モーツァルト
2008年07月21日
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内田光子といえば、まずこの全集が代名詞のごとく浮かび上がる。一躍モーツァルトのスペシャリストとしての真価と国際的な名声をかち得た記念碑的なアルバムといってよいだろう。
彼女はこの録音に６年の歳月を費やしているが、ブレンデル盤の１５年に比べればはるかに短く、演奏スタイルにも一貫性がある。
そのためか全集としてのまとまり、ひいては彼女の揺るぎないモーツァルト観が強く打ち出された印象となっている。
内田のモーツァルトには、鋭い感性で切り込んでいき、ついには核心を探りあてていくような直截に肌で感じられる感覚的な楽しみがある。
テイト＆イギリス室内管弦楽団が、そうした彼女の"生きた"アプローチを尊重しつつ、打てば響くように反応し、さらに増幅して弾くところにいまひとつの妙所がある。
両者の蜜月時代を思わせる表裏一体化した解釈とアンサンブルは、各曲の持ち味を自然発生的に滲み出させており、それはほぼ全曲にわたってムラなく達成されているところが素晴らしい。
第２０番以降の８曲は、いずれも玲瓏としたピアノの音質と、隙のない緻密な彫琢によって、それぞれの魅力を十分にしぼりとった非の打ちどころのない名演。
それに劣らず、前半の見落とされがちな作品の一つ一つからは、自然に息するように生彩に富んだ表現が浮かび上がってくる。
彼女自身の手になるカデンツァも、ケレンがなく絶妙である。
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2008年07月16日
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ニコレのフルートはさすがに深い。決して派手ではないが、音楽的に極上であり、聴いていて頭が下がるほどだ。
正確な技巧で一点一画もおろそかにせず、端正に吹いているところにひかれる。
どの曲も、ドイツ的な隙のない表現で、ランパルのような華やかさとはやや異なり、格調も高い。
第１番の第１楽章など、曲想から考えてまさにニコレにピッタリだ。
第２番でも、俗なものを一切取り払った演奏で、そのことでかえってモーツァルトが生きて語りかけてくる。
ジンマン指揮のオケは活気と流麗さを共に生かしていて、ソロを見事にバックアップしている。
いぶし銀のようなコンセルトヘボウの響きも聴きものである。
ちなみにモーツァルトが生きていた時代、フルートは楽器として未完成なところがあり、音程が不安定だったためか、モーツァルトはフルートという楽器に少しの愛着ももっていなかったそうである。
だが、フルートが性能的に不備だった時代に、この楽器の魅力を存分に発揮させた名曲をつくったモーツァルトは、やはり天才中の天才であったといえよう。
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2008年07月06日
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カラヤンとウィーン・フィルによるこの録音は、１９世紀から受け継がれ２０世紀が求めたモーツァルト像の一つの理想的な具現である。
「レクイエム」でありながら、そこに内在するエネルギーの噴出力はまぶしいほどで、カラヤン独特のデモーニッシュな吸引力が全編を覆う。
ワルター同様、情緒の濃い、ロマンティックな表現で、聴いていると恐ろしさが身に迫ってくるような感じすら受ける。
各楽章の性格を深く対照的に抉り、速い部分と遅めの部分の落差をつけており、オケの重厚な響きが圧倒的だ。
「キリエ」のフガートの構築性、「怒りの日」のエネルギッシュな緊迫感、「みいつの大王」の激しさ、そして、モーツァルトの筆の止まった「涙の日」の光さす永遠の表現と、どれを取っても晩年のカラヤンが２００年余り前の同郷の天才の魂と呼応したとしか思えないような素晴らしい表現が聴ける。
さらにそれを具現するウィーン・フィルの柔軟な表現力とウィーン楽友協会合唱団のスケールの大きい表現も忘れられない。ウィーン・フィルのソフトであたたかな音色は、ベルリン・フィルには求められなかったものだ。
独唱４人は充実したアンサンブルを聴かせているが、特にトモワ=シントウとミュラー=モリナーリがすぐれている。
それにしても、この「レクイエム」の中から聴こえてくる"魔性"の誘いには抗し難いものがある。
オリジナル楽器によるスリムなモーツァルトの対極にある「レクイエム」である。
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2008年06月21日
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2008年 6月21日(土) 21:00 〜 翌 00:51 サントリーホール 公演
歌劇「フィガロの結婚」 全4幕 ( モーツァルト )
初めてこのオペラを接する人のために解説しよう。
モーツァルトの"３大オペラ"の最初を飾る傑作となったこのオペラは、ロッシーニの名作「セビリャの理髪師」の続きに当たる物語である。知恵のはたらくフィガロのおかげで、美人のロジーナと結ばれたアルマヴィーヴァ伯爵が、この物語では、ロジーンだけでは飽き足らず、結婚式が間近にせまっているフィガロの婚約者スザンナにまで手を出そうとするが、フィガロ、スザンナ、ロジーナたちに徹底的に懲らしめられる、という内容になっている。
