バーンスタイン
2022年05月25日
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ウィーン・フィルという豊麗極まりない音を生み出す名器を手にしたバーンスタインが、シベリウスの音楽の新しい魅力を教えてくれる。
新録音でのバーンスタインは、ウィーン・フィルの自発性に任せて、のびのびとした音楽をつくっている。
バーンスタイン自身がウィーン・フィルの美音を味わい楽しんで指揮しているのが目に浮かぶようだ。
それでいて全編が「バーンスタイン節」で貫かれている。
第２番は堂々とした巨匠的風格を、実に彫りの深い表現の中に示している。
間もたっぷりととられており、表情が濃密だ。
第１楽章の冒頭から牧歌的な明るさと清澄な感覚美、第２楽章の悠然とした歩み、第３楽章の各部の対照の鮮烈さ、そして、終楽章における孤独に連なる哀愁感。
これはバーンスタインの演奏の中でも、最も創造的な名演といえる。
バーンスタインの指揮は、第５番の牧歌的なホルンと木管の音色が美しく、この曲によく合っており、ホルンと木管による印象的な出だしから素敵だ。
あらゆる音が彼の巨大な音楽性を通過することによって生命を帯びるのだ。
シベリウスの個性的なオーケストレーションが生む神秘的とも言える美しさを見事に表現している。
北欧的な民族色を抜け出した洗練された響きがこの作品の交響曲としての価値を不滅のものしている。
甘美なロマン主義ではなく現代的都会的な感覚に強く訴える。
バーンスタインの第７番は、非常に美しく、作品に対する愛情が悲痛なまでに伝わってくる。
第７番は正直言ってどうも得体の知れない作品だが、バーンスタインの手にかかると見事なまでに有機的な関連が示される。
そして調性を信じながら２０世紀を生きたシベリウスとバーンスタインの最後の叫びを聴くようだ。
バーンスタインはこの曲で調性音楽の痛みを甘受しようとしていたと言えるのではないだろうか。
第１番はバーンスタインの最後の年となった９０年２月の録音であるが、バーンスタインの表現は冒頭からユニークで、確信に満ちた音楽が作られている。
強烈な推進力とアクセントを駆使しながら、スケールの大きな構築で曲をまとめ、終楽章では過剰なほどのアゴーギクで、緊張と解放の様相を作り出しているが不自然になることはない。
作曲家への強い共感に支えられたシベリウスであり、今更ながら、バーンスタインが鋭く豊かな感受性の持ち主であったことを如実に感じさせる演奏だ。
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2022年05月01日
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ベルリン・フィルとの一期一会の名演を紹介して、舌の根が乾かないうちに何をと思われるかもしれないが、これも途轍もない超名演だ。
このような超名演が発掘されたことは、クラシック音楽ファンにとっては何よりの大朗報であった。
また、先般ＳＡＣＤ盤の発売を行うに際して努力をされたすべての関係者に対して、この場を借りて心より感謝の意を表したい。
バーンスタインは、ワルターやクレンペラーといったマーラーの直弟子ではないが、おそらくは今後とも不世出であろう史上最高のマーラー指揮者。
何よりも、ＤＶＤ作品を含めると３度にわたってマーラーの交響曲全集を録音（最後の全集については、交響曲「大地の歌」や交響曲第８番及び第１０番の新録音を果たすことが出来なかったことに留意しておく必要がある）したことがそれを物語っており、いずれの演奏も他の指揮者の演奏を遥かに凌駕する圧倒的な超名演に仕上がっているとさえ言える。
バーンスタインは、そうしたマーラーの数ある交響曲の中で最も愛していたのは、マーラーの交響曲中で最高傑作の呼び声の高い第９番であったことは論を待たないところだ。
バーンスタインは、本盤が登場するまでの間は、同曲について、ＤＶＤ作品を含め４種類の録音を遺している。
最初の録音は、ニューヨーク・フィルとのスタジオ録音（１９６５年）、２度目の録音は、ウィーン・フィルとのＤＶＤ作品（１９７１年）、そして３度目の録音は、ベルリン・フィルとの一期一会の演奏となったライヴ録音（１９７９年）、そして４度目の録音は、アムステルダムとのライヴ録音（１９８５年）である。
本盤の演奏は、コンセルトヘボウとの演奏が１９８５年５〜６月のものであることから、その約２か月後の１９８５年８月のものであり、現時点では、バーンスタインによる同曲の最後の演奏ということになる。
９月には、同じくイスラエル・フィルと来日して、今や我が国では伝説的となった同曲の至高の超名演を成し遂げるのであるが、当該来日公演のＣＤ化がなされていない現段階のおいては、本盤の演奏こそは、バーンスタインの同曲演奏の究極の到達点と言っても過言ではあるまい。
本盤の演奏は、壮絶な迫力（例えば、第３楽章終結部の猛烈なアッチェレランド、終楽章の濃厚かつ情感豊かな味わい深さなど）を誇っているとさえ言えるだろう。
これは、イスラエル・フィルという、同じユダヤ人としてのマーラーへの深い共感度を誇ったオーケストラを起用したこと、そして、録音を意識しないで演奏を行っていたであろうことに起因するオーケストラの渾身の熱演ぶりにあると言えるのではないだろうか。
おそらくは、同曲の最高の演奏という次元を超えて、これほどまでに心を揺さぶられる演奏というのはあらゆる楽曲の演奏において稀であるとさえ言えるところであり、まさに筆舌にはもはや尽くし難い、超名演の前に超をいくつ付けても足りないような究極の超名演と高く評価したい。
音質も非常に優れたものと言えるところであり、コンセルトヘボウとの演奏が今一つの音質であっただけに、大きなアドバンテージとも言えるだろう。
これだけの超名演だけに、可能であれば、ＳＡＣＤ盤で発売して欲しかったと思う聴き手は筆者だけではあるまいと思っていたところにハイブリッドＳＡＣＤ盤の発売され、心から歓迎したい。
それにしても、本演奏がこれだけ素晴らしいだけに、どうしても更なる欲が出てくる。
あの伝説的な来日公演をＣＤ化することはできないのであろうか。
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マーラーの交響曲第９番は名盤も数多いが、１９５０年代からマーラー作品を率先して採り上げ、マーラー・ブームの火付け役となったバーンスタインの演奏こそ聴くべきだろう。
やはり１９７９年１０月、バーンスタインがカラヤンの牙城ベルリン・フィルに乗り込んで行なった演奏会のライヴは白熱的であると同時に一途な思いが灼熱の炎となって聴き手を魅了するものとなっており、まさに一期一会の名演と言うにふさわしい。
時に作曲者に成り代わるかのような説得力と吸引力でマーラー演奏を推進してきたバーンスタインの指揮に、ベルリン・フィルが完全に一体化し、その心の楽器となって熱演を披露していることが手に取るようにわかる。
筆者がこの演奏を、マーラーの９番における最高の演奏と考えるのは、もちろん「バーンスタインがベルリン・フィルを生涯ただ一度だけ指揮した珍しい演奏」という単純な理由からではない。
１９９２年、ついにこの演奏がＣＤ化されたとき、心の底から震撼した。
「こんな曲が世の中にあったのか！とにかく凄い演奏に違いない」
バーンスタインに嫉妬して、この演奏会の実現やそのレコード化を妨害したと言われたカラヤンが亡くなって３年が経っていた。
そして肝心のバーンスタインも、すでにこの世の人ではなかったのである。
ベルリンのリアス放送局のテープから直接ＣＤ化された音のクオリティーは極めて高い。
陶酔的なところは徹底して甘く歌い、不安なところは阿鼻叫喚地獄のような恐怖心を描き出すベルリンの第９は、まさに一期一会の演奏である。
この演奏会が特殊な状況下で行われたということは、金子建志氏の著作『マーラーの交響曲』に詳しい。
やはりこれだけの名演が成し遂げられるには、日常を離れた何かがなければならないのだろう（大戦中のフルトヴェングラーのライヴ録音が、録音の古さを超えて今日の人々の胸を打つのは、指揮者もオーケストラも聴衆さえも明日の命をも知れない状況下で、全身全霊、音楽に打ち込んだからに違いない）。
練習開始時は乗り気でなかったといわれるベルリン・フィルだが、本番は違う。
プライドを捨てて、のたうち回りながら、乾坤一擲の勝負に出ているのだ。
ある雑誌で、この演奏を駄演と決めつけ、「不感症の女を相手に苦戦するプレイボーイ」とたとえた評論を読んだことがある。
別の雑誌では、「バーンスタインのムームーという声ばかり耳について、肝心のオケの意気はさっぱり上がらない」といったようなことも書かれていたが、どうしてそのように感じられるのか分からない。
オケは表現の限界に挑戦すべく、熱演しているではないか。
ベルリン・フィルの首席クラリネット奏者、カール・ライスターは著作『ベルリン・フィルとの四半世紀』のなかで、この演奏会について「オーケストラは彼の足下にひれ伏した」と証言し、「私のベルリン・フィルにおける２５年のうちでも圧倒的なクライマックスともいえる事件であった」と語っている。
ライスターはカラヤンとのモーツァルトのクラリネット協奏曲の録音体験を「いやな思い出」とはっきり書く人である。
想像するに、ベルリン・フィルはバーンスタインに霊感を受け、自分たちの音楽としてこの９番を演奏したのではないか。
それが時にバーンスタインの意図からはみ出ることもあり、バーンスタインはところどころうめき声をあげたのだろう。
しかしそのような軋み、内的葛藤をはらむことにより、この演奏は日常から切り離され、超名演となったのである。
正直に話そう。
筆者は長年バーンスタインのマーラーの９番はコンセルトヘボウ盤を最高の名演と評価してきた（弊ブログの熱心な読者の方ならご存じのはず）。
しかしオーディオを新調して改めて聴いてみると、とても良い演奏には違いないが、それにもかかわらず、ベルリン・フィルとの極限まで斬り込んでいく厳しさに欠けていたのだった。
イスラエル・フィルとのテルアヴィヴでのライヴ録音も、案の定、とても良い演奏だったにもかかわらず、筆者にとってベルリン・フィルとの演奏を超えるものではなかった。
新聞や雑誌で１９８５年９月に、バーンスタインとイスラエル・フィルとの来日公演（あいにく音響の悪いことで知られるNHKホール）を新聞や音楽雑誌で「世紀の大名演」と書かれていたり、あるいはバーンスタイン自身が、イスラエル・フィルとの９番を会心の出来と語った記事を読んだが、もはや「ベルリン・フィルを超える演奏を！」などと期待していない。
指揮者も、オーケストラも作品の世界を真摯に、そして逞しく生き抜いている、そんな感動へと誘う究極の名演というべきで、もう、このような演奏は二度と現れないだろう。
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2022年04月29日
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筆者はこれまでにバーンスタインの晩年の演奏を、テンポを落とす箇所は極限まで遅く、逆に攻め込むところは一気に…という事大主義的で常軌を逸した解釈に疑問を呈してきたが、チャイコフスキーの「第５」の演奏は何故か少しも作為的ではなく、むしろ一段と説得力と必然性を伴っている印象を受けた。
第１楽章の序奏からして、ひたすら暗い。ターラーという下降する音が執拗に強調されるため、まったく救いようがない音楽になっているのだ。
しかも、主部に入ると突如テンポが速くなるので、ギクリとさせられる。もはや落ち込んでいることも許されず、せっつかれるかのようだ。
その後もテンポを大きく動かし、振幅の大きな音楽が続く。
チャイコフスキーはペシミスティックな人間だったが、彼の作品をこれほどまでにどん底の暗さで奏でた指揮者はあまりいない。
およそ１５分の地点で訪れる崩壊感も、神経の細い人なら耳を覆いたくなるくらい、凄まじい。
世界的な名声を手に入れ、経済的にも豊かな音楽家がこのような異常な演奏をしてしまうところ、まさにそこにクラシック音楽としての恐ろしさがある。
第２楽章の開始も、途轍もなく重苦しい。まるで悪夢のようだ。
