シューベルト
2019年06月04日
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ＬＰ時代から聴いていた懐かしさもあって、現在でも決して古めかしさを感じさせない名盤のひとつに数えられるだろう。
その理由はスメタナ四重奏団とピアニストのヤン・パネンカが極めて正攻法な音楽語法でシューベルトのメッセージを伝えている演奏だからで、そこに特有の形式感と気品が備わっている。
スメタナ四重奏団は後にヨゼフ・ハーラと組んでシューベルトのピアノ五重奏曲『鱒』の２度目のセッション録音を遺しているが、こちらの第１回目は彼らの壮年期特有の覇気のある推進力にパネンカの端正で瑞々しいピアノが相俟った演奏だ。
このセッションでは第４楽章ヴァリエーションでの谷川のせせらぎに反射してきらめく太陽の光りを映し出したようなパネンカの弾くピアノの爽やかな響きが一層魅力的だ。
彼はスーク・トリオの一員としてスプラフォンに多くの録音を遺しているが、その潔癖とも言える隙のないダイナミズムと徹底したクリアーな奏法は、常にモダンな印象を与えるだけでなく、アンサンブルを心地良く引き締めている。
しかも気心の知れたスメタナ四重奏団との巧みな合わせ技がシューベルトの溌剌とした曲想を心行くまで愉しませてくれる。
尚ここでは楽器編成上、抜けた第２ヴァイオリンのコステツキの替わりにコントラバスのフランチシェク・ポシュタが加わっている。
この音源は数年前に単独でＸＲＣＤ化されたが、残念ながら既に製造中止になっている。
一方シューベルトの『断章』については過去４回の録音の中から１９６０年の第２回目のセッションが、そしてベートーヴェンの弦楽四重奏曲第１番は６２年の第１回目のものがカップリングされている。
この頃彼らはメンバー不動の時代に入っていて、着々とそのアンサンブルの腕を磨いていた壮年期特有の表現を聴くことができる。
それだけに後のデジタル録音のものより熱っぽく、一途で若々しい雰囲気に貫かれているが、解釈は円熟期の原点にもなる奇を衒わない謹厳さのようなものがあって、その真摯な演奏に惹かれる。
ＬＰで聴く弦楽器は透明感という点でＣＤを上回り、音質は良好だ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年05月25日
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２０１６年亡くなったカナダのテノール、ジョン・ヴィッカーズのワーナーからの追悼盤になる。
彼がそのキャリアの晩年１９８３年にパリのサル・ワグラムでセッション録音したシューベルトの『冬の旅』全曲と、ＣＤ２には１９９８年にロンドン・バービカン・センター・シネマで催されたジョン・トランスキーとの聴衆を前にしたトークショー・ライヴが収録されている。
『冬の旅』は、以前発売されていたシューベルト５０枚組ボックスには収められていたものの、単独発売は無かっただけに、今回、ジョン・トランスキーによるインタビューも含めた形での追悼企画は歓迎されるところだ。
シューベルトはジェフリー・パーソンズの伴奏でヴィッカーズの声には合った選曲だと思えるし、まだ衰えていなかった巧みなコントロールを効かせて孤高の境地を演出しているが、表現やテンポの変化にやや大時代的な趣味が感じられる。
その点ではむしろＶＡｉミュージックからリリースされているシューマンの『詩人の恋』の方が彼らしいロマンティシズムの表出と自由闊達な演奏に好感が持てる。
やはりヴィッカーズはオペラの舞台でこそ本領を発揮した歌手なのだろう。
しかしパーソンズのピアノは流石にそつなく歌唱を支えるだけでなく、彼の感性に寄り添った伴奏で全体的には質の高いセッションに仕上がっている。
ヴィッカーズの『冬の旅』と言えば、この３か月後に録音されたライヴ盤がかつて知られていたが、そちらは観客ノイズが大きすぎるなどの問題もあったので、音の良いセッション録音の方に分があると思われる。
２枚目のトークショーではヴィッカースのキャリアと彼が取り組んだ作品への解釈などがユーモアを交えて語られている。
インタビュアー、ジョン・トランスキーの質問に答える形でトラック３ではクレンペラーの指揮したベートーヴェンの『フィデリオ』について、５ではワーグナーの『トリスタンとイゾルデ』、更に６ではブリテンの『ピーター・グライムス』など折に触れて実際の演奏を挟みながらヴィッカースの歌唱のテクニックを探ることができる興味深い構成になっている。
彼はテノール歌手としては決して華やかな存在ではなかったが、クレンペラーやカラヤンからも一目置かれ、母国語以外の作品も自在にこなしたオールマイティーな才能を持った実力派の歌手であったことに異論を挟む余地はないだろう。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年05月17日
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メロス弦楽四重奏団盤は１９８９年に結成２５周年を記念として行われた録音で、『死と乙女』『ロザムンデ』いずれも２度目の録音になる。
前回の録音はドイツ・グラモフォンで１９７２−７４年に全集として完成させたものに含まれていた。
ここに聴く再録音は、前回の全集と比較するとより柔軟性のある表現の上に構築された完成度の高いもので、メロス四重奏団のグループとしての成熟を物語っている。
メロス四重奏団の本領はリズム感とシャープな音の切れ味にあるが、その演奏がこの２曲に不可欠であることを証明したような演奏だ。
このカルテットの特徴は、内声の充実した厚い響きによる４人の均質なバランスと積極的な表現意欲の上に築かれる劇的な表現スタイルと言えよう。
この特色はベートーヴェンなどの場合に良く生きてくるが、シューベルトのような旋律の流れが重視される様式を持つ作曲家の場合は必ずしも良い結果を生むとは限らない。
実際、前回の全集の初期の作品群などでは、劇性を追求する余り、シューベルト独自の親しみやすい旋律の魅力が失われていた。
今回の録音では、厳しい集中力からもたらされる緊迫した表現という点では旧録音とも共通しているが、全体としては全４楽章をストレートに突き進む表現が重視されている。
特に『死と乙女』第１楽章の切れ味の良いエネルギッシュな表現は、この楽章にかつてないドラマ性を与えている。
精気に満ち、４人の響きが力強いエネルギーとなって作品のスケールを一段と大きく表現している。
第２楽章では、リート「死と乙女」の素材が増幅されて情念が爆発するのを見事に捉えているが、一方で静謐さと敬虔さを窺わせるような精神の深さも示す。
第３、第４楽章もドラマティックな勢いを失うことなく突き進むが、第４楽章は、勢い余ってアンサンブルが荒い部分があるのが唯一の欠点と言うべきか。
ここは、テンポを少し抑えてより精緻なアンサンブルを心がけてほしかったし、そうすれば、全曲を聴き終わった後の征服感がさらに大きかったと思う。
しかし、時にはバランスを崩しかけてまで一途でストレートなドラマを追求するメロス四重奏団の演奏は素晴らしい。
そして、今回は抒情的な歌謡旋律の魅力も余すことなく表出し全体を見事にまとめるのに成功しているのが旧録音と比べての大きな進歩と言えよう。
カップリングされている『ロザムンデ』四重奏曲も同じように見事な演奏だが、こちらは親しみやすさ、温かさといったリラックスしたニュアンスに不足しているのが気になる。
もちろん歌心は素晴らしく、第１楽章冒頭の美しさと微妙なデュナーミクを操ったニュアンスは見事の一言。
メロス四重奏団もこの２曲の曲想の違いを弾き分けようとしているが、あと一歩及ばない部分が残されている。
それでも全体としては名演と言うに相応しい高いレベルの演奏ではある。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年05月11日
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ドイツの巨匠ヴィルヘルム・フルトヴェングラー(1886-1954)が聴かせる演奏は深い精神性と哲学的瞑想性とでも形容すべき深遠さを誇っている。
それは聴き手をただ単に音楽的感動に浸らせるだけではなく、長い歴史的脈絡の中でその感動を聴き手一人一人が育てていく旅へと誘う、一種、創造的な営みを促す演奏である。
確かに鳴り響く音とともに私たち聴き手は作品を聴き、演奏という再現芸術が誘う熱気と臨場感に陶酔的興奮を覚えるが、フルトヴェングラーの演奏が与える感動は感覚的なレベルをはるかに超えて魂の奥底へと響きわたる力を持ち、それは尊い人生経験にも似た感動領域へと聴き手を誘うのである。
フルトヴェングラーの指揮は基本的にはロマンティックであるが、ただそのロマンの次元と、美しさ、そして発展の形、姿はとても尋常なレベルではなく、聴き手は予想もしない出来事に直面して戸惑いにも似た経験をすることになる。
だがそれは、抗し難い力で聴き手を魅了し、陶酔させるものであり、曲が終わったときの聴き手は、人間が変わってしまったかのような感慨にすら浸るのである。
演奏で奮い立たせるのがトスカニーニ、思索の人にしてしまうのがフルトヴェングラー、どちらも罪作りなほど素晴らしい。
そんなフルトヴェングラーの名演は数知れないが、シューベルトの最後の交響曲《ザ・グレート》で聴かせてくれる演奏の奥深さは格別である。
シューベルトならではの抒情性もなめらかな歌の世界も、もちろん余すところなく描き出されてはいるが、それ以上に聴き手を魅了するのはフルトヴェングラーというロマンティックな詩人が聴き手を旅の随行者にしてしまう事実であり、聴き始めるともう後には戻れなくなってしまう。
ここに聴く演奏は、１９５３年８月３０日ザルツブルク音楽祭に於けるウィーン・フィルとのライヴ録音である。
そのためか表情の劇的変化、興奮のテンションの激しさは壮絶で、１９５１年のスタジオ録音よりは１９４２年のライヴ録音の表現に限りなく近いが、むしろ十数年前よりも過激な部分さえあり、時には不自然な感じを与えるほどである。
しかし、オーケストラの響きの密度の濃さ、カロリーの高さは異常なくらいで、現今ではこんなに夢中になって弾くオーケストラ演奏を聴くことは稀である。
しかも巨匠晩年の心境を反映してか、フルトヴェングラーという詩人が秘め持つ瞑想性が豊かな翼を持った広がりを見せており、落とされる影も一段と長く、また美しい。
ただ問題がないわけではない。
フルトヴェングラーの演奏は吸引力が圧倒的であるだけに、視線が釘付けになったままとなり、聴き手の他への興味・関心を奪い取ってしまうからである。
注意しないと病気になってしまう怖い演奏であるが、名演というのは本来はそれぐらいインパクトの強い、強烈な刺激物なのであろう。
とても毎日なんて聴けない、それほど感銘が持続する歴史的名演である。
この実況盤は名演として評されながら、これまで音質の悪いＣＤしかなかったが、このデルタ・クラシックスによるＬＰ復刻の音質は素晴らしく、解像度が高いので細部まで良く聴き取れる。
管楽器の美しさ、弦を含めた緻密なアンサンブル、豊かな低音、オリジナルの録音技術もドイツでは相当進んでいた事が想像される。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2018年12月30日
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ドイツ語圏ではヘルマン・プライと同世代のバリトン歌手にウィーン生まれのエバーハルト・ヴェヒターがいたが、やや年上のフィッシャー=ディースカウは同郷の出身だったために、２人は常に比較の対象になってしまった。
しかしプライの声はヴェヒターより明るく、フィッシャー=ディースカウのニュートラルでオールマイティな声質とは全く異なった明確なキャラクターを持っていた。
圧倒的な声の力、正確無比な歌の技、というのではなく、自然に溢れ出る歌がプライの身上なのだが、その前に独特の明るさを持った声質がプライの魅力だ。
そのために彼の歌にはドイツ人には珍しく天真爛漫なところがあり、また声の響き自体にバリトン特有の輝かしさと甘さが備わっていた。
どういうわけか、甘味を含んだバリトンの声は大変少なく、まさしくプライのものだった。
発声の技巧を凝らせて声の明暗の変化を聴かせることや、心理的な腹芸を必要とするヴォルフやマーラーよりも、むしろ平明で直裁的な表現が要求されるシューベルトや情熱的なシューマンを得意としたのも当然だろう。
この１０枚のＣＤでも中心となっている歌曲集は『冬の旅』『詩人の恋』を始めとするシューベルト、シューマン、ブラームスそしてレーヴェなどの作品だが、肩肘張った芸術歌曲の硬さとは別の情感をはらみ、類のない魅力を発散している。
こうしたドイツ・リートに関してはフィッシャー=ディースカウほど精緻な歌唱ではなかったにしても、一途な青年の想いを吐露したり、飾らない人間くさい描写に優れていて、それが彼の魅力でもある親近感を感じさせている。
精密に歌う歌手ではないとしても、自然に歌が溢れ出てくるのだと、人に感じさせるだけの巧妙な歌手でもあるということだろう。
またプライの張りのある大らかな歌声と人懐っこい演技は、肩の張らないオペレッタやミュージカルなどのジャンルにも良く馴染んだために、彼の庶民的な人気は絶大だったと言えるだろう。
確かにこうした領域での才能に長けていた彼が、フィッシャー=ディースカウとは一線を画したレパートリーを開拓する結果になったことも頷ける。
精密で知性的な歌い方に対する本能的な歌い方、角張った芸術性に対するまろやかな歌謡性、野暮に対する洒脱、確かにこの対比にはプライの特質をはっきりさせるところがある。
このセットでもプライの柔軟なスタイルが良く表れているのが９枚目の『マイ・フェア・レディー』『キス・ミー・ケイト』や『アニーよ、銃を取れ』などのミュージカル・ナンバーと１０枚目の『ジプシー男爵』に代表されるようなオペレッタの演目で、それらに彼の最も優れた歌唱を堪能できる。
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2018年07月26日
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このライヴ自体既に評価の高かったものだが、今回UHQCD化によって音質がグレードアップされた。
従来盤より透明度が増して全体的に音色の輝かしさが出て磨きのかかったような印象がある。
シューベルトのピアノ五重奏曲『ます』にリヒテルのような巨匠が加わることは稀だが、若い頃からアンサンブルに積極的に参加していた彼だけに、ここでも超一級の協調性をみせた力強く隙のない合奏が特徴だ。
ライヴならではの緊迫感がすこぶる快く、聴き手の関心の中心になるのはもちろんリヒテルの演奏で、彼が弾き出す美音は心に深くしみいってくる。
また流石にヴィルトゥオーゾで一世を風靡したリヒテルらしく、急速楽章ではテンポを更に速めに設定してピアノ・パートの名技主義を前面に出した鮮やかなピアニズムも健在だ。
聴衆を前にしたリヒテルが、気持ちを静かに燃やしているのが感じとれる演奏と言ったらよいだろうか。
しかし一方でボロディン四重奏団の３人とヘルトナーゲルの誠実かつ真摯な演奏ぶりが楽趣を高めているのも忘れてはならない。
特に第２楽章ではボロディン四重奏団の持ち前の抒情性と相俟ってひときわ美しい情景を描き出している。
元来ボロディンはロマンティックな演奏を得意としているが、この作品でも彼らの長所とリヒテルによって引き締められた緊張感が心地良い。
最近聴き比べたグリュミオーとヘブラーが協演した同曲の演奏では、どちらかと言えばグリュミオーのヴァイオリンの美しさをヘブラーと弦楽部が支えているように感じられるが、ここではリヒテルが圧倒的な存在感を示している。
勿論ピアノ五重奏としてのバランスは堅持されているにしても、特に第４楽章の第３変奏でリヒテルの弾くピアノ・パートのユニゾンの華麗なテクニックはこのヴァリエーションに鮮やかな花を添えている。
1980年6月18日にオーストリア、ホーエネムス城で収録されたライヴ音源だが音質は極めて良好で、客席からの雑音もなく彼の瑞々しい音色を捉えている。
リヒテルは後年ヨーロッパの古城や宮殿を積極的に使ってライヴやセッション録音を果たしている。
それは現代のコンサート・ホールよりもかつてこうした作品が実際に演奏された空間の自然な残響を好んだだけでなく、都心を離れた閑静な環境で芸術的インスピレーションを高めるためだったと考えられる。
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2018年07月15日
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尽きることのない奔流を感じさせる名演。
演奏家としては最晩年にあったアルトゥール・ルービンシュタインのリーダーシップがフルニエ、シェリングとの自由闊達な表現と阿吽の呼吸とも言うべき絶妙な合わせを成功させた演奏である。
ルービンシュタイン最晩年の滋味あふれるピアノが、清新なシェリングのヴァイオリン、甘やかなフルニエのチェロに寄り添い、ドイツ・ロマン派の最高峰のピアノ三重奏曲6曲に極上の名演を成し遂げている。
音楽家の質自体が高くなっているが故にかえって演奏が小粒に見えてくる現代にあって、こうしたレジェンドスターの大家３人が単なる一時的な協演ではなく本格的に取り組む企画は将来にも滅多に望めるものではないだろう。
個性的な三者それぞれの歌い口の上手さに加えて、巧みな旋律の受け渡しや時にはオーケストラを髣髴とさせるような豪快さなど、アンサンブルの総てのテクニックとその醍醐味が示されている。
ここで表現されているのは中庸の美や老境の渋さというようなものではなく、意外かも知れないが奔放かつドラマティックなブラームス、シューベルト及びシューマンで、それが彼らの円熟期に録音されたことも幸いだった。
いずれにしてもトリオの主導権を握っているのが常にルービンシュタインであることも注目される。
ブラームスとシューマンが1972年、シューベルトが74年にジュネーヴのヴィクトリア・ホールで収録された音源で、ルービンシュタイン85歳から87歳にかけてのトリオだが、その演奏からは枯淡の境地も懐古趣味も感じられない。
特にシューベルトでは朗々として未来に向かって進むような逞しい若々しさに満ちている一方で、成熟したアンサンブル特有の比類ない合わせ技にも不足していない。
シェリングとフルニエはケンプと組んだベートーヴェンのピアノ三重奏曲集でこの時代の決定盤と言うに相応しい録音を遺している。
またルービンシュタインとシェリングはベートーヴェン及びブラームスのヴァイオリン・ソナタ集でも素晴らしいデュエットがある。
こうした気心の知れたソリスト同士が創造する音楽には我を抑制した協調性が滲み出ているのも事実だが、ブラームスでの厳格で隙のない対位法の再現にも彼らの技量が冴えているし、シューマンでは彼の複雑な心理描写よりも、むしろ清冽で瑞々しい曲想が前面に出ている。
CD3枚分の音源がひとつのセットに纏められたのはこの日本盤だけだが、50年にもなろうとする古い音源にも拘らずリマスタリングされた音質は極めて鮮明で、ホールの豊かな音響の中での三者間の位置関係や個性的な音色が良く捉えられている。
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2018年06月06日