このオペラは、モーツァルトが３０歳（１７８６年）、最も脂ののりきった時に書かれたものだが、原作のボーマルシェの戯曲は、フランスの支配階級の腐敗堕落ぶりを強烈にこきおろしたもので、１７８４年パリで初演された時には大変な騒ぎとなったという。そして、このオペラもまた、１７８９年に勃発したフランス革命に一役買うことになった、ともいえるのである。
＊以下お薦めの名盤
カラヤン壮年期の「フィガロ」
ベームの「フィガロ」
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2008年05月26日
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１９５７年に、自動車事故で３６歳の若さで亡くなった名ホルン奏者デニス・ブレインの貴重な遺産かつ代表的な名盤として知られるものである。
何回聴いても、これに優るホルンの響きは考えられない。
朗々と鳴り響いて力強く、あるいは柔らかく滑らかで、アタックも明快かつ軽やか。そしてその技巧を駆使した歌のうまさ！技巧に角がないことでもベスト。
彼の脂の乗り切った頃のものだけあって、その名人芸には圧倒されてしまう。
テンポが意外に遅いので、テクニックを誇示するようなところは全くない。
一つだけ注文をつけるとすれば、こくのあるカンタービレはことのほか見事なのだが、第２番のフィナーレなど、もっとリズムを弾ませた方が楽しくなるだろう。
音質はあまりよくないが、この演奏を凌駕するものは、ないといってよいほどだ。
第２のブレインは何人もいるが、凌駕する人はもう一生聴けない気がする。
カラヤンの指揮は流麗でスマート、さっそうとしていて素晴らしい。
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2008年05月19日
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楽しいレコードだ。
ワルター最晩年の録音だが、実に若さにあふれており、ワルターが悦に入って歌いながら指揮している様が眼に見えるような演奏だ。
いずれもワルター独自の愛と豊かな歌に満ちあふれた心温まる演奏で、どの曲にもモーツァルトに対する敬愛の念が強くにじみ出ており、そこに強く心打たれる。
音楽の核心に迫った軽快な「フィガロの結婚」、しなやかに旋律を歌わせた「コシ・ファン・トゥッテ」、そして青年のようなみずみずしさで表現した「魔笛」など、どれもモーツァルトの音楽の美しさを理想的に歌いあげている。
ただし、「ドン・ジョヴァンニ」の序曲が含まれていないのは惜しい。
オペラの序曲もよいが、「アイネ・クライネ・ナハト・ムジーク」は傑作だ。細かな音まで神経がゆきわたっていて、しかも歌えるだけ歌っている。
きりりと引き締まった気品のある表現で、細部にまで磨き抜かれた、表情の豊かな演奏をおこなっている。
特に、第２楽章の柔らかな、そして、あたたかみのある表情は比類がない。
ワルターならではの、やさしさと愛と歌にみちあふれた名演で、最晩年の録音とは信じられないほどの生気が感じられるのが素晴らしい。
これはまったくワルターのセレナードといってよいだろう。素晴らしい美しさだ。
「フリーメーソンの葬送音楽」もモーツァルトの真髄をついた素晴らしい演奏で、ここにはこの巨匠の持ち味が最高度に発揮されている。
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2008年05月16日
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ランパル(Fl)、スターン(Vn)、アッカルド(Va)、ロストロポーヴィチ(Vc)という豪華な顔合わせの話題盤だった。ランパル４度目の全曲録音。
これほど超豪華メンバーによるモーツァルトの室内楽というのも珍しい。だいたい、名人級が揃うと、おのおのの個性が強く表に出すぎて、室内楽の演奏として失敗することが多いが、ここでは各人がその個性を殺し合うような心配はまったくない。
全体的にニュアンスがきわめて豊かで、同一のメロディーに対しての４人のアーティキュレーションもよく揃っている。
しかもそこには、４人が集まって音楽をするという楽しさもあふれていて、聴いていると至福の楽興の時が訪れる。
ランパルのフルートは相変わらず絢爛たるもので、音色、技巧ともに申し分なく、ところによっていい意味での遊びのゆとりもみせていて、微笑ましさを感じるし、スターンのヴァイオリンもよくうたっている。
どの曲もきわめて流麗だが、そこには起伏感があり、ふし目もある。
全体にしっかりと構成された陰影の彫りの深い名演だ。
その優雅な旋律を聴いていると、なぜかしらリッチな気分になってくるから不思議だ。休日のブレックファーストにお薦めしたい。
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2008年05月05日
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カラヤンのモーツァルトのオペラの録音の中でも、傑出した演奏だ。
すべての登場人物が生き生きと描かれている傑作だけにすぐれた演奏も多いが、この盤はあらゆる面で最も充実している。
