マーラー
2008年07月23日
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マーラーが登場した１９世紀後半の音楽史は、ワーグナーの「総合芸術」すなわち劇と音楽を一体に結びつけた「楽劇」が絶大な旋風を巻き起こし、一方純粋器楽を代表する交響曲においては、ブラームスとブルックナーがそれぞれのやり方で交響曲に新たな可能性を切り開いた。
当時ウィーンでワーグナー対ブラームスという美学論争が起こったが、マーラーはこの相反する芸術理念を交響曲という枠組みの中で止揚し総合して、ロマン派交響曲を最終的な到達点まで推し進めた。
「私にとって交響曲を作曲することは、あらゆる可能な技術的手段を用いて、すべてを包含する一つの世界を打ち立てることを意味する。」
ここでマーラーが言う「世界」とは、当然のことながら旧来の方法論だけで表現するのは困難で、マーラーはさまざまなレトリックを駆使して作曲に挑んだ。
一つの交響曲の中に聖なるものと俗悪なもの、素朴なものと精巧なもの、悲劇的なものとグロテスクなものなど、矛盾し対立する要素が同居しているのは、すべてを内包すべく奮闘した結果なのである。
またマーラーの音楽にはユダヤ人という出自と、不幸な生活環境に由来する厭世思想と死生観が一貫している。
彼の創作活動はまさに人間苦の苦悶そのもの、より高い精神に向かって昇る道程であり、享楽的な側面は微塵もなかった。
ドイツの思想家アドルノが、マーラーを「ベートーヴェン以来、最も形而上学的な作曲家」と位置付けたゆえんである。
以上のようにマーラーの芸術は理解されるまでに長い時間を要したが、作曲技法的にも２０世紀音楽に大きな影響を及ぼし、１９世紀末の音楽史で非常に意義深い役割を果たした。
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2008年06月16日
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バーンスタインの新しいマーラー/交響曲全集の完結篇。但しアナログ録音で、第８番は先に発売されていたＬＤと同一音源である。
マーラー自身、友人の大指揮者メンゲルベルクに宛てた手紙のなかで、「大宇宙が鳴り響きはじめるとお考えください」と述べているように、交響曲第８番は、形式的にも、内容的にも、それまでのマーラーの音楽の集大成とでもいうべき超大作となっている。
バーンスタインは、この大曲を、実にスケールの大きな表現で描き上げており、フィナーレに向かって突き進む迫力は類をみない。楽器と声部とのバランスも素晴らしい。
第１部から驚くほど豊かな生命力にあふれている。
声楽部の力量も素晴らしく、合唱のアンサンブルや情熱に満ちた表情は感動的で、白熱の輝きを放つコーダまで聴く者を圧倒する。
第２部も豊かな感興に満ちたバーンスタインならではの世界であり、雄渾・壮大をきわめたこの演奏は凄絶な力を放射している。
堂々とした風格と共に高まる終結部の「神秘の合唱」は、聴く者を恐るべき感動の渦に巻き込むに違いない。
交響曲第１０番〜アダージョは作品の内面を深く味わわせる名演だ。
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2008年06月14日
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新盤はこれ以上は考えられないような秀演である。バーンスタインはマーラーの楽譜を読み尽くしている。
そしてデュナーミクの細かな指示よりも旋律の自然さを尊重し、古き良き時代の暖かさと大らかさを存分に表現している。
これこそバーンスタインによって再創造されたマーラーだ。
同じニューヨーク・フィルを指揮した旧盤に比べると、華やかな表現をいくぶん抑えた演奏となっており、バーンスタインがじっくりとこの作品に取り組んでいるのがよくわかる。
ここでは、マーラーが指示したテンポの揺れ動きや強弱の激しい交代、立体的な対位主題の大胆な併置、管弦楽の強烈な色彩が、ここまでやれるのかと思えるほどに激しくデフォルメされているが、それでいてこの表現主義的な身振りが、一個の「自然」に達していると思えるほどに演奏者の血肉と化したような自在さを伴っている。
ユダヤ的というべきアクの強いアーティキュレーションやスフォルツァンドの感覚など、見事の一語に尽きる。
ニューヨーク・フィル起用の選択の成功も大きい。ことに、オーケストラの力強い合奏力を生かした終楽章の盛り上げ方は秀逸だ。
特にフィナーレの爆発的高揚にはこのオーケストラの底力が不可欠のものなのだ。
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2008年06月13日
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１９９１年９月にニューヨーク・フィルと再録予定の第８番を残してバーンスタインは世を去ったため、マーラーに関しては、この第６番が遺作となってしまった。
バーンスタインにとっての２１年ぶりの第６番は、冒頭から凄いほどの推進力で突き進む嵐のような表現だ。
バーンスタインは、この作品のもつ構成的な強さを明確に打ち出した演奏を行っており、ことにオーケストラの対位法的処理が見事である。
暗い情感をよくあらわれた表情も迫力があり、その気迫には打たれる。