やがてホルンが美しいメロディを吹き始めるが、これは暗黒の中にあって一条の光にもなりきれない希望の気配である。
およそ４分の地点で聴かれるチェロとコントラバスの不気味な力といい、まさに絶望とほんのわずかの希望の交錯する比類のない音楽であり、ひたすらもがく人間がいるばかりである。
第４楽章も、まるで刑場に引き出されるといった気分で始まるのに驚かされる。やはりテンポは極限まで遅く、その上、随所で止まりそうに減速される。
この楽章は普通に演奏すると、妙に軽々しくまた騒々しくなってしまうのだが、バーンスタイン流は違う。
遅いところは極端に遅く暗く、速いところはとびきり速くという設定だから、前から続いてきた二元論的ドラマが持続するのだ。
いよいよ、最後、勝利の行進では、演奏家が作品を信じていること、音楽を信じていることがよくわかる。
そして、これは信じないと説得力をもって演奏できない種類の音楽では確かにあるのだ（作曲家自身ですら、完成させたあとで、何か嘘くさいと告白している）。
音楽は一挙に解放され、圧倒的なクライマックスに達するが、こんな演奏は純粋さがない人間には絶対に不可能である。
ニューヨーク・フィルがバーンスタインのやりたい放題、常識から言えば滅茶苦茶にブチ切れた解釈に食らいついてくるのにも感心するほかない。
さすがのバーンスタインもこのような異常な演奏は、長年率いたニューヨーク・フィル以外とはなかなか実現できなかった。
「ロメオとジュリエット」は「第５」ほど大胆な強調は行われていないものの、ここまで曲への共感を露わにした演奏は他にはないのではないかとすら思わせる名演奏である。
第一に、楽器の表現力の雄弁なこと。弦楽器のハーモニーは実に美しく、哀切感を盛り上げる。
しばしばうるさいばかりで雑な音をたてると悪評されるニューヨーク・フィルがこんな響きを出すこともあるのだと心底感嘆せずにはいられない。
若い恋人たちの逢瀬の場においては、弦楽器が濡れそぼつような響きを立てているし、フルートやオーボエは陶酔的に歌っている。
これを聴いていると、まるで自分が物語の主人公になったかのような気がしてくる。
いざとなればこんな震え上がるような演奏ができる、これが世界のトップオーケストラたちの恐ろしい実力なのである。
音楽が破局に向かっていく最中に聴かれる、大波が打ち寄せるような弦楽器のうねりに端的に表れているように、スケールも極大で、これでこそ、ロメオとジュリエットの悲劇が生々しい事件としてわれわれの眼前に広がるのだ。
その上、最後がとても印象的だ。普通、ここは浄化されたように奏される。ロメオとジュリエットは地上では不幸だったが天国で結ばれる、また、ふたりの犠牲を目の前で見て人々も自分たちの愚かさに気づき、仲直りをするはずだからだ。
だが、バーンスタインではまったく浄化されたように聴こえない。彼はこの都合のいい救いを信じていないようだ。むしろ、いささか憤怒の様子で曲は閉じられる。
現代の世界情勢を見ても、苦しみには終わりがない。この物語のようにうまく仲直りはできない。とするなら、このバーンスタインの演奏はきわめてリアルだと言うしかないだろう。
彼は晩年において、このように、同時代に匹敵する者がいないくらい、独自の表現世界へ入っていった。
内面の吐露、いや苦しみを吐き出すという言葉がぴったりの音楽で、私小説のような業苦の世界が提示された。
バーンスタインは、最後の最後に至るまで、現世の苦痛の中でもがいていたように見える。それゆえ聴衆が彼を圧倒的に支持したのではないかとも思うのである。
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2022年03月22日
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《ファルスタッフ》《ばらの騎士》に続くバーンスタイン＆ウィーン・フィルによるオペラ第３作で、バーンスタインがウィーンでセンセーショナルな成功を収めていた１９７０年代に録音された名盤中の名盤。
バーンスタインはウィーンでベートーヴェン生誕２００年記念の１９７０年にもこのオペラを指揮、「最も感動的な音楽的事件」と絶賛されたが、この録音はそれから８年後の新演出上演に基づくキャストによって行なわれた。
彼のこの「このオペラに生命を与えているのはただただベートーヴェンの音楽なのです」という主張によりセリフはかなりカットされているが、当時ベートーヴェンの交響曲全集も録音中だったウィーン・フィルを見事に統率して展開する演奏には独特の劇的迫力が満ちている。
この特異な理想主義的傾向をもつオペラに対し、バーンスタインは少しもケレン味なく、ホットに取り組んでいっている。
そのひたむきな姿勢は説得力が強く、バーンスタイン自身の生きかたとオーヴァーラップするものを、彼はここに見出しているのだろう。
バーンスタインはウィーン・フィルと新時代のベートーヴェン像を打ち立てたが、オペラもまったく同じである。
とくに本盤に収められた《フィデリオ》では、バーンスタインの音楽に彫りの深さを感じることが可能である。
バーンスタインはこのオペラに得意の同化を行なったが、それが成功し、輝きと躍動感に満ちた《フィデリオ》になった。
大胆といえるテンポやディナーミクの設定、弾むように柔軟で若々しいリズム、のびやかでなめらかなフレージング、立体的なふくらみを誇る明るいサウンドで全曲を再現、どこをとっても初々しい。
ベームが聴かせた劇的求心力と緊迫感には乏しいが、先入観を払拭、ゼロから組み立てて再現したすがすがしさは値千金の価値をもつ。
歌い手の水準が高いのも嬉しく、レオノーレにはリリックな声の優しいヤノヴィッツのレオノーレををはじめ、切実なコロのフロレスタンも聴ける。
他の歌唱もバーンスタインの意図に沿ったもので、とくにフィナーレの感動的な表現は圧巻である。
さらにウィーン・フィルによる極上の美演が付加されることにより、演奏全体に潤いと適度な奥行き、そして重厚さを付加することに成功している点を忘れてはならない。
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2022年03月07日
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活動の拠点をヨーロッパに移したバーンスタインが定期的に指揮台に立ったオーケストラのひとつであるアムステルダム・コンセルトヘボウ管弦楽団との初顔合わせ録音だった。
個人的なことだが、ウィーンを中心にヨーロッパで活躍するようになったバーンスタインの円熟を最初に教えてくれたのが、この１９７８年にライヴ録音された《ミサ・ソレムニス》だった。
このオーケストラやウィーン・フィルといった確固とした個性を持つ楽団との共演を通して、バーンスタイン最円熟期の芸風は確立されていた。
このベートーヴェンでも、それ以前の彼と大きく印象が異なることが実感される。
バーンスタインによる《ミサ・ソレムニス》は、ニューヨーク・フィルとの１９６０年録音もあるが、当曲がベートーヴェンの最高傑作であることを実感させてくれる稀有の名演である。
この曲はヒマラヤ高峰のような至高かつ峻厳な趣をたたえている。
しかしバーンスタインの演奏はニューヨーク・フィル時代の彼には珍しく柔和な表情を示し、ヒューマンなあたたかみに満ちている。
何の理屈もなく、ただひたすら聴き込まされてしまうような熱演を行なっているのがバーンスタインである。
作品に対する深い共感はオーケストラの伝統的な表現イディオムと一体になり、真に感動的な瞬間を生み出している。
劇的に高揚した場面でも決して上滑りになることなく、宗教的な感動に根差した深い表現が実現される。
演奏会の雰囲気をそのまま収めているだけに、その緊張感には独特のものがあり、バーンスタインの率直でひたむきな情熱といったものが、聴き手にひしひしと伝わってくる。
いかにもバーンスタインらしい作品への共感度が、ライヴ録音によって一段と強く表出され、きわめて劇的で集中力の高い演奏となっている。
バーンスタインらしい、そしてライヴならではの集中力や熱気とともに、作品への共感が少しも力づくになることなく、しなやかに懐深く歌われている。
白熱した昂揚と真摯な沈潜がつくる劇的な表現の幅も驚くほど大きいが、それが決して作為的なものにならず、オーケストラと合唱、独唱者たちが渾然一体となって、ベートーヴェンがこの大作にこめた感動を高らかに歌い上げている。
まさに合唱、オーケストラ、独唱が、聴衆を含めて一体となって、ベートーヴェンの音楽に没入しているかのような感じを受ける。
それら全てが友愛の精神に貫かれ、しかも格調の高さを失っていない。
繊細な神経が隅々にまで行き渡りながらも、調和の理念がスケール大きく展望され、真摯な祈りがこもり、最後は充実した和音感でしめくくられて感動的だ。
アムステルダム・コンセルトヘボウの柔軟な反応力は見事である。
無心なバーンスタインの心から投影されてくるベートーヴェンの音楽は、民族国境をこえて、まさしく世界をひとつに結ぶ力をもっている。
この求心力、緊張力の持続はライヴ独特の強味でもあり、バーンスタインの人となりが明らかになった名演と言える。
カラヤンのよく計算された、完璧ともいえる演出の巧みさこそないが、ここには素晴らしい集中力と、爆発的な熱狂がある。
独唱はベテラン揃いで、なかでもモーザーのスケールの大きな歌いぶりや、シュヴァルツの端正な歌唱は見事だ。
声楽陣も、この指揮者の真摯な姿勢に感化されたような、スケールの大きい充実した歌唱を展開しており、すべての演奏家が最大の力を出しきった、全く自然に音楽を作っていく様は感動的である。
録音もコンセルトヘボウ独特の豊麗でコクのある非常に好ましいものだ。
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2022年03月06日
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ベルリンの壁開放を祝って１９８９年１２月２５日に東ベルリンのシャウシュピール・ハウスにおいて行われたバーンスタイン指揮の「第９」演奏会の実況録音。
バイエルン放送響と同合唱団を中心に、東西ドイツと米英仏ソ連のオケと東西ドイツの合唱団のメンバーが参加し、独唱者もアメリカ（ソプラノ）、イギリス（メゾ・ソプラノ）、東ドイツ（テノール）、西ドイツ（バス）と国際色豊かな演奏である。
バイエルン放送協会による録音で、西側だけでなく東側でも同時に発売されたという。
《壁》が崩壊した年のクリスマス・コンサートとして記念碑的企画であり、混成メンバーによる演奏そのものが「第９」の理念を実践したものといえよう。
急遽集まったオケのアンサンブルは最上のものとはいえないが、そうしたことよりもあらゆる思いをこめたその内容を聴き取るべきだ。
第４楽章は、バーンスタインの堂々とした風格豊かな音楽が聴きもので、作品の祝祭的な性格を最大限に発揮させている。
なお、合唱部分では歌詞を「歓喜（Freude)」から「自由(Freiheit)」に変更して歌っている。
危機に取り囲まれたバーンスタインの生きる指標がヒューマニズムなのだった。
かなり際どい言い方になるが、ソロ歌手の人選も、黒人もいればレズもいるというモノスゴイものだ。
こんな企画をキワモノ扱いする向きもあるけれど、キッチュと偽善の危険と隣り合わせのヒューマニズムをここまで貫徹させるエネルギーを持つ音楽家が他にいなかったのは紛れもない事実。
いったい、ヒューマニズムを否定したら何があるのかと問いたげな自信満々のパフォーマンスなのである。
ひたすら高揚するこのフィナーレを聴いて、単に好き嫌いを言っていても仕方がない。
感動しっぱなしでも意味がない。
あなたにとってコレは何なのか、それが問題なのだ。
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2020年08月30日
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バーンスタインがアイヴズを高く評価していたのは、アイヴズの作風のみならず（アメリカの）作曲家としてのスタンスに共感し敬服していたことに他ならない。
この交響曲第２番は作曲（１９０２年）されてから実に半世紀も日の目を見なかった作品だが、それを発掘し初演（５１年）したのが当のバーンスタインである。