カラヤンの推進力に富む指揮が、このオペラにみなぎるはつらつとした生命力を鮮やかに表現しており、ウィーン・フィルの豊かな陰影をたたえた響きも美しい。
カラヤンはモーツァルトの音楽に含まれるドイツ的・イタリア的な要素の融合のバランスのよさにおいて傑出しており、しかも強い説得力を持っている。
歌手陣の充実ぶりも見事で、クンツ(フィガロ)、ジョージ・ロンドン(伯爵)、ゼーフリート(スザンナ)、ユリナッチ(ケルビーノ)、シュワルツコップ(伯爵夫人)という主役の役柄に合った声のバランスもすぐれている。
また隅々にまで気を配った粒揃いの脇役陣も非常にすばらしく、選りぬきの名手たちを適材適所に配したキャスティングの万全さと彼らの歌の魅力がこの盤の価値をいっそう高めている。
カラヤンはそれら個々の見事な歌を、必要以上に濃厚な隈取りを意識して避けながらまとめあげている。
そのために個々のアリアはもとよりカラヤンの流麗な指揮によるアンサンブルもまた一段と生彩を放っている。
台詞がカットされているが、音だけを聴くオペラとしては何の支障もない。
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2008年05月04日
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モーツァルトで最もむずかしいのは、ここに収められたような技巧的には何の問題もないようにみえる作品。
モーツァルトのピアノ曲は、こうした小曲になるほど意外とひきこなすことがむずかしい。
聴き手を退屈させずに演奏するのは、響きが飛び切り美しいか、リズムが生き生きしているとかの特色がなければ不可能だ。
したがって、たいていのピアニストは表出に工夫をこらし、それをやりすぎると失敗するのだが、ギーゼキングの演奏にはその危険がまったくない。
ギーゼキングはごく自然に流しながら、明快で、繊細にひきあげていて、かつ味わい深く聴かせてくれる。
さすがに《モーツァルト弾き》として名をはせた大家だけあって、みごとだ。
ことに「９つの変奏曲」とロンドK.485が素晴らしい。
一時代を画した演奏家だけはある。
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2008年05月02日
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モーツァルトの《宿命の調性》といわれるト短調で書かれたこの第４番は、モーツァルトが作曲した６曲の弦楽五重奏曲の中でも最高の名作として知られている。
その深い憂愁と清澄な美しさを湛えた音楽は、しばしば同時期に作曲されたオペラ「ドン・ジョヴァンニ」や晩年の傑作であるト短調交響曲と比較されている。
アルバン・ベルク四重奏団は、持ち前の精緻なアンサンブルを現代的なシャープな感覚で生かして、明快で強靭な表現力をもった演奏をつくっている。
感傷に溺れることなく、活気のある新生面を出そうという姿勢をみせている。
それは特に第１楽章と第２楽章で感じられる。
それだけに第３楽章アダージョの深く内省的な歌がいっそう印象的であり、安易な感傷に陥ることない表現が、一貫して弱音器をつけて演奏される音楽の内に秘めた不安と救済への憧憬をいっそう印象的なものにしている。
第３番は少しの弛みもない堅牢無比な音構築の中で、各楽章の特徴をよく生かし、精彩にも溢れている。
第２楽章は充分すぎるほど歌い、第４楽章では楽しい躍動感が打ち出されている。
とにかく２曲とも、その音色といい部分部分に表れる表情といい、ウィーンのカルテットならではのものだ。
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2008年04月29日
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ベームが指揮者として壮年期にあった時期の録音だけに、その生気あふれた音楽運びは、この時代のベームの芸術を特徴づける最大の魅力である。
まず第一にあげなければなければならないのは、ベームの実に見事な音楽表現だ。
おそらくここには我々が「ウィーン風」という概念で呼んでいるあの独特な演奏スタイルのすべての特徴と美点とが、最上の形で結晶して、モーツァルトの音楽をこれ以上ないほどの微妙さと美しさで鳴り響かせている。
ベームの指揮のもと、おそらく「コシ・ファン・トゥッテ」を最も深く知りつくしているウィーン・フィルが水を得た魚のように生き生きとした表情で馥郁たる匂いと劇的な情感に溢れる音楽を聴かせてくれる。
ベームの演奏は流麗をきわめ、表情はふくよかで、モーツァルトの至純な音楽がこれほど高い純度にまで精錬されて響くことは、ごくまれにしかあるまい。
温和で豊潤な音楽から生み出される馥郁たる香りのモーツァルト像は、この作曲家が持っている懐の深さを改めて我々に教えてくれる。
ゼーフリート, ヘルマン, オットー, デルモータら６人の歌手達も揃って高水準の歌唱を聴かせており、一つのスタイルと緊密なアンサンブルを形成している。
モーツァルトとベームの芸術を愛する人々にとって、この１組はかけがいのない価値を持つものである。
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2008年04月24日
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モーツァルトあれこれ