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ブロムシュテットが手兵シュターツカペレ・ドレスデンを指揮したシューベルトの交響曲全集は1978年から81年にかけて旧東独のドイツ・シャルプラッテンに録音された。
現在でも同社のクラシック部門エーデル・レーベル、オランダ・ブリリアント・クラシックスからの廉価盤、キング・レコードからの日本盤のいずれも入手可能だ。
鮮明な音質に加えて分離状態の良いオーケストラの音響が広い音場の中で明瞭に再生される。
ちなみに日本では第8番ロ短調『未完成』のみがドヴォルザークの第8番とのカップリングでUHQCD化されているが、将来ブルーレイ・オーディオなどによるグレードアップを期待したい全集だ。
ブロムシュテットがこれまでに完成させた交響曲全集には他にシュターツカペレ・ドレスデン及びゲヴァントハウスとの２種類のベートーヴェン、ゲヴァントハウスとのブルックナーがある。
それらも録音史上に残るべき真摯で説得力のある演奏だが、このシューベルトも全く優るとも劣らない緻密な構成で力強い響きが導き出されている。
数多いシューベルトの交響曲全集の中で、これほど全曲が均質化され、気高く交響的な美感をもって演奏された例は少ないだろう。
シューベルトのなかにある独自の孤独感や、祖父がシュレージェン地方の農民であったという血の表明をドイツ的な堅実さで確実に表出し得ている。
シューベルトの本質を衝いた秀演で、全８曲どれをとってもむらがなく、禁欲的節度と気品を持った演奏だ。
ウィーンの伝統である楽天性や感傷とは一線を画しているが、そこにシューベルトの孤高の心情を描いており、ドイツ的とも言える堅実な感触が、第５番までの初期交響曲から堂々とした交響性を引き出している。
『未完成』では第１楽章の雄大なスケールと第２楽章の内面の豊かな歌、『ザ・グレイト』での山脈のように聳え立つ緊密な構築も特筆して良い。
さらに、シュターツカペレ・ドレスデンのふくよかな響きが素晴らしい雰囲気を味わわせてくれる。
シューベルトの交響曲の歴史的な評価はハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンに引き継がれる圧倒的な系譜からするといくらか影の薄い印象があるが、ロマン派交響曲の先駆としてベートーヴェンとも異なった手法で生み出されたところが２人のピアノ・ソナタの性格の違いにも一脈通じるものがあって興味深い。
しかも彼が僅か31歳で生涯を終えたことを考えれば、その後のメンデルスゾーンやシューマンに与えた影響は決して軽視できるものではないだろう。
ベートーヴェンは短いモチーフを極限まで展開して堅牢な楽曲を築き上げたのに対して、シューベルトはリート作曲家らしく、しばしば歌謡的な長いメロディーをテーマに持ち込んで、流麗で溌剌とした音楽に仕上げている。
そのために技巧を凝らしたフーガやそれぞれの楽章間の緊密な統一感などは望むべくもないが、平明な美しさとおおらかさには替え難いものがある。
シュターツカペレ・ドレスデンの音色は華麗ではないにしても、個人的なテクニックの水準は高くアンサンブルも洗練されていて、作曲家のカンタービレを自在に歌う融通性がある。
それは彼らがオペラ劇場ゼンパーオーパーのオーケストラ・ピットに入る楽団であることからも納得できる。
筆者は以前ブロムシュテット指揮する彼らのコンサートを聴いたが、その時ごく僅かな身振りから変化に富んだ多彩な音楽が引き出されるところに両者の信頼関係と強い絆を実感できた記憶がある。
尚シューベルトにはピアノ譜で遺された交響曲の草稿が他にもあり、このセットでは旧ナンバーリングで最後の２曲は第8番及び第9番になっているが、彼自身がオーケストレーションを施したものは事実上ここに収録された8曲になる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2018年04月01日
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フィリップスとデッカの音源をまとめたリヒテル・ザ・マスター・シリーズの第５巻になり、シューベルトのピアノ・ソナタ第１８番ト長調『幻想』D.894、第９番ロ長調D.575及び第１５番ハ長調『レリーク』D.840の３曲を２枚のＣＤに収めている。
リヒテルのシューベルトはピアニストと作曲家が対話を交わしているような親密な雰囲気に満ちている。
いずれもこのピアノの哲人ならではの思索的な演奏で、ゆっくりとしたテンポによって引き出されたさまざまなニュアンスが、ひとつの巨大な有機体を築きあげるさまはまさに感動的という他はない。
中でも『幻想』と『レリーク』はどちらも４０分を超える大曲で、それぞれが長大な第１楽章を持っているが、リヒテルはこれらの作品への深い共感から、慈しむようなタッチで聴く人の心を完全にシューベルトの世界に引き込んでしまう。
その天上的な長さが私達には至福の時間となって持続し、通過して行く。
それはベートーヴェンを聴く時とは全く異なった静謐なひと時であり、シューベルトがベートーヴェンを神のように尊敬しながら、それとは別種の音楽を生み出していたことが興味深い。
またその魅力を直感的に悟って演奏を続けたリヒテルの才能と努力には敬服せざるを得ない。
『レリーク』は未完の作品で第３楽章とそれに続く終楽章が途中で中断されているが、リヒテルは楽譜が途切れたところでそのまま演奏を終了している。
総てがライヴから採られた良質なデジタル録音で、ライヴ特有の聴衆の雑音や拍手も入っているが煩わしくない程度のものだ。
ＣＤ裏面に１９７９年の録音と書かれてあるだけで録音場所等の詳細な記載が一切ない。
ライナー・ノーツは１８ページで英、仏、独語によるリヒテルの簡単なキャリアとエピソードが掲載されている。
尚このセットには彼の演奏で多くの聴衆に感動を与えた第２１番変ロ長調D.960が入っていないが、アルト・レーベルからリリースされている１９７２年にザルツブルクのアニフ城で行われたセッションが音質の良い廉価盤で手に入る。
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2018年02月20日
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20世紀中葉を代表する巨匠の一人として今なお高い評価を得ているフランツ・コンヴィチュニー(1901-1962)がチェコ・フィルハーモニーに客演した貴重なステレオ音源を昨年UHQCD化によってリニューアルした1枚。
収録曲はシューベルトの交響曲第9番ハ長調『ザ・グレイト』とワーグナーの歌劇『タンホイザー』序曲だが、特にシューベルトの録音状態が秀逸で、今回のUHQCD化によって更に鮮明な音質と臨場感が得られている。
楽器の定位も明確で、低音から高音までのバランスも見事だ。
収録年は1962年なので彼の最後のセッションのひとつとしても、これだけの優れた音源が残されていることは幸いというほかはないが、当時のチェコ・スプラフォンのレコーディングに懸けたエンジニア達の意気込みをも伝えている。
ワーグナーの方は1960年の録音ということもあって、音質でやや劣っていることは否めない。
こちらも歴としたステレオ録音だが総奏部分になると高音の鮮明さ、低音部の迫力や分離状態もシューベルトに比べるといまひとつという印象だ。
どちらも一点の曇りもない平明で重心の低い解釈はコンヴィチュニーらしいが、揺るぎない造形、スケールの大きさ、味わいの深さなどはまさにこの巨匠ならでは。
シューベルトのこの長大な交響曲を演奏するのに、コンヴィチュニーは、いささかの苦心のあともとどめていない。
ごくふつうにあたりまえのことのように演奏しているのだが、演奏が決して平板に流れず、むしろ、曲に一種の雄大な趣きさえ添えているのは、まったく驚くべきことで、このような指揮者は、ほんとうに、音楽の魔術師のようなものである。
彼に従うオーケストラのアンサンブルも非常に巧妙で、それぞれのメンバーの音楽的水準の高さも証明されている。
この頃のチェコ・フィルはアンチェルが首席で、オーケストラをここまで鍛え上げた彼の功績でもあるだろうが、既にヨーロッパの第一線に立つ楽団に成長していたことが理解できる。
コンヴィチュニーはドイツ系だがモラヴィア生まれの指揮者で、その意味ではチェコ・フィルとの共演が意外に少ない。
やはり昨年リリースされた英スクリベンダムからの20枚組のセットには、かろうじてブルックナーの第4番１曲が1952年のモノラル録音で加わっているだけで、現行のCDを見ても他にはベートーヴェンのヴァイオリン協奏曲をスークのソロで録音したスプラフォン盤があるくらいだ。
勿論コンヴィチュニーは1949年以降終生ライプツィヒ・ゲヴァントハウスのカペルマイスターであり、またシュターツカペレ・ドレスデンの首席も兼ねていたので、録音活動では圧倒的にこのふたつのオーケストラが占めているが、チェコ・フィルとの共演はそれらに優るとも劣らない魅力があることは明らかだ。
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2017年12月24日
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ルドルフ・ケンペが指揮したシューベルトの交響曲のレコーディングは第8番ロ短調『未完成』及び第9番ハ長調『ザ・グレイト』の2曲がある。
後者はライヴは別としてセッション録音に関して言えば、この1968年のミュンヘン・フィル以外のオーケストラとの共演ではシュターツカペレ・ドレスデンとの1950年のモノラル録音が存在する。
その間には18年の隔たりがありケンペ自身の解釈にも変化がみられるが、当ディスクが圧倒的に優位に立っているのが音質で、当時1968年のドイツCBSの録音技術の水準の高さが示されている。
広めの音響空間で再生するのであれば鮮明なサウンドが広い音場の中で開放され、ブラス・セクションの迫力も充分で臨場感に溢れている。
また分離状態も極めて良好で両翼型配置のふたつのヴァイオリン・パートも手に取るように明確に聴き分けることができる。
ケンペの解釈は飾り気こそないが、堅牢で堂々たる正面切った力強い演奏で、第２楽章でのシューベルト特有のリズミカルな伴奏に乗った歌心の表出にも不足していない。
尚この音源は数年前にSACD化もされたが、残念ながら既に生産終了している。
一方R.シュトラウスの『メタモルフォーゼン』の方は5年後1973年のシュターツカペレ・ドレスデンとの良好なステレオ録音のリマスタリング盤がワーナーからリリースされている。
室内楽的な静謐な開始と次第に高揚を迎える豊かなダイナミズムが効果的で、先ずそちらの鑑賞をお薦めしたい。
このミュンヘン・フィル盤はより熱っぽくエネルギッシュな演奏だが、曲想に伴う微妙な変化ときめ細かい表現という点では前者に一歩譲っている。
こちらの音源もやはりDSDリマスタリングされたもので、音量のボリュームが上がり高音の伸びも以前のCDに比べると改善がみられる。
ケンペが独CBSに遺した音源のオリジナルLP盤は4枚ほどあり、このCDに収録されている2曲の他にネルソン・フレイレをソロに迎えたシューマン、グリーグ、チャイコフスキーの3曲のピアノ協奏曲とリストの『死の舞踏』、ドヴォルザークの『弦楽セレナーデ』だが、纏まったセット物のCD化は企画されていない。
晩年のケンペはR.シュトラウスとベートーヴェンをEMIに、ブラームスは独バスフに、チューリヒ・トーンハレを指揮したブルックナーはスイスのエクス・リブリス(チューダーからのリリース)に、更には米リーダース・ダイジェストにもドヴォルザークの『新世界』を中心とするCD3枚分の一連のセッション録音を行った。
そのために版権の関係からこれまで単一のセット物としては纏められることがなかったが、2015年にようやっとスクリベンダムが異なったレーベルからの10枚を纏めてリリースした。
他のCBS音源もリマスタリングでの復活を期待したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年11月29日
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ドイツのテノール、クリストフ・プレガルディエンはレオンハルトと協演したバッハの受難曲のエヴァンゲリスト歌いとして一躍名声を得た。
その真摯な歌唱と癖のない柔軟な表現力が特に宗教曲のジャンルで評価されたことが理解できる。
確かに彼の声質は官能的とはいえないが決して融通性のない禁欲的なテノールではなく、ここでの多くのロマンティックな歌曲集も実にスマートに、しかも特有の透明感のある声で清々しく表情豊かに歌い上げている。
例えばシューベルトの『美しき水車屋の娘』やシューマンの『詩人の恋』での、若者の青春の息吹きと失恋の深い痛手が曲を追うごとに伝わってくる精緻で頭脳的なアプローチは流石だ。
プレガルディエンは思い入れたっぷりに歌うタイプではなく、基本的にピリオド唱法でのヴィブラートを抑えたすっきりした表現の中に、かえってモダンな感性が窺える。
もうひとつの特徴は古楽学者でピリオド鍵盤楽器奏者のアンドレアス・シュタイアーが伴奏にフォルテピアノを使っていることである。
当然彼らはピリオド・スタイルの再現を試みているが、実際に響いてくるサウンドは決して色褪せたセピア調のものではなく、むしろそこにリリカルな瑞々しさや詩の要求するかなりドラマティックな表現も可能にしている。
彼らの演奏を聴いていると、往時のシューベルティアーデの一晩が再現されたような雰囲気がある。
ドイツ・リート演奏に対するひとつの新しい方向性を示したサンプルとしても秀逸。
この４枚のCDは1991年から94年にかけて録音され、これまで個別にリリースされたアルバムが今回初めて纏められてバジェット・ボックス化された。
ライナー・ノーツには全収録曲と録音データのみの記載で歌詞対訳は省略されている。
幸い上記アマゾンのページでも収録曲目を一覧できるので参照されたい。
尚使用されたフォルテピアノだがCD1及び2はヨハン・フリッツが1818年にウィーンで製作したハンマーフリューゲルをクリストファー・クラークが1981年にコピーしたもので、CD3は同じ製作者の1825年のオリジナル楽器を修復したもののようだ。
最後のCDもやはりヨハン・フリッツ製作だが1815年のレプリカを使用している。
ピッチは現代よりやや低いa'=430Hz。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年11月13日
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ポーランド生まれのピアニスト、クリスティアン・ツィマーマンは今年60歳の大家として相応しい円熟期を迎えている。
今回ニュー・リリースされたアルバムのプログラムはシューベルト最晩年の２曲のピアノ・ソナタというのも象徴的だ。
作曲家が死の２ヵ月ほど前に作曲した３曲のソナタはことさら華やかな演奏効果もないので、テクニックだけで弾ける作品ではない。
またそれぞれが長大な曲で、野心などとは無縁の天上的な清澄な美しさがあると同時に、緩徐楽章には沈潜した逃れようのない諦観が潜んでいる。
それゆえ演奏家としての成熟した哲学や主張がなければ、走馬燈のように続く楽想がともすれば散漫な印象を与えかねないが、ツィマーマンの作品の本質を捉えた骨太でシンプルだがロマンティックできめ細かな精彩に富んだ解釈には曲を飽きさせない実力と説得力が示されている。
第21番変ロ長調のソナタを寂寥感と慟哭で最もドラマティックに表現したのはリヒテルだったが、ツィマーマンのそれはシューベルトの素朴な人柄に寄り添った真摯な演奏と言うべきだろうか。
2016年に新潟県柏崎市文化会館アルフォーレでセッション録音されたもので、音響学にも一家言持つツィマーマンらしくピアノのサウンドとその広がりを明瞭に捉えた音質も秀逸。
デジパックに挿入されたライナー・ノーツにはロンドンのクラシック音楽ライター、ジェシカ・デュシェンのインタビューに応える形でツィマーマンのシューベルトのソナタについての所感や使用楽器、また録音会場となった柏崎市のアルフォーレの音響についても語っている。
ツィマーマンの演奏を最後に聴いたのは３年前になる。
ドレスデンのゼンパーオーパーでのコンサートの一晩だったが、ブロムシュテット指揮、シュターツカペレ・ドレスデンとの協演で、彼が弾いた曲目はブラームスのピアノ協奏曲第１番のみだったが、ブロムシュテットの繊細なアプローチによって統率された渋めの音色のオーケストラに支えられた、彼の悠揚迫らぬ堂々たる表現と恰幅の良いピアニズムに感心した記憶がある。
今回のシューベルトの２曲のソナタは彼の久々のソロ・アルバムで、決して派手な選曲ではないが期待したとおりの充実感がある。
ウィーンにはシューベルトが1828年に31歳でその生涯を閉じた兄の家が記念館として遺されている。
そこに変ロ長調のソナタの自筆譜のコピーが展示してあるが、楽譜には少しの乱れもなく、ひとつひとつの音符が淡々と几帳面に書き込まれているのは感動的だ。
しかしその筆致から晩年のシューベルトの恐ろしいほどの寂寥感が伝わってきたことも記憶に新しい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年03月24日
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シューベルトは６００曲余りの歌曲を生み出し、それらのすべてに接したいと思うのはシューベルティアンの見果てぬ夢だった。
その願いを満たしてくれたのが、フィッシャー＝ディースカウという超人的な歌い手によるこの大全集だった。
フィッシャー＝ディースカウは古典から現代までにわたり、信じられないような量の声楽曲を歌い、演じ、録音してきたが、その膨大な録音群の中でひときわ高峰を成しているのがこのアルバムである。
勿論ここには男声用の歌曲しか収録されていないが、シューベルトの歌曲を窺う史上空前の最も重要なマイルストーンとなった。
以来別の企画でシューベルトの歌曲全集がリリースされたり、また目下進行中のシリーズもあったりするが、一歌手による一人の作曲家の作品への録音としてはレパートリーの上でも前人未到の驚異的な記録だし、今後も望めないだろう。
１９６６年から７２年にかけての録音の集大成で、この２１枚のＣＤに収められたシューベルトの歌曲は、３大歌曲集５７曲とその他の男声用の作品４０６曲で構成され、その数だけでも実に４６３曲に及んでいる。
フィッシャー＝ディースカウの声も芸術的な表現力も充実しきっていた時期の歌唱を満喫できるのが最大の魅力だが、これらの歌には、いわゆるやっつけ仕事としての歌唱がまったくないということも驚嘆すべきことだ。
ひとつひとつの曲に丹念な想いが込められ、精緻でありながら千変万化の巧みな表現と語り口調の絶妙さは傑出している。
ピアノのジェラルド・ムーアについて言えば、彼は伴奏を芸術の域に高めた功労者として知られているが、また自身の個性よりも常に曲趣と歌手の持ち味を生かすというニュートラルな立場を貫いた、まさに伴奏者の鏡のような存在だった。
彼は１９６７年に公開のコンサートからは退いたが、その後もこうした録音活動によって円熟期の至芸を鑑賞できるのは幸いだ。