音楽が自然で響きに重量感があり、ディティールまで表情が鮮明な上に、マーラー独自の音構造やモチーフを的確に表現しながら、一瞬の渋滞もない劇的迫力で聴き手を圧倒する。
特に第１楽章のメイン・テンポが非常に快調なので、晩年のバーンスタインを敬遠していた向きにも薦められよう。
アルマの主題を、指定通り粘らないで歌い出す等、随所で楽譜の読みの深さが示されているが、それでいて、細部に足枷を嵌められたような窮屈さはない。
第１楽章などは、バーンスタインの再録のチクルス中、最も前進エネルギーの強い、剛毅な表現といえよう。リズミックに進む第２楽章も同様だ。
アンダンテは、たっぷりと旋律を歌わせているものの、一人よがりな微速前進というほどには粘らないので、第１楽章の中間部や、第２楽章のトリオ同様、バーンスタインのナイーヴな感性と、祈りの感情が程よくミックスされ、アット・ホームな音楽に仕上がっている。
しかし、この演奏の聴き所は、何といっても第４楽章にある。曲が盛り上がってきて、様々な要素が輻輳してくるほど、スケールが広がり、表現の重みが増してくるのがレニーの真骨頂。
展開部あたりからの、白兵戦さながらの凄絶なモティーフのぶつかりあい、３９４小節の大見栄等、山場の連続となる。
「亡き児」のハンプソンは表現的・文学的な歌を聴かせ、オケとの対照と融合が絶妙だ。
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2008年06月12日
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１９６８年、シュヴァルツコップとＦ=ディースカウという２人の名歌手の最盛期の録音である。
数々の名盤が多いこの曲だが、この１枚にかなうものはない。
いくぶん２人の表情のつけ方が濃厚すぎるきらいもあるが、実に絶妙な歌いまわしで、聴いていると思わずひきこまれてしまう。
その熟達した歌唱は比類がない。
マーラーの長大なフレーズ、民謡風の色合い、そして少年時代の記憶の反芻から生まれる音たちの断片を集合し、これらを通して２人のリートの大家の歌い口は、本当に鮮やかに、生き物のように耳にとびこんでくる。
マーラーのエッセンスがすべてぶちこまれたようなこの歌曲集の、マーラーの悲しみ、憧れ、素朴な喜び、皮肉、人間存在への激しい慟哭や冷笑、運命への屈従と反抗、それらあらゆる全ての要素が恐るべき同化力をもって表現されるという結実に至っている。
セルも、あたたかい伴奏をつけており、そのうまさとあいまって圧倒的な名演となっている。
そしてマーラーの中からセンチメンタルな部分を濾過したセルの指揮が全体を引き締めている。
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2008年06月11日
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旧盤はバーンスタインの名声を高めたディスクであり、極めて啓蒙的解釈といえるが、そこにこの指揮者の激しい共感が示されている。
率直に感情を表面化した身ぶりの大きな音楽で、テンポもかなり動く。
現在聴いてみるとやや古めかしい解釈とも思えるが、それが作品への強い共感から生み出されているので不自然な印象は受けない。
新盤は１９８７年、新しいマーラーシリーズで初めてウィーン・フィルを起用したフランクフルトでのライヴ録音。
バーンスタインは、この曲のもつさまざまな情感を、スケールの大きな表現で描き出していて、一種異様な熱気をはらんだ演奏となっている。
第１楽章と第２楽章から形成される第１部で、バーンスタインが表現したものは未聞の沸騰である。感情のあらゆる動きがマーラーとの同化を相克を経て直接音化されて具現化されるさまは、筆舌に表し難い激しさをもっている。
第３部の終わりの２楽章だが、名高い第４楽章の耽美的表情や、フィナーレにかけての盛り上げ方は、凄まじい迫力だ。
ことに有名なアダージェットから生の希望に燃えたロンド・フィナーレに入っていくあたり、壮絶なまでに、死を乗り越えた人間の喜びがあふれている。
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2008年06月10日
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旧盤はバーンスタインのマーラー・シリーズの中でも特に印象的だ。
演奏は１９世紀的な名残りをとどめるといってよい。旋律を息長く、たっぷりと歌わせ、テンポも自在に伸縮しており、非常に温かい響きをもっている。
しかし、ディティールは詳細に描かれ、音楽の流れは合法則的といってよく、その中にバーンスタインの感興が明滅するのが面白い。
第１楽章はリズミカルで安定した進行を示し、第３楽章は繊細に歌う弦がことのほか美しく、その悠揚とした歩みは、さすがにこの指揮者のスケールの大きさを示している。
終楽章のグリストの独唱は素朴だが、快活で晴れやかな気分がある。
新盤はコンセルトヘボウの威力を最大限に発揮させながら、マーラーの精緻なオーケストレーションを、卓越した表現力で再現した力演である。
ディティールをすみずみまで考えぬき、自由自在に表情づけを行うなど、独自の感性が示されているが、すべての音が解放感をもって鳴り響いて素晴らしい。
第１楽章第１主題など実に爽やかなリズムをもって生き生きと歌われているし、第２楽章は一層主観的だがデュナーミクは正確で的確、木管やヴァイオリンの色彩感覚なども特筆に値する。