シロヒダ ケイさんの無料レポート。
このレポートは「のだめカンタービレ」非公式メルマガ「のだめクラシックデス」から、モーツァルトの部分を再構成したものです。
読んで、何かのノウハウが取得できる・・・といった類のものでは、ありません。
ちょっとの間の、エンターテイメントです。
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2008年04月12日
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１９８５年６月２９日、ヴァチカンの聖ペトロ大聖堂で行われた教皇ヨハネ・パウロ�鏡い砲茲襯潺気亮其系寝察�
カラヤン指揮によるモーツァルト/戴冠式ミサが祭儀に組み入れられ、大きな話題を呼んだ。
カラヤンの強い希望で実現されたものといわれ、奉献文と教皇の説教を除くミサの全様が収録されており、教皇自身の声もふんだんに入っている。
また、説教は全文が解説書に収められている。
ヴァチカン放送との共同制作で、純益はすべてカトリックの国際的慈善団体である「カリタス・インターナショナル」に寄附されることになっている。
聖ペトロ、聖パオロの祭日のミサを完全収録している。
しかも教皇ヨハネ・パウロ�鏡い�執り行ったミサの全貌がここにはある。
「共同祈願」には日本語も入っている。
カラヤンの指揮は荘厳さを漂わせ、大いなるミサの挙式にふさわしい奥行きを、この「ミサ曲」の中に構成している。
曲だけを聴くのなら、また別の演奏を薦めるが、ミサ全体の中にある「ミサ曲」を聴く意味はおのずから別のものだろう。
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2008年04月10日
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「グラン・パルティータ」はアーノンクールが特にこの録音のために結成した団体のデビュー録音。
ウィーンの管楽器の名手たちの中から、シェフトライン（オーボエ）、ブランドホーファー（クラリネット）、トゥルコヴィチ（ファゴット）、アルトマン（ホルン）などを中心に、モーツァルトが好きでたまらない人たちを集めて作ったアンサンブルによる演奏ということもあって、ここにはモーツァルトに対する深い共感、そして情熱が感じられる。
全員の息がピッタリと合い、音色もまろやかで美しい。
ことに「グラン・パルティータ」はかなりユニークなスタイルをもった個性派モーツァルトである。
アーノンクールの解釈はダイナミクスやアーティキュレーションに予想以上に強調された彼の意志を投影しているし、装飾音にも変更を加えている。
テンポは概して速めで、強調されたリズムと躍動感が、社交目的の音楽としての性格をいっそう強めている。
「ナハトムジーク」は一転してアーノンクールの指揮は自然体で、優雅さや活力をうまく引き出している。
ウィーンの雰囲気にたっぷりと浸ることができるＣＤだ。
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グールドの演奏は常に《演奏とは何か》を考えさせられるし、そこから生まれてくる音楽はあらゆる理屈を超えて魅力的だ。
彼は２０世紀前半の「作品に忠実に」という書かれた文化の偏重から脱して、自己の音楽を主張することのできた最初のクラシック演奏家であり、また演奏家としてまぎれもないチャンピオンだった。
それを雄弁に裏付けるのが、この魅力的なモーツァルトである。
グールドの演奏がユニークであることについては、もはや特に述べる必要はないだろうが、このモーツァルトは作品がポピュラーであるだけに、それが突出して理解できる演奏である。
それはまたモーツァルトの音楽はこう弾いても壊れない、というグールドの作品に対するオマージュの表明でもある。
テンポの設定からニュアンスの表現まで通常のモーツァルト演奏では聴けないものの連続で、それが音楽的に強い説得力と新鮮な魅力を発揮する。
一例を挙げれば、「トルコ行進曲」が神業で、「モーツァルトにおいては、絶対にこのように弾いてはいけない」ということを全部行って、しかも成功を収めている。
グールドは極度に遅いテンポで、音をポツポツ切った非人間的な弾き方からモーツァルトのメルヘンの世界を創造した。
しかも彼はそのメルヘンチックな表現のなかに孤独感さえ湛えているのだ。
メカニックに弾きながら、最も人間的な淋しさを描き出したグールドは、まさに天才の名に価する。
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2008年04月01日
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クラウスはモノでもモーツァルト/ピアノ・ソナタをＥＭＩに録音しており、そちらを評価する評論家も多いし、なかにはクラウスは若い時ほどよかったという人もいるのだが、私は後年の円熟した境地も捨てがたい。
モーツァルトの音楽を完全に消化し、同化しきった名演だ。
緩徐楽章に豊かな味わいがあり、速い楽章では独特のタッチによる音色の変化や即興的表情が印象に残る。
独特のアゴーギグがときに抵抗を感じさせもするが、その表現は作品の構造を深く理解した上での結論である。
第１０番などとりわけ見事な演奏だ。
個性的な演奏様式を確立した独自の境地と言えるだろう。
この演奏は、モーツァルト弾きとして名を成したクラウスの到達点を示している。