まさにフィッシャー＝ディースカウ＆ムーアという稀代の名コンビによる共同作業の最高の結晶である。
更にフィッシャー＝ディースカウは４００曲を超えるこの大全集と前後して、わずか１０年と少しの間に、ヴォルフとブラームス、シューマンの大全集の録音も行っている。
ベートーヴェンやメンデルスゾーン、レーヴェらの歌曲と合わせ、実に１０００曲を超える録音を残してくれた。
フィッシャー＝ディースカウは、どれほどの決意と使命感を持ってこの超人的な難事業にチャレンジしたのであろうか。
楽々と成し遂げられているように見えるが、これらは貴重な人類の宝というべきもので、奇蹟的というしかない偉業だ。
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2017年03月10日
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巨匠リヒテル圧巻の名演として余りにも良く知られたシューベルトのピアノ・ソナタ第２１番変ロ長調は、作曲家の最後を飾る作品のひとつであり、奇しくも彼の人生の終焉を垣間見るような寂寥感がひしひしと伝わってくる。
わずか３１歳で生涯を閉じたシューベルトが、このように臓腑を抉るような深淵の境地を自己の音楽に映し出すことができたのはまさに天才のなす業だが、それを直感的に悟って表現し得たリヒテルの感性と技巧も恐ろしいほどに研ぎ澄まされている。
第１、２楽章をリヒテルは実にゆったりと弾き進み、足取りは滞りがちで鉛のように重く、異常に遅いテンポだが、ほの暗く、不安な気分を強調していて、この曲のもつ微妙なニュアンスを心憎いまでに描き出している。
余韻嫋々で抒情美の極みといっても過言ではなく、その中でシューベルトが背景にくっきりと浮かびあがり、聴く者を魅了する。
第３、４楽章は快いテンポが演奏を支配し、軽快なシューベルトの世界が出現、力のあるピアニストが余裕をもって音楽する楽しみが強く感じられる演奏だ。
また第１９番ハ短調ソナタの終楽章ロンドは駆け抜けるようなイタリアの舞曲タランテッラを使っていて、何とも快いリズムに乗って、緊迫した世界が醸し出され、現世の儚さの中に限りない永続性を願っているようにも聞こえる。
また第１楽章では、明と暗のコントラストを巧みに生かしつつ、実にしっかりした構成的なシューベルトを聴かせる。
これらの急速楽章は、弾き手が凡庸だと退屈に感じられるのに、優れた構成家であるリヒテルの手にかかると時間を感じさせない。
シューベルトの演奏としては、きわめてスケールの大きな表現で、剛と柔とを巧みに対比させながら、強い説得力をもっていて聴かせる。
どちらも１９７２年のザルツブルクにおけるセッションで、第１９番は１７世紀に建設されたクレスハイム城、一方第２１番は１９世紀に再建されたアニフ城での録音になる。
リヒテルが都会のコンサート・ホールを避けて、あえて郊外にある閑静な歴史的古城を選んでいるのは、その音響効果だけではなく演奏への霊感を高めるための手段なのかもしれない。
セッションとしての録音活動にはそれほど熱意をみせなかったリヒテルの遺した録音は、系統的に作曲家の作品群を追ったものではないが、ライヴ音源からとなると本人が承認したか否かに関わらず、彼の死後収拾がつかないほどの量のＣＤがリリースされている。
しかも販売元のレーベルは多様を極めていて、それぞれの音質に関しても玉石混交なのが実情だ。
その中でも録音状態の良好なものは１９７０年代以降のもので、マニアックなリヒテル・ファンでなければこのアルト・レーベルからの一連のＣＤがリヒテル円熟期の至芸を極めて良好な音質で堪能するための良い目安になるだろう。
このシリーズはセッションとライヴの両方の音源から採られているが、英オリンピア倒産以降ライセンス・リイシューとしてレジス・レーベルから再発され、廃盤になったものをアメリカのミュージカル・コンセプツ社が英国マンチェスターからアルト・レーベルとして配給しているという複雑な経緯がある。
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2017年03月08日
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ピアノ・ソナタ第１３番イ長調でシューベルトはおよそソナタ形式を展開させるには不適当と思われる長い歌謡調のメロディーを主題に持って来ている。
それはベートーヴェンの小さなモチーフが曲全体を構成して堅牢な楽曲を作る方法とは明らかに異なった作法を試みたと言わざるを得ない。
シューベルトのそれは美しいメロディーが走馬燈のように移ろい再び戻ってくる。
各楽章間のつながりも一見密接さを欠いた、取り留めのない楽想の連なりにさえ感じられる。
しかしリヒテルはそのあたりを誰よりも良く心得ていて、こうした長大な作品に冗長さを全く感じさせない、恐ろしいほどの冷静沈着さと集中力を持って曲全体を完全に手中に収めてしまう。
リヒテルはもうこれ以上遅くはできないというぎりぎりのところまでテンポを落とし、しかも音色美に過剰に依存することもせず、感情表出の深い境地に静かに分け入ってゆく。
特有のカンタービレからは喜遊性を退けて、その喜びは沈潜してしまう。
こうした込み入った表現を可能にしているのは、円熟期のリヒテルの内省的な深い思考をシューベルトの音楽の中に反映させ得るテクニックの賜物に違いない。
ここではひたすらシューベルトの音楽に沈潜した大家の、年輪を経た円熟した肉声が語りかけてくる。
もともと、人知れずシューベルトをこつこつレパートリーにしてきたリヒテルだけに、その精神世界の深みが素晴らしい。
このディスクのソナタでは、決して派手ではないが、淡々とシューベルトならではのデリカシーの奥底まで案内してくれる。
特に、ピアノ・ソナタ第１４番イ短調はリヒテルの唯一の録音で、彼の数々の演奏の中でも傑出している。
音の表層をなぞるだけでは決して表現し得ない世界であり、こういう演奏を聴くと、リヒテルがなぜ巨人であったかが分かろうというものだ。
即興曲第２番と第４番は、ところどころにあらわれるシューベルトならではの孤独感と哀感を、繊細に表現していて聴かせる。
ともすると平凡になってしまうこれらの小品も、リヒテルの手にかかると精神的に深い音楽となってしまうから不思議だ。
このＣＤに収められた４曲はいずれも１９７９年に行われた東京でのライヴから採られていて、会場の緊張した雰囲気がよく伝わってくる演奏で、録音状態と音質の良さでは群を抜いている。
だが版権の関係か、あるいは日本のメーカーが興味を示さなかったためか、アメリカのミュージカル・コンセプツ社が英国マンチェスターから配給しているマイナー・レーベル、アルトが細々とリリースしているのが惜しまれる。
音源は英オリンピアのライセンスだったが、同社倒産の後は英レジスが引き取り、更に廃盤となったものをアルト・レーベルから再発しているという複雑な事情がある。
しかし皮肉にもリヒテル円熟期の至芸を堪能するのにこれら一連のＣＤが非常に高い価値を持っていること自体、意外に知られていないのが実情だ。
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2017年03月06日
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シューベルトのピアノ・ソナタは実際にコンサートで取り上げられる機会がそれほど多くない。
中でもこの東京公演で演奏された第９番ロ長調Ｄ.５７５及び第１１番へ短調Ｄ.６２５は特別なチクルスでもない限りその魅力に触れることは皆無に近い。
これらの曲は牧歌的な素朴な響きと親密な雰囲気を持っているが、いわゆる弾き映えのしない曲なのでリヒテルがこの録音を遺してくれたことは幸いという他はない。
同時代のウェーバーも歌謡調の旋律を多用したピアノ・ソナタを書いているが、彼は誰よりも劇場に生きた作曲家らしくピアニスティックな華麗な技巧を前面に出してオペラ風の起承転結を明快にしているのが対照的だ。
その点シューベルトはソナタ形式により忠実で、思索的な音楽語法に秀でている。
リヒテルのシューベルトを聴いていると時間が経つのを忘れてしまうほど、率直にその純粋な魅力に引き込まれるし、また彼がこうした野心的でない曲をレパートリーにしていたことにも興味が惹かれる。
それは彼が如何にシューベルトの音楽観に共感を得ていたかの証明でもあるだろう。
なかば忘れられようとしているシューベルトが２０歳頃に書いた慎ましい２曲から、リヒテルは豊かな情趣を引き出し、音楽の楽しみを心得た人の心には何の拘りもなく素直に入り込んでくる演奏だ。
リヒテルはモンサンジョンのドキュメンタリー『謎』の中のインタビューで「シューベルトは誰も弾かないが、私自身が楽しめるものなら聴衆にもきっと楽しんでもらえる筈だ」と語っている。
例によって緩急自在に弾きわけながら、音楽の流れは自然で、しっとりとした情感に満ち、心の底深く訴えてくる。
尚第１１番は第３楽章が完全に欠けた未完の作品で、バドゥラ＝スコダなどによって補筆された版もあるが、リヒテルはこのソナタが作曲された１８１８年に単独で書き遺されていた『アダージョ変ニ長調』Ｄ.５０５を当てていて、作品としての問題点を感じさせる以前にある真実の表現をもった音楽となっている。
またこのＣＤには他に『楽興の時』Ｄ.７８０より第１，３，６番がカップリングされているが、リヒテルの演奏の凄さを示している。
シューベルトの小品に対し、楽しさに溢れたロマンティックなものを求めがちだが、そういう常識を覆す演奏で、リヒテルの手にかかるとシューベルトの孤独の魂、哀しみの深さがしみじみと滲み出てくる。
小品であっても、彼の眼差しは作品の底まで射抜いているかのようだ。
いずれも１９７９年に東京文化会館、ＮＨＫホール及び厚生年金会館ホールで催されたコンサートのライヴ録音で音質はきわめて良好。
東京でのコンサートからの一連の音源は優秀なものだが日本からはリリースされておらず、現在では外盤を調達するしかないが、このアルト・レーベルからはリヒテルのシューベルトのソナタ集だけでもライヴ、セッションを含めて既に３枚出されている。
ライセンスは総て英オリンピアが持っていたもので、同社倒産以降はレジス・レーベルが引き取り、その廃盤に当たってアメリカのミュージカル・コンセプツ社がマンチェスターからアルト・レーベルとしてリイシューしている。
このシリーズのライナー・ノーツは見開きの３ページで英語のみ。
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2016年07月05日
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モーツァルトの権威でもあったイングリット・ヘブラーは、早くからシューベルトのピアノ・ソナタの録音も積極的に行っていた。
この７枚組のセットは彼女が１９６０年からほぼ１０年に亘って残したフィリップス音源をまとめたもので、２種類のモーツァルト・ピアノ・ソナタ全集と並ぶ価値の高いアルバムとしてお薦めしたい。
その特徴はそれぞれの曲の古典的な様式感をしっかりと押さえながら端正な弾き込みですっきりまとめているところにある。
シューベルト晩年のソナタでは、リヒテルの喜怒哀楽を遥かに超越した言い知れぬ諦観を感じさせる哲学的な深みが忘れられないが、ヘブラーのそれは異なったポリシーによる、むしろロマン派的解釈の深入りを避けた、サロン風の洗練された手法が対照的な演奏だ。
しかしそこには仄かな哀愁が漂っていて、歌曲作曲家としての詩情の表出やダイナミクスの変化も豊かで、しばしば指摘される作品の冗長さも感じさせない。
シューベルトは未完成のものも含めるとピアノ・ソナタを２１曲ほど作曲しているが、ヘブラーはこのうち１２曲を採り上げている。
勿論その中でも代表作になる第１８番『幻想』及び第１９番から第２１番までの最後の３部作も含まれるが、未完の第１５番『レリーク』は選択から漏れている。
またここには幻想曲『さすらい人』がないのも残念だが、その他の小品は磨きぬかれたテクニックで弾いた珠玉のセッションが揃っていて、決して個性の強い演奏ではないが、そのテンポの取り方やタッチの処理も真似のできないようなエレガンスと機智が感じられる。
尚ＣＤ５と７に収録された４手連弾用作品ではルートヴィヒ・ホフマンとの協演になる。
フィリップスの音源は極めて良好で、時代を感じさせない瑞々しい音質が得られている。
このコレクターズ・エディションは最近パッケージを一新して、内部もシンプルな紙ジャケットになったが、内容的には見るべきものが多くこれからのリリースにも期待できるシリーズのひとつだ。
ライナー・ノーツは２２ページで、曲目及び録音データの他に、英、仏、独語による簡易な解説付。
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2016年05月27日
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ヨーロッパには、白鳥は死ぬ前に一声だけ美しい鳴き声をあげる、という言い伝えがあるが、それに因んで作曲家の亡くなる直前に書かれた作品を�倏鯆擦硫劉瓩噺討鵑任い襦�
シューベルトのこの歌曲集も文字通り彼の死の年に書かれた歌曲１４曲を集めたもので、没後ハスリンガーによってまとめられ、《白鳥の歌》のタイトルで出版された。
深々としたバスの声で歌われる《白鳥の歌》は珍しいが、その代表格であり、かけがえのない名演奏と思えるのは２０世紀ドイツを代表する偉大なバス・バリトン、ハンス・ホッターによるこの録音だ。
この歌曲集には、以前から名盤の数が多く、どれが特によいのか、多くの人にはそれぞれの支持盤があり、意見はかまびすしい。
筆者自身、愛聴している盤はいくつかあるが、なかでもとりわけしみじみとした情感をたたえ、深い味わいを感じさせる演奏として、まずこのホッター＆ムーア盤をあげたいと思う。
この歌曲集を全曲歌うには、軽妙さから重苦しい沈鬱さまでの幅広い表現を必要とするので、概してバリトンが歌った時に良い結果が出るようで、典型的なテノールや重いバスには荷が重すぎるようだが、バスというよりはバス・バリトンとして歌っていたホッターの意外に軽やかな表現が忘れられない。
ホッターが、日本でよく知られるようになったのが、名伴奏者ジェラルド・ムーアとのこの《白鳥の歌》（１９５４年録音）あたりからだったという。
当時のホッターは４５歳の円熟期にあり、シューベルト最晩年の深い抒情を見事に表出した名演で、若くして老いたシューベルトの晩年の人生観から晴朗な諦観を汲み出し、そのしみじみとした味わいは、聴き手の心を包み込むような深い慈愛に満ちている。
〈セレナーデ〉の深さ、〈アトラス〉の迫力と孤独…、このような歌は技巧から生まれるものではなく、歌い手の内面から投影されて現れるものだ。
しかもその内面のなんと穏やかで包容力のあることか！ 耳を傾けていると心が慰められる。
シューベルトは《水車屋》や《冬の旅》、それにこの《白鳥の歌》を通して�牋Δ良垪澂瓩鯆謬罎靴拭�
《冬の旅》の荒涼とした冬景色、《白鳥の歌》の都会での孤独はまさにその譬えであり、若くして死と向き合わねばならなかった作曲家の晩年の人生観を映している。
それは深い孤独のなかから生まれた晴朗な諦観と言ってもよいものだが、その核心にもっとも深くふれているのがこのホッター盤で、シューベルトの最晩年の心象風景をこれほど的確にとらえ、滋味ゆたかで慰撫に満ちた演奏もまれだ。
ホッターの《白鳥の歌》は、この深い孤独感を身に迫る凄味で歌い出していて、そのいぶし銀のような声と深い人生観照は、作曲家が陥っていた孤独感に一体化するほど親密にふれている。
確かに孤独は恐ろしいが、それから逃れようとしても、それはつねについてまわる。
それならむしろ孤独を凝視し、それに徹してみてはどうか。
リルケは「飲むのが苦しければ、ぶどう酒そのものとなれ」と歌った。
そのときその苦みは身体をあたため、それを友とするようになるだろう。
真の孤独を知った者だけが、真に人間を愛せる。
この演奏からひびき出ているのはその意味だ。
孤独の苦しみのなかでは、かすかな希望も見失われがちだが、ホッターは忍耐強く、ヒューマンな懐の深い包容力を示し、必ずや出口は見つかると励ましてくる。
それはおそらく孤独の極にあったシューベルト自身も勇気づけられるほどの共感力だ。
これが４５歳の演奏なのだから、ホッターはなんと成熟した演奏家だったのだろう！
ムーアのピアノ伴奏にも配慮が行き届き、力がこもっている。
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2016年05月18日
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ドイツ・リートを得意としたヘルマン・プライが、その最円熟期に録音したこれらのディスクは定評がある。
《冬の旅》はこの人にとって３度目の録音だけあって、その表現方法は以前よりもさらに練れており、今までのものと比べて今回のプライは冷静に作品を見つめ、かつてよりも深く旅人の心を歌い出している。
この演奏の大きな特色は、それまでにない冷静な目で作品を見つめていることで、プライの円熟ぶりがうかがえる。
Ｆ＝ディースカウよりも、よりロマンティックな表現で、主人公の若者を、あたたかく見守るようにして歌い上げているのが特徴だ。
また年齢的な声の衰えを感じさせないどころか、かえって自由さを獲得している。
使用楽譜もクリティカル・ヴァージョンによっている。
南ニース生まれの若いピアニスト、ビアンコーニもしっかりとした弾きぶりだ。
ここには失意の青年への暖かい愛情が基本線にある。
《美しき水車小屋の娘》は、１９８５年に録音されたディスクで、プライにとって３度目の録音にあたる。
プライの声は、相変わらず若く艶やかさを失わず、以前の２回の録音と比べても、声の豊かさにはいささかの遜色もない。
内向的なＦ＝ディースカウの歌唱に比べると、プライはこみあげる思いを外に表出していくタイプだ。
その明朗で新鮮な歌声はこの人ならではのもので、ひとりの青年の甘く悲しい恋愛物語を、実に率直に表現している。
前回の１９７３年の録音の時よりも、さらに淡々とした運びかたで、聴き手を自然と作品の中に引き込んでゆくような不思議な魅力がある。
《冬の旅》はバリトン、《水車小屋》はテノールで聴くのがいいという定説が出来上っているようだが、プライのいちずな若者そのものの歌は、まさにこの歌曲集の主人公そのものだ。
ビアンコーニのピアノも《冬の旅》の時よりさらにシューベルトらしいナイーヴな世界を描き出している。
以前は感興のおもむくまま、のびやかに歌い上げることの多かったプライだが、１９８４年に録音されたこの《白鳥の歌》の演奏は、内面を深く見据えた姿勢をとり、外面的な効果をねらわず、じっくりと豊かな音楽をつくりあげている。
若々しく美しい声は以前と同じだが、プライが今回もなお若々しさを失わず、これほどの年輪の豊かさを加えたのは喜ばしく、さらに人間的な味わいの加わった歌唱だ。
ここでは、かつての彼にみられた情感に溺れる傾向もなく、行き過ぎた表現もなく、素直な感動をもたらしてくれる。
特にレルシュタープの詩による歌曲がすぐれており、「すみれ」と「遠い地にて」は名唱。
ハイネの詩による曲では「アトラス」と「影法師」が素晴らしい。
ビアンコーニの伴奏も若いが、みずみずしい演奏。
録音は歌曲の録音の模範ともいえるきわめて鮮明な音質が素晴らしく、プライの艶やかな声が見事に収められている。