ただ第４楽章のボーイ・ソプラノの起用は、興味深い解釈とはいえ、やはり疑問が残る。
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2008年06月08日
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旧盤は、この曲のもつ田園風で天国的な憧れの気分を入念に表現しつくしている。第１楽章は明るい響きで抒情を描き、第３，６楽章は柔らかな表情のなかに緊張感がみなぎっている。ソロも美しい。
新盤でのバーンスタインは、持ち前の劇的な自我の表出を抑え、枯淡に近づくような抑制力を感じさせる。
第１楽章などそれでも線が太く、逞しく、自在な表情を駆使している。
マーラー固有の悲劇的色彩の濃い第１楽章の深々とした呼吸もさることながら、天国的ななごやかな美しさと、あどけなさをもった第２楽章以下は絶妙なうまさで、感動的だ。
バーンスタインと組んで、数々のマーラー作品を歌ってきたルートヴィヒの、キャリアの深さを感じさせる卓越した歌唱も素晴らしい。第４楽章では、ルートヴィヒが年齢を感じさせぬ美声で深沈した表情の歌を繰り広げる。
また、第５楽章の少年と女声の合唱団の、透明で、表情豊かな歌声もすぐれ、すべてが高度の熟達をもってスムーズに進行していく。
圧巻は終楽章で、従来の演奏とは異なった、清楚な悲哀の感情をたたえた歌が大きくふくらんでゆく。バーンスタインの人間的一面を見るような驚くべき演奏である。
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2008年05月13日
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フェリアー(1912-1953)がＥＭＩに残したＳＰ録音から復刻ＣＤ化したもの。
「大地の歌」とともに、フェリアーの不朽の名唱として知られているディスクである。
ワルターとウィーン・フィルという最も理想的な背景を得て、不滅の名歌手フェリアーの深々とした歌がよみがえる。
特に「亡き児をしのぶ歌」の女声盤は、いまだにこの歌唱をしのぐ演奏は出ていない。
モノーラル録音なので音質は決してよいとはいえないが、この作品にただよう深々とした哀感を、これほど心をこめてじっくり歌いあげた歌唱というのもめったにない。
この３年後にフェリアーは４２歳という短い生涯を閉じる。
いうなれば、これは死を間近にひかえた彼女の《運命の歌》でもあったのである。
グルックの「オルフェオとエウリディーチェ」からの４曲も彼女ならではのものだし、パーセルやヘンデルも最も得意とするレパートリーだ。
これらの歌唱には、今の歌手たちには聴くことのできない深い味わいがある。
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2008年04月03日
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旧盤は部分的に荒っぽい箇所があるものの、マーラーの若き日の詩と情熱に率直に共感したような、魅力的な表現だ。
バーンスタインは、この曲の中に自らの肌で感じたマーラーへの熱い愛情を注ぎ込み、あらゆる部分をデリケートに、そして時には奔放に表現している。
そのため音楽が力強く起伏し、スケールも極めて大きい。
特に終楽章はバーンスタインの性格を反映して、ダイナミックで劇的な効果を最大限に発揮している。
それはバーンスタインがこの作品を知りつくしているだけでなく、本質的にマーラーと共通したものをもっているからだろう。
新盤を聴いて、バーンスタインは本当にマーラーが好きなのだとつくづく感じた。
第１楽章の序奏部から、それこそいとおしむように音を大切に扱い、主部はひとつひとつのの楽句を吟味するように歌わせている。
そして長大な終曲が、また一段とすごい。
強い緊張感と息の長い起伏が交錯し、その情緒の豊かさ、感興の激しさは形容の言葉もない。
あらゆる「巨人」の中で最も個性的でありながら、構築的であり彫りの深い表現で、稀有の名演である。
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きわめてロマンティックな表現のマーラーだ。
冒頭から楽想の一つ一つを入念に表出し、濃厚な表情で全体を堅固に組み上げている。
当然感情的な思い入れも強いが、それがまた交響的な壮大さをいやが上にも高めている。
この曲は世界中で好んで演奏されるゆえ、録音も多々あるし、効果的に書かれているため、どれを聴いてもそれほど印象は変わらない。
そんな中、バーンスタインの演奏は、じっくりと作品の情感を迫っていくという点では、極めてユニークで説得力がある。
第２楽章では、甘美な世界が、まるですでに失われたものを回顧するかのような色調で描かれている。夢のような美しさだ。
声楽が登場する第４，５楽章も静かで深い祈りをこめたような演奏である。
そしてしばしば軽薄なお祭り騒ぎになってしまう最後の部分は、むしろ盛り上がりを抑え、そのためにかえって真剣さ、深刻さがよく伝わるのである。
これほどまでに宗教的な雰囲気を出した演奏はほかにあるまい。
特に「原光」と題された第４楽章と合唱の登場以降のフィナーレにおける感動の深さは比類のないものであり、終末合唱の終曲的高まりは、有無をいわせぬ驚異的説得力がある。