若い時には晴朗たるモーツァルトを聴かせた彼女だが、ここではモーツァルトへの思いを率直に告白するスタイルに変わっている。
そしてヒューマンな感情がみなぎっており、それが聴き手の気持ちを豊かにしてくれる。
彼女の暖かな人柄が偲ばれ、追悼の念を強める演奏だ。
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2008年03月30日
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（前項の続き）とはいえ一部の音楽家を別とすれば、大音楽家たちの収入もそれほど恵まれてはいなかった。
ウィーン楽派の形成者といえるハイドンはモルツィン伯爵やエステルハージー候に仕えたが、モルツィン家は財政窮乏のためにハイドンや楽団員を保護できなくなってしまったし、エステルハージー家のハイドンに対する報酬も給金の一部に現物支給が採られていたほどである。
また残存する契約書の記録によれば、楽長としてのハイドンの職務は、作曲の義務や、楽団員や楽器の管理など徹底して規則にしばられたものであった。ハイドンは言う、「私は社会から遮断されていた。そして私は独創的であることを余儀なくされた」。
幼少の頃よりヨーロッパ各地の音楽界を渡り歩いていたアマデウス・モーツァルトは１７７２年よりザルツブルグの大司教伯爵ヒエロスミス・フォン・コロレードーのもとで宮廷に仕えた。しかしこの関係は、音楽に無理解なコロレードー大司教とモーツァルトとの反目と離反についえてしまう。
モーツァルトの気質はハイドンの場合のような雇用形態には全くそぐわなかったのである。１７７７年にはミュンヘンを訪れ、選帝侯マックス・ヨーゼフ３世の謁見をゆるされるが、欠員が無かったため楽団員に任命されることはなかった。
やがてザルツブルグを離れたモーツァルトはウィーンに定住する。彼は特定の職につかないまま、貴族や宮廷のためにそのつど自由な音楽家として作曲や演奏を続けた。だがこの生活は経済的には自立とは程遠いものであり、彼は終生貧困と借金に苦しんだ。
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2008年03月22日
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モーツァルトの「大ミサ曲」現代楽器ではフリッチャイ、オリジナル楽器ではガーディナーが代表的名演。
フリッチャイは、余分な思い入れのないモーツァルトそのものの音の中から、鋭い直感力をもって音楽を構築している。
シュターダーの清澄な歌唱、テッパーの香気あふれるフレージングの豊かさ、ヘフリガーの妥協のない音楽づくりなど、独唱陣も素晴らしい。
聖ヘトヴィヒ大聖堂聖歌隊のオーソドックスな合唱も見事で、身の引き締まる思いのする名演だ。
ガーティナーは新しいランドン版ではなく、シュミット版を使用し、さらにそれにガーディナー自身が手を加えている。
ガーディナーは楽譜に書かれた音をはっきりとした意図を持って整理し、飾ることなく実にすっきりとこの作品を再現している。
またモンテヴェルディ合唱団とイギリス・バロック管弦楽団が、ともにこの上ないほどの整然としたアンサンブルを展開しており、そのきっぱりとした演奏の中から、モーツァルトの才気が輝きをもって伝わってくる。
独唱陣のすぐれた歌いぶりも特筆もの。
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2008年03月18日
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これは不朽の名盤だ。
《いま》という時点からみると、シュワルツコップの歌唱はいささか時代がかっているかもしれない。
しかし、これほどの感情移入の強さは、現在の歌い手たちには見られないし、これはひとつの時代様式を完成させた名歌手最大の贈り物だ。
モーツァルトはシュワルツコップの最絶頂期の録音。
録音当時からすると、モーツァルトの再現様式もずいぶん変わってきた。
この歌唱も今となってはいくぶん思い入れの強いモーツァルトといえるが、ここにはシュワルツコップとギーゼキングという２人の芸術家が、力と心を合わせて作り上げた「真実のモーツァルト」がある。
歌唱様式が時代によってその形を変えるのは当然だが、その「歌のこころ」は不変である。
ここでのシュワルツコップの歌の彫りの深さは、モーツァルトへの思いの深さそのもので、ＣＤがある限りこの歌の命は消えないだろう。
シューベルト歌曲を無心に聴こうとする人にとって、理屈が全く不要な演奏である。
シュワルツコップとエドウィン・フィッシャーという、今でさえも驚嘆すべき奇蹟のコンビが作り出す音楽。
その無限の広がりの中に身を浸しているだけでも、シュワルツコップの言うように「人生が変わってくる」という考えが絵空事ではなく、それぞれの人たちの中に得難い体験として刻まれてゆく。
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2008年03月17日
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クレンペラー８０歳直前の１９６４年の録音。クレンペラーのモーツァルト/オペラ第１作で、続いて「ドン・ジョヴァンニ」、「フィガロ」、「コシ」が録音されている。なお資料によればポップは当盤がデビュー盤であった。またヤノヴィッツもデビュー当時の最初期の録音となる。３人の侍女にシュヴァルツコップ、ルートヴィヒ、ヘフゲンという豪華メンバーでも話題を集めた。