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2016年03月31日
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とにもかくにも存在感のある演奏である。
アファナシエフと言えば、例えばブラームスの後期のピアノ作品集とか、バッハの平均律クラヴィーア曲集などの、いかにも鬼才ならではの個性的な名演が思い浮かぶが、このシューベルトの最後の３つのソナタも、鬼才の面目躍如たる超個性的な演奏に仕上がっている。
アファナシエフが奏でるシューベルトは、凍りついた熱狂に満ち満ちていて、聴く者にある恐怖心を植えつける、凄い演奏ではある。
ただ、この演奏、私見ではあるが名演と評価するのにはどうしても躊躇してしまう。
確かにこれを初めて聴いたときは驚かされた。
シューベルトの長い長いピアノ・ソナタを、アファナシエフはさらにことさらゆっくりと弾いて行くのだ。
間のとり方も尋常ではなく、ついつい耳をそばだたされて聴かされてしまうという構図だ。
ところが、２回目聴くと、奏者の計算が見えてきてもはや驚きなどなくいわば冷めた観察眼による鑑賞へ転じてしまうのだ。
シューベルトの最後の３つのソナタは、シューベルト最晩年の清澄な至高・至純の傑作であり、短か過ぎる生涯を送った天才がもつ暗い底なしのような心の深淵、ともすれば自分も一緒に奈落へと引きづり込まれてしまうのではないか。
その内容の深さは他にも類例を見ないが、同時に、ウィーンを舞台に作曲を続けた歌曲王ならではの優美な歌謡性も持ち味だ。
ここでのアファナシエフの極端なスローテンポは信じられないほどだ。
ゆっくりとさらに断片化されたシューベルトのソナタは、１つ１つ刻印をきざむ様にしなければ前に進まない。
そこには美しい音もあるが、ある意味苦行とも言える部分がある。
これがシューベルトの苦悩なのかわからないが、アファナシエフの問いかけのような遅い進みは、様々な空想を孕む一方で、私達の集中力の限界との戦いというリアルな問題まで勃発している。
これは確かに存在感のある録音である。
しかし、聴く人にはある程度の覚悟を要する録音と言えるところであり、少なくとも「これからシューベルトを聴いてみる」という人にはお薦めできない。
特に各曲の第１楽章の超スローテンポ、時折見られる大胆なゲネラルパウゼは、作品の内容を深く掘り下げていこうという大いなる意欲が感じられるが、それぞれの緩徐楽章になると、旋律はボキボキと途切れ、音楽が殆ど流れないという欠点だけが際立つことになる。
これでは、作品の内容の掘り下げ以前の問題として、聴き手としてもいささかもたれると言わざるを得ない。
もっとも、ポリーニの無機的な演奏に比べると、十分に感動的な箇所も散見されるところであり、凡演というわけではないと考える。
シューベルトのこれらの楽曲について、ある程度知った人が「アファナシエフを聴いてみる」ためのディスクと言えよう。
Blu-spec-CD化によって、音質は相当に鮮明になった点は高く評価したい。
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2016年03月13日
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ワルター晩年の貴重なステレオ録音ライヴラリーの中でも特に素晴らしい演奏を味わえる１枚である。
両曲ともに、ワルターならではのヒューマニティ溢れる情感豊かな名演だ。
特に、「第５」については、この曲を語る上で忘れてはならない名盤で、他のどの演奏よりも美しく、同曲最高の名演と特に高く評価したい。
第１楽章など、実にゆったりとしたテンポで開始するが、その懐の深さは尋常ではなく、初めてこの曲を聴くような新鮮さを感じさせる。
緩徐楽章など天国的に美しく、随所に感じられるニュアンスの豊かさ、繊細さも至高・至純の美しさに満ち溢れている。
それでいて、第３楽章などは力強さに満ち溢れており、決して典雅な優美さ一辺倒には陥っていない。
比較的小品的な扱いをされるこの曲の魅力を再発見させてくれる素晴らしい演奏内容である。
ＤＳＤリマスタリングによる高音質化も、決して嫌みのない音質に仕上がっており、このシリーズでは成功例に掲げられるだろう。
「未完成」も初出以来多くの評論家やファンが認める名演中の名演で、この曲の持つロマンティシズムを情緒纏綿に謳い上げた素晴らしいもの。
「未完成」には、最近では、ウィーン風の優美な情緒よりも、よりシリアスにシューベルトの内面を掘り下げていく、いわば辛口の名演が増えつつあるが、本盤は、ウィーン風の優美な情緒を売りにした古典的な名演と言えるだろう。
かつての古典的な名画に「未完成交響楽」があるが、本盤の演奏はまさに、当該名画のイメージがあり、ウィーン風のニュアンス豊かな絶美の音楽がどこまでも醸し出されていく。
如何にもワルターらしい曲を慈しむような丁寧な表現が何とも素敵で、特にオーケストラがニューヨーク・フィルという事で、弦パートの絹のような芳純な味わいが何とも言えない。
特に、ゆったりとしたテンポで情感豊かに演奏していく第２楽章が特に秀逸だ。
冒頭の淡々とした表現から次第に盛り上がって行く様子も実に自然で、例によって曲の随所に「歌」が溢れているところがワルターの真骨頂と言えよう。
傑作歌曲を数多く残したシューベルトの曲中に潜む多くの「歌」を表現出来た最後の指揮者の１人がワルターであった事は紛れもない。
録音はＳＡＣＤ盤がベストであるが、ＤＳＤリマスタリングも「第５」ほどではないものの成功しており、通常ＣＤとしては、やはり本盤を推したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年01月13日
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フルトヴェングラー＆ベルリン・フィルによる１９５１年の『ザ・グレイト』の音源は過去にドイツ・グラモフォンからシングルレイヤーの限定盤としてＳＡＣＤ化されていたものだが、今回プラガ・ディジタルス独自のリマスタリングによるハイブリッド盤がリリースされたことを歓迎したい。
カップリングされたもう１曲はベートーヴェンの交響曲第９番の終楽章で、１９５４年８月２２日のルツェルン音楽祭からのライヴになる。
どちらもモノラル録音だがマスター・テープは、当時としては極めて良好な音質と保存状態でＳＡＣＤ化の甲斐がある音源であることに異論はない。
ベートーヴェンの『第９』が終楽章のみの収録というのは、如何にも余白を埋めるためのご都合主義としか思えないが、プラガでは近々全く同一音源の『第９』全曲のＳＡＣＤ化を予定しているので、これは一種のトレイラーとして聴いておくことにした。
ただしこの音源も既にアウディーテ・レーベルから２０００年にＳＡＣＤとしてリリースされていたものだ。
ちなみにヨーロッパではこのシューベルトの方が昨年末に既にメジャーなマーケットに出ていた。
１５ページほどのライナー・ノーツには曲目解説とフルトヴェングラーのキャリア及びベートーヴェンの『第９』第４楽章のシラーの頌歌『歓喜に寄せて』の歌詞対訳が英、仏語で掲載されている。
シューベルトの交響曲第９番ハ長調『ザ・グレイト』は、当時のセッションとしては殆んど非の打ちどころのない音質を保っているのに驚かされる。
第１楽章冒頭のホルンは田園的な穏やかさで開始されるが、その後のテンポは柔軟かつ自在に変化して聴く者をフルトヴェングラーの世界に引き込んでおかずにはいない。
しかしオーケストラは常に清澄な響きを失うことがない。
勿論第１楽章の展開部や終楽章のクライマックスではブラス・セクションとの堂々たる総奏があるにしても、全体的には過度にドラマティックな表現や音楽の急激な変化を避けた、一点の迷いもない明朗なシューベルトが再現されているのが特徴だろう。
ベルリン・フィルの一糸乱れぬ精緻なアンサンブルも聴きどころで、ＳＡＣＤ化によって楽器間の分離状態も向上して総奏部分でも音響がひと塊の団子状態になることが避けられている。
この時期のフルトヴェングラーのシューベルトの解釈が彼の第１回目の同曲の録音時とはかなり異なっているのも興味深い。
どちらも評価の高い演奏で、その優劣を問うことは殆んど意味を成さないだろうが、シューベルト的な豊かな歌謡性や抒情を感じさせるのがこの１９５１年盤だと思う。
こうした演奏を鑑賞していると、シューベルトが大上段に構えた管弦楽曲の作曲を目論んだ野心作というより、湧き出るような楽想を１曲の交響曲にまとめあげたという印象を受ける。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年01月07日
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本盤はＣＤではなくＭＰ３フォーマット音源であるが、以下は同音源のグラモフォン盤のＣＤのレビューになる。
ハンス・ホッターは生涯に５回シューベルトの歌曲集『冬の旅』全曲録音を行い、そのうち４種類がＣＤ化されている。
その中で最も古いものがピアニスト、ミヒャエル・ラウハイゼンとのセッションで、１９４２年から翌４３年にかけて収録されたホッター初の『冬の旅』だ。
この録音がよもやドイツ・グラモフォンの正規音源からのＣＤ化されるとは思ってもみなかった筆者は、学生時代海賊盤ＣＤを買い求めて聴いたが、録音状態は良好で、ホッターの声は充分満足のいく程度に捉えられているし、ピアノの音はやや後退していて歌と対等というわけにはいかないが時代相応以上の音質を保っている。
聴き比べるとやはり本正規盤で聴く方がより生々しい感じがして、角が取れたという印象を受けるが、決して悪いリマスタリングではない。
演奏の方だが、ホッターの他の演奏よりずっと恣意的なのに戸惑う。
ただでさえ遅いテンポを採っているにも拘らず、それぞれの曲中で更にテンポを落とす部分がしばしば聴かれる。
若々しいとは言え、低く重い声質の彼がこの暗い曲集をこのように歌っていることは意外だったが、後になってこうした解釈が時代的な趣味を反映していることに気付いた。
当時はまだロマン派の表現様式を引き摺っていた、言ってみれば最後の時期で、フィッシャー＝ディースカウの出現あたりを機にドイツ・リートの世界では過度な表情をつけることやテンポを顧みずに思い入れたっぷりに歌う歌唱法は息の根を止められる。
だからより現代的な表現に慣れた耳にこの『冬の旅』は過去の遺物のように感じられるが、それでもホッターがこうした時代を経て、既にジェラルド・ムーアとの１９５４年のセッションではかなりモダンな歌唱になっているのは興味深いところだ。
ラウハイゼンの伴奏にももう少し強い主張があっても良いと思うが、録音のテクニック上の問題で歌を邪魔しないように配慮されているのかも知れない。
特にホッターのような低声の歌手を伴奏する場合には、ピアニストにも声を活かすための高度なテクニックが要求されるだろう。
いずれにしても、大歌手ホッターの原点を知る上では興味深いサンプルだ。
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2015年12月22日
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イタリア弦楽四重奏団のレパートリーの中でもベートーヴェン、モーツァルトと並んでシューベルトは、彼らのコンサートのプログラムの三本柱を成していて、こうした作曲家の作品では意外にも彼らの自然な音楽性の発露よりも、隅々まで徹底した音楽設計を貫いた硬派的な演奏が聴き所だろう。
ここでも彼らは決してシューベルトの作品に溢れるカンタービレの再現ばかりに腐心するのではなく、むしろそれぞれの曲全体を見極めた音楽構成に注目して、かなり自制した厳しい演奏に仕上げているように思う。
それがシューベルトの作品に往々にして露呈される冗長さを感知させることなく、最後まで聴き終えることができる理由だ。
確かに彼らの歌うカンタービレは美しいし、いざという時にはその天性とも言うべき武器を存分に披露するが、常に個々の楽器間のバランスを失うことなく、統制されたカルテットの態勢を崩さないのは流石だ。
また時には豪快なダイナミクスを使って非常にドラマティックな曲作りを試みるのも彼らの手法だ。
彼らの合わせ技の秘訣のひとつに楽器の配置への特別な配慮がある。
第１ヴァイオリンとチェロ、そして第２ヴァイオリンとヴィオラが対角線に向き合う形で、チェロが内側に位置している。
更に総てのレパートリーを暗譜演奏していた彼らは楽譜に気を取られることなく、お互いのアンサンブルに集中できたことも、演奏自体に自由闊達な印象を与える要因になっている。
この２枚のＣＤに収められた４曲の弦楽四重奏曲は、いずれもシューベルト後期の作品で、第１２番ハ短調Ｄ．７０３は第１楽章のみが完成されている。
前作からの転用も頻繁に聴かれ、第１３番イ短調Ｄ．８０４『ロザムンデ』の第１楽章には歌曲『糸を紡ぐグレートヒェン』、第２楽章には劇音楽のテーマがヴァリエーションとして、また第１４番ニ短調Ｄ．８１０『死と乙女』には第２楽章に同名の歌曲を利用している。
こうした作法は既にハイドンの『皇帝』に先例が見られる。
一方第１５番ト長調Ｄ．８８７は、ひとつのシンフォニーのような壮大な構想を持っていて、規模も最も大きく、彼らの演奏時間も５５分に及んでいる。
それだけにイタリア弦楽四重奏団ならではの、オーケストラを髣髴とさせるスケールの大きな表現が特徴だ。
また第４楽章は第１４番と同様のイタリア風タランテラで、熱狂的な舞曲から昇華された緊張感と迫力に満ちた無窮動的な終楽章を締めくくっている。
Ｄ．８１０及びＤ．７０３が１９６５年、Ｄ．８０４が１９７６年、そしてＤ．８８７が１９７７年の録音になり、音質はこの時代のものとしては極めて良好で、当時のフィリップスの技術水準の高さを示している。
ブックレットは２４ページで曲目紹介、録音データの他に英、独、仏、伊語の解説と後半部にはフィリップス・デュオ・シリーズのカタログが掲載されている。
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2015年11月28日
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ニコライ・ルガンスキー初のシューベルト・アルバムになり、しかも作曲家最晩年の作品を採り上げているところに近年の彼の音楽的な充実ぶりが示されている。
そこにはデビュー当時からのルガンスキーのピアニズムの特徴でもある正確無比で華麗な奏法が健在だが、更に豊かなファンタジーや明暗の表出が加わって彼の表現力を一層深みのあるものにしている。
ピアノ・ソナタ第１９番ハ短調はその後に続く２曲のソナタと並んで、まさにシューベルトの人生の終焉をイメージさせる、追い詰められた焦燥や諦観、そこはかとない幸福感とが交錯している。
このソナタは図らずもこうした複雑な音楽性と集中力を削ぐような長大な規模を持っているために、しっかりした音楽設計と同時に魅力を引き出して聴かせるアイデアが要求されるが、ルガンスキーの演奏はそうした課題に対してテクニックで逃げ道を探すのではなく感性で対峙している。
緩徐部分ではオーケストラを髣髴とさせる微妙なタッチの使い分けによる色彩感とスケールの大きさを、終楽章「タランテラ」では華やかさの中にも速度に抑制を効かせて晩年の作曲家の心境に寄り添った解釈を示している。
４曲の即興曲は全曲続けて演奏するとさながらピアノ・ソナタのようだし、ルガンスキー自身もそれを意識していると思える。
そう感じたのは、このＣＤのリリースを控えた１０月２７日にウィーン・コンツェルトハウスのモーツァルト・ザールで彼のリサイタルを聴いた時だった。
その晩はコンサートの前半の締めくくりにこの４曲を演奏したが、それぞれの曲の対照的な性格を弾き分けながら強い統一感を引き出して、あたかも１曲のソナタのように聴かせていた。
こうした音楽構想と演奏上のオーガナイズにも彼の実力が表れている。
これは余談になるが、このコンサートのプログラムはフランク、シューベルト、ラフマニノフとチャイコフスキーだったが、ウィーンの聴衆がすっかり満足して惜しみない喝采を贈った返礼として、ルガンスキー自身も乗り気になってその後に４曲のアンコールを弾いて更に会場を沸かせ、彼のエンターテイナーとしての柔軟な姿勢も見せていたのが印象的だった。
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2015年09月14日
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ルドルフ・ゼルキンがコロンビアに録音したシューベルト作品集で、ソロだけでなくピアノ五重奏曲『ます』を始めとするアンサンブル作品や歌曲も収録されているのが嬉しい。
ゼルキンの演奏には大衆受けを狙った媚びや派手なアピールなどは全くないが、逆に言えば表面的で小器用な表現を一切避けて真摯に弾き込んだ音による力学と音楽の構造を疎かにしない、より普遍的で純粋な音楽性の追究がある。
そこにシューベルトの高度に洗練された精神的な安らぎと喜びが表されているのではないだろうか。
それを理解するには全曲を通して鑑賞することが望ましい。
入門者にはゼルキンの饒舌を嫌った素朴さが物足りないかも知れないし、また演奏には情に流されない厳しさが存在するのも否定できないとしても、一度彼の演奏哲学の魅力を知ったならば新たな音楽的視野を広げることになるだろう。
ピアノ・ソナタでもシューベルトをより古典派の作曲家として捉えた、節度をわきまえた誇張のない表現が特徴だが、楽章どうしの有機的なつながりが図られていて曲全体が緊密にまとまっている。
かえって『即興曲』や『楽興の時』などの小品集では自由闊達なロマン派的解釈を示している。
尚変ロ長調『遺作』はセッションとカーネギー・ホール・ライヴの２種類を聴き比べることができるが、ライヴでは演奏終了後客席からの拍手喝采を受けている。
アンサンブルではブッシュ兄弟とのピアノ三重奏曲がＣＤ３に収録されている。
ゼルキンは十代の頃からアドルフ・ブッシュのパートナーとしてヨーロッパ各地での演奏活動を始めた。
この演奏はアドルフの亡くなる前年に録音されたもので、彼のイントネーションはやや乱れがちだが、ゼルキン亡命後も生涯に亘って続いた彼らの厚い友情には感慨深いものがある。
ピアノ五重奏曲『ます』のピアノ・パートではゼルキンがアンサンブル全体を締めくくる要の役割を果たして、冗長になりがちなこの曲にしっかりとした形式感を与えている。
ふたつの歌曲『流れの上で』はホルンの、『岩の上の羊飼い』はクラリネットのそれぞれオブリガートが付いたシューベルト晩年の珍しい作品だ。
特に後者はコロラトゥーラ・ソプラノのために書かれ、ヨーデルを模しているが、この曲の歌詞に使われている詩は複数の詩人の作品を彼が任意に繋げたもので、この時期のシューベルトが自身の歌曲に斬新な試みを始めていたことが興味深い。
こうした曲目の伴奏にゼルキンを迎えているのは随分贅沢なことだが、それだけにソロのホルンやクラリネットも良く制御され、ヴァレンテの清楚な歌唱を引き立てて文学的な趣向を高めている。
古い音源では一部に音揺れが聞こえるが音質は概して良好。
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2015年08月23日
