けて巧く、ベルリン・フィルを見事にドライヴした熱気溢れる演奏を繰り広げている。
カラヤンは、本盤においても、これ以上の言葉が思い浮かばないほどの演出巧者ぶりを発揮し、各曲の聴かせどころをつかんで、これ以上は求められないほどの巧みな名演奏を繰り広げている。
いずれもカラヤン＆ベルリン・フィルにとって重要なレパートリーだが大空間を感じさせる演奏なので素朴というよりゴージャス。
オーケストラの高い技量を生かしきったダイナミクスの変化やデリケートなリズムの処理など、究極の管弦楽演奏と言うべきであろう。
本盤は、カラヤン＆ベルリン・フィルのドイツグラモフォンへの参入初期の録音であるが、発売当初からベストセラーを記録したのもよくわかる。
また、ハンガリー舞曲集もスラヴ舞曲集も、曲の順番ではなく、曲想を踏まえ再配置し、独自の曲順に並びかえられている点においても、カラヤンのこれらの曲への深いこだわりが感じられる。
それに、ベルリン・フィルにまだフルトヴェングラー時代の残滓ともとれる何とも言えない野性的な味が残っていて、これらの曲集をいっそう引き立てている。
カラヤンは同じ曲を何度も繰り返し録音することで有名であるが、これらの曲集は再録音しておらず、カラヤンとしても完全満足の成果であったということが言えるだろう。
全集としては、他にも優れた名演が目白押しであるが、選集ということになると今なおカラヤン壮年期のこの録音を超える演奏は他になく、本盤を随一の名演と評価することに躊躇しない。
スケルツォ・カプリチオーソも、ベルリン・フィルのホルンセクションの巧さを生かした珠玉の名演に仕上がっている。
カラヤンとベルリン・フィルがいい緊張関係にあった時代の聴くべき価値のある演奏だと言えよう。
ルビジウム・クロック・カッティングによる更なる高音質化も成功している。
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2015年01月26日
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若き日のルプーによるブラームスであるが、いずれも名演だ。
創意に溢れた２曲のラプソディをはじめ、作曲家晩年の心境を刻んだ傑作として知られる間奏曲集や小品集を収録した、ブラームスのピアノ作品集は、やや晦渋な曲と思われるかもしれないが、ルプーが透明な音色で美しく紡ぎ出した気品に満ちた詩情溢れる世界が繰り広げられる。
シューベルト、ベートーヴェン、モーツァルト等、限られたレパートリーの中でその比類のない音楽性を発揮するピアニスト、ルプー。
滋味溢れるブラームスの小品等でも、そのリリシストぶりを聴かせてくれる。
晩年のブラームスの単純ななかにも様々な顔をのぞかせるこれらの小品をルプーが見事に弾き分けている。
少しでも余計な重さが加わるとバランスが壊れそうなくらいガラス細工のような繊細な演奏、それとこの温かさと懐かしさは何だろう。
ルプーの演奏は一生独身を貫き通したブラームスの枯れた老境をあまねく表現していて、とても味わい深い。
２つのラプソディは、千人に一人のリリシストと称されるルプーとは信じられないような劇的な表情を垣間見せる。
もちろん、抒情的な箇所における美しさにもいささかの不足もなく、その意味においては、剛柔バランスのとれた名演と高く評価したい。
３つの間奏曲は、かのグレン・グールドやアファナシエフの超個性的な名演の印象があまりも強いために、他のいかなるピアニストが弾いても物足りなさを感じさせる危険性が高いが、ルプーのような清澄な美しさを湛えた演奏に接すると、正直ほっとさせられる。
あたかも故郷に帰郷したような気分だ。
ブラームスの最晩年の傑作が内包する深い精神性は、むしろ、このような抒情的な演奏によってこそ表現し得るのではないかとも考えさせられるような強い説得力が、本名演にはある。
６つの小品や４つの小品にも、３つの間奏曲とほぼ同様のことが言える。
抒情溢れる清澄な音楽の中から、ブラームスの最晩年の至高・至純の深遠な境地が浮かび上がってくるような趣きがある。
昔のバックハウスの超名演があるが、ルプーがあと２０年も経てば、一層したたり落ちる渋みが出て来そうだ。
本盤のＳＨＭ−ＣＤ化は、ブラームスの重厚な音楽ということもあるが、ピアノの各音が通常ＣＤと比較して、明快に分離し、かなり鮮明な高音質になったような印象を受けた。
その意味では、本盤については、ＳＨＭ−ＣＤ化は、やや高額な価格が適正かどうかはともかくとして、先ずは成功と言えるだろう。
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