数多いクレンペラーのモーツァルト中でも、これは際立って優れた演奏である。台詞をすべて省略した演奏だが、それはクレンペラーが絶対音楽としての純潔さを志向していることを物語っている。
モーツァルトが晩年に達した精神の深みが、ここで、見事に突っ込んで表現されている。重点は陽気で自堕落なパパゲーノの世界からタミーノの克己、ザラストロの博愛の方に相当傾いているが、このくらい深々と演奏されると、それが、また良いのである。
一般に、クレンペラーの録音では、木管が、はっきりと聴きとれる。モーツァルトが木管の扱いに天才的な手腕をみせた「魔笛」のような作品ではそれがことに効果的で、夜の女王の第１アリアにおけるバセットホルンの響きなど、ポップの初々しい名唱と相まって、心に迫る。
ポップはこの録音に歯の麻酔をかけたまま臨んだのだそうだが、このアリアにおける母の悲しみの情感豊かな表現は、今もって、凌駕されていない。
クレンペラーは序曲からして、雄大な風格とスケールをもって威風堂々と表現する。豊かな響き、重厚なディナーミク、信念に満ちた画然たる表情。
クレンペラーの意図は、ドラマの成りゆきやジングシュピールの枠をはるかに超えて、ひたすらにモーツァルトの音楽そのものだけをいかに立派に響かせるかにある。
この剛直できびしい表現が「魔笛」のすべてではないが、そこに豊かで生き生きとした血と肉を与えたのは、充実したキャストによる見事な歌で、ひとつの完成した世界を生み出している。
クレンペラーの遺したモーツァルト・オペラ全曲盤の中では最も優れた、傾聴に値する名演である。
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2008年03月04日
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１９８２年に７５歳で世を去ったイギリスのピアニスト、カーゾンは、レコーディングの数が少なく、その実力のわりには日本ではあまり知られてなかった。
この演奏はそうしたこの人の真価を、十二分に伝えた名演奏である。特にブリテンとの第２７番は折り紙つきだ。
この曲は「短調の協奏曲にみられるように、情熱的でなく、ひたすら諦観へと傾いていった」というアーベルトの言葉を思わせるように、典麗優雅なこの作品の内面にひそむ哀感を、すこぶる繊細な弱音効果を生かしながら、てんめんと表出した演奏である。
作曲家として名高いブリテンの精妙な指揮も、心に熱く訴えかけてくる。
その他では第２４番が美しい。
清水のように透明な音色を基本に弱音を重視し、しっとりとした女性美を展開するが、何気ない虚無感の中から、モーツァルトの音楽が哀しいばかりの魅力を伴って流れてくる。
ピアニストの存在を忘れさせる演奏で、それにはケルテスの指揮も大きな力になっている。
他の曲も同じスタイルによるものだ。
カーゾンにはクーベリックと共演したライヴがauditeから出ていたが、そちらも名演である。
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2008年03月03日
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映画「アマデウス」で、モーツァルトがウィーンの町を馬車に乗って走ってゆくシーンに使われたのが、この「K.482」のフィナーレである。
場面も明るく、音楽も明るいが、みていると哀しいという、本当に印象的なシーンだった。
明るければ明るいほど、なぜかモーツァルトは哀しくなる。
この無邪気なロンドに対比される第２楽章は比類もなく寂しい嘆きの歌。
バレンボイムの旧盤の演奏には、モーツァルトの愉悦と魅惑、そして痛切な哀しみと孤独感のすべてがある。
前者の例としてフィナーレ、後者の例として第２楽章のアンダンテが挙げられる。
ともかく全曲にわたって雄弁を極めた、最も天才的なモーツァルトがここにある。
本当に宝物のような、名曲の名演奏といえよう。
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2008年03月02日
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モーツァルトは１７７８年のパリ旅行で、芸術の都の雰囲気に触発され、多くの傑作を書き残した。「フルートとハープのための協奏曲」もその一つである。
モーツァルトの作品の中でも、これ以上、雅びな音楽は例があるまい。
フルートは日本の尺八に似ている。ハープは琴に似ている。両者の掛けあいには、どこか東洋的な、わび、さびの世界が感じ取れる。
この曲は貴族のサロン音楽として書かれたのだが、モーツァルトは少しも手を抜かずに、エレガントな名作に仕立て上げたのである。
第１楽章は、フルートとハープの音色美を燦然と発揮させ、華美なメロティーに埋まっているが、第２楽章以下は前述のわび、さびをたたえ、わけてもフィナーレの見事さは、何度聴いても魅惑的だ。
特に中間部は愉悦と哀しみが不思議に混ざりあい、その複雑な味はモーツァルトを聴く醍醐味といえよう。
ランパルとラスキーヌの演奏はともにこれらの楽器の第一人者の顔合わせだけあって、その目のつんだ合奏と表情の豊かさは比類のないもので、聴くたびに、新たな魅力が発見できるような名演奏である。