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シューベルトのピアノ・ソナタ第１８番と言えば、最晩年のアラウの感動的名演が忘れられないが、このアファナシエフ盤は、とにもかくにも存在感のある演奏である。
アファナシエフと言えば、例えばブラームスの後期のピアノ作品集とか、バッハの平均律クラヴィーア曲集などの、いかにも鬼才ならではの個性的な名演が思い浮かぶが、このシューベルトのピアノ・ソナタ第１８番も、鬼才の面目躍如たる超個性的な演奏に仕上がっている。
アファナシエフが奏でるシューベルトは、凍りついた熱狂に満ち満ちていて、聴く者にある恐怖心を植えつける、凄い演奏ではある。
ただ、この演奏、私見ではあるが名演と評価するのにはどうしても躊躇してしまう。
確かにこれを初めて聴いたときは驚かされた。
シューベルトの長い長いピアノ・ソナタを、アファナシエフはさらにことさらゆっくりと弾いて行くのだ。
間のとり方も尋常ではなく、ついつい耳をそばだたされて聴かされてしまうという構図だ。
ところが、２回目聴くと、奏者の計算が見えてきてもはや驚きなどなくいわば冷めた観察眼による鑑賞へ転じてしまうのだ。
シューベルトのピアノ・ソナタ第１８番は、最晩年の３大ソナタの清澄な至高・至純の傑作に連なる名作であるが、短か過ぎる生涯を送った天才がもつ暗い底なしのような心の深淵、ともすれば自分も一緒に奈落へと引きづり込まれてしまうのではないか。
その内容の深さは他にも類例を見ないが、同時に、ウィーンを舞台に作曲を続けた歌曲王ならではの優美な歌謡性も持ち味だ。
ここでのアファナシエフの極端なスローテンポは信じられないほどだ。
ゆっくりとさらに断片化されたシューベルトのソナタは、１つ１つ刻印をきざむ様にしなければ前に進まない。
そこには美しい音もあるが、ある意味苦行とも言える部分がある。
これがシューベルトの苦悩なのかわからないが、アファナシエフの問いかけのような遅い進みは、様々な空想を孕む一方で、私達の集中力の限界との戦いというリアルな問題まで勃発している。
そういう意味で、これは確かに存在感のある録音である。
しかし、聴く者にはある程度の覚悟を要する録音と言えるところであり、少なくとも「これからシューベルトを聴いてみる」という人にはお薦めできない。
特に第１楽章の超スローテンポ、時折見られる大胆なゲネラルパウゼは、作品の内容を深く掘り下げていこうという大いなる意欲が感じられるが、緩徐楽章になると、旋律はボキボキと途切れ、音楽が殆ど流れないという欠点だけが際立つことになる。
これでは、作品の内容の掘り下げ以前の問題として、聴き手としてもいささかもたれると言わざるを得ない。
もっとも、凡百の演奏に比べると、十分に感動的な箇所も散見されるところであり、凡演というわけではないと考える。
これはあくまで、シューベルトのピアノ・ソナタ第１８番について、ある程度知った人が「アファナシエフを聴いてみる」ためのディスクと言えよう。
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2015年08月06日
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ダヴィッド・フレーはこれまで既に２枚のアルバムでシューベルトの作品集をリリースしている。
彼が最初に手がけたのがカナダのアトマ・レーベルから出た『さすらい人幻想曲』で、リストのロ短調ソナタとのカップリングだったが、それはどちらかというと彼のヴィルトゥオジティが発揮された１枚だった。
その後の彼はあえてメカニカルな技巧誇示を避けるような選曲で、自身のリリカルな感性を思いのままに表出させることに成功している。
エラートからの『楽興の時』ではこの小品集に独自のスタイルで幅広い表現の可能性を示したが、今回のソナタ第１８番ト長調D.894でもシューベルトのウェットな歌心と音楽への愉悦に溢れている。
リヒテルの同曲の演奏を聴くと寂寥感が滲み出ていて作曲家の諦観を感じさせずにはおかないが、フレーは同じようにゆったりとしたテンポを取りながら、天上的な長さを持つ第１楽章を深い陰翳が交錯するような詩的な美学で弾き切っている。
シューベルトが数百曲ものリートをものした歌曲作曲家であったことを考えれば、こうした解釈にも説得力がある。
またもうひとつの愛らしいピース『ハンガリー風メロディー』D.817でもニュアンスの豊かさと殆んど映像的でセンチメンタルな描写が極めて美しい。
後半ではフレーのパリ音楽院時代の師、ジャック・ルヴィエを迎えてシューベルトの４手のための作品２曲を演奏している。
曲目は『幻想曲へ短調』D.940及びアレグロイ短調『人生の嵐』D.947で、彼らの連弾には聞こえよがしのアピールはないが、かえって抑制されたインティメイトな雰囲気の中に、変化に富んだタッチのテクニックを使い分けて彫りの深い音楽を浮かび上がらせている。
低音部を受け持つルヴィエも流石に巧妙で、フレーの構想するシューベルトの物語性をセンシブルにサポートしているのが聴き取れる。
フレーはコンサートはともかくとして録音に関しては目下のところフランス物には目もくれず、ドイツ系の作曲家の作品ばかりを取り上げている。
それは彼のラテン的な感性が図らずもゲルマンの伝統を受け継ぐ音楽にも対応可能なことを実証しているように思える。
ちなみに彼がこれまで録音したベートーヴェンのソナタは１曲のみだが、シューベルトの作品集への研鑽が来たるべきベートーヴェンへの足がかりになっているような気がしてならないし、またそう期待したい。
潤いのあるピアノの音色が効果的に採音された録音も充分満足のいくものだ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年07月29日
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ドイツのバス・バリトン、ハンス・ホッターの十八番を集めたリサイタル盤で、１９７３年ウィーンでのセッションになりホッター６４歳の至芸がジェフリー・パーソンズのピアノ伴奏で収録されている。
筆者自身ＬＰ盤で聴き古した名演でもあり、またホッターの歌曲集としては数少ないステレオ録音なので新しいリマスタリングによって良好な音質でリニューアルされたことを評価したい。
ワーグナー歌手としても一世を風靡した名バス・バリトン、ホッターのもう一方の極めつけがシューベルトを始めとするドイツ・リートであった。
理知的で洗練された歌手であったホッターは持ち前の声量をコントロールして、ドイツ・リートでも抜きん出た存在で、フィッシャー＝ディースカウの知的な歌唱とは対極にある、しみじみとした深い味わいは絶品だ。
ここに収められたヴォルフとシューベルトのアンソロジーはホッターが生涯に亘って歌い込んだ、いわば完全に手の内に入れた黒光りするようなレパートリーだけにその表現の深みと共に、時には呟き、時には咆哮する低く太い声が無類の説得力を持って語りかけてくる。
ホッターのステレオ録音によるリサイタル盤にはリヒャルト・シュトラウスの歌曲集を歌ったＬＰもあったので、できればそちらの方の復活も期待したい。
ホッターは稀代のワーグナー歌いとして名を留めているが、そのスケールの大きい、しかも内面的にも優れた表現ではシューベルトの『タルタロスの群れ』が素晴らしいサンプルで、この曲の不気味な嘆きをスタイルを崩さずに表現しきっている。
また『春に』はジェラルド・ムーアとの１９５７年の朗々たる名唱が残されているが、ここに収められた新録音ではホッターがこの年齢になって表出し得たある種の諦観がつきまとっていて、その高踏的な感傷が魅力だし、『鳩の使い』は彼の低い声がかえって純朴で内気な青年の憧れを感じさせる。
一方ヴォルフでは『鼓手』の朴訥とした呟きがフィッシャー＝ディースカウの技巧を凝らした洗練と好対照をなしていて面白いが、ホッターは田舎出の少年の奇妙な空想を絶妙に歌い込んでいる。
欲を言えば『アナクレオンの墓』も聴きたいところだがこのＣＤには選曲されていない。
ここではまたジェフリー・パーソンズの巧みな伴奏も聴きどころのひとつで、ホッターのような低い調性で歌う歌手の場合、声の響きとのバランスを保つことと声楽パートを引き立てながら効果的な伴奏をすること自体かなりのテクニックが要求されるが、パーソンズはその点でも万全なピアニストだった。
廉価盤のため歌詞対訳は一切省略されていて、ごく簡単な曲目一覧と録音データ及びＬＰ初出時のジャケット写真が掲載されている４ページのパンフレット付。
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2015年07月20日
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２０世紀中盤を代表する名バス・バリトン、ハンス・ホッター全盛期のドイツ・リート集で、以前エンジェルからＬＰ盤でリリースされていたジェラルド・ムーアとのセッション録音を集めた英テスタメント・リマスター盤。
その後に出されたＥＭＩイコン・シリーズ６枚組とは曲目がかなりだぶってはいるが、シューベルトとブラームスでは同一曲でも録音年の異なるセッションから選択されているのがセールス・ポイント。
特に『音楽に寄す』『セレナード』『別れ』『春に』『菩提樹』『さすらい人の夜の歌』の６曲はホッター４８歳の堂々たる風格で独自の境地を示した歌唱が堪能できるだけでなく、良好な音質でイコンの１９４９年盤に優っている。
既に廃盤の憂き目に遭っている音源なので、これだけでもリマスタリングされたこのＣＤを鑑賞する価値はある。
その１年前に録音されたブラームスを除いて残りの全曲が１９５７年収録で、この中の数曲は試験的なステレオ録音で残されている。
ワーグナー歌手としても一世を風靡した名バス・バリトン、ホッターのもう一方の極めつけがシューベルトを始めとするドイツ・リートであった。
理知的で洗練された歌手であったホッターは持ち前の声量をコントロールして、ドイツ・リートでも抜きん出た存在で、フィッシャー＝ディースカウの知的な歌唱とは対極にある、しみじみとした深い味わいは絶品だ。
ピアノは総てジェラルド・ムーアが弾いていて、ここでも彼の伴奏に関するさまざまな理論が実践に移されているセッションでもある。
ホッターのような低い声で歌う歌手は、当然楽譜も自分の声に合わせた移調楽譜を使うわけだが、そのために伴奏者は音量の調節だけでなく、歌曲全体の雰囲気が暗く沈んでしまわないように注意を払わなければならない。
また作曲家が書いた、いわゆる原調とは全く異なった運指で歌手の声や表現を引き立てる奏法を編み出さなければならなかったムーアのテクニックの秘訣は、彼の著作『歌手と伴奏者』や『お耳障りですか-ある伴奏者の回想』などに自身の苦労話と共にユーモアたっぷりに紹介されている。
ライナー・ノーツは３０ページほどで曲目一覧、録音データ、英、独、仏語による解説と全歌詞の英語対訳が掲載されている。
尚英テスタメントからはもう１枚、やはりムーアの伴奏によるホッターのヴォルフ歌曲集が独自のリマスタリングでのライセンス・リイシュー盤でリリースされている。
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2015年07月18日
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シューベルトの抒情的特質が最も純粋な形で発揮されたＤ.８９９、シューマンが曲集全体をひとつのソナタとみなしたこともあるＤ.９３５。
霊感溢れる楽想が凝縮した即興曲集は、シューベルトのピアノ曲のなかでも最も人気の高い清冽な詩情と孤独な心情を美しく謳い上げたピアノ芸術のエッセンスとも言える作品。
マリア・ジョアン・ピリスによる新鮮で瑞々しい表現による演奏解釈は従来から高く評価されており、聴き手をシューベルトの詩的な世界に誘う素晴らしい名演だ。
即興曲集は、楽興の時と並んでシューベルトのピアノ作品の中でも最も人気の高いものであるが、楽興の時とは異なり、一聴すると詩情に満ち溢れた各フレーズの奥底には作曲者の行き場のない孤独感や寂寥感が込められており、最晩年の最後の３つのピアノ・ソナタにも比肩し得る奥深い内容を有する崇高な作品とも言える。
したがって、かかる楽曲の心眼に鋭く踏み込んでいく彫りの深いアプローチを行うことは、同曲の演奏様式としての理想の具現化と言えるところであり、かかるアプローチによる演奏としては内田光子による彫りの深い超名演（１９９６年）が掲げられるところだ。
これに対して、ピリスのアプローチは、内田光子のように必ずしも直接的に楽曲の心眼に踏み込んでいくような彫りの深い表現を行っているわけではない。
むしろ、同曲の詩情に満ち溢れた旋律の数々を、瑞々しささえ感じさせるような透明感溢れるタッチで美しく描き出していくというものだ。
その演奏は純真無垢とさえ言えるものであり穢れなどはいささかもなく、あたかも純白のキャンバスに水彩画を描いていくような趣きさえ感じさせると言えるだろう。
ペダルコントロールも絶妙の巧さで、１音１音丁寧な指運から紡ぎ出されるピリスの音はどこまでも透明で柔らかく、心に優しく響きわたる。
もっとも、ピリスのピアノは各旋律の表層をなぞっただけの美しさにとどまっているわけではない。
表面上は清澄なまでの繊細な美しさに満ち溢れてはいるが、その各旋律の端々からは、同曲に込められた寂寥感が滲み出してきている。
ピリスは、音の１つ１つ、音型の１つ１つ、フレーズの１つ１つ、など、とても緻密に徹底した解釈をし、練り上げていくのだろう。
彼女の作り上げるそれらは、“自分はここをこう弾きたい”というメッセージを目一杯含み、聴き手に投げかけてくる。
型通り弾く人たちが多いなか、たとえばモーツァルトにしても、ショパンにしても、ピリスは雰囲気中心で弾くことは決してないし、かといってクールで理詰めな演奏をするわけでもない。
さて、今回のシューベルトも、基本的にはそうしたピリスの特質が色濃く表われた演奏で、よく考え抜かれ、それが演奏者の頭だけでなく、耳と体を通して発せられている、ということがよく分かる。
ピリスがシューベルトの音楽に対してどのような思い入れを持ち、どのように好んでいるかが、１つ１つの音から、フレーズから、全体から、よく伝わってくる、密渡の濃い演奏になっていると思う。
このようなピリスによる本演奏は、まさにかつてのリリー・クラウスの名演（１９６７年）に連なる名演と評価し得るところであり、即興曲集の演奏史上でも、内田光子の名演は別格として、リリー・クラウスによる名演とともに上位を争う至高の超名演と高く評価したいと考える。
録音は従来盤でも十分に満足できる高音質であったが、今般のＳＨＭ−ＣＤ化によって、ピリスのピアノタッチがより鮮明に再現されるとともに、音場が幅広くなったように思われる。
いずれにしても、ピリスによる至高の超名演を、ＳＨＭ−ＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年07月11日
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アントン・デルモータ(1910-1989)は４０年の長きにわたってウィーン国立歌劇場の専属として活躍したので、ウィーンの歌手と言って差し支えないだろう。
全盛期は１９４０年代から６０年代の初めまでと言えるが、その後もリートなどでは活動を続けていた。
ただ、メジャー・レーベルに録音が少ないために日本ではほとんど発売されなかったように記憶する。
しかし１９７０年代になってからプライザー・レーベルに多くの録音を残してくれたのは有難い。
「冬の旅」もその中の１枚で、「冬の旅」の数ある録音の中でも独特の魅力を持っている。
いわゆる突き詰めた演奏ではなく、多少歌い崩し的な部分などもあり、全体としては技術、解釈ともに万全ではない。
それでも全盛期の甘い声と格調高い表現は十分に健在で、シューベルトの〈歌〉の本質を見事に突いた歌唱を聴かせてくれる。
とりわけ第１曲の「おやすみ」や第５曲の「菩提樹」などの素朴な歌謡旋律が曲の性格を決定付ける楽曲でのリリカルな情感は他に代えがたい魅力がある。
これほど〈歌うこと〉に重点が置かれた「冬の旅」は他に聴くことができない。
伴奏をしているのは夫人のヒルダ・デルモータで、やはり技術的には問題が残るが、歌と心の通った温かい表現が良い。
この演奏を聴いていると、シューベルティアーデで歌われていた「冬の旅」は、こんな感じだったのではと思えてくる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年07月08日
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本ＢＯＸには、田部京子が誠心誠意取り組んできた、シューベルト後期作品集が収められている。
クラシック音楽の世界には、この世のものとは思えないような至高の高みに達した名作というものが存在する。
ロマン派のピアノ作品の中では、何よりもシューベルトの最晩年に作曲された最後の３つのソナタがそれに相当するものと思われる。
その神々しいとも言うべき深みは、ベートーヴェンの後期ピアノ・ソナタ群やブラームスの最晩年のピアノ作品にも比肩し得るだけの崇高さを湛えていると言っても過言ではあるまい。
これだけの至高の名作であるだけに、これまで数多くの有名ピアニストによって様々な名演が成し遂げられてきたところだ。
個性的という意味では、アファナシエフによる演奏が名高いし、精神的な深みを徹底して追求した内田光子の演奏もあった。
また、千人に一人のリリシストと称されるルプーによる極上の美演も存在している。
このような海千山千のピアニストによるあまたの名演の中で存在感を発揮するのは並大抵のことではないと考えられるが、田部京子による本演奏は、ブレンデル、シフの系統に繋がる、楽譜を研究し尽くした理知的なシューベルトが楽しめる逸品であり、その存在感を如何なく発揮した素晴らしい名演を成し遂げたと言えるのではないだろうか。
１９９４年リリースのシューベルト：ピアノ・ソナタ第２１番において「次代を担う真に傑出した才能の登場」として、極めて高い評価を得た田部京子。
その後、発表した５枚のシューベルト・アルバムは、その全てがレコード芸術誌で特選を獲得し、田部は、日本を代表する「シューベルト弾き」としての比類なきポジションを確立した。
この田部の録音したシューベルトの後期３大ソナタを含む主要なピアノ作品をＣＤ５枚のＢＯＸは、シューベルト最晩年の深い諦観の世界をおのずと明らかにしてゆく、田部の極めて説得力の強い演奏の全貌が明らかになっている。
田部京子による本演奏は、何か特別な個性を施したり、はたまた聴き手を驚かせるような斬新な解釈を行っているというわけではない。
むしろ、スコアに記された音符を誠実に音化しているというアプローチに徹していると言えるところであり、演奏全体としては極めてオーソドックスな演奏とも言えるだろう。
とは言っても、音符の表層をなぞっただけの浅薄な演奏には陥っておらず、没個性的で凡庸な演奏などということも決してない。
むしろ、徹底したスコアリーディングに基づいて、音符の背後にあるシューベルトの最晩年の寂寥感に満ちた心の深層などにも鋭く切り込んでいくような彫りの深さも十分に併せ持っていると言えるところであり、シューベルト後期作品に込められた奥行きの深い情感を音化するのに見事に成功していると言っても過言ではあるまい。