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2008年04月02日
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ワルターとバイエルン国立管弦楽団の珍しいコンビによる１９５０年のライヴ。
ワルターの最も多忙な時期の録音で、それだけに若々しい活気がみなぎる演奏となっている。
しかも音楽にいかにも手づくり風のホームスパンのような素朴なあたたかさがある。
特に「未完成」がずばぬけた名演で、この曲のつきるところのない魅力を一度に解明してみせた感がある。
特に第２楽章は深く心をこめて歌う。
およそ考えられぬほどの高貴な抒情で満たされ、この音楽の限りなく永遠に続くことを願う気持ちすら起きる。
ワルターはマーラーと一心同体の人だ。
だいたいマーラーを得意にしている指揮者だが、なるほどこの演奏は素晴らしい。
マーラーが演奏したらこうなるだろうと思われるくらいにマーラーそのものになりきっている。
造形の安定度の高さも特筆に値するが、全４楽章をスケール大きい気宇でまとめていることも高く評価できる。
後年のステレオ録音の円熟した演奏もいいが、これはこれで改めて傾聴したい秀演。
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2008年03月21日
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青年Ｆ=ディースカウと巨匠フルトヴェングラーの歴史的名盤「さすらう若人の歌」は、幾度となく装いを新しくしては発売され、不朽の声価を保ち続けている。
フルトヴェングラーは、１９５０年のザルツブルグ音楽祭で、Ｆ=ディースカウを独唱者としてこの曲を演奏し、聴衆に多大な感銘を与えた。
そのとき彼は、Ｆ=ディースカウにこう言ったという。
「私はいままで、マーラーの音楽を好きになれなかったが、あなたのおかげでそのよさがわかった」と。
このディスクは２人のマーラーに対する深い共感によって貫かれた感動的な名演奏で、フルトヴェングラーのロマンティックな解釈に支えられた、Ｆ=ディースカウの、沈潜した歌唱のうまさは比類がない。
こまやかな情感を引き出す語り口の見事さ、美しさ、それによる旋律線に弱体化のないことが、唯一無二の名演たらしめている。
モノーラルなので音の劣るのが残念だが、この密度の高い演奏は、マーラー歌曲史上の偉大な金字塔のひとつといえよう。
「亡き児をしのぶ歌」も細心の配慮をもって歌い上げた名唱。
ただこちらのほうは、いまひとつ暗い情念の沈潜が欲しい。
「さすらう若人の歌」には、この若きＦ=ディースカウと晩年のフルトヴェングラーによる伝説的な名演があり、さすがのＦ=ディースカウも２８歳の時のこの奇蹟的な演奏以上の録音をその後行っていない。
クーベリックとのものも、もちろんそれ自体は大変な名唱だが、かつてのデモーニッシュさはない。
とはいえ、他のどの歌手をも遥かに凌駕している。
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2008年03月15日
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BShiで３月１５日２１時から放送されたルツェルン音楽祭2007（クラウディオ・アバド指揮ルツェルン祝祭管弦楽団）のマーラー交響曲第３番に感銘を受けたので記す。このコンビによる「復活」はＣＤ化されたが、このライヴはＣＤ化されないものだろうか。
アバドは２１世紀に入って大病を患い、生死の狭間をさまよったが、奇跡的復活をとげ、新たなる意欲と情熱をもって取り組んだのが、スイスのルツェルン祝祭管弦楽団の再編・再生だった。
メンバーにはなんとベルリン・フィルの首席、元首席奏者はもとより、クラリネットのマイヤー、チェロのグードマンら世界的ソリストたちが結集、結果的にスーパー・ワールド・オーケストラというべき陣容を誇っている。
肝心の演奏の方だが、いかにもアバドらしく、きめこまやかな好演である。アバドが作品に対するこぼれるばかりの愛情を注ぎこんだ感動のマーラーだ。スケールも大きく、ルツェルン祝祭管弦楽団のみずみずしい音色も素晴らしいが、それ以上にアバドだけがもつ清楚で香り高い音楽性に心奪われる演奏で、きめこまかく、また優しさにあふれている。
最も興味深かったのは第１楽章で、深刻に不安な感情が表わされていた。音構造がリアルに表出され、不協和音などもきびしく再現されているからだろう。そこには一種の表現主義的な性格も感じさせる。
また第２，３楽章ではルツェルン祝祭管弦楽団の精緻な合奏能力が非常な武器となっていた。
アンナ・ラーションも表情豊かに歌い、合唱そして器楽奏者のソロも見事だった。
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2008年03月10日
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晩年のマーラーを苦しめていたのは、愛妻アルマのあからさまな不倫だった。「大地の歌」や第９交響曲でしばしば語られる「死の予感」とは肉体的なものではなく、精神的な崩壊だった。
アルマは性的関係のない長い歳月の当然の代償として、グローピウスを自分の正当な恋人だと考え、またマーラーはそのことを暗暗裡に知っていながら、２人の関係を認めざるを得ない悲劇的な状況におかれていた。マーラーの肉体的な健康状態は、決して衰弱したものではなかったが、むしろ精神的には危機的な状態に陥っていた。