第１楽章のオーケストラの序奏からして、聴き手をぐっとひきつける、柔和な表情とあたたかな音色をもっており、独奏とパイヤール指揮のオーケストラとのからみあいもすばらしく、エレガントな雰囲気をもっている。
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2008年03月01日
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これはカラヤンの長い試行錯誤の末の解答に他ならない。
この作品を処理するのに必要な、しかしカラヤン美学の中にはそれまでなかった、言葉で表現できない《何か》がここには感じられる。
カラヤンは作品のドラマティックで悲劇的な側面に深入りしすぎることを慎重に制御しながら、その音楽の魅力と官能を、ドラマ・ジョコーゾとしての軽妙さの中に表現するのに成功している。
またキャストの充実ぶりも抜群で、バランスのとれた配役も非常に成功しており、歌手たちもカラヤンの意図を十分に実現している。
ジェフリー・テイトのチェンバロがきわめて気のきいたコンティヌオを聴かせていることを付け加えておこう。
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2008年02月29日
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モーツァルトのディヴェルティメント第１７番K.334にはモーツァルトのエッセンスがぎっしりと詰まっている。
ディヴェルティメントというのはセレナードと同じようなムード音楽だが、ディヴェルティメントの方がより室内楽風に書かれている。
第３楽章がいわゆる「モーツァルトのメヌエット」としてあまりにも名高いが、ここだけが有名になりすぎ、曲全体があまり重視されていないのが残念だ。
私は哀切きわまりない第２楽章の変奏曲を愛している。洗練されきった天使の哀しみだ。
こんな涙がしたたり落ちるような音楽をお祝いに送って文句は言われなかったのだろうか。
「人生とは何か」さらには「生きる意味はあるのか」と深刻に考えだすと切りがないが、そんな時にこの楽章を聴くと心が洗い清められる。
終楽章のロンドは底抜けの明るさのなかに、救いがたい生のはかなさを秘めてひたすら流れ続ける。
演奏はウィーン・フィルの首席クラスのメンバーだが、そこからはモーツァルトが好きでたまらないという愛情が伝わってきて、大変素晴らしい演奏でかつ楽しい。
モーツァルトの音楽の心をしっかりつかみ、それぞれの曲の美しさを十全に再現している。
若々しく生気に溢れたk.136もさることながら、K.334の優美艶麗な表現には強く惹かれる。
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ベームがベルリン・フィル及びウィーン・フィルとＤＧに残したモーツァルトのセレナードをまとめたもの。
どの曲の演奏も愉悦感にあふれ、しかも格調高く、ベーム独特の風格のある見事な出来映えだ。
ウィーン・フィルを指揮した「アイネ・クライネ・ナハト・ムジーク」は美しい旋律を流麗に歌わせた名演で、このオケ固有の弦の美しさがたまらない魅力となっている。
ベルリン・フィルを振った「ハフナー」「ポストホルン」もリラックスした気分に満ち、実に楽しい。
管楽器の名手たちによる「グラン・パルティータ」も、自由闊達な妙技を存分に味わうことができる佳演。
ちなみにポストホルンというのは、まだ鉄道がなかった時代のヨーロッパで、馬車が走る時に吹いた角笛である。
お客の他に郵便を運んだのでこの名があり、今でも田舎のバスにはポストホルンの絵が描かれ、この楽器の素朴な音色を録音で流しながら走るものが多い。
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2008年02月28日
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モーツァルトは１７７８年のパリ旅行の時、同地の４人の名管楽器奏者の依頼で、「フルート、オーボエ、ファゴット、ホルンのための協奏交響曲」を作曲したが、いかなるわけか演奏前に自筆譜が紛失し、結局陽の目をみないで終わってしまった。
ところが２０世紀初めになって、消失した同曲の編曲が発見された。
その楽譜ではソロ楽器のフルートがクラリネットに変わっており、モーツァルトがのちに記憶を頼りに書き直したものであろう、と考えられ、彼の名作の一つとして演奏されてきた。
しかし、当時から偽作説は根強く残り、現在ではその意見の方が有力であるが、一方、モーツァルト以外の作者とは考えられないほど、この曲は魅惑的なのだ。
このＣＤは１９７４年にアメリカの学者がコンピュータによって同曲を分析し、復元したスコアを使って演奏したもの。
コンピュータによると、この作品のソロ・パートはモーツァルトの真作、オーケストラのパートは誰かの編曲、という結論が出た。
そこで、さらにコンピュータによって、モーツァルト自身が書いたであろうフルートのソロとオーケストラを復元したのである。当然、他の３つのソロの部分変更されている。
今までの版に比べると、オーケストラ部分の冗長さが取れ、きわめてセンスのよい結晶化したものになった。試みに一般的なＣＤと比べてみてほしい。興味深い発見があるだろう。