このディスクは、その初演から実に３６年ぶりにあたるバーンスタインのニューヨーク・フィル桂冠指揮者記念演奏会のライヴ録音（１９８７年）になる。
弦の音色はやや刺激的だが、第１楽章ではこの曲に相応しい雰囲気の表出がよく、アイヴズ特有の書法が巧みに整理されている。
第２楽章での流動感、第３楽章の親しみと愛着を誘う表情もバーンスタインらしいし、終楽章では不思議なほど聴き手をわくわくさせる音楽に仕上げていて、マーチのリズムも惚れ惚れとするほど歯切れが良い。
またバーンスタインは、一貫してメロディストとしてのアイヴズを強調していて、アメリカの田舎のブラス・バンドや聖歌などのイメージが描出されるノスタルジックな第２、３楽章、そしてアメリカの愛唱歌などがふんだんに引用されるコラージュ風の第５楽章など、素朴にして晦渋な内容を直截簡明に、しかも熱っぽく表現していく。
この演奏での特徴は何と言っても第３楽章が異様に遅いことで、特にアラルガンドがティルソン・トーマスを聴き慣れた耳にはびっくりするほど遅く、続く「ミッショナリー・チャント」「主人は冷たい土の下に」の引用断片に注意を喚起しているのだろうか。
このタイムの設定理由は「アメリカ・ザ・ビューティフル」の引用旋律をたっぷり歌いたいというところにあるのだろうが、この楽章には実はブラームスの交響曲第１番第２楽章からの引用もあって、バーンスタインはブラームスの交響曲もゆっくり振っていたのを思い出させる。
面白いのは、ワーグナー『トリスタンとイゾルデ』前奏曲の引用が現れる前に彼の力む声が入っていることで、寄しくも引用の存在を知らせる合図になっている。
バーンスタインは、「ロング・ロング・アゴー」や「草競馬」は、バッハやブラームス、ワーグナーの旋律に匹敵するものであるというアイヴズの主張を、はっきり分かるような形で第５楽章で高らかに奏される「おお、コロンビア」に代表させている。
アイヴズが自信をもって採用したアメリカの旋律を、いかにも交響曲の主題らしく扱い、最後の不協和音もティルソン・トーマスのようにあっさり切り上げるのではなく、風格をもって長く引き伸ばすことで、アイヴズのスコアに確信的な響きをもたせている。
ただ、全部で２２曲あるアイヴズの引用を様式の異種混合性を獲得する（コンテクストを複雑にずらす）手段として把握し処理するよりは、旋律素材として丁寧に歌い込んでいるため、アイヴズがもしかすると望まなかったほどの首尾一貫性を獲得しているような気もする。
ティルソン・トーマスの演奏では、聴き手は今でもそのサウンドの斬新さに目を奪われ、アイヴズの持つ音楽の真の芸術的価値を分かりにくくさせるかも知れないが、バーンスタインは、むしろより伝統に近付けて（彼自身の言葉によると「正真正銘の素朴派」）アイヴズのメッセージを伝えることに全力を注いだと言える。
この演奏なくしては、同曲を語ることはできない。
カップリングされている小品集も同じように多種・多彩で、それぞれの楽想が率直・明快に示されている。
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2020年05月09日
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バーンスタインによるワーグナー・オペラ初録音にして唯一の録音。
またフィリップスへの初録音で、演奏会式上演のライヴ録音。
１９８４年度レコード・アカデミー大賞受賞盤。
バーンスタインは限られた場合にしかオペラのピットに入らない指揮者だった。
特別な機会だからこそそれと並行してレコーディングが行なわれることが多く、そのようにして作られた全曲盤がいくつかある。
この《トリスタンとイゾルデ》はコンサート・ホールのセミ・ステージ形式でライヴ録音されたもの。
バーンスタインは極端に遅いテンポによって、舞台上演では不可能なデフォルムされた音楽を聞かせる。
演奏会形式に近いだけに指揮者の個性が強く出て、遅めのテンポで濃厚な演奏が展開される。
この指揮者ならではの特異な解釈だが、一旦波長が合うときわめて大きな感動をもたらしてくれる。
これほど陶酔的なロマンティシズムで貫かれた《トリスタンとイゾルデ》演奏もあるまい。
バーンスタインの徹底した思い入れによって構築され尽くしたこの演奏は、まさにその思い入れの徹底性そのものによって一個の超然たる宇宙を形成している感。
テンポも桁外れなまでにに遅く、時として殆ど無テンポに近くなることさえある。
ここまで主情的なアプローチには異論も多かろうが、そこに醸成されるロマンは前代未聞の粘着的官能的ロマンティシズムの世界を浮き上がらせている。
ホフマン、ベーレンスの両主役の歌唱も見事、ヴァイクルのクルヴェナール、ミントンのブランゲーネもそれに劣らぬ名唱を披露している。
当時のドイツを代表するワーグナー歌手が集められているのだが、とにもかくにも「バーンスタインの」《トリスタン》である。
同時期の《ボエーム》も同傾向の演奏で、ファンにはたまらない。
まさにバーンスタインの魔力の極みといってよいアルバムだ。
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2019年06月01日
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アンドレ・ワッツの１９６３年から８０年までのコロムビア音源を１２枚にまとめたセットで、この時期の彼の録音を網羅した全集ではないが、それぞれがオリジナル・デザイン・ジャケットに収納され、ジェド・ディストラーのエッセイと収録曲目及び１２葉のスナップ写真を掲載した４７ページのライナー・ノーツが付いている。
ワッツはドイツ生まれだが、その音楽的な傾向からするとジョルジュ・シフラのアメリカ版といった演奏スタイルを身につけていた。
若い頃から強靭な指とパワフルな表現力にものを言わせて、アクロバティックな名人芸を披露した。
それはＣＤ１の第１曲目を飾るワッツ１６歳でのデビュー時のバーンスタイン、ニューヨーク・フィルとのリストのピアノ協奏曲第１番に象徴されている。
ワッツのテクニックの見事さとバーンスタインのダイナミックな棒との相性のよさをよくうかがわせる演奏であろう。
１９６３年のデビュー当時の演奏であり、彼の若々しい気迫を伝えるとともに彼のピアニズムのいわば原点を示すディスクと言えよう。
ワッツのそれぞれの作品への解釈はいずれも覇気と確信に満ちていて、全く曖昧さを残さないくっきりとした輪郭を描いているのが特徴だ。
近年レコーディングこそ減ってしまったが、現在まで精力的な演奏活動を続けることができたのは、彼が名声に驕ることなく続けた努力と研鑽の賜物に違いない。
一方ワッツの弱点を敢えて言うならば、収録曲目を一瞥すれば明らかだが彼のレパートリーはかなり限定されていて、古典派からロマン派にかけてのオーソドックスな名技主義的作品が中心になる。
例えばこのセットにはバッハやモーツァルトは１曲も入っていないしフランス、ロシア物や現代音楽はごく限られていて、とりわけリストを中心とするヴィルトゥオーソ系で最も才能を発揮したピアニストだと思う。
その意味で彼の第一級の職人技や演奏会場を沸かせるエンターテイナーとしてのずば抜けた能力は評価されるべきだ。
しかし音楽の持って行きかたが時としてやや強引なところがあり、ショパンやシューベルトなどでは覇気が裏目に出て大味な印象を与えてしまうのも事実だろう。
尚最後の１枚は１９８０年に東京文化会館及び厚生年金ホールで行われたコンサートからのライヴ録音で拍手が入っている。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年05月19日
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ショスタコーヴィチの１５曲の交響曲の中で、最も数多く演奏され、幅広いファンを獲得しているのが第５番であるということは、それなりの理由があることも事実であろう。
楽譜には今もって疑問を残すところがあるとしても、こうした位置に置かれる作品には、当然のことながら数多くのレコーディングも生まれているし、その中に心ひかれるものがいくつかあっても不思議ではない。
バーンスタインが１９５９年に、音楽監督に就任したばかりのニューヨーク・フィルと録音したこの演奏もそのひとつと言えるし、その後１９７９年にも、この顔合わせが来日した際の東京文化会館でのライヴがあるが、その双方が今もって高い評価を得続けている。
そのいずれをとるかは、その条件の違いをどう受け止めるかによって異なろうが、バーンスタインにとって、このベートーヴェンの第５交響曲にも相通ずるような“苦悩を突き抜けて歓喜へ”の理念を思わせるような作品への共感が、より率直に表出されていたのは、この最初の録音であるかも知れない。
ただ今回ＳＡＣＤハイブリッド盤で改めて聴いてみると、この演奏のインパクトの強さ、とりわけフィナーレの異様なまでの激しさは、バーンスタインが直感的に、この曲が単純な勝利の音楽ではないことをいち早く見抜いていた証ともとれるし、彼は時代を先取りしていたのだとも思える。
４１歳という年齢的な若さもさることながら、演奏には覇気の迸りや気迫のこもった英気が滲み出ているのが容易に見てとれる。
それは、彼が実質的にまだ若かったということなのであろうが、オーケストラとの間の緊張感も含めて、その演奏にはライヴに匹敵するような強い気迫が感じられる。
この第５番はその代表的なものだが、彼の得意演目であったこともあって、冒頭から高いテンションの演奏が展開されている。
時として粗削りな表現がむき出しになってしまうところもあるが、表現力はかえって増すようにさえ思える。
その響きは、そうした面を反映してか、多少粗野なところもないではないが、そこに自己の音楽を自在に飛翔させ、新たな未来を見据えたようなその演奏は、聴く者に新鮮な感動と希望をもたらしてくれる。
ムラヴィンスキーの峻厳なイメージとは異なり、解釈は自在で溌剌とした気風に満ちており、いつ聴いても新鮮な感動と興奮を覚えさせる名演である。
まだショスタコーヴィチのもろもろの真実についてとやかく言われていなかったあの時代に、いち早くただならぬ問題提起をした、バーンスタインの本能的な洞察力に脱帽する。
カップリングされているコープランドの《ビリー・ザ・キッド》はニューヨークで生まれたが、育ったのはニューメキシコで、どちらの風土が彼により影響しているかはわかりにくいが、コープランドの創造したキッドは、凶悪な行状描写よりは、詩人が草原で夢想しているといった風貌に近い。
「ガン・バトル」のシーンも命がけで闘っているというよりは、バレエ音楽を意識し、ユーモラスなダンスを楽しんでいるといった印象だ。
おそらく彼はキッドに芸術家的なテンペラメントを見て、そんな要素を拡大しようとしたのだろう。
バーンスタインはそれを洞察し、抑制の効いたポエジー溢れる演奏を示している。
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2019年05月05日
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レナード・バーンスタイン(1918-90）を初めて聴いた時ほど衝撃的なものはなかった。
筆者の実家にあるＣＢＳソニーのＬＰでバーンスタインを聴き始めたのは中学生の頃だったが、クラシックが弾み、跳び、うねっている現実に驚かされた。
それは、折り目正しく、格調高く、品格と威厳をもって鳴り響いてこそのクラシックが、楽しそうにステップを踏み、ラインダンスでも踊るかのように華やかで、開放的な気分を漲らせていた。
フルトヴェングラーのとも違うじゃない、ベームのブラームスとも違うじゃない、カラヤンのベートーヴェンとも違うじゃないと言っても始まらない。
バーンスタインはそんな声には見向きもせず、笑顔で颯爽と走っていたのであり、しかもそれが実に粋で、格好良かったのである。
このアメリカ生まれの指揮者は明らかに時代感覚と美学を武器にクラシックの世界に乗り込み、演奏新時代を切り開いていたのである。
そんなバーンスタインの素晴らしさを理屈抜きに体感させてくれたのがドヴォルザークの《新世界より》だった。