マーラーは１９１０年８月、自ら精神分析医ジグムント・フロイトの診察を受ける。１８歳年下の妻が自分の傍に居る事を、夜中じゅう確認せざるを得ない強迫症状と、もっとも崇高な旋律を作曲している最中に通俗的な音楽が浮かんできて、かき乱されるという神経症状に悩まされていたが、フロイトによりそれが幼児体験によるものであるとの診断を受けた。
最晩年のマーラーは、一種の退行現象に陥り、妻を母親と同一視し始め、実際アルマを、自分の母親のマリア、あるいはマリーと呼び始めていたとさえ言われる。
いずれにせよ、「男性作曲家」にとっての「女性」のもつ意味は、深く、かつ重いものであるのは明白な事実であり、この２人の場合はきわめて象徴的である。
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2008年03月04日
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ワルター最後の録音のひとつ。
１９３８年のワルターとウィーン・フィルによる凄絶な歴史的名盤によって、コロンビア響との録音は影が薄くなってしまったが、最後の録音のひとつという感傷を抜きにしてもこの演奏には心を打たれる。
初演者であるワルターは、さすがにこの曲に共感をもって、隅々まで曲を手中に収めた表現である。
全体に作品の歌謡性を豊かに生かしており、ワルターの芸術性を最もよく表現した演奏である。
「死を予感する者の悲劇的で絶望的な別れの曲だ」とワルターが言ったこの曲が彼の死別の曲ともなった。
第１楽章の初めの死への悲しみを伝える神秘的な弦の低音動機からしてワルターは聴く者の心をつかんで離さない。
悲劇的なものがきつく厳めしくのしかかってこないで、詩情のヴェールを通して心にしみ入ってくるのである。
それゆえ、ワルターの表現は柔和ではないかと、訝る向きもあるだろう。それは、ワルターがクレンペラーのように、死に怯えるマーラーをとことん追いつめることがないからである。
「恐怖」に怯える魂を慰める大きな愛こそ、ワルター芸術の神髄なのだから。
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2008年02月27日
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期待の新星！というには遅すぎるのかもしれない。なぜならハーディングは既に２６歳の時にドイツ・カンマー・フィルを振って極めて独創的なブラームスを鳴らしていたのだから。
ハーディングはテンポも奏法も古楽スタイルで一貫させ、それがピタッとはまっていたのだ。なによりもテンポの異常な速さに驚かされた。通常の２倍ぐらいのスピードである。
それに強烈なアクセントが加わるが、基調となるのはノン・ヴィヴラート奏法による透明なハーモニーと、旋律を決して歌わないクールさだ。
そんなハーディングが、最も伝統的なオーケストラであるウィーン・フィルを指揮して、しかもマーラーの交響曲第１０番（クック補筆完成版）をレコーディングしたのだから、期待に胸がふくらむ。
そのジャケットには、イングランドのプレミア・リーグのサッカー選手かと思わせるハーディングの風貌が写し出されているが、マーラー晩年の心情が清冽・適切に表された演奏だ。
全楽章にわたるきりりと引き締まった清潔な表現は魅力的で、しかも細部が充分に克明で、レガートにも無用な粘りがない。
共感に満ちた豊かな表情の第１楽章、流動感の強い第２楽章、リズムの鋭敏さとテンポ変化の呼吸が自然な第３楽章、立体感が見事な第４楽章、そして孤高の寂寥とクライマックス。
ハーディングの手腕が光る。
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2008年02月25日
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インバル＆フランクフルト放送響のマーラー全集の中でも飛び抜けて優れているのが「夜の歌」だ。
これはインバルの傑作というだけでなく、長くこの曲の代表的名演に数えられるに違いない。
インバルの解釈は、音楽の細部、というより暗部にまで光を与えたようなもので、この曲に強靭な筋骨を与えた最初の演奏ではないかと思えるほどである。
マーラーの抒情的旋律がそれぞれの部分にゆるぎなくはめ込まれた感じがあり、すべての音が意味深く聴こえてくる。
完璧なまでの名演だ。
マーラーの交響曲第７番を難解だと感じているひとに広く薦めたい。
なおこの録音は、Ｂ＆Ｋマイク２本を基本として、一部に補助マイクを立て、ディジタル遅延補正してミキシングする方法が採られている。
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2008年02月15日
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「５番」以降のマーラーは「交響曲」が旧来もっていた管弦楽曲の規範としての性格が変容して、構造的にも内面的にも高度に複雑で特異な音楽になっている。そしてシノーポリの解釈は音楽を、よくある「自然風」な流れに任せてしまうことなく、戦慄する意識でそれを凍結する。
音楽の構造を浮き彫りにするようなスタイルを排し、それを客観的に見ることができない運命的なもの、言わば一つの宇宙のように扱い、その中であくまで細部細部に固執するのである。