いずれにしても本演奏は、シューベルト後期作品のすべてを完璧に音化し得るとともに、女流ピアニストならではのいい意味での繊細さを兼ね備えた素晴らしい名演と高く評価したいと考える。
演奏全体に漂う格調の高さや高貴とも言うべき気品にも出色のものがあると言えるだろう。
しっとりと落ち着きのある音色と、清冽極まりないピアニズム、そして情感豊かな歌いまわしと深みを感じさせる表現等々、シューベルトのピアノ曲の妙味を引き出すのに過不足のない演奏が充溢している。
一方、「さすらい人幻想曲」は、ひとつのモチーフを中心に変奏手法を使って、ベートーヴェン的有機構造物を構築しようとした作品だが、田部は、その豊かな弱音のニュアンスを駆使して、強音がさほど強くなくてもしっかりと対比され、ダイナミズムが広く聴こえ、したがって大きなスケール感も出てくるという演奏を繰り広げていて、無理がなく、しかも美しい。
本ＢＯＸは、いつでもいつまでも聴いていたいと思わせる名演の集成と言えるだろう。
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2015年07月05日
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アーノンクールは１９５３年、ウィーン・コンツェントゥス・ムジクスを組織し、今日のオリジナル楽器による演奏のブームの火付け役となった。
しかし、アーノンクールはさまざまな顔をもち、それらが彼の中で統一した１つの世界を作っているところに、ほかの音楽家とは異なった側面をもっている。
つまり、アーノンクールは一時、ブレンデルと組んで話題を呼んだこともあるが、むしろ重要なのはヨーロッパ室内管弦楽団とロイヤル・コンセルトヘボウとの共演である。
それぞれアンサンブルの個性が異なることもあり、そこから生まれてくる音楽が全く異なるのには驚かずにはいられない。
アーノンクールはこの老練なコンセルトヘボウとの共演によって、ウィーン・コンツェントゥス・ムジクスのそれとは別の世界を切り開いてきたように思う。
このモダン楽器の、しかもシューベルトはこれまで幾度となくさまざまな指揮者のもとで演奏してきた楽団では、オリジナル楽器の演奏がアーノンクールが求めた奏法、とくに語りかけるようなフレージングやアーティキュレーション、そこから作りだされる非常に弾力感のあるアンサンブルをそのまま求めることはしないかもしれない。
事実、この録音はかなりストレートで、全体に張り詰めたような力動感が漲っている。
演奏でとくに印象的なのはやはり第８番である。
アーノンクールの手にかかるとすべての音が柔和な相貌を得、とくに楽器１つ１つがそれぞれの表情をもちだす。
アーノンクールはさまざまな解釈によって作品の表面に蓄積した分厚い化粧を削ぎ落として、作品の地膚の美しさを引き出そうとしているかのようでもある。
しかし、同時にアーノンクールはモダン楽器を用いたときの演奏の利点と楽しさと魅力も同時に引き出そうとしているようだ。
同様のフレーズで、ウィーン・コンツェントゥス・ムジクスなら行なわないだろうと思われる解釈を、むしろ楽しみながら実践している。
ダイナミックなクレッシェンドや、たたみ掛けるようなクライマックス効果などはそうした一例である。
アーノンクールの指揮では常にそうであるが、さまざまな、これまで聞こえなかった、あるいは聞き落していた旋律や動機がくっきりと聞こえてくるが、この演奏でもそうである。
演奏の透明度が非常に高く、対旋律や背後に隠れている旋律が、それぞれきれいに聞こえてくるが、この大編成の近代的なオーケストラでも同様である。
メリハリのある音の運びと爽快なテンポ感と独特なフレーズの構成は、これが大管弦楽団であることを忘れさせるほどにしなやかな音楽を作り上げている。
それに第５番も忘れ難い。
これは作品の編成そのものが小さいこともあり、より駆動性のある演奏が実現されている。
柔和に語りかけるようなフレーズと、独特ないわば語尾の表現はこの第５番でよく発揮されている。
アーノンクールはどうして聴く者をこれほどまでに期待感を抱かせ、引っ張っていくのであろうか。
アーノンクールの演奏を聴くとどうしてもその先が聴きたくてたまらなくなるのである。
その劇的なダイナミックスや駆動性は、この楽団との共演で見事に醸し出されている。
そして第７番《未完成》も感動的である。
語りかけるようなその演奏は、それぞれの旋律をまさしくディアローグのように仕上げている。
全体がドラマ仕立てになっているということも可能であろう。
アーノンクールとロイヤル・コンセルトヘボウによるシューベルトの交響曲全集は、これまでのシューベルト解釈に一石を投じ、全く新しい世界を開いたものとして画期的なものとなろう。
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2015年06月29日
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フィッシャー＝ディースカウが１９５１年にＥＭＩとレコーディング契約をして以来の伴奏者だったピアニスト、ジェラルド・ムーアとのコラボレーションによるシューベルトの歌曲集。
先般のＥＭＩによる過去の名盤のＳＡＣＤ化シリーズにおいては、若き日のフィッシャー＝ディースカウによる一連のシューベルトの歌曲集も採り上げられることになった。
フィッシャー＝ディースカウは、紛れもなく独墺系歌曲の最高の歌い手の１人であると言えるが、その最高の名唱とされているのは、何と言っても１９７０年代にジェラルド・ムーアと組んでスタジオ録音（ＤＧ）したシューベルトの３大歌曲集と言えるのではないだろうか。
本盤に収められたシューベルトの歌曲の演奏は、それよりも約２０年ほど前の若き日の歌唱ということになるが、モノラル録音という音質面でのハンディはあるものの、１９７０年代の名唱とは違った意味で、素晴らしい名唱と評価したいと考える。
というのも、フィッシャー＝ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、後年の歌唱においては、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、若さ故の気迫や熱き生命力が全体に漲っており、いささかも技巧臭を感じさせないのが素晴らしいと言えるからだ。
そして、勢い一辺倒の内容のない歌唱には陥っておらず、どこをとっても、シューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが見事である。
巧緻な歌唱を支える若き日のフィッシャー＝ディースカウの声は、言葉のニュアンスを深く、美しく伝えて、各曲の伝える世界を克明に描き出している。
本盤に収められた歌曲は、『魔王』や『セレナード』などのシューベルトの歌曲の中でも比較的有名なものを収めているところであるが、これら各歌曲の聴かせどころのツボを心得たいい意味での演出巧者ぶりは、本演奏当時の若き日より健在であると言えるところであり、まさに非の打ちどころのない名唱に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
本盤のピアノ演奏は、いつものジェラルド・ムーアがつとめているが、例によってジェラルド・ムーアによるピアノ演奏は、シューベルトの楽曲に特有の寂寥感に満ち溢れた美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、フィッシャー＝ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質は、モノラル録音というハンディもあって、従来ＣＤ盤の音質は、いささか鮮明さに欠ける音質であり、時として音が歪んだり、はたまた団子のような音になるという欠点が散見されたところであった。
ところが、今般、ついに待望のＳＡＣＤ化が行われることによって大変驚いた。
従来ＣＤ盤とは次元が異なる見違えるような、そして１９５０年代のモノラル録音とは到底信じられないような鮮明な音質に生まれ変わったと言える。
フィッシャー＝ディースカウの息遣いやジェラルド・ムーアのピアノタッチが鮮明に再現されるのは殆ど驚異的であり、あらためてＳＡＣＤの潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー＝ディースカウ、そしてジェラルド・ムーアによる素晴らしい名演を、ＳＡＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したいと考える。
なお、当たり前のことではあるが、前述の３大歌曲集のＳＡＣＤ化に際して、扱いにくい紙パッケージに封入したことや対訳を省略したユニバーサルに対して、本盤では通常パッケージで、なおかつ対訳が付いていることについても、この場を借りて評価をしておきたい。
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2015年06月27日
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フィッシャー＝ディースカウが、ピアニスト、カール・エンゲルとのコラボレーションによるシューベルトの歌曲集。
先般のＥＭＩによる過去の名盤のＳＡＣＤ化シリーズにおいては、若き日のフィッシャー＝ディースカウによる一連のシューベルトの歌曲集も採り上げられることになった。
伴奏をムーアからエンゲルに代えてのシューベルト歌曲集第３巻は、シラーの詩による大作『水に潜る者』をはじめ、耳にする機会の少ない力作バラードを収めており、シューベルト・アルバムとしても珍しい企画と言えよう。
フィッシャー＝ディースカウは、紛れもなく独墺系歌曲の最高の歌い手の１人であると言えるが、その最高の名唱とされているのは、何と言っても１９７０年代にジェラルド・ムーアと組んでスタジオ録音（ＤＧ）したシューベルトの３大歌曲集と言えるのではないだろうか。
本盤に収められたシューベルトの歌曲の演奏は、それよりも約２０年ほど前の若き日の歌唱ということになるが、モノラル録音という音質面でのハンディはあるものの、１９７０年代の名唱とは違った意味で、素晴らしい名唱と評価したいと考える。
というのも、フィッシャー＝ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、後年の歌唱においては、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、若さ故の気迫や熱き生命力が全体に漲っており、いささかも技巧臭を感じさせないのが素晴らしいと言えるからだ。
そして、勢い一辺倒の内容のない歌唱には陥っておらず、どこをとっても、シューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが見事である。
本盤に収められた歌曲は、いずれもシューベルトの歌曲の中では必ずしも有名なものとは言い難いものであると言えるが、それでも各歌曲の聴かせどころのツボを心得たいい意味での演出巧者ぶりは、本演奏当時の若き日より健在であると言えるところであり、まさに非の打ちどころのない名唱に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
本盤のピアノ演奏は、いつものジェラルド・ムーアではなくカール・エンゲルがつとめているが、カール・エンゲルによるピアノ演奏も、シューベルトの楽曲に特有の寂寥感に満ち溢れた美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、フィッシャー＝ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質は、モノラル録音というハンディもあって、従来ＣＤ盤の音質は、いささか鮮明さに欠ける音質であり、時として音が歪んだり、はたまた団子のような音になるという欠点が散見されたところであった。
ところが、今般、ついに待望のＳＡＣＤ化が行われることによって大変驚いた。
従来ＣＤ盤とは次元が異なる見違えるような、そして１９５０年代のモノラル録音とは到底信じられないような鮮明な音質に生まれ変わったと言える。
フィッシャー＝ディースカウの息遣いやカール・エンゲルのピアノタッチが鮮明に再現されるのは殆ど驚異的であり、あらためてＳＡＣＤの潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー＝ディースカウ、そしてカール・エンゲルによる素晴らしい名演を、ＳＡＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したいと考える。
なお、当たり前のことではあるが、前述の３大歌曲集のＳＡＣＤ化に際して、扱いにくい紙パッケージに封入したことや対訳を省略したユニバーサルに対して、本盤では通常パッケージで、なおかつ対訳が付いていることについても、この場を借りて評価をしておきたい。
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2015年06月19日
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フィッシャー＝ディースカウが１９５１年にＥＭＩとレコーディング契約をして以来の伴奏者だったピアニスト、ジェラルド・ムーアとのコラボレーションによるシューベルトの歌曲集。
先般のＥＭＩによる過去の名盤のＳＡＣＤ化シリーズにおいては、若き日のフィッシャー＝ディースカウによる一連のシューベルトの歌曲集も採り上げられることになった。
フィッシャー＝ディースカウは、紛れもなく独墺系歌曲の最高の歌い手の１人であると言えるが、その最高の名唱とされているのは、何と言っても１９７０年代にジェラルド・ムーアと組んでスタジオ録音（ＤＧ）したシューベルトの３大歌曲集と言えるのではないだろうか。
本盤に収められたシューベルトの歌曲の演奏は、それよりも約２０年ほど前の若き日の歌唱ということになるが、モノラル録音という音質面でのハンディはあるものの、１９７０年代の名唱とは違った意味で、素晴らしい名唱と評価したいと考える。
というのも、フィッシャー=ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、後年の歌唱においては、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、若さ故の気迫や熱き生命力が全体に漲っており、いささかも技巧臭を感じさせないのが素晴らしいと言えるからだ。
そして、勢い一辺倒の内容のない歌唱には陥っておらず、どこをとっても、シューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが見事である。
解釈の完成度において後年の諸録音に引けをとらず、かつ若き日のフィッシャー＝ディースカウの美声を堪能できる点が嬉しい。
本盤に収められた歌曲は、いずれもシューベルトの歌曲の中では必ずしも有名なものとは言い難いものであると言えるが、それでも各歌曲の聴かせどころのツボを心得たいい意味での演出巧者ぶりは、本演奏当時の若き日より健在であると言えるところであり、まさに非の打ちどころのない名唱に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
ジェラルド・ムーアのピアノ演奏も、シューベルトの楽曲に特有の寂寥感に満ち溢れた美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、フィッシャー=ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質は、モノラル録音というハンディもあって、従来ＣＤ盤の音質は、いささか鮮明さに欠ける音質であり、時として音が歪んだり、はたまた団子のような音になるという欠点が散見されたところであった。
ところが、今般、ついに待望のＳＡＣＤ化が行われることによって大変驚いた。
従来ＣＤ盤とは次元が異なる見違えるような、そして１９５７年のモノラル録音とは到底信じられないような鮮明な音質に生まれ変わったと言える。
フィッシャー＝ディースカウの息遣いやジェラルド・ムーアのピアノタッチが鮮明に再現されるのは殆ど驚異的であり、あらためてＳＡＣＤの潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー＝ディースカウ、そしてジェラルド・ムーアによる素晴らしい名演を、ＳＡＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したいと考える。
なお、当たり前のことではあるが、前述の３大歌曲集のＳＡＣＤ化に際して、扱いにくい紙パッケージに封入したことや対訳を省略したユニバーサルに対して、本盤では通常パッケージで、なおかつ対訳が付いていることについても、この場を借りて評価をしておきたい。
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2015年06月18日
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広範なレパートリーを誇ったカラヤンであるが、カラヤンは必ずしもシューベルトを得意とはしていなかったようである。
カラヤン自身は、シューベルトをむしろ好んでおり、若き頃より理想の演奏を行うべく尽力したようであるが、難渋を繰り返し、特に、交響曲第９番「ザ・グレイト」に関してはフルトヴェングラーに任せるなどとの発言を行ったということもまことしやかに伝えられているところだ。
実際に、レコード芸術誌の「名曲名盤３００選」などにおいても、シューベルトの交響曲第８番「未完成」や交響曲第９番「ザ・グレイト」の名演として、カラヤン盤を掲げた著名な音楽評論家が皆無であるというのも、いかにカラヤンのシューベルトの評価が芳しいものでないかがよく理解できるところだ。
しかしながら、それほどまでにカラヤンのシューベルトの演奏は出来が悪いと言えるのであろうか。
本盤に収められているのは、カラヤンによる唯一のシューベルトの交響曲全集からセレクトされた２枚組である。
そして、カラヤンはシューベルトをその後一度も録音しなかった。
したがって、本演奏は、いずれもカラヤンによるこれらの交響曲の究極の演奏と言っても過言ではあるまい。
そしてその演奏内容は、他の指揮者による名演とは一味もふた味も異なる演奏に仕上がっている。
円熟のきわみにあった帝王とベルリン・フィルの名コンビぶりは、若書きの交響曲から、ゴージャスなサウンドを引き出して、比類のない魅力を引き出すことに成功。
ともに、３回ずつ、セッション録音を残している《未完成》と《ザ・グレイト》は、当ディスク所収の演奏が３回目のものであり、すみずみまでカラヤンの美学に貫かれているのが特徴だ。
本演奏に存在しているのは、徹頭徹尾、流麗なレガートが施されたいわゆるカラヤンサウンドに彩られた絶対美の世界であると言えるだろう。
シューベルトの交響曲は、音符の数が極めて少ないだけに、特にこのようないわゆるカラヤンサウンドが際立つことになると言えるのかもしれない。