１９６２年の録音だから、既に名盤はトスカニーニ、ターリヒ、クーベリック、ライナー盤などいくつもあったが、バーンスタインの演奏は最もモダンかつスマートであった。
バーンスタイン４４歳の時の録音されたこの演奏は作品をかつてないダイナミックな躍動感と作品をかつてない現代的なアングルから歌い上げた点で値千金の価値と魅力をもっている。
それはアメリカ滞在中のドヴォルザークが書き上げた作品を輝けるアメリカの名指揮者が堂々たる自信と情熱をもって歌い上げたストレートな演奏であり、作品全体にバーンスタイン自身の自画像を写し込んだ演奏となっている。
リズムは小気味よく、前へ前へと前進し、カンタービレは胸を膨らませた憧れに満ち、表現はのびやかこの上なく、音楽が時間の経過とともにますます豊かさを増す、そんな爽快感を与えてくれた。
それはクラシックからアカデミックなイメージと厳めしい門構えを取り払い、「皆さんどうぞ！」とばかりに演奏者が両手を差し伸べて聴き手を招き入れる、過去には存在しなかったオープンな名演であった。
殊にジャズのビートを思わせるようなリズムの処理は絶妙で、バーンスタインはこの演奏を通して、音楽にはジャンルの垣根もない、形態が違っていても喜びの鼓動は底辺でつながっている事実を教えてくれたのである。
自らは成長してもオーケストラをレベルアップさせることはなかったと時に指摘されるバーンスタインではあるが、この時期のニューヨーク・フィルはアメリカ最良のオーケストラであることを納得させる表現の鋭さとダイナミックな鳴りっぷりの良さで抜きん出ている。
殊に立体的なサウンドの見事さは破格で、理屈抜きにオーケストラ音楽の醍醐味を満喫させてくれたし、耳を傾けているだけで勇気づけられる、元気になってくる演奏と言いたくなる感銘を与えられた。
確かに《新世界より》には名盤は数多いが、バーンスタインのこの録音は作品と絆が熱く、演奏が清々しくそして逞しく、今なお初々しい。
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2019年04月28日
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いわゆる「六人組」と称されたグループの一人で多作家でもあったダリウス・ミヨーは４００曲にものぼる作品を残したが、常にラテン的な明朗さ、快活さに満ちた音楽を書いた。
その精神は故郷プロヴァンスの陽光と風土に常に裏打ちされた、ポジティヴなリズムに満たされているのである。
またミヨーの作品のプロフィールは多彩を極めていて、ある意味では２０世紀に活躍した作曲家ならではの姿を映し出しているとも言える。
彼は非常に柔軟な感性の持ち主で、およそ彼ほど多方面から影響を受け、それを自分のものとして消化し創作を続けた人も珍しい。
確かに彼の音楽には同時に複数の調が鳴り響く、多調性の手法が頻繁に聴き取れる。
それはミヨーが生涯に亘って実践した理論だが、一方でピアノ連弾のための『スカラムーシュ』に代表されるように、彼の音楽はエンターテイメントの精神に溢れている。
この曲はキャバレーのライヴのような雰囲気を持っているが、聴く者を決して飽きさせないミヨーの典型的な一面を示している。
ハーレム的喧噪と倦怠感に誘われる『世界の創造』では、ジャズのイディオムが利用され、ヨーロッパの音楽の伝統で、いかに黒人のリズムを生かすかという実験が試みられていて、極めてモダンな響きが創造されている。
またチャップリン的世界さえ彷彿とさせる『屋根の上の牛』では、底抜けに明るいリオのカーニバルを髣髴とさせ、冴えわたるミヨーの筆はさらに七色の光りと陽気な媚薬をふりまきながら作品を楽しく盛り立てており、まさにラテン的憩いのひとときに聴き手を遊ばせる。
つまりミヨーの作品は論理でかためるのではなく、あくまでも劇場的感覚で作品を解放し、その空間に聴き手を憩わせる、そんな不思議な魅力がある。
幸いこの２曲はバーンスタイン指揮、フランス国立管弦楽団の乗りに乗った演奏を聴くことができるが、ここで指揮者は余裕をもってミヨーのリズムを楽しんでいる様子が見てとれる。
『マリンバ、ヴィヴラフォンと管弦楽のための協奏曲』は持ち替えソロがペーター・サドロ、チェリビダッケ指揮、ミュンヘン・フィルで、いかにも２０世紀的な珍しい音響の試みを堪能させてくれる。
更に『チェロ協奏曲』第１番はシュタルケルのソロ、ジュスキント指揮、フィルハーモニア管弦楽団で、魅力的な『フルートのためのソナチネ』はパユのフルート、エリク・ル・サージュのピアノと、質の高い演奏がめじろ押しだ。
このセットにはミヨー自身がコンサート・アーツ・オーケストラを１９５６年に指揮した『ブラジルの回想』もカップリングされていて、物憂い気分から豊かなファンタジーを生み出している。
一通り聴いてみると、一見つかみどころのないような多様さの中に、歴然として個性を発揮しているところが作曲家ミヨーのアイデンティティーなのかもしれない。
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2018年07月20日
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バーンスタインのロマンティックな感性がここでも縦横に発揮されたパッショネイトな演奏。
ベートーヴェンの後期の弦楽四重奏曲を鑑賞するには、ひとくさりの楽理の知識と精神的な準備がないと、その深遠さに気付くことが困難なことは周知の通りだが、この弦楽合奏版ではそうした下準備を一切必要としないほどダイレクトに聴き手の心に入り込んでくる浸透性と情熱的な包容力がある。
そこにはバーンスタインの音楽を聴かせる作曲家の直感と指揮者としての力量が示されているし、またウィーン・フィル黄金期のストリング・セクションのシックな音色と深呼吸するような振幅の大きいダイナミズムが指揮者の解釈に良く呼応している。
当時のウィーン・フィルは折り合いの悪い指揮者には彼らの演奏姿勢を譲らない頑固で高いプライドを持っていたが、バーンスタインとは常に幸福な共演を果たしている。
このディスクに収録された２曲の弦楽合奏版は、言ってみればベートーヴェンの作品の本筋からはいくらか離れた際物だが、実際に大編成のストリング・オーケストラのサウンドとして鳴り響くと、聴く人の感性に訴えて大きな感動をもたらすことに驚かされる。
それはこれらの作品の普遍性が驚異的な融通性をも持ち合わせていることの証左でもあるだろう。
第16番ヘ長調が1989年ウィーン・ムジークフェライン・グローサーザール、第14番嬰ハ短調が77年ウィーン・コンツェルトハウスでのライヴ・レコーディングだが、客席からの雑音が最小限に抑えられた良好な録音がUHQCD化によって更に鮮明に再生される。
尚弦楽合奏版は既にトスカニーニの時代から演奏されていたようだがアレンジャーは明記されていない。
以下は個人的な思い出。
随分前のことだがウィーンの郊外、ハイリゲンシュタットのベートーヴェン記念館で偶然聴いたのがバーンスタイン、ウィーン・フィルによるこのディスクだった。
10月も終わりの頃、午前中カーレンベルクの丘に登って斜面に広がる葡萄畑やドナウ河畔のウィーンの遠景を見た後、ハイリゲンシュタット公園に降りてベートーヴェンの像の傍らのベンチに腰掛けて、木々の間を素早く走り抜ける野生の栗鼠を見ていた時、前に行ったことのある彼の記念館がごく近くにあることを思い出した。
ベートーヴェンが一時期夏の間借りていた小さな家で、重度の難聴に絶望した彼が自殺を決意して遺書を書いた場所だ。
他に誰も見学者がいなかったので部屋の片隅に装備されていた簡素なオーディオ・コーナーでリラックスしながら何気なく聴き始めたのがこれだった。
弦楽合奏版で鑑賞するのは初めてだったが、この演奏を聴いているうちに、図らずもベートーヴェンの波乱に満ちた生涯が脳裏をよぎって涙を禁じえなかった。
その後ベートーヴェンが礼拝に通っていた近くの聖ヤコブ教会に入った時には暗闇になっていて、ひっそりと静まり返った堂内に点いていた薄暗いランプの下で、さっき聴いた音楽がまだ残響のように鳴っている錯覚に襲われた。
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2018年05月13日
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今年2018年は20世紀を象徴する音楽家レナード・バーンスタイン生誕100周年になる。
彼はレコーディングにも肯定的で積極的な録音活動をしたために、既に大手メーカーだけでなくマイナー・レーベルからもさまざまなタイトルでLPからブルーレイ・オーディオまであらゆるメディアの膨大な音源が放出されている。
例を挙げればドイツ・グラモフォンからの121CD+36DVD+ブルーレイの豪華版とソニーからのCD100枚の箱物が双璧を成す代表盤だろう。
一方でバーンスタインの作曲家としてのプロフィールを明らかにしているセットは3種類ほどある。
それがグラモフォンからの作品全集26CD+3DVD、 ソニーの『ザ・コンポーザー』25CD及びEMIからの『ザ・サウンド・オヴ・バーンスタイン』3CDセットになる。
選択肢に迷う入門者にお薦めしたいのはソニー盤で、大半が自作自演集であるだけでなく、若き日のバーンスタインによるバイタリティーに溢れた情熱的な再現が作品のオリジナリティーを一層浮き彫りにしている。
古い音源ながら新規にリマスタリングされた音質は極めて良好で、グラモフォン盤のような映像こそないが彼のダイレクトなメッセージが伝わってくる。
20世紀の作曲家の中で最も現代的な音楽活動を展開したのがバーンスタインであったことに異論を挟む余地はないだろう。
彼はここに収録された交響曲やミサなどの古典的な作品に加えてジャズ、ミュージカル、映画音楽の制作、また卓越した指揮者兼ピアニストという八面六臂の精力的な活躍でジャンルを超えた楽壇を牽引した。
しかもどの分野においても中途半端でない、常に時代の最先端を自覚し未来を予感させる高度な仕事を成し遂げた。
同時代の音楽家達にも圧倒的な影響力を持っていたが、また将来においても音楽家の理想像としての影響も与え続けるだろう。
収録曲目に関してはバーンスタインの作品全集ではないが、代表作は網羅されている。
幸いこのアマゾンのページの曲目リスト欄に列挙されているので参照されたい。
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2018年04月17日
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ジョン・マナシーとジョン・ナカマツのコンビは既にブラームスのクラリネット・ソナタ集及び五重奏曲をリリースしているので、クラリネット・ファンにはお馴染みだろうが、このＣＤは際物扱いされているためか意外に話題に上らない。
しかし演奏の質から言っても、彼らが得意とするアメリカ音楽への勧誘という意味でも優れた１枚だ。
マナシーのクラリネットについては、その肌理の細かい繊細な美しさと無類のテクニックが、曲によっては逆にいくらか神経質に聴こえてしまうことが無きにしも非ずだった。
このアルバムでは本人自身も演奏を心から楽しんでいる、羽目を外した普段着の彼が見えるような気がするし、またピアノのジョン・ナカマツの乗りの良さも特筆に値する。
特にノヴァチェクのラグではホンキートンク・ピアノを髣髴とさせる底抜けに明るいリズミカルな伴奏が愉快だ。
両者とも非の打ちどころのないアンサンブルを披露していて、クラシック・ファンだけでなく、広い層の人にお薦めしたいデュオ集だ。
最初の４曲はジョン・ノヴァチェクの『２人のジョンのための４つのラグ』と題された文字通りシンコペーションを多用したラグタイムの魅力を充分に取り入れた小品集だが、既に作曲されていたものを今回特に彼らのためにアレンジした事からこの曲名がついたようだ。
続くパキート・デ・リベラの『ザ・ケープコッド・ファイルス』は自身クラリネット奏者でもあるためにこの楽器の特性が見事に活かされている。
特に第３曲は無伴奏ソロで、マナシーの鮮やかなテクニックが冴えている。