総譜は隠喩の記号群のように解体して読まれ、微妙なコントラストの陰翳を帯びてゆっくりと進んでいく。各々の細部は局所的に極めて美しい。しかし自ら流れ出すことは決してなく、蒼ざめた平衡状態を保っている。言ってみればそれらのモザイクとして、場合によっては不自然にギクシャクとしながら「病める近代的自我の意識」としての音楽が生み出されていくわけである。
こうした音楽全体の造形と、部分部分の音響の豊かさから、シノーポリが作曲家、特に電子音楽を手掛けたことのある作曲家であるのを思い出さずにはいられない。あくまで一つ一つの音響を大切にしながら、ある設計チャートに基づいてそれらをダイナミックに結合、対比させてゆく手腕は目を見張るものがある。
マーラーの「５番」で言うなら、第４楽章「アダージェット」を他の指揮者、ワルターやショルティ、バーンスタインやインバルの演奏と比べてみればいい。一つの意識に耽溺するのではなく、憧れと絶望、情熱と戦慄といった多くの対照的な性格が意識の重層の中で交互している。まるでさらりと流れ去ることを拒否しているように。
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シノーポリの演奏を検討してみよう。例えばマーラーの「交響曲第５番」を聴いてみる。テンポは概ねゆっくりめにとられていて、冒頭のトランペットのソロから、リズムに特徴的な癖が目立つ。彼の演奏一般に言えることだが、細部の解釈にはかなり独自な語り口を持っていて、これは多少評価の分かれる所でもあろう。
さてマーラーに戻って、次のフォルテは均衡のとれた、言ってみればかなり冷静なオーケストラの爆発である。ここまでの数十秒のあいだでもすでに彼の解釈の特色が顕著に出ていると思う。つまづくようなリズムの癖は内面的独白といった趣があって、あくまで自らの不在の中心に向かって凝縮しようとする自我の苦悩と符合する。
続くフォルテは、モノローグの延長としての主体的な爆発というよりも、沈潜する肉体を断ち切って外部から襲いかかる突然の音響の炸裂だ。その響きは直前のモノローグとは別種の、安定したバランスを保っている。
しかしそれが、ふっ、とかき消されて再びモノローグの世界へと立ち戻る。作曲者＝指揮者マーラーの意識の流れを底流から追うようにして音楽は進行する。そしてその足取りは決して軽くなることはない。
概してマーラーの交響曲は一曲一曲を完結したものと見なすよりも、むしろ全作品を一つの流れとして捉えた方が解釈として深味が増すが、シノーポリの「第５」でもこの重い足取りは、一見解放されたかに見えるロンドのフィナーレでも基本的には変わらず、次の「悲劇的」を暗示するかのようだ。
リズムの舞踏的な側面はほとんど剥ぎ取られている。「５番」の１楽章は「葬送『行進曲』」の形をした自我の亡霊がうつろにゆらめきながら立ちつくしていて、その意識の裂け目に、強烈な他者の記憶がスーパーインポーズされる、といった風である。
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2008年01月07日
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マーラーの雑多な音楽の混在という在り方は、どうみても西洋の伝統的な音楽に対する反逆である。ベートーヴェンの「運命」が高く評価されるのは、作品が揺るぎない統一性をもって作られているからである。音楽とは、いや芸術作品とはそういうものでなければならぬ、それが西洋の伝統だったのである。そういう形での統一への意志がマーラーの音楽には完璧に欠けている。しかし、そのことによって彼の音楽はかえって新しい可能性を開くことができたといえるかもしれない。
伝統的な西洋の音楽が作曲家の明確な表現意識に支えられた合理的な音楽であったとするなら、マーラーの音楽は無意識のうちに展開する夢の世界のような音楽であるといってもよい。しかし、それは決してバラバラな出来事の集積ではない。夢の中に出てくるそれぞれの人物や出来事はほとんどが見知ったものであり、それらが緊密な統一性によってではないが、多様な連想関係によってゆるくつながれている。だから、統一性がなくてもわれわれは奇妙にリアルで鮮烈な印象を抱き、そこで昼間の意識のもとでは体験できないようなわくわくするような体験を味わうのである。
マーラーの音楽のもたらす体験にはそのようなところがある。どこかで聴いたような見知ったような音楽が懐かしくも出現する。しかしその既知のイメージがとんでもないコンテクストでとんでもない音楽と結び付くことによって、われわれは様々に連想をふくらませて、結び付きがあるようでないような奇妙なリアリティを体験するのである。
こういう音楽の味わい方は、伝統的な音楽の味わい方とは相容れないところがある。緊密に統一されたベートーヴェンの世界を数学の論証を読むように息を詰めてたどっていくのとは違って、マーラーの音楽の体験はグラフィック雑誌をパラパラめくっているようなところがある。聴き手は適当に息を抜きながら好きなように音楽に耳を傾け、自由に連想を働かせてイメージをふくらませてゆくことができるのである。
そしておそらく、そういう聴き方をしなければ、あの長大な音楽を聴き通すなどということは不可能であろう。そういう聴き方が現代的であるというのなら、かつてマーラーの音楽が理解されなかったというのも、当然すぎるほど当然のことだったのかもしれない。