したがって、シューベルトらしさといった観点からすれば、その範疇からは大きく外れた演奏とは言えるが、同曲が持つ音楽の美しさを極限にまで表現し得たという意味においては、全盛期のカラヤンだけに可能な名演と言えるのではないかと考えられる。
また、シューベルトの心眼に鋭く切り込んでいくような奥の深さとは無縁の演奏ではあると言えるが、これだけの究極の美を表現してくれたカラヤンの演奏に対しては文句は言えまい。
なお、カラヤンは当録音の以前にもシューベルトの楽曲を録音しているが、本演奏のような美の世界への追求の徹底度がやや弱いきらいがあり、筆者としては本演奏の方をより上位に掲げたい（カラヤンを好まない聴き手には、他の録音の方がより好ましい演奏に聴こえることも十分に考えられるところである）。
いずれにしても、本演奏は、全盛期のカラヤン＆ベルリン・フィルが醸成した究極の美の世界、そしてカラヤン流の美学が具現化された究極の絶対美の世界を堪能することが可能な極上の美を誇る名演と高く評価したい。
併録の劇音楽「ロザムンデ」序曲も、カラヤンの美学に貫かれた素晴らしい名演だ。
音質は、従来ＣＤ盤でも比較的満足できる音質であったと言える。
数年前にリマスタリングも施されたことによって、音質は更に鮮明になるとともに音場が幅広くなったように感じられるところであり、筆者も当該リマスタリングＣＤ盤を愛聴している。
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2015年06月14日
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これまで多くの聴者によって支持を集めているメジューエワによるシューベルトのピアノ作品集もついに第３弾の登場となった。
曲目も、最後の３つのピアノ・ソナタのうちの第２０番、そして同じイ長調のピアノ・ソナタとして有名な逸品である第１３番、そして楽興の時などの有名な小品集も収められており、まさに第３弾の名に相応しいラインナップを誇っていると言えるだろう。
それにしても、演奏は素晴らしい。
いや、それどころか期待以上の見事さと言っても過言ではあるまい。
本盤の演奏においても、メジューエワの基本的なアプローチは、第１弾や第２弾の演奏と基本的には変わっていないと言える。
メジューエワは、スコアに記されたすべての音符の１つ１つをいささかも揺るがせにすることなく、旋律線を明瞭にくっきりと描き出していくというスタンスで演奏に臨んでいる。
それでいて、いささかも単調に陥るということはなく、強靱な打鍵から繊細な抒情に至るまで表現力の幅は桁外れに広い。
全体の造型は非常に堅固であるが、音楽は滔々と流れるとともに、優美な気品の高さ、格調の高さをいささかも失うことがないのがメジューエワの最大の美質である。
そして、細部に至るまでニュアンスは豊かであり、その内容の濃さはメジューエワの類稀なる豊かな音楽性の証左と言えるだろう。
シューベルトのピアノ曲は、もちろん最後の３つのソナタの一角を構成する第２０番はもちろんのことであるが、その他の楽曲についても、ウィーン風の抒情に満ち溢れた名旋律の端々には寂寥感や死の影のようなものが刻印されているが、メジューエワによる本演奏は、かかる寂寥感や死の影の描出においてもいささかの不足もなく、前述のような気高くも優美なピアニズム、確固たる造型美なども相俟って、まさに珠玉の名演に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
第１弾及び第２弾の際のレビューにおいても記したところであるが、これほどの名演を聴くと、メジューエワの類稀なる才能をあらためて感じるとともに、今後の更なる成長・発展を大いに期待できるところだ。
今後、メジューエワがどのようなスケジュールでシューベルトのピアノ作品集の録音を進めていくのかはよくわからないが、第４弾以降にも大いに期待したいと考える。
特に、シューベルトのみならず、あらゆるピアノ・ソナタの中でも最高峰の傑作とされる最後の３つのソナタのうち、本盤の登場によって第１９番及び第２０番の２曲の録音が揃ったことになるが、第２１番において、メジューエワがどのような演奏を成し遂げるのか、実に興味深いと言えるところだ。
音質についてもメジューエワのピアノタッチが鮮明に捉えられており、素晴らしい高音質であると評価したい。
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2015年06月12日
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メジューエワによるシューベルトのピアノ作品集の第２弾の登場だ。
前回は最晩年のピアノ・ソナタ第１９番と晩年のピアノソナタ第１８番を軸とした構成であったが、今回は中期の傑作であるピアノ・ソナタ第１４番とさすらい人幻想曲を軸に、晩年の傑作である４つの即興曲、３つのピアノ曲などをカップリングした構成となっている。
前回の第１弾が圧倒的な名演であっただけに、大いに期待して聴いたところであるが、本盤の演奏もそうした期待をいささかも裏切ることがない素晴らしい名演に仕上がっていると高く評価したい。
本演奏においても、メジューエワの基本的なアプローチは前回と変わっていないと言える。
要は、１音１音を揺るがせにすることなく、旋律線を明瞭にくっきりと描き出していくというスタンスで演奏に臨んでいるが、いささかも単調に陥るということはなく、強靱な打鍵から繊細な抒情に至るまで表現力の幅は桁外れに広いと言える。
全体の造型は非常に堅固であるが、音楽は滔々と流れるとともに、優美な気品の高さをいささかも失うことがないのがメジューエワの最大の美質である。
そして、細部に至るまでニュアンスは豊かであり、その内容の濃さはメジューエワの類稀なる豊かな音楽性の証左と言えるだろう。
また、本盤に収められた各楽曲は、晩年の傑作である４つの即興曲や３つのピアノ曲は別格として、その他の楽曲についても、晩年の楽曲ほどではないものの、ウィーン風の抒情に満ち溢れた名旋律の端々には寂寥感や死の影のようなものが刻印されているが、メジューエワによる本演奏は、かかる寂寥感や死の影の描出においてもいささかの不足もなく、前述のような気高くも優美なピアニズム、確固たる造型美なども相俟って、まさに珠玉の名演に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
重厚堅固な構築性と自発的即興性がバランスよく結びついた弾きっぷりは、メジューエワの一層の進化・深化を物語るものであると言えよう。
これほどの名演を聴くと、メジューエワの類稀なる才能をあらためて感じるとともに、今後の更なる成長・発展を大いに期待できるところだ。
今後予定されているメジューエワのシューベルトのピアノ作品集第３弾にも大いに期待したいと考える。
音質についてもメジューエワのピアノタッチが鮮明に捉えられており、素晴らしい高音質であると評価したい。
とりわけ、ＤＳＤ録音がなされたさすらい人幻想曲などが収められた２枚目のＣＤについては極上の高音質録音であり、今後可能であればＳＡＣＤで聴きたいところだ。
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2015年06月10日
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メジューエワが、ショパンやシューマンなどの数々の録音に引き続いて、シューベルトのピアノ作品集に着手した時期の録音だ。
素晴らしい活躍を続けるロシア出身の実力派メジューエワは、本盤においても、曲想を精緻に描き出していくという基本的なアプローチは変わっていない。
１音１音を揺るがせにすることなく、旋律線を明瞭にくっきりと描き出していく。
ピアノ・ソナタ第１８番の第２楽章などにおける強靭な打鍵も女流ピアニスト離れした力強さが漲っているとも言える。
この演奏を聴くとシューベルトは歌の作曲家であると同時にリズムの作曲家でもあることを思い知らされる。
したがって、全体の造型は非常に堅固であるが、音楽は滔々と流れるとともに、優美な気品の高さをいささかも失うことがない。
そして、細部に至るまでニュアンスは豊かであり、その内容の濃さはメジューエワの類稀なる豊かな音楽性の証左と言えるだろう。
また、シューベルトの作品には、ウィーン風の抒情に満ち溢れた名旋律の数々が聴かれるが、その背後には寂寥感や死の影のようなものが刻印されており、これをどの程度表現できるかに演奏の成否がかかっている。
メジューエワは、繊細優美で愉悦感に溢れる音楽づくりは言うまでもなく、シューベルトの音楽のもうひとつの要素である寂寥感や死の影をそこはかとなく表出してゆく。
とりわけ、最晩年のピアノ・ソナタ（第１９〜２１番）の底知れぬ深みは、ベートーヴェンの後期のピアノ・ソナタにも比肩し得るほどの高峰にあるが、これを巧みに表現し得た深みのある名演として、内田光子盤が掲げられる。
メジューエワによる第１９番は、年功から言ってさすがに内田光子の域に達しているとは言えないが、それでも、寂寥感や死の影の描出にはいささかの不足もなく、前述のような気高くも優美なピアニズム、確固たる造型美などを総合的に鑑みれば、内田光子盤にも肉薄する名演と高く評価したい。
確固たる造型に支えられた線の太さと、千万変化するタッチを駆使した玄妙な表現が一体化した恐るべきシューベルトで、ここに収められているどの曲も、傑作であることを、深く納得させてくれる演奏だ。
録音もメジューエワのピアノタッチが鮮明に捉えられており、素晴らしい高音質である。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年05月24日
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この演奏ははっきり言って良くない。
アバドの後を追ってベルリン・フィルの第６代芸術監督に２００２年に就任したラトルであるが、就任から５年間ほどは、名うての猛者たちを統率することがままならず、新機軸を打ち出そうという気負いだけが空回りした凡庸な演奏を繰り返していた。
これは、アバドと同様であり、ベルリン・フィルの芸術監督就任前の方が、よほど素晴らしい演奏を成し遂げていたとも言えるところだ。
ラトルは今日でこそベルリン・フィルを完全に掌握し、現代を代表する大指揮者の１人として数々の名演を成し遂げつつあるが、ベルリン・フィルの芸術監督に就任してから数年間は鳴かず飛ばずの状態が続いていた。
世界最高峰のオーケストラを手中に収め、それだけに多くのクラシック音楽ファンの視線は厳しいものとならざるを得ないが、そうしたことを過剰に意識したせいか、気負いだけが空回りした凡庸な演奏を繰り返していたと言えるところだ。
個性を発揮しようと躍起になるのは結構なことであるが、自らの指揮芸術の軸足がふらついているようでは、それによって醸成される演奏は、聴き手に対して、あざとさ、わざとらしさしか感じさせないということに繋がりかねない。
しかしながら、２００８年のマーラーの交響曲第９番あたりから、漸くラトルならではの個性が発揮された素晴らしい名演を成し遂げるようになった。
芸術監督に就任してから５年を経て、漸くベルリン・フィルを統率することができるようになったことであろう。
先般、ＳＡＣＤ化された芸術監督お披露目公演のマーラーの交響曲第５番も、意欲だけが空回りした凡庸な演奏であったし、その後もＲ.シュトラウスの交響詩「英雄の生涯」、ベルリオーズの幻想交響曲、ブルックナーの交響曲第４番など、箸にも棒にもかからない凡演の山を築いていたと言える。
ラトルも、ベルリン・フィルの芸術監督就任後は、名うての一流奏者たちを掌握するのに相当に苦労したのではないだろうか。
そして、プライドの高い団員の掌握に多大なる労力を要したため、自らの芸術の方向性を見失っていたのではないかとさえ考えられるところだ。
それ故に、必然的に意欲だけが空回りした演奏に終始してしまっている。
本演奏も美しくはあるが根源的な力強さがない。
同曲を精緻に美しく描き出すことにつとめたのかもしれないが、本演奏を聴く限りにおいては、ラトルがシューベルトの交響曲第９番「ザ・グレイト」をこのように解釈したいという確固たる信念を見出すことが極めて困難である。
そうなった理由はいくつかあるが、やはりラトルの気負いによるところが大きいのではないだろうか。
ベルリン・フィルの芸術監督という、フルトヴェングラーやカラヤンといった歴史的な大指揮者が累代に渡ってつとめてきた最高峰の地位についたラトルにしてみれば、肩に力が入るのは当然であるとは言えるが、それにしてはラトルの意欲だけが空回りしているような気がしてならないのだ。
ベルリン・フィルの猛者たちも、新芸術監督である若きラトルの指揮に必死でついていこうとしているようにも思われるが、ラトルとの息が今一つ合っていないように思われる。
そうした指揮者とオーケストラとの微妙なズレが、本演奏にいささか根源的な力強さを欠いていたり、はたまた内容の濃さを欠いていたりすることに繋がっているのだと考えられるところだ。
もちろん、ベルリン・フィルの芸術監督に就任したばかりの若きラトルに過大なものを要求すること自体が酷であるとも言える。
現代のラトルがシューベルトの交響曲第９番「ザ・グレイト」の録音を行えば、より優れた演奏を行うことができたのではないかと容易に想定できるだけに、ラトルは、同曲の録音を行うのがいささか早過ぎたと言えるのかもしれない。
音質は、これまでＨＱＣＤ化が図られることなどによって十分に満足できる良好な音質であると評価したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年05月17日
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広範なレパートリーを誇ったカラヤンであるが、カラヤンは必ずしもシューベルトを得意とはしていなかったようである。
カラヤン自身は、シューベルトをむしろ好んでおり、若き頃より理想の演奏を行うべく尽力したようであるが、難渋を繰り返し、特に、交響曲第９番《ザ・グレイト》に関してはフルトヴェングラーに任せるなどとの発言を行ったということもまことしやかに伝えられているところだ。
実際に、レコード芸術誌の「名曲名盤３００選」などにおいても、シューベルトの交響曲第８番《未完成》や交響曲第９番《ザ・グレイト》の名演として、カラヤン盤を掲げた著名な音楽評論家が皆無であるというのも、いかにカラヤンのシューベルトの評価が芳しいものでないかがよく理解できるところだ。
しかしながら、それほどまでにカラヤンのシューベルトの演奏は出来が悪いと言えるのであろうか。
ともに、３回ずつ、セッション録音を残している《未完成》と《ザ・グレイト》であるが、本盤に収められたの演奏はそれぞれ２回目のものであり、カラヤン＆ベルリン・フィルがまさに黄金の絶頂期を迎える少し前のもので、この頃ならではの推進力ある演奏に仕上がっており、すみずみまでカラヤンの美学に貫かれているのが特徴だ。
《未完成》は１回目のフィルハーモニア管弦楽団との録音よりも、さらにカラヤンの自己主張が強い。
しかし作品を歪曲するものではなく、美しく魅力的なアプローチであり、なめらかな旋律線に独自の感覚美を与えながら、全体を感興豊かに表出している。
《ザ・グレイト》は《未完成》より明るい音質で、演奏は全体に速めのテンポをとり、強い推進力をもってシューベルトのスコアから劇性と交響性を引き出している。
重厚な響きが快速テンポで運ばれるドライブ感が痛快、輝く金管群も後年のものとはまた違った響きであり、聴いていて爽快で、ベルリン・フィルの超絶技巧が冴えに冴え、信じられない重低音が鳴り響き、轟き渡っている。
壮年期のカラヤン、まさに血の気が多い時期だったのだろう、非常に強力な統率力でオケをドライブしている。
天下のベルリン・フィルといえども、今ではこんな壮絶な演奏は不可能になってしまった。
そして、本演奏に存在しているのは、徹頭徹尾、流麗なレガートが施されたいわゆるカラヤンサウンドに彩られた絶対美の世界であると言えるだろう。
シューベルトの交響曲は、音符の数が極めて少ないだけに、特にこのようないわゆるカラヤンサウンドが際立つことになると言えるのかもしれない。
したがって、シューベルトらしさといった観点からすれば、その範疇からは大きく外れた演奏とは言えるが、同曲が持つ音楽の美しさを極限にまで表現し得たという意味においては、全盛期のカラヤンだけに可能な名演と言えるのではないかと考えられる。
また、シューベルトの心眼に鋭く切り込んでいくような奥の深さとは無縁の演奏ではあると言えるが、これだけの究極の美を表現してくれたカラヤンの演奏に対しては文句は言えまい。
なお、カラヤンは当録音の以後にもこの２曲を含むシューベルトの交響曲全集をＥＭＩに録音しており、華麗さと美への追求はいっそう徹底していると言えるが、カラヤンのアプローチがより徹底している本盤のほうを筆者はより好んで聴いている。
特にカラヤンを好まない聴き手にとっては、本演奏の方がより好ましい演奏に聴こえることも十分に考えられるところである。
いずれにしても、本演奏は、全盛期のカラヤン＆ベルリン・フィルが醸成した究極の美の世界、そしてカラヤン流の美学が具現化された究極の絶対美の世界を堪能することが可能な極上の美を誇る名演と高く評価したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年05月03日
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定期公演の実況盤であり、良くも悪くも実演に於けるフルトヴェングラーの特徴が最大限に発揮された「ザ・グレイト」である。
それだけにフルトヴェングラーのファンには逸することのできぬものと言えよう。
フルトヴェングラーでも、これだけ感情を生に爆発させた例は珍しいほどだ。
第１楽章の主部をこんなに速いテンポで、これほど燃え上がるような迫力で指揮した人を筆者は知らない。
ものものしく、じっくりと開始して、次第に盛り上げてゆくという、フルトヴェングラーのいつものやり方とは違い、最初から夢中になっている。
したがって、著しく動的な演奏であり、聴く者もわれを忘れて引きずり込まれてしまう。
テンポの極端な変動も自在に行われ、第２主題はもちろんのこと、展開部へ入る瞬間の気分の変え方はまことに堂に行っている。
さらに提示部と展開部のそれぞれ終わりの部分や、コーダなどのアッチェレランドは常軌を逸しており、時には唐突である。
展開部の終わりで大きくテンポを落としたまま、再現部でア・テンポに戻らず、そのまま進行するのも即興的だ。
おそらく会場でこの実演に接していた人たちはフルトヴェングラーの呪縛にかかって興奮の極みを示してしたに違いなく、曲頭に多かった咳払いが主部に入るやほとんど聞こえなくなってしまうほどだが、１９４２年のフルトヴェングラーにはやや後年の円熟味が欠け、即興的にすぎて造型に乱れを見せているのは事実であろう。
にもかかわらず、これだけやり尽くしてくれればそんな疑問は吹っ飛び、裸身のフルトヴェングラーを垣間見る想いで、ファンにはこたえられない。
展開部の最後におけるホルンとティンパニの最強奏など、いったい何事が始まったのかと思うほどだし、コーダの決め方もさすがだが、ここだけはフィナーレの同じ部分とともに、音がマイクに入り切っていないもどかしさも残る。