バーンスタインの『ソナタ』は他の曲に比べると娯楽的とは言えないが、作曲家の音楽的な思索が高度に練り上げられた印象的な作品だ。
締めくくりは４曲のガーシュウィンで、この種の曲で一世を風靡した元祖のオリジナリティーが、このアルバムのしんがりとして相応しい。
日系アメリカ人のピアニスト、ジョン・ナカマツは第１０回ヴァン・クライバーン・コンクールの覇者で、故郷カリフォルニアではドイツ語の教師を勤めていたという変り種の音楽家だが、室内楽にも熱心に取り組む姿勢をみせていて、今後の彼の演奏活動が期待される。
音質は極めて良好だが、目の前に奏者が立つような生々しい臨場感ではなく、一歩引いた空気感を捉えているハルモニア・ムンディの特徴的な録音だ。
１８ページで写真入りの英、独、仏語によるライナー・ノーツが挿入されたデジパック入り。
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2017年11月25日
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アーロン・コープランド(1900-1990)は20世紀を象徴するアメリカの作曲家の１人だ。
奇しくも彼の先輩に当たるガーシュウィン(1898-1937)とはどちらも移民であり、共に新大陸で彼らの時代の音楽をそれぞれが独自に模索し、その個性的な才能を開花させた。
ガーシュウィンが常に大衆のためのポピュラー音楽でヒットを得て、クラシックとの邂逅後も作曲やオーケストレーションは独学だったのに対して、コープランドはパリでナーディア・ブーランジェから薫陶を受けた根っからのクラシック畑の人だった。
現代音楽の作曲家でありながら彼の作風は民族的なメロディーやジャズのエレメントを積極的に採り入れ、大都会の谷間に息づく新時代の音楽の潮流を方向づけ、それはバーンスタインにも確実に受け継がれている。
１曲目のピアノ協奏曲はコープランド自身のピアノ・ソロをバーンスタイン指揮、ニューヨーク・フィルがサポートした演奏で、オーケストラの鮮烈な音響に映える前衛的なソロ・パートが当時まさに未来派志向の音楽だったことが想像される。
ここでもジャズからの影響が明らかで、バーンスタインはシンコペーションを多用したリズミカルな曲調を水を得た魚のように生き生きと表現している。
組曲『エル・サロン・メヒコ』はコープランドのエスニカルな嗜好を音楽で試みた作品で、彼の２ヵ月ほどのメキシコ滞在でインスピレーションを得た、底抜けに明るく親しみ易いメロディーで綴られている。
理屈抜きで誰にでも楽しめるノリの良い曲想をアブラヴァネル、ユタ交響楽団の少し荒削りだが、機知に富んだパワフルな演奏で鑑賞することができる。
一方『アパラチアの春』はバレエ音楽として作曲されたものを、後に８曲からなる組曲に再編集したオーケストラ用の作品になり、本来この曲の標題はバレエのストーリーとはそれほど関連性がなかったようだが、アメリカ開拓民の春の祭典を扱っているために、実際聴いてみると確かに大陸的な大自然をイメージさせるものがある。
こちらもアメリカに帰化したアンタル・ドラティ指揮、ロンドン交響楽団の演奏が象徴的だ。
最後の『オールド・アメリカン・ソングス』は第１集及び第２集の全１０曲を収めたコンプリート版で、ウィリアム・ワーフィールドのバリトン・ソロをコープランド自身が指揮した、コロンビア交響楽団のお国自慢だ。
作曲家が採譜してオーケストレーションを施した、素朴で鄙びた中にもカントリー色豊かな懐かしさがある。
５曲目がお馴染みの『私は猫を買ってきた』で、友人リン・リッグズのオクラホマでの少年時代の思い出になるようだ。
民家の家畜達の鳴き声を描写したワーフィールドの歌唱は愉快そのもの。
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2017年05月07日
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バーンスタインが客演指揮者として初めてウィーン・フィルを振ったのは彼が４８歳だった１９６６年で、それ以降両者の良好な関係は絶えることなく続いたが、この８枚の交響曲集でも１９７９年から１９９０年までの彼らの最良のコラボが記録されている。
バーンスタインは円熟期になるとそれまでの汗を飛ばしながら指揮台でジャンプするようなパッショネイトな表現に加えて壮大なリリシズムを湛えた演奏をするようになり、ウィーン・フィルが持っている弦のしなやかさや渋めのブラス・セクションの音色が相俟って醸し出される官能的だがシックなサウンドが特有の雰囲気を創造していた。
それはこのセットに収録されている彼の十八番「アダージェット」を含むマーラーの交響曲第５番だけでなく、ベートーヴェンの第９番第３楽章やブルックナーの第９番第３楽章、更にはシベリウスの第１番にも顕著で、こうした曲をこれだけセンシュアルに響かせた例も珍しいのではないだろうか。
収録曲総てがライヴ録音であるためにバーンスタインのカリスマ的な魅力も伝わってくるが、幸い聴衆からの雑音は入っていない。
ベートーヴェンの第９番でバーンスタインはテンポをかなり抑えてウェットに練り上げた濃厚で変化に富んだ音楽の再現を試みている。
全体的に確かに隙のない解釈だが、作曲家がこの曲に注ぎ込んだストレートな力強さの表出という点では幾らか手が込み過ぎていて、厚化粧の誹りを免れないだろう。
終楽章「歓喜の歌」での４人のソリストとコーラスは殆んど限界の一歩手前まで歌わされているという感じがしないでもない。
会場になったシュターツオーパーの音響も関係しているだろうが、音質はこのセットに収録された他の曲に比較してやや録音レベルが低い。
ウィーン・フィルのような古い伝統を引っ提げたプライドの高いオーケストラを統率するのは容易ではない筈だが、中でもハイドン、モーツァルト、ブルックナーそしてマーラーの作品は彼らにとっても一家言持った郷土の作曲家だけに、指揮者は自分の解釈に従わせるだけでなく彼らの自主性を最大限尊重した協力関係が欠かせない。
そこにはウィーン・フィルと決別したカルロス・クライバーとは対照的なバーンスタインのディプロマティックな性格も裏付けられている。
ハイドン、モーツァルトでも常に機知に富んだ熱のこもった演奏だが、古典的な起承転結をわきまえた造形美にも不足していない。
彼のブルックナー第９番を一大叙事詩に喩えるならマーラーの第５番はさしずめ壮麗な抒情詩と言えないだろうか。
バーンスタインは自身作曲家であったために多くの同時代の作品もレパートリーにしていたが、ここで一番新しいものはショスタコーヴィチの２曲の交響曲で、第６番では彼の明晰でしかも繊細な感性を反映させたスペクタクルな仕上がりが美しく、第９番ではミュージカルや映画音楽を髣髴とさせるような軽妙な味わいがある。
それはウィーン・フィルが得意とする高度に洗練されたユーモアと遊び心にも共通している。
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2017年04月25日
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バーンスタインは録音に関しては常に肯定的な考えを持っていて、生涯を通して精力的にレコーディングを行った。
ＣＢＳ音源からはソニーがＣＤ８０枚のコレクション盤と自作自演集２５枚をリリースしているし、ドイツ・グラモフォンからは全２巻計１２４枚の全集が刊行されていて、その他ニューヨーク・フィルハーモニック自主制作盤やＥＭＩ音源など、どれから聴くべきなのか入門者には迷うくらいの選択肢が提供されている。
ここに紹介する英リアル・ゴーン・ミュージックからの４枚組は、バーンスタインのデビュー間もない１９４６年からニューヨーク・フィル就任直後の１９５９年迄の初期の音源をリマスタリングしてリイシューしたもの。
ステレオ録音はＣＤ２の２曲のガーシュウィンだけだが音質向上という面では、特に１９４０年代の音源が予想以上に骨太で精彩のあるサウンドで再現されていて、かなりの成果を上げている。
大部のセット物の購入を躊躇している方にも鬼才バーンスタイン若き日の演奏のサンプラー盤としてお薦めしたい。
いずれの演奏も初ＣＤ化ではないが、自作自演も含めて単品で揃えることが困難なレア音源が集められていて、例えば彼の交響曲第２番に関しては１９６５年の改訂版ではなく１９４９年の第１稿の方が収録されている。
また『セレナード』でも彼が後に再録音したフランチェスカッティのヴァイオリンではなく、初演を飾ったスターンのソロで聴くことができる。
そこにはストラヴィンスキーやガーシュウィンなどにも共通する、この頃のバーンスタインの音楽に対する鋭利な切り込みと意気揚々としたバイタリティーに溢れる解釈が古い録音から新鮮に甦ってくる。
またドヴォルザークやチャイコフスキーでは彼の滾るような情熱とロマンティシズムが弥が上にも伝わってくる。
リアル・ゴーン・ミュージックはクラシック専門のレーベルではなく、カタログを見るとジャズやポップスの歴史的録音をリマスタリングしてＣＤ化しているようだが、ここではバーンスタイン自身も含めた７人の作曲家の作品１０曲が選曲されて異色のアルバムに仕上がっている。
４枚のＣＤが４面折りたたみ式のデジパックに収納されていて、独立したライナー・ノーツは付いていないが、見開きにバーンスタインの簡易なキャリアと裏面に収録曲が掲載されたラフな体裁。
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2017年02月12日
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バーンスタインのニューヨーク・フィル時代のハイドンがまとめられて格安で再発売された。
バーンスタインのハイドンのよさはもっと知られてよく、シンフォニックな厚みのある演奏は、いかにも巨匠風の大芸術だ。
バーンスタインのハイドンは、精緻なアンサンブルや古典主義的な美を求めるよりは、解放的な愉悦感で一貫している。
特に《時計》は作品とぎりぎりのところで、そのバランスが美しく保たれた演奏になっている。
カラヤン盤がオーケストラの威力によって聴かせるならば、この演奏は全体にみなぎる熱気が魅力である。
指揮台の上で飛び跳ねるというバーンスタインのエネルギッシュなスタイルは、なにも激しい曲ばかりではなく、このような作品にまでもあらわれている。
一糸乱れぬ完璧な合奏力でひきあげたカラヤン盤に対し、バーンスタインの表現は、もっと開放的である。
こうしたハイドンの演奏は、バーンスタインの独壇場と言えよう。
《驚愕》は１９７０年代のものにしては珍しく大編成によっているが、いかにもユーモリストのバーンスタインらしい、明るく健康的なウィットに富んだ演奏で、新鮮な味わいをもったすがすがしい表現だ。
�爛僖僉Ε魯ぅ疋鶚瓩噺討个譴燭覆瓦笋�なハイドンの音楽がそのままバーンスタインの人柄に乗り移ったように聴こえてきて、気持ちがよい。
《Ｖ字》では、子供らしい活気あふれる無邪気さと、慈父のようなあたたかみのある気配りの対話が生き生きと浮かび出て、ハイドンの本質にふれている。
第３楽章でのユーモア感はさまざまな表情を見せ、そのこまやかさとゆたかさは他に例を見ない。
終楽章は遊びまわる子供の疲れを知らぬ活気にあふれている。
人間に対する親愛感に満ちた演奏だ。
第１０２番では、オラトリオ《天地創造》に通ずる気宇壮大な世界が展開され、清新な空気を胸いっぱいに吸い、心が広々とし、この世に生きるよろこびが感じ取れる。
ミサ曲第９番《ネルソン・ミサ》では、バーンスタインの切れのよいリズムの中に刻まれるハイドンの抒情が、なんとも現代的である。
と同時にハイドンの本質である完成された古典主義の造型が、この特質を明らかにしていく快さも兼ねている。
独唱者ではソプラノのジュディス・ブレゲンが抜群で、テクニックといい音楽性といい、その仕上がりは他の３人を引きはなしている。
ミサ曲第１２番《ハルモニー・ミサ》では、古典的均整に行儀よく収まらず、力と行動性を持ったこのバーンスタインのハイドンは、それ故に現代の生存不安に対するヒューマニスティックな訴えを前面に押し出し、作曲者の〈健康さ〉が、病に冒された現代の人々に確かな〈救い〉を与える。