協奏交響曲はこの曲の録音史上特筆すべき最美の傑作である。ニコレ、ホリガー、バウマン、トゥーネマンというソリストが揃ったということもある。しかし上記のようにここでは新しい版によって、この曲を聴く喜びが大きくなった。
そして４人の奏者の絶妙なかけ合いは、聴いていて魅惑の花園に遊ぶようだ。
カップリングのオーボエ協奏曲もモーツァルト演奏に必要なものをすべて身につけた名演奏だ。
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2008年02月10日
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モーツァルトでは、マイヤーの演奏は旧盤よりも表情が柔らかく味わいが深くなっている。
クラリネットの表情が豊かになり、またこの曲からさまざまなモーツァルト像を引き出すことに成功しているのだ。
第４楽章の変奏のいくつかはテンポの揺れと表情が大きく、聴き手によっては古典的均整が失われていると感ずるだろう。
しかし、そういう反発を承知の上でモダンな抒情を演奏の中に結晶させようとし、成功しつつあるのはさすがだ。
ウィーン弦楽六重奏団員の弦ともよく溶け合っている。
ブラームスの演奏を聴いて感ずることは、マイヤーのクラリネットが年を経るごとに素晴らしくなっていることだ。
彼女の吹奏には管楽器につきものの、風音や息音のような雑音がまったくといっていいほどない。
低音のppでも高音のffでも、透明で美しい響きをもっている。
アルバン・ベルク四重奏団の弦楽も大変落ち着いた表情で、心からブラームスの音楽を彫琢しているのが素晴らしい。
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2008年02月09日
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何も言うことがないくらい素晴らしい演奏だ。
切れ味鋭い演奏技巧を駆使したアルバン・ベルクならではの演奏で、力感を重んじた、すこぶるモダンなモーツァルトを生み出している。
音質が極めて均質で見事な和声的響きの流れを聴かせ、４人の音の溶け合いと同時に各声部の旋律線が明確に聴き分けられるのも、この演奏の特徴。
それぞれの音色の美しさを保ちながら、他声部の音と重なって生み出す最高に豊かな響きのなかで結びついているのだ。
この再録音では、1977年のテルデックへの旧録音と内声部のメンバーがすっかり交替しているが、それによって演奏そのものが大きく変わったわけではない。
しなやかで典雅で、おっとりとした歌いまわしに独特の味があり、それによってヒューマンな暖かさを伝えたウィーンの数多くの先輩たちの音楽作りとは違って、切れ味の鋭い演奏技巧で力感を重んじたモダンな演奏ぶり。
こうしたスタイルは旧盤と同様だが、ここではそうした彼らの特質に加え、ウィーン情緒をも強く漂わせ、肩の力を抜いて旋律を歌わせる。
いわば音楽の上で遊ぶゆとりを身につけたことを感じさせる。
最もすぐれたモーツァルト演奏のひとつに数えられるハイドン・セットだ。
第18番での美しい響きが、ことに傑出している。
アルバン・ベルク四重奏団がついに解散するというニュースは世界に衝撃を与えた。
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2008年02月08日
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いかなるところでも、例えば熱っぽいところでも躍動的なところでも、あくまでも洗練を失わない名演である。
音質もまことに澄んでいる。
しかも、ただ表面的に美しいというだけでなく、作品に即したエスプリも展開する。
しかも、中間楽章では耽美的ともいえるくらいにたっぷりと表情をつけている。
こうした演奏はおそらくハスキル主導型のためだろうが、グリュミオーもよく合わせている。
２人の音楽的呼吸が見事に合い、そこから生まれた音楽は、きわめてなめらかである。
ハスキルのピアノは、端正で、土台がしっかりしていて、柔らかい響きであり、グリュミオーのヴァイオリンは、豊麗で実によく歌わせている。
そこからは、古典的な格式もロマンも漂っている。
そこには哀愁もあれば、軽快さもあり、愛らしささえ感じる。
暖かいモーツァルトで、聴く人の心をなごませる名演奏だ。
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第２３番は、モーツァルトを弾かせたら当代随一とまでいわれたハスキルの名演である。
いくぶん録音は古くなったが、陰影に富んだこの曲の美しさを十分に再現していて素晴らしい。
ことに、暗くロマンティックな情緒にあふれた第２楽章は絶品である。
マルケヴィッチとの２曲は、ハスキルの死の１ヶ月前に録音された名盤。
ニ短調でのハスキルは、彼女としては比較的表情を大きくつけて弾いている。
カンタービレの優しく温かい味とか緩急の間の美しさとかは彼女ならでは。
ハ短調は他のピアニストのように劇的に構成していないが、ピアノをよく歌わせ、高雅な憂いの情を匂わせながら、すっきりとまとめていく手並みが絶妙である。
オケはむしろ劇的でダイナミックな緊張が目立つが、両者は不思議とよく溶け合っている。
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