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2008年01月02日
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ニューヨーク・フィル盤はバーンスタインの名声を高めたディスクであり、今日のマーラー・ブームの先駆的役割を果たした演奏だ。
第９番は作品への強い共感が示された演奏で、その情熱的で彫りの深い劇的表現はマーラー音楽のひとつの真実を表している。
有名なベルリン・フィルとの演奏は、ベルリン芸術週間においてバーンスタインがベルリン・フィルを初めて指揮した伝説的な名演のＣＤ化である。
これが両者の唯一の共演となった。
これは最初の１音からマーラーの、そしてバーンスタインの世界に聴き手を引き込まずにはおかない演奏だ。
第１楽章でバーンスタインは、内在する情緒のすべてに共感し、濃密に表出している。
第２楽章は生気に満ちた表現で、第３楽章ではオケもまた指揮者と共に息づき、輝かしいソノリティと柔軟性を持って演奏している。
終楽章のテンポも緊迫感があり、抒情的な歌の陰影は人間の声を思わせる美しさである。
コンセルトヘボウ盤でのバーンスタインの感情移入の激しさは、聴き手の心情をゆさぶらずにはおかない入魂の出来だ。
第１楽章の冒頭から、一音一節の意味を探り、すべての音符に熱気を漲らせた音楽が流れ出す。
第２，３楽章は各部の性格を鮮明に表した表現で、彼の多様な感受性を物語っている。
終楽章のアダージッシモでは、ついに一篇の抒情詩となり、大気のなかに溶解していくような、作品と一体となった演奏だ。
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2007年12月26日
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旧盤は旋律の自然な流動感も快く、みずみずしい感覚美と端正な造形美を両立させた演奏だ。
ボストン響のアンサンブルも美しく洗練され、この青春を描いた曲にふさわしい。
ここで採用されているのは「花の章」はラトルも録音していたが、小澤の表現が最高だ。
しなやかに歌い、爽快に起伏する演奏で、この楽章に続いて現行の第２楽章が現れる新鮮な印象は、やはり素晴らしいと思う。
再録音は、細部はいっそう彫琢されている。
第１楽章はすべてが明晰で点滅する各パートのつながりもよい。
第２楽章も躍動感が強く、音の動きには強靭さがある。
弦の表情にドイツ風ともいえる克明さを加えたことも好ましい。
第３楽章のゆとりのある表現も実に音楽的だ。
マーラーの管弦の色彩的効果が絶妙といえるほど美しく表出され、その美感は哀愁すら漂わせる。
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2007年12月17日
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バルビローリとベルリン・フィルの唯一のスタジオ録音。
ベルリン・フィルがまだマーラーに親しんでいない時期に積極的に客演、名演を聴かせたのがバルビローリだった。
彼が１９６３年にベルリン・フィルに客演した際に、その指揮に感動した楽団員の申し出で翌年録音が実現したと言われている。
ベルリン・フィルが当時EMIに録音するのは異例のことであった。
後にベルリン・フィルはバーンスタイン、カラヤン、アバドと、それぞれの指揮者の本領を最大限に発揮した超絶的なライヴ録音が残されたことからも、ベルリン・フィルにとってマーラーの交響曲第９番は特別の作品だと感じる。
バルビローリはこの曲とがっぷりと四つに組んで、まことに重量感のある厚い演奏をしている。
ベルリン・フィルの力にもよるのだろうが、小さくまとまりがちな平凡さがなく、熱っぽい呼吸が楽想の高潮を大きく盛り上げている。
第１楽章の茫漠たる悲劇感といい、終楽章の粘着力のある情緒の高揚といい、実に規模が大きく、かつ内面に深く沈潜した充実した稀有の名演である。
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2007年12月13日
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まず、ウィーン・フィルとのライヴについて。
この曲の重心は巨大な終楽章だが、そこが演奏も一番すごい。
声楽とオーケストラが一体となり、ワルターに率いられて全表現がマーラーの心中に深く沈下してゆく。
まったく壮麗で、どこがどうという分析を超えて皆良い。
なかでもアルトのアンダイは飛びぬけて立派だ。
声の質も歌い方も、ともにその時代を表し、ワルターの表現をいっそう幅のあるものにしている。
マーラーの極意のほどを改めてワルターから教示される思いである。
スタジオ録音は、自然とまとめており、劇性などを特に強調するわけではないが、それでも音楽それ自体の内容はすこぶる大きい。
全５楽章のそれぞれの性格の表現と推移の見事さ、終楽章の高揚などもすばらしい。
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まず「巨人」だが、ケーゲルの演奏はマーラーのスコアをきわめて緻密に再現し、かなり分析的な傾向が強い。
しかし、この演奏には独自の重苦しさや暗さがあり、楷書的といえるもので、このようなマーラーはほかではあまり聴けない。