オラトリオ《天地創造》にも真の人間讃歌がみなぎっていて、この上なく感動的で、オケもコーラスもこの熱に押しまくられ素晴らしい力感をみせる。
バーンスタインの古典は、一般に見逃されているようだが、彼のハイドンやモーツァルトは、構成のしっかりした実に立派なもので、ぜひ再認識してほしいと思う。
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2015年09月11日
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バーンスタインの最初で最後となったプッチーニのオペラ。
この録音が行われた当時（１９８７年）、バーンスタインはローマ聖チェチーリア音楽院の名誉院長の地位にあったが、同音楽院管弦楽団との録音はこれが初めてだった。
バーンスタインとプッチーニ、一見意外な組み合わせだが、《ボエーム》はバーンスタインが幼い時からこよなく愛したオペラだったという。
それだけに、ここではただならぬ思い入れゆえの灼熱の指揮ぶりが聴ける。
ドラマや音楽が高揚する部分での異常なスロー・テンポはどうだろう。
まるで音楽の陰に隠された秘密をのぞき込もうとするかのようだ。
オペラというよりも、声と管弦楽によるシンフォニーといった面白さがある。
語感ではなく音色によるバーンスタイン盤の不思議な魅力にも注目したい。
バーンスタインが狙った効果は青春群像の舞台上での再現であろう。
歌手はそれなりに好演しているが、個人的には青春群像を描くにはバーンスタインは歳をとりすぎたという印象がする。
《ウェストサイドストーリー》がヒットした頃の破天荒というか無鉄砲というか、快速に飛ばしまくる元気なバーンスタインの方が曲には合っているような気がする。
最後のシーンでロドルフォが嗚咽せず、静かに終わっていくのが、泣き叫ぶよりもむしろ深い悲しみを誘う感じがするのが印象的である。
異色のプッチーニとして注目したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年08月09日
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アイザック・スターンをソロ・ヴァイオリンに迎えた２０世紀の作曲家の作品３曲を収めたＳＡＣＤで、総てバーンスタイン指揮、ニューヨーク・フィルハーモニックとの協演になる。
ベルクの『ヴァイオリン協奏曲』が１９５９年、バルトークの２曲、『ラプソディー第２番』が１９６２年、『ヴァイオリン協奏曲第２番』が１９５８年のそれぞれがセッション録音だ。
プラガは版権の切れた古い音源を続々とＳＡＣＤ化しているが、演奏の質はともかくとして音源自体が劣化している場合もあるので、その出来栄えとなると玉石混交だが、この３曲に関しては初期ステレオ録音であるにも拘らず、ＤＳＤリマスタリングの効果が発揮され、音場の広がりや高音の鮮明さも時代を超越した生々しい音響が再現された成功例と言えるだろう。
スターン、バーンスタインの両者も３０代後半から４０代前半の若々しい覇気に満ちた演奏が何よりも魅力で、彼らの新時代のクラシック音楽に賭けた情熱と意気込みが伝わってくる。
ベルクの『ヴァイオリン協奏曲』では、その精緻な作曲技法の理論は別にしても曲中に仄かな官能性が潜んでいる。
バーンスタインはそうした隠された官能美を意識的に引き出しているように思える。
第１楽章ではウィンナ・ワルツの断片さえ聞こえてくるが、それが如何にもバーンスタインらしく妖艶に響いてくるし、第２楽章のコラールも彼のフィルターを通すと全く斬新なエレメントとなって浮かび上がってくる。
そこにはバーンスタインの作曲家としてのベルクへの強い共感があるに違いない。
また張り詰めた緊張感の中で、あたかも走馬燈のように揺れ動くスターンのソロは、ベルクの鮮烈な回想を見事に音像化している。
この作品はアルマ・マーラーの娘マノンの夭折を追悼するために作曲されたが、奇しくもベルク自身の白鳥の歌になってしまったようだ。
バルトークの『ラプソディー第２番』ではスターンの大地から湧き上がるようなヴァイタリティーに漲るソロが、この曲のエスニカルなイメージを決定的にしているが、『ヴァイオリン協奏曲第２番』では、作曲家によってそうした原初的なパワーがより普遍化され、いわゆる民族主義から昇華された洗練の域に踏み込んでいる。
スターン自身もまた２０世紀の作品を多く初演しているだけあって、時代の動向に敏感に反応しながらも独自の新しい演奏スタイルを追求していたことが理解できる。
最後にニューヨーク・フィルのアンサンブルの正確さとパワフルで完全燃焼しているサポートにも注目したい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年08月07日
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バーンスタインとウィーン・フィルの共同作業は、売り物のマーラーやベートーヴェンばかりでなく、ハイドンでも見事な成果を上げている。
バーンスタインのハイドンのよさはもっと知られてよい。
ハイドンというと、わが国ではあまり人気がないが、それは杓子定規の堅苦しい演奏が多いせいではないか。
しかし、バーンスタインのハイドンを聴いて、音楽の楽しさを感じない人はおそらくいないだろう。
まず音の響きが感覚的に洗練され、もうそれだけで聴き手の心を奪い、すぐれた作曲家でもあるバーンスタインらしく各部の構成が見事に分析・総合され、しかもそうした構造を描くだけでなく、旋律の流れが実に流麗である。
ここでも、バーンスタインは、ワルターのように、細やかな表情づけにこだわることなく、おおらかにあたたかく表現していて、魅了される。
いかにもユーモリストのバーンスタインらしい、明るく健康的なウィットにとんだ演奏で、新鮮な味わいをもったすがすがしい表現だ。
“パパ・ハイドン”と呼ばれたなごやかなハイドンの音楽が、そのままバーンスタインの人柄に乗り移ったように聴こえてきて、気持ちがよい。
ウィーン・フィルを起用したのも成功で、このオーケストラ独自の典雅な音色を駆使して、生き生きとした音楽を展開している。
しなやかな弦の歌、まろやかな管のアンサンブル、溌剌としたリズムの躍動感、そのいずれもがハイドンの純音楽的な美しさと魅力を際立たせる。
ウィーン・フィルというオーケストラのすばらしさを、これほどわからせてくれる演奏も少ない。
第８８番「Ｖ字」は立体感に富む弦と管のバランスが実に自然で、それが、ウィーン・フィル特有のいぶし銀の響きとバーンスタイン特有の生命力を端的にあらわしている。
精密さを求めるより、楽しさに重点をおくバーンスタインが、ニューヨーク・フィル時代には成し得なかったオーケストラとの阿吽（あうん）の呼吸を実現し、メヌエット楽章のスフォルツァンドや強弱の対照を面白く聴かせてくれる。
第９２番「オックスフォード」もそうだが、ウィーン・フィルの美しい響きをいかしながら、バーンスタインは、ハイドンの音楽のもつ明るく、楽天的な味わいをうまく表現している。
その一方で、底抜けの明るさの中にも時としてかげりが生じ悲しみがよぎるのを豊かな感情をこめて演奏している。
バーンスタインの表現はウィーン・フィルの芳醇な音色をいかしながら溌剌とした自然な歌に満ち溢れて、ハイドンの最もハイドンらしい面を聴かせる。
第９４番「驚愕」は、音そのものが形容を絶する美しさで、プルトを減らしたためか透明度も高く、素晴らしく魅惑的な演奏だ。
その豊麗な響きと流麗さは、他のオーケストラからは求められないものだ。
もちろんバーンスタインの表現も音楽に共感した演奏にのみあらわされるような生命力があり、各部がくっきりと表出されていて、ハイドンの真髄が端的に伝わってくる。
第２楽章の驚かしばかりではなく、全曲のあちこちにハイドンらしい機知やウィットがちりばめられ、ライヴの熱気と高揚と力の爆発が加わって、まさに鬼に金棒。
まさにハイドンの豊かな生命力の理想の表現であり、これほど溌剌として率直、歌にみちた古典の演奏は滅多に聴くことができない。
晩年のバーンスタインは、音楽の奥行きをより深めていったけれど、同時にウィーン・フィルを振ると、決まってこのオーケストラの個性を最大限に発揮させていた。
この演奏もそのひとつで、濃厚な隈取りのなかに、優美でしなやかな感性がうまくいかされている。
筆者はハイドンのような音楽が認められないのは、つねづね音楽受容の後進性を表わしているのではないかと考えているが、このような演奏を聴けばハイドンの熱烈な愛好家が激増することになろう。
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2015年05月17日
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これはどうしようもない演奏だ。
一時はカラヤンと覇を争うほどの大指揮者であったバーンスタインが、何故にこのような駄演を行ったのか理解に苦しむところだ。
第２番の第１楽章はそれでもまだましと言える。
大仰で濃厚の極みとも言うべき音楽は、シベリウスの音楽というよりはマーラーの音楽を鑑賞しているような錯覚を起こさせるが、テンポなども含めとりあえずは常識の範囲内におさまっており、少なくとも凡演のレベルには達していると言える。
ところが第２楽章。
バーンスタインは何を勘違いしたのであろうか。
にわかには信じ難いような超スローテンポで曲想を進めていくが、ここまでいくともはや音楽ではなく単なる音の羅列ではあるまいか。
バーンスタインが、このような音の羅列で何を表現したかったのかは不明であるが、少なくともこの楽章に関しては、よほどのバーンスタインの熱狂的なファンでないと、全体を聴き通すことすら苦痛であると言えるだろう。
第３楽章は、本演奏の中ではもっともまともな演奏と言える。
中間部の粘ったような音楽はいかにも晩年のバーンスタインであり、その濃厚な体臭に辟易としないでもないが、少なくとも第２楽章の音の羅列を聴いた後では一服の清涼剤のように感じる聴き手は筆者だけではあるまい。
そして終楽章であるが、思わず耳を覆いたくなる。
シベリウスが作曲した旋律の中でも特に勇壮で美しい名旋律を、バーンスタインはテューバを最強奏させることによって品の悪い騒音に変容させてしまった。
このような演奏を聴いていると、聴いていて恥じらいさえ覚えるほどであり、晩年のバーンスタインはあらゆる楽曲をマーラーの音楽であると思っていたのではないかと勘繰りたくもなる。
いずれにしても、本演奏は同曲演奏史上でも最悪の駄演であり、熱狂的なバーンスタインのファンだけに存在意義がある演奏と言えるだろう。
バーンスタインは、１９６０年代にもニューヨーク・フィルを指揮して同曲を録音しており、それはヤンキー気質丸出しの外面的な演奏とは言えるが、本演奏よりはよほど優れているのではないかと考えられるところだ。
併録の第７番も、晩年のバーンスタインならではの大仰にして濃厚な演奏であり、筆者としても到底容認し難い凡演であると言えるが、第２番ほどのデフォルメはなされておらず、駄演とまでは言えないのではないかと考える。
もっとも、ユニバーサルはベスト１００のＣＤを選定するに際して、何故に本盤を選定したのであろうか。
シベリウスの管弦楽曲集においてヤルヴィ盤（オーケストラはエーテボリ交響楽団）を選んだのであれば、交響曲第２番＆第７番においても同様にヤルヴィ盤を選定すべきである。
このような駄演をベスト１００に選定したユニバーサルに対して、この場を借りて猛省を促しておきたい。
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2015年05月11日
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レナード・バーンスタインは、その晩年にウィーン・フィルとともにモーツァルトの主要な交響曲集のライヴ録音を行ったところであり、本盤に収められた交響曲第２５番及び第２９番はその抜粋である。