第２楽章は毅然たる進行がシューベルトらしい温かいロマンティシズムを弱める結果になっているが、それでも曲が進むにつれてフルトヴェングラー独特の神秘な表情やテンポの揺れが頻出し、恍惚たる弦の歌も出て、細部まで堪能させてくれるのである。
スケルツォは速いテンポと素朴なリズムの躍動による生命力あふれた表現であり、メロディックな部分とリズミカルな部分でテンポがごく自然に変わるのも賛成だ。
最近は杓子定規な演奏が流行っているが、曲想によるテンポの動きは当然なくてはならぬところであり、それが自然であれば゛“イン・テンポ”なのである。
ただしこの楽章、アンサンブルや楽器のバランスに緻密さを欠くのと、トリオの平凡なのがマイナスと言えよう。
フィナーレは第１楽章とともに最もフルトヴェングラーらしい部分だ。
ことに冒頭を芝居気たっぷりな遅いテンポで開始し、みるみるアッチェレランドを掛けてゆくやり方はフルトヴェングラーならではの表現で、まったくうれしくなってしまう。
大時代だと笑う人もあろうが、これこそフルトヴェングラーのドラマであり、真実性にあふれているため、少しも不自然ではない。
むしろこのようなフルトヴェングラー節を享受できず、のめり込めない人のほうが不幸だと思う。
それにしてもフィナーレのテンポは速い。
ひびきとダイナミックスはあくまで凄まじく、トランペットが強奏され、再現部のスピード感は異常なほどで、ブルックナーの「第９」におけるスケルツォを想わせ、ついて行けない人もあろうが、会場で生を直接に聴けば、おそらく居ても立ってもいられないはずだ。
そしてその中に、たとえば展開部の冒頭のように、テンポが落ち、テーマが思いがけぬみずみずしさで登場して、ハッとさせる部分も含まれているのである。
フルトヴェングラーはティンパニを人一倍活躍させる指揮者であり、ベートーヴェンの「第４」やブラームスの「第３」のように、ティンパニの追加がうるさく感じられる曲もあるが、この場合は成功していると思う。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年05月02日
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筆者は他の演奏のレビューでもこれまでよく記してきたところであるが、シューベルトの交響曲第９番「ザ・グレイト」の演奏は極めて難しいと言える。
それは、レコード芸術誌の「名曲名盤３００選」などにおいて、著名な音楽評論家が選出する同曲の名演の順位が割れるのが常であることからも窺い知ることができるところである。
このことは、シューベルトをどう捉えるのかについて定まった考え方がないことに起因すると言えるのではないかとも考えられる。
フルトヴェングラーによるシューベルトの交響曲第９番「ザ・グレイト」の名演として、本演奏以外に一般的に最もよく知られているのは、録音自体は極めて劣悪ではあるが、本盤と同じくベルリン・フィルを指揮した１９４２年盤（ライヴ録音）ということになるのではないだろうか。
当該演奏におけるフルトヴェングラーの表現はドラマティックそのもの。
あたかもベートーヴェンの交響曲のエロイカや第５番、第７番を指揮する時のように、楽曲の頂点に向けて遮二無二突き進んでいく燃焼度の高い演奏に仕上がっている。
このような劇的な性格の演奏に鑑みれば、フルトヴェングラーはシューベルトをベートーヴェンの後継者と考えていたと推測することも可能である。
しかしながら、本盤に収められた演奏は、１９４２年盤とは全く異なる性格のものだ。
ここでのフルトヴェングラーは、荘重な悠揚迫らぬインテンポで決して急がずに曲想を進めている。
シューベルトの楽曲に特有の寂寥感の描出にもいささかの不足もなく、楽曲の心眼に鋭く切り込んでいくような彫りの深さには尋常ならざるものがある。
本演奏は、あたかもブルックナーの交響曲のような崇高さを湛えていると言えるところであり、本演奏だけに限ってみると、フルトヴェングラーがシューベルトをブルックナーの先達であるとの考えに改めたとすることさえも可能である。
実際のところは、フルトヴェングラーがシューベルトを、そして交響曲第９番「ザ・グレイト」をどう捉えていたのかは定かではないが、あまりにも対照的な歴史的な超名演をわずか１０年足らずの間に成し遂げたという点からして、フルトヴェングラーがいかに表現力の幅が極めて広い懐の深い大指揮者であったのかがよく理解できるところだ。
ただ、本演奏の弱点は、音質が必ずしも良好とは言えなかったところであり、従来盤ではフルトヴェングラーの彫りの深い表現を堪能することが困難であったと言わざるを得ない。
しかしながら、今般のシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化によって見違えるような素晴らしい音質に生まれ変わり、フルトヴェングラーの遺産の中でも特筆すべき出来映えに仕上がったと言えるところだ。
第１楽章冒頭のホルンの音色はいささか古臭いが、第２楽章の豊穣な弦楽合奏の音色、第３楽章の低弦の唸るような重厚な響きなど、ここまで鮮度の高い音質に蘇るとは殆ど驚異的ですらある。
これによって、フルトヴェングラーの彫りの深い表現を十分に満足できる音質で堪能できるようになった意義は極めて大きいと考える。
ハイドンの交響曲第８８番「Ｖ字」も、シューベルトの交響曲第９番「ザ・グレイト」と同様のアプローチによるスケール雄大で彫りの深い名演であり、第１楽章の弦楽合奏の豊穣で艶やかな響きなど、音質向上効果にもきわめて目覚ましいものがある。
いずれにしても、フルトヴェングラーによる至高の超名演を、このような高音質のＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ盤で味わうことができるのを大いに喜びたい。
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2015年05月01日
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フィッシャー＝ディースカウが１９５１年にＥＭＩとレコーディング契約をして以来の伴奏者だったピアニスト、ジェラルド・ムーアとのコラボレーションによるシューベルトの歌曲集。
溌剌とした時代の若きディースカウの歌声が響き、当時から卓越した美声と表現力をもっていたことが、今回オリジナルの形そのままに復活したシューベルト歌曲集で十分に示されている。
先般のＥＭＩによる過去の名盤のＳＡＣＤ化シリーズにおいては、若き日のフィッシャー＝ディースカウによる一連のシューベルトの歌曲集も採り上げられることになった。
フィッシャー＝ディースカウは、紛れもなく独墺系歌曲の最高の歌い手の１人であると言えるが、その最高の名唱とされているのは、何と言っても１９７０年代にジェラルド・ムーアと組んでスタジオ録音（ＤＧ）したシューベルトの３大歌曲集と言えるのではないだろうか。
本盤に収められたシューベルトの歌曲の演奏は、それよりも約２０年ほど前の若き日の歌唱ということになるが、モノラル録音という音質面でのハンディはあるものの、１９７０年代の名唱とは違った意味で、素晴らしい名唱と評価したいと考える。
というのも、フィッシャー＝ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、後年の歌唱においては、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、若さ故の気迫や熱き生命力が全体に漲っており、いささかも技巧臭を感じさせないのが素晴らしいと言えるからだ。
そして、勢い一辺倒の内容のない歌唱には陥っておらず、どこをとっても、シューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが見事である。
本盤に収められた歌曲は、いずれもシューベルトの歌曲の中では必ずしも有名なものとは言い難いものであると言えるが、それでも各歌曲の聴かせどころのツボを心得たいい意味での演出巧者ぶりは、本演奏当時の若き日より健在であると言えるところであり、まさに非の打ちどころのない名唱に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
ジェラルド・ムーアのピアノ演奏も、シューベルトの楽曲に特有の寂寥感に満ち溢れた美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、フィッシャー=ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質は、モノラル録音というハンディもあって、従来ＣＤ盤の音質は、いささか鮮明さに欠ける音質であり、時として音が歪んだり、はたまた団子のような音になるという欠点が散見されたところであった。
ところが、今般、ついに待望のＳＡＣＤ化が行われることによって大変驚いた。
従来ＣＤ盤とは次元が異なる見違えるような、そして１９５５年のモノラル録音とは到底信じられないような鮮明な音質に生まれ変わったと言える。
フィッシャー＝ディースカウの息遣いやジェラルド・ムーアのピアノタッチが鮮明に再現されるのは殆ど驚異的であり、あらためてＳＡＣＤの潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー＝ディースカウ、そしてジェラルド・ムーアによる素晴らしい名演を、ＳＡＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したいと考える。
なお、当たり前のことではあるが、前述の３大歌曲集のＳＡＣＤ化に際して、扱いにくい紙パッケージに封入したことや対訳を省略したユニバーサルに対して、本盤では通常パッケージで、なおかつ対訳が付いていることについても、この場を借りて評価をしておきたい。
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2015年04月24日
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ワルター晩年の一連の録音の中でも、彼の温かい人柄と鋭敏さの表れた屈指の名演奏と高く評価したい。
シューベルトの「第９」は超名曲であるが、演奏そのものは非常に難しいと考えている。
というのも、シューベルトが相当な意欲を持って作曲しただけに、ここには、あらゆる要素が内包されているからである。
ウィーン風の優美な情緒は当然のこととして、偉大なる先達であるベートーヴェンを意識した並々ならぬ意欲、最晩年のシューベルトならではの死への恐怖と人生への達観の境地、そして、後年のブルックナーの交響曲につながる巨大さだ。
同曲の名演が、どこか食い足りないのは、これらのすべての要素を兼ね備えるということが容易ではないことに起因するものと考えている。
そのような中で、ワルターの演奏は、ブルックナーの交響曲につながるような巨大さにはいささか欠けるものの、それ以外の要素についてはすべて兼ね備えた名演と言えるのではないだろうか。
まさにこの曲の「天国的な美しさ」が端的に伝わってくる名演と言えるところであり、シューベルト最後最大の、そして歌に満ち抒情あふれる美しいこのシンフォニーを、ワルターは心優しく温かくのびやかに歌いあげている。
それでいて、メリハリはきいているし、アゴーギグをきかせてテンポを動かし、リズムを生かしている。
各楽器の弾かせ方にもウィーン風の情緒が漲っているし、例えば終楽章にも見られるように、劇的な迫力においてもいささかの不足もない。
特に第３楽章のトリオの優美さは、もうこれ以上の演奏は考えられないくらい素晴らしく、他のどんな名指揮者が一流オケを振った演奏よりもこの曲の美しさが浮かび上がってくる様は、ワルターの至芸という他はない。
また、第２楽章の中間部の、シューベルト最晩年ならではの行き場のない陰りの音楽の絶妙な表現も見事の一言に尽きる。
コロンビア交響楽団も、ワルターの統率の下、極上の美演を披露しており、本名演に華を添えている点を見過ごしてはならない。
現代の指揮者では少なくなってしまった人間味あふれるのびやかなワルターの指揮とシューベルトのスケール雄大な曲が相俟って、聴き応えのするアルバムになっている。
ＤＳＤリマスタリングによって、音質が驚くほど鮮明でクリアになったのは、大変素晴らしいことだ。
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2015年04月14日
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アルバン・ベルク四重奏団は、１９７１年に第１ヴァイオリンのギュンター・ピヒラーをリーダーとして結成されたウィーンの団体で、ベルク未亡人の同意を得てこの名称を冠し、ベルクの作品でレコード・デビューを果たしたことは周知のとおり。
レヴェルの高いこのデビュー盤で、たちまちヨーロッパで一目置かれる存在となった。
ベルクにとどまらず、ウィーンとゆかりの深い作曲家の作品をレパートリーとして数々の録音を行なってきたが、このシューベルトの代表的弦楽四重奏曲２曲もそのひとつ。
これは、大変内容の充実したスケールの大きな演奏で、ウィーンの伝統に即しながら、新しい感覚で表現しているところが魅力だ。
アルバン・ベルク四重奏団は、モーツァルトやベートーヴェン、またブラームスなどのロマン派の作品、あるいはバルトークやベルク、ウェーベルンの曲にしても、かなり早い時期から独自の境地を開いており、年を経るごとに大きく変わってくるということがなかったように思われる。
そうした中でも、特にシューベルトの作品に対しては、決して構えた姿勢や力の入った表現ではとらえようとはせず、実にのびのびとした演奏を聴かせるが、それでいて、必要な内的緊迫感を見事に表現しているのが素晴らしい。
とりわけ《死と少女》は、彼らにとって決してルーティンなどになりえない、まさに唯一無二のかけがえのない世界だったようで、常に全力投球を惜しまなかった。
シューベルトの美しい旋律とハーモニーの陰に隠された恐ろしいまでの孤独と寂寥感をこのアルバン・ベルクＳＱの演奏は聴かせている。
第１ヴァイオリン奏者のピヒラーは、「シューベルトの音楽に表現された彼岸の世界ほど表現することが難しいものはない」とよく言っていたが、この《死と少女》の演奏は、その典型的な例と言えるところであり、これまでのウィーン流のたおやかなシューベルトのイメージを一蹴し、新風を吹き込んだ演奏である。
そのアンサンブルはきわめて緊密で、すこぶる明快、彫りの深い力感を重んじながら透明な響きで旋律をよく歌うと同時に、明晰で厳しくそして緻密にシューベルトの音楽の内面まで深く掘り下げて表現する。
したがって悲劇性と抒情性も含めてこの曲のさまざまな性格が迫真的に表現されている。
各声部の絶妙な語り口で暗いロマン的情熱を適度に引き出している第１楽章、深刻さよりも抒情性が優位に立っているような表現の第２楽章はひとつひとつの変奏もよく旋律の歌わせ方も見事であり、主部と中間部との際立った対比が巧みな第３楽章など、どこをとってみても彼ら独自の美しさが見事に表出していると思う。
この演奏には迸るような激しい情熱や異例なほどの緊張感に満ちた厳しさが溢れているだけに、その間を縫って明滅するように奏でられる抒情的な歌の彼岸の世界をくっきりと浮かび上がらせている。
シューベルトの音楽が、このように際立った鋭さと緊迫感をあらわにするのは、そう多くあることではない。
それでいて、音楽が硬直せず、洗練された情感をもっているのは、この団体の音楽性であろう。
カップリングされている《ロザムンデ》の演奏も聴き応えがあり、端正な造形で、この作品の歌と抒情とをすっきりとまとめあげていて、その爽やかさに惹かれる。
豊かな艶をもったピヒラーの第１ヴァイオリンを中心に、流麗に、そして強固に表現されたシューベルトだ。
特に第１楽章ではしなやかな歌も忘れておらず、動と静のコントラストを巧みに活用し、懐の深さを示している。
現代的な鋭利な感覚のなかに、この曲固有の優美な抒情性を無理なく共存させているところに、このＳＱの特色があると言えよう。
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2015年04月09日
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シューベルトの即興曲全８曲を演奏したものとしては、ブレンデルのＣＤが特に優れたものと言える。
そのシューベルトをおそらくは全ピアニストで最も理解しているブレンデルの即興曲集は格別の美しさだ。
まろやかなタッチで、これらの作品からロマンの息吹きを詩情豊かに弾き出した演奏で、その即興性に満ちた“歌”の美しさは比類がない。
ブレンデルは徹底して通俗性を排しながら、たおやかな歌が淡々と歌われてゆく。
和音の微妙なニュアンスも絶品で、ブレンデルのデリケートで考え抜かれたアプローチが、全面的に生かされていると言えよう。
ブレンデルはシューベルトの抒情を大切にしながらも、この曲集を２つのソナタのように、統一感のある構成力で美しくまとめている。
各曲とも、実に綿密に設計された演奏で、それぞれの曲の性格をしっかり浮き彫りにしており、細部まで完璧にコントロールされているが、音の柔らかさと流れの自然さが知と情の見事なバランスを保っている。
ブレンデルが弾くシューベルトは、ピアノ・ソナタも小品集も、安定と調和を聴き手に強く意識させるところがある。
決して激しすぎず、決して過剰な感情に溺れない、本質的に“中庸”を志向する気質なのだろう。
そうした中庸の落ち着きのある表現が、聴き手に精神的な安らぎをもたらし、潤いのある自然な抒情が感覚的な楽しみを与えてくれる。
しかもブレンデルの演奏は、１音１音がしっかりと打鍵されており、ピアニッシモまで良く聴きとれるので、曲の構成が良く分かる演奏である。
寂寥感と美しさが渾然一体となったシューベルトの即興曲集であるが、ブレンデルの演奏は、曲の構成が明瞭であるだけではなく、抒情と知性のバランスが良く取れている、模範的な演奏と言える。
これは、寂寥感も美しさも良く出ているが、情に流れたり、知的になり演奏が硬くなっていないと言う意味であり、ただ単に中庸ということではない、優れた演奏で、何度聴いても飽きない。
特に作品１４２の第３番は、纏綿とうたわれる歌が実に美しく、ウィーンの音楽家シューベルトを実感させるだろう。
聴き手を強引に自分の世界に引っ張っていこうとしないのに、聴き手がついてくる、それがブレンデルのシューベルトだ。
ＣＤは新旧２種類の録音があるが、もちろんここではブレンデルの円熟の境地を示した新しいデジタル録音を推しておく。
新盤は、旧盤に比べると、ブレンデル独特の美しい音色と巧まざるその語り口にいっそう磨きがかかり、しかも一段と彫琢された音と表現が素晴らしく、シューベルトの孤高な世界と高貴な美しさを浮き彫りにしている。
自然な表情をもって、美しい佇まいのなかにも緊張感の漲った感動的な表現で、詩人ブレンデルの面目躍如たる名演だ。
筆者の知る限りでは、リリー・クラウス、内田光子と並ぶ即興曲の３強の１角を占める演奏と言って良く、今までシューベルトを敬遠していた人もこれを聴けばきっとシューベルトへの入り口が開けるはずだ。
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