その意味では興味深いものがあるが、やはり独特の演奏と感じられる。
第４番はマーラーのモザイク風の作品を断片から１つ１つを吟味し、組み合わせていったような精妙さをもつ演奏だ。
アゴーギグやデュナーミク、管弦のバランスのそれぞれに意味があり、音楽的に彫りが深い。
そのため、いささか分析的ではあるが、晴朗・透明で、マーラーの抒情性を的確に表出している。
第３楽章も雄弁。
もし弱点があるとすれば、終楽章でのカサピエトラの歌唱だろうか。
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2007年12月12日
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「大地の歌」は１９６７年に発売されて以来、この交響曲の最高の演奏のひとつとして評価されていたものである。
歌手にルートヴィヒとヴンダーリヒという美声を得て、歌唱の面でも充実しており、クレンペラーの表現も彼のマーラー演奏では抜群のもの。
ここでは詩情と諦念に満ちた曲の真髄が明らかにされ、オーケストラと人の声とが見事な一体感をつくっている。
しかも「告別」に至る全６楽章の推移が実に自然である。
クレンペラーはこのマーラーの第９番に自己の晩年の心境を託しているように思える。
表面的な効果を狙うことなく、意志的にコントロールされた音楽が淡々と歌う。
深遠な、きわめて人間的なマーラーであり、終曲は意外な明るさを感じさせるのがかえって感動を誘う。
ウィーン・フィルとのライヴは逆に熱烈だ。
まるでウィーン・フィルの弦が、ユダヤ人が数多く在籍していた時代の録音を思い起こさせるかのように甘美な音になっており、むせぶように歌っている。
肺腑を抉るような管も圧倒的だ。
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まず「復活」だが、演奏は強靭で緊張感が高く、堂々とした風格と豊かな抒情感がある。
全体にクレンペラーらしい淡白な音楽ともいえるが、作品の若々しさは率直に示されており、終楽章の激しい気力を劇的に表した演奏が、全体のクライマックスを築いている。
独唱・合唱のすぐれていることも大きな特色だ。
これはマーラーの信頼を得ていた大指揮者の歴史的録音といえる。
しかし、クレンペラーの「復活」の真髄を知るには、彼の最後のライヴを聴かねばなるまい（残念ながら入手難）。
第４番は清澄そのものの表現である。常にゆとりのあるテンポをとり、急がず、悠々とマーラーの美しい旋律を歌わせている。
細部の彫琢はいうまでもない。
造形も端然としており、その中に進行する音楽の味わい深さはたとえようもない。
第３楽章も単なるムード音楽に終わらず、強靭な精神の存在を背後に感じさせる。
終曲でシュヴァルツコップが全盛期の美声をくりひろげるのも聴きものだ。
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2007年12月04日
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シノーポリのマーラーは「巨人」と第５番と「嘆きの歌」を持っている。「嘆きの歌」は正直、曲自体に親しんでいないのでよく分からないが、「巨人」と第５番はシノーポリならではの名演といえるだろう。
「巨人」は明るく流動感が強い。シノーポリは様々な表現法を駆使して熟練を示し、冒頭から映画的でありながら強い推進力と血の気の多さを感じさせる。
第２楽章も線が太く、対旋律を明快に表現し、第３楽章のアゴーギグの自由さはシノーポリとしてもかつてなかったといえるほど。
終楽章も明快・勇壮だ。シノーポリの本性がむき出しにされた演奏といえる。
第５番は、テンポをいろいろに揺らしながら感情の機微を表現していくマーラーの音楽の本質がよくとらえられており、情念の湧出の背後にある精密な構成と構造への気配りが瞬時もおろそかにされることがない。
この演奏のクライマックスはエンディングにくる。
しかし、疾走するような圧倒的迫力の途中で示される緩徐な部分での抒情的瞬間のデリカシーには、シノーポリの複雑な感受性と表現能力が遺憾なく示されている。
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テンシュテットによるマーラーの第５番は旧録、新録いずれも捨てがたい。いずれも作品の内面にひそむ抒情のことごとくを引き出した演奏である。
前者は冒頭から悠揚としたテンポと大きな息づかいでメロディを濃厚に歌わせ、あらゆる部分に多感な表情が与えられている。
それは感傷におちいる一歩手前まで接近するのだが、不思議なことに造形が歪曲された感じはまったくない。
有名なアダージェットも誇張せず、高ぶらず、ひたすら内面に迫っている。
これほど思いのままに見事な演奏を作れるのは、天与の才能といえるだろう。
後者は再録音だが、前記のスタジオ録音より音楽が著しく主情的かつ個性的になり、ガンを克服して再起したテンシュテットが音楽的に大きく変化したと感じられる。
何よりも表情の彫りが深くなり、マーラーの内面にある寂寥と孤高の哀愁が切実に表出されている。
弦の響きも以前の艶やかな輝きより透明感が目立ち、柔軟な流動性のしなやかさがさらに強まり洗練され、感情を具体的に表すようになっている。
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