バーンスタインは、かつてニューヨーク・フィルの音楽監督の時代には、いかにもヤンキー気質の爽快な演奏の数々を成し遂げていたが、ヨーロッパに拠点を移した後、とりわけ１９８０年代に入ってからは、テンポは異常に遅くなるとともに、濃厚でなおかつ大仰な演奏をするようになった。
このような芸風に何故に変貌したのかはよくわからないところであるが、かかる芸風に適合する楽曲とそうでない楽曲があり、途轍もない名演を成し遂げるかと思えば、とても一流指揮者による演奏とは思えないような凡演も数多く生み出されることになってしまったところだ。
具体的には、マーラーの交響曲・歌曲やシューマンの交響曲・協奏曲などにおいては比類のない名演を成し遂げる反面、その他の作曲家による楽曲については、疑問符を付けざるを得ないような演奏もかなり行われていたように思われる。
本盤の演奏においても、ゆったりとしたテンポによる熱き情感に満ち溢れた濃厚さは健在であり、例えば、これらの楽曲におけるワルターやベームの名演などと比較すると、いささか表情過多に過ぎるとも言えるところだ。
もっとも、オーケストラがウィーン・フィルであることが、前述のような大仰な演奏に陥ることを救っていると言えるところであり、いささか濃厚に過ぎるとも言えるバーンスタインによる本演奏に、適度の潤いと奥行きを与えている点を忘れてはならない。
バーンスタインがこのウィーン・フィルを指揮した演奏は、オーケストラを巧みにドライヴした熱気と力強さにあふれている。
楽員の自発性が尊重された演奏であり、バーンスタインの指揮の下、ウィーン・フィルはその真髄を完全に体現している。
第２５番は洗練された美の極致とも言える鮮麗なサウンドで、聴き手を魅了してやまない。
第２９番も極めて音楽的に絶妙な表現で、造形も端正そのものだし、木管の自発的で豊かな表現力にはもはや形容する言葉もない。
近年のモーツァルトの交響曲演奏においては、古楽器奏法やピリオド楽器を使用した小編成のオーケストラによる演奏が主流となりつつある。
そうした軽佻浮薄な演奏に辟易としている中で本演奏を聴くと、本演奏には血の通った温かい人間味を感じることが可能であり、あたかも故郷に帰省した時のように安定した気持ちになる聴き手は筆者だけではあるまい。
バーンスタインのシンフォニックな厚みのある演奏は、いかにも巨匠風のスケールの大きな大芸術だ。
稀代の指揮者バーンスタインの名盤というと、おそらく、誰もが真っ先に思い浮かべるのはマーラーの交響曲の熱演だろう。
確かにあれは圧倒的な出来映えなのだけれど、このモーツァルトの交響曲もまた、それに劣らぬ歴史的名演ではないかと筆者は考えている。
バーンスタインの古典は、一般に見逃されているようだが、彼のハイドンやモーツァルトは、構成のしっかりした実に立派なもので、ぜひ再認識してほしいと思う。
いずれにしても、本演奏は、近年の血の通っていない浅薄な演奏が目白押しの中にあってその存在意義は極めて大きいものであり、モーツァルトの交響曲の真の魅力を心行くまで堪能させてくれる人間味に溢れた素晴らしい名演と高く評価したい。
クラリネット協奏曲も秀演で、シュミードルの独奏は甘く美しく、まさにウィーン独自の音と音楽であり、ここではバーンスタインもサポートに回って、豊麗なバックグラウンドをシュミードルに提供している。
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2015年05月02日
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バーンタインの演奏するマーラーは、「人類の遺産」と称しても過言ではなく、バーンスタインこそが史上最大のマーラー指揮者であることは論を待たないところだ。
バーンスタインは、本ＤＶＤ作品を含めて３度にわたってマーラーの交響曲全集を録音した唯一の指揮者でもあるが（最後の全集は残念ながら一部未完成）、そのいずれもが数多くのマーラーの交響曲全集が存在している現在においてもなお、その輝きを失っていないと言えるだろう。
本盤に収められたマーラーの交響曲全集は、バーンスタインによる２度目のものに相当する。
収録は１９７０年代に行われており、オーケストラは、ウィーン・フィルの起用を軸としつつも第２番においてロンドン交響楽団、「大地の歌」においてイスラエル・フィルを起用している。
各オーケストラの使い分けも実に考え抜かれた最善の選択がなされていると評価したい。
このようなオーケストラの起用の仕方は、最初の全集が当時音楽監督をつとめていたニューヨーク・フィルを軸として、第８番はロンドン交響楽団が起用したこと、３度目の全集においては、ウィーン・フィル、コンセルトへボウ・アムステルダム、そしてニューヨーク・フィルの３つのオーケストラを起用したこととも共通している。
バーンスタインのマーラー演奏はいずれも極めてドラマティックなものだ。
バーンスタインは、かつてニューヨーク・フィルの音楽監督の時代には、いかにもヤンキー気質の爽快な演奏の数々を成し遂げていたが、ヨーロッパに拠点を移した後、ウィーン・フィル等を叱咤激励してマーラーの音楽を懸命になって啓蒙していたところだ。
変幻自在のテンポ設定や思い切った強弱の変化、そして猛烈なアッチェレランドを駆使するなど、その劇的な表現は圧倒的な迫力を誇っており、聴いていて手に汗を握るような興奮を味わわせてくれると言えるだろう。
こうしたバーンスタインのマーラー演奏のスタイルは最晩年になってもいささかも変わることがなかったが、晩年の３度目の全集では、より一層表現に濃厚さとスケールの大きさ、そして楽曲の心眼に鋭く切り込んでいくような奥行きの深さが加わり、他の指揮者による演奏を寄せ付けないような至高の高みに達した超名演に仕上がっていたと言える。
本盤に収められた演奏は、５０代の壮年期のバーンスタインによるものであるだけに、３度目の全集のような至高の高みには達してはいないが、前述のようなドラマティックな表現は健在であり、とりわけトゥッティに向けて畳み掛けていくような気迫や強靭な迫力においては、１度目や３度目の全集をも凌駕しているとさえ言えるだろう。
ストレートで若干荒削りな演奏と言えなくもないが、スコアに記された音符の表層をなぞっただけの洗練された美を誇る演奏などに比べれば、よほど本演奏の方がマーラーの本質を捉えていると言えるとともに、我々聴き手に深い感動を与えてくれると言えるだろう。
マーラーの交響曲のテーマは、楽曲によって一部に例外はあるものの、基本的には死への恐怖と闘い、そしてそれと対置する生への妄執と憧憬であると考えるが、バーンスタイン以上にそれを音化し得た演奏は、テンシュテットによる最晩年の演奏以外には存在しないと言っても過言ではあるまい。
本全集の各演奏こそは、史上最大のマーラー指揮者であったバーンスタインがヨーロッパに軸足を移してから漸く成し得た究極の名演奏と言っても過言ではあるまい。
そして在りし日のウィーン・フィルとバーンスタインとの蜜月時代を確認するには、最良の１組と言えるだろう。
いずれにしても、本全集は、稀代のマーラー指揮者であったバーンスタインによる映像作品による全集として、今後ともその存在価値をいささかも失うことがない名全集と高く評価したい。
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2015年04月03日
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最初にＬＰで発売予定時から絶賛されていた演奏で、その年のレコード・アカデミー賞を受賞した、バーンスタイン晩年の最高度に円熟した演奏である。
現在カタログには、４０種類以上の現役盤がひしめいているが、結局魅力度ということにかけては、バーンスタイン指揮ウィーン・フィルが、圧倒的な貫禄であたりを睥睨している。
バーンスタインは押しも押されぬ史上最大のマーラー指揮者であると考えるが、その精神分裂的な性格がマーラーと通底するシューマンの交響曲や協奏曲を除けば、バーンスタインの指揮する独墺系の音楽は今一つ彫りの深さを感じさせる演奏が少ないと言える。
とりわけ、１９８０年代半ば以降のバーンスタインには、異常なスローテンポによる大仰な表情づけの演奏が増えてきたことから、マーラーやシューマンの楽曲を除いては、いささかウドの大木の誹りを免れない浅薄な凡演が多くなったと言わざるを得ない。
しかしながら、本盤に収められたブラームスの交響曲全集は、１９８１〜１９８２年のライヴ録音ということもあって、１９８０年代後半の演奏のような大仰さがなく、ウィーン・フィルによる名演奏も相俟って、素晴らしい名演に仕上がっていると言えるのではないだろうか。
いずれの曲も、ライヴならではの迫力で、スケールの大きな巨匠風の演奏であり、ロマンティシズムに溢れた演奏である。
バーンスタインはウィーン・フィルの柔らかなアンサンブルを駆使して、ふっくらと聴き手を包み込むような、包容力溢れる暖かい手触りの名演を展開している。
バーンスタインは己の感情をストレートにぶつける事によって古典的形式美の奥に封印された喜怒哀楽の全てを漏らさず紡ぎ出し、劇的でスリリングでしかも朗らかな歌心にも溢れた極めてロマン的なブラームス像を打ち出した。
バーンスタインは、１９６０〜１９６４年にかけてニューヨーク・フィルとともにブラームスの交響曲全集をスタジオ録音しているが、それはいかにもヤンキー気質丸出しのエネルギッシュな演奏であり、随所に力づくの強引な最強奏も聴かれるなど外面的な効果だけが際立った浅薄な演奏であった。
しかし、本盤に収められた演奏では、バーンスタインの音楽に彫りの深さを感じることが可能であり、持ち前のカロリー満点の生命力に満ち溢れた演奏に、ウィーン・フィルによる極上の美演が付加されることにより、演奏全体に潤いと適度な奥行き、そして重厚さを付加することに成功している点を忘れてはならない。
ウィーン・フィルはブラームスの交響曲を初演したオーケストラで、それだけにここでも並々ならぬ自信が感じられる。
バーンスタインはそうしたオーケストラの魅力を余すところなく発揮させており、ライヴ録音ならではの白熱的な演奏を展開している。
ウィーン・フィル独特の弦の柔らかな響きと管楽器の美しいハーモニー余すことなく表現して、指揮者と楽団の知的で親密さがなければ実現できなかったであろう快い緊張感に支えられた均質な演奏に聴き手は高い満足度を感じる全集であると言えるだろう。
いずれにしても、本全集は、バーンスタインによるエネルギッシュな力感溢れる指揮に、ウィーン・フィルによる美演が加わったことにより、剛柔バランスのとれた素晴らしい名演に仕上がっていると高く評価したい。
仮に、本全集の録音に際して、バーンスタインがウィーン・フィル以外のオーケストラを起用していたとすれば、これほどの魅力的で奥行きのある演奏にはならなかったのではないかとも考えられるところだ。
録音は１９８１〜１９８２年のデジタル・ライヴ録音であるが、従来盤でも充分に満足し得る高音質である。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年02月02日
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ショスタコーヴィチの「第５」については、筆者としてはムラヴィンスキー盤を唯一無二の名演と高く評価してきたが、バーンスタイン盤も著しく世評が高いため、無視するわけにはいかない。
バーンスタインの２度目の録音であるが、旧盤に比較して、全体の解釈にはあまり変更はないものの、抒情的な箇所ではより繊細な表現を見せるなど、外面的な効果や受けを狙った派手な音出しなどしない音楽に深く入り込んでゆくような演奏が展開され、彫りの深い演奏になっている。
バーンスタインは、スタジオ録音よりライヴのほうが本領を発揮するのかもしれないと思うような腹にズシリと響く怒涛のように押し寄せる快感、観客もあまりの迫力に静まり返っているような緊張感が素晴らしい。
特に、第３楽章において、そのような表現が顕著であり、ライヴならではの熱気も相俟って、実に感動的な名演を成し遂げている。
バーンスタインの「第５」の特徴として揚げられるのは終楽章の終結部。
初演者のムラヴィンスキーをはじめ、ほとんどの指揮者がゆったりとしたテンポで壮大に締めくくるが、バーンスタインは快速のテンポで突き進む。
ただ、例えばマゼールのように、素っ気ない感じはいささかもなく、快速のテンポの中に熱い血が通っているのは、さずがと言うべきであろう。
暗くて、ひねくれて、爆発もし、嘆き、皮肉、辛辣な批判、暗号と、生きる為に迎合もせざるを得なかったショスタコーヴィチの音楽、また、バーンスタインの代表的名盤とも言えるだろう。
ニューヨーク・フィルの音はとても明るく、特に管楽器は色彩豊か、そのキラキラした音で深刻な曲を演奏すると表現主義的な特徴が強調されてとてもいい。
ベストの演奏であるかどうかは別として、一発勝負の録音で聴衆を感動させる完璧な演奏は作曲家でもあるバーンスタインという天才指揮者でないと不可能といっても言い過ぎではないであろう。
併録のチェロ協奏曲は、ヨーヨー・マのチェロが実に上手く、なおかつ説得力があり、オーマンディの併せ方も見事というほかはないだろう。
低音域の多用と曲の雰囲気からソリストによっては重たい音楽になってしまいそうな曲だが、ヨーヨー・マの軽やかで、自然に流れていくようなチェロ独奏は、この曲の本来の姿だと思われるショスタコーヴィチ独特のクールさや、シニカルな感じをうまく表現している。
ここには、旧ソ連時代の鬼気迫る暗い雰囲気というような要素はないが、このようなノーマルなアプローチにより、かえってショスタコーヴィチの高踏的な芸術を色眼鏡を通さずにダイレクトに味わうことができるといった点も考慮に入れておきたい。
本盤はＳＡＣＤでも出ているが、ＳＡＣＤにしては音質はイマイチ。
これに対して、Blue-spec-CD2は、あくまでも筆者の印象ではあるが、ＳＡＣＤよりは多少音質が改善されたのではないかと思われる。
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失恋した若者の悲しみと絶望が描かれた『さすらう若人の歌』、子供の死に対峙する心境が簡潔な書法と凝縮された表現力で綴られた『亡き子を偲ぶ歌』、『最後の７つの歌』として出版され、後に同じ詩人の５曲をまとめた『リュッケルトの詩による５つの歌曲』。
マーラーの管弦楽伴奏による３つの歌曲集を、バーンスタインが名バリトン歌手のハンプソンとウィーン・フィルという望み得る最高の共演者を得て録音した１枚。
バーンスタインは、マーラー演奏史上最高の指揮者であったと考えるが、生涯に、ビデオ作品も含め、３度にわたって、主要な歌曲集を含めた交響曲全集を完成させた。
もちろん、それには一部語弊があり、３度目の全集については、ついに交響曲第８番、第１０番、「大地の歌」を録音することができずに世を去ってしまい、過去の録音で補填せざるを得ない事態に陥ったのは、実に残念なことであった。
いずれの全集も、バーンスタイン＝マーラー指揮者という名に恥じない素晴らしい名演であるが、やはり、最も優れているのは、最後の全集と言えるのではなかろうか。
当該全集の諸曲の録音時には、併行して、チャイコフスキー、ドヴォルザーク、シベリウスの交響曲などで、大仰なテンポ設定を駆使した駄演を悉く行っていたにもかかわらず、マーラーでは、同様に大仰とも言えるゆったりとしたテンポをとっているにもかかわらず、いささかもそのような演奏には陥らず、むしろ、そうした大仰なテンポが真実のように聴こえるのが素晴らしい。
これは、バーンスタインがマーラーの本質を鷲掴みにしていることの証左であり、バーンスタインがまさにマーラーの化身となっているとも言える。
本盤の３つの歌曲集は、当該全集の中でも、最も後年の録音、特に、『さすらう若人の歌』と『リュッケルトの詩による５つの歌曲』は、バーンスタインの死の年の録音であり、健康を害している中での思い入れたっぷりの、そして命がけの演奏は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分な深い感動を与えてくれる。
ハンプソンも、そうしたマーラーの化身と化したバーンスタインの下、最高のパフォーマンスを示している。
ハンプソンの若々しい声とバーンスタインによる表現の陰影に富んだオケ、この組み合わせが絶妙だ。
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2015年01月21日
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ワイセンベルクは、カラヤンと数多くのピアノ協奏曲を録音することによって、世に知られる存在となったが、カラヤンとの演奏では、どちらかと言えばカラヤンペース。
カラヤン＆ベルリン・フィルのゴージャスな演奏の中に、どうしても埋没してしまうような印象がぬぐえなかった。
特に、ベートーヴェンのピアノ協奏曲全集などが最たるもので、ワイセンベルクもベルリン・フィルの１つの楽器と化してしまったような感があった。
ラフマニノフのピアノ協奏曲第２番でも、ベートーヴェンほどではないが、ＳＡＣＤ盤を聴いても、ワイセンベルクの個性が格別に光った演奏とはとても言えなかったように思われる。
ところが、本盤は、バックがバーンスタインにかわったこともあり、ワイセンベルクの十八番である楽曲ということもあってか、実に個性的な演奏を繰り広げている。
バーンスタイン指揮のフランス国立管弦楽団との共演が、ワイセンベルクを一味違ったものに仕立て上げた。
ワイセンベルクは抜群のテクニックと、透明感溢れるピアノタッチが魅力であるが、ここでも、バーンスタイン指揮の下、最高のピアニズムを展開している。
バーンスタインの雄渾な音楽と、一歩も引けを取らないワイセンベルクの、ダイナミックで明確なタッチが生み出す美しい音色が、ラフマニノフの抒情を余すところなく表わしている。
筆者としては、同曲の録音の中では、ホロヴィッツ＆ライナーのＸＲＣＤ盤を高く評価してきたが、厳しく張り詰めた緊張感で聴く者も一瞬も気の抜けないホロヴィッツの演奏とある意味対極にあるワイセンベルクの演奏には包まれる安心感と優しさが漂う。
バーンスタインは、特に、オペラ以外の分野では、カラヤンをも凌ぐ膨大なレパートリーを誇ったが、ラフマニノフの録音は極めて珍しいと言える。
それでも、本盤では、ワイセンベルクのピアノを立てつつ、ゆったりとしたテンポで、実に情感豊かな演奏を行っている点を高く評価したい。
バーンスタインの細やかなサポートが、ピアニストの微妙な動きを見事に浮き立たせていて、思わず聴き惚れてしまう。
フランス国立管弦楽団の独特の明るいサウンドも魅力的で、遅いテンポでうねるオケに、余裕綽々たる硬質なピアノが、ロマン的な大河小説のような世界をみせる。
併録の前奏曲は、フィギュアスケートでも有名になった『鐘』であるが、ワイセンベルクのピアノは、協奏曲以上に素晴らしく、最高のパフォーマンスを示している。
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2015年01月13日
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バーンスタインのウィーン国立歌劇場デビューでの大成功を受けて録音された「ファルスタッフ」で、バーンスタインとウィーン・フィルとの長い関係の出発点と言える名盤。
これはウィーン国立歌劇場が「アメリカの指揮者を呼びたい」と望んでバーンスタインに白羽の矢が立って実現した公演が大成功し、その結果生まれた録音である。
「ファルスタッフ」は、「アイーダ」や「オテロ」と比較するとスケールは小さいが、人生の酸いも甘いも知り尽くしたヴェルディの人生を達観したような遊び心に満ち溢れており、音楽の素晴らしさも含め、ヴェルディ最後のオペラの名に相応しい大傑作ではないかと考えている。
それだけに、これまで数多くの名演が成し遂げられてきた。
例えば、老獪な円熟の至芸を見せるカラヤンの１９８０年盤や、イタリア・オペラの真髄である豊かな歌謡性が魅力のアバドやジュリーニ盤などがあるが、本盤のバーンスタイン盤は、これらの名演とは異なった魅力がある。
それは、生命力溢れる気迫ということができるのではないか。
バーンスタインの指揮は晩年の演奏からは想像も出来ないほど鋭利であり、それに俊敏に反応するウィーン・フィルもさすがである。
冒頭の強靭な開始や終結部の力強さなどにもよく表れていると思うが、このような圧倒的な気迫は、ウィーン・フィルの力演によるところが大きい。
本盤の録音当時のウィーン・フィルは、カラヤンと一時的な喧嘩別れをして、カラヤンに対抗できるヒーローが欲しくて仕方がない時期であった。
それ故に、バーンスタインに大きな期待を抱いたに違いがなく、待望のヒーローを前にして、ウィーン・フィルが燃えまくっているのがよくわかる。
ここではウィーン・フィルの「やる気」が、それも自発的な「やる気」がビシビシ伝わってきて、活きのいい音楽が流麗にかつダイナミックに展開される。
バーンスタインは、本盤の録音について語る中で、ウィーン・フィルを指揮せずに指揮棒を降ろしていたなどという謙遜をしているが、逆に言えば、ウィーン・フィルにこれだけの演奏をさせたカリスマ性を高く評価すべきであろう。
アンサンブルの面白さが生命だが、バーンスタインの生命力あふれる指揮以下全員生き生きの名演で素晴らしい。
なお、ファルスタッフ役を、いささか不似合いなフィッシャー＝ディースカウが演じているが、巧さにおいては群を抜いており、これだけの巧い歌唱を披露されれば文句は言えまい。
他ではリガブエのアリーチェが可憐で秀逸で、生来の発声がなんともチャーミング、この役の魅力を存分に表現している。
録音は英デッカが行ったこともあり、最新録音に劣らぬ素晴らしい出来映えで、ウィーン・フィル独特の艶のある響きを捉えて余すところがない。
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2014年11月30日
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バーンスタインがドイツ・グラモフォンに遺したマーラー交響曲音源の集成された廉価版ボックスで、マーラー生誕１５０年、バーンスタイン没後２０年に合わせてリリースされたものだが、筆者が高校生の時に購入した最初のボックスのおよそ３分の１の厚み、５分の１というプライスに唖然とさせられるとともに時代の隔たりを感じる。
やはりマーラーといえば、バーンスタインの演奏が最も聴き応えのある、天下の名演と言い切ってしまって良いだろう。
バーンスタインは、実に気迫と共感のこもった白熱のロマン的な名演を聴かせる。
どの交響曲も最初の１音からマーラーの心がバーンスタインに乗り移ったような演奏で、聴き手に興奮を促してやまない。
バーンスタインはマーラーの苦悩と喜びを共に追体験したかのような、作品とひとつになった合一性を示している。
バーンスタインはマーラーと共に、笑い、泣き、歓喜の頂点を極め、苦悩のどん底に沈み、まさに作曲者と指揮者のホモジェニティ（同一化）の典型を示している。
マーラー・ファンにとっては最高の魅力だろうが、マーラー嫌いにとっては、はしたないの一語に尽きるだろう。
しかし、マーラーの交響曲をこれだけ自分の音楽として表現できる指揮者は、バーンスタインをおいて他にはいないだろう。
その包容力は途方もなく大きく、シンフォニックなスケール感においても、断然他を圧していると言って良い。
ユダヤ人としての属性が、２人の芸術家を見えない糸で結び付けているのだろうか。
ライヴ録音ならではの緊張感と精神的な迫力が感じられ、演奏の一回性の貴重さを改めて思い知らされる。
バーンスタインのマーラーを聴くと、これ以上の演奏は考えられないと、錯覚させられるから具合が悪い。
とはいえ、この全集を凌駕する演奏は、他にちょっと見当たらない。
実はこれだけの名演が生まれると、後攻の指揮者はしんどいことこの上ない。
少なくともバーンスタインを超える何かがないと、一敗地にまみれるのは、目に見えているからである。
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2014年11月05日
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ミスターミュージック（カラヤンが悪意なくバーンスタインにつけた綽名）として、指揮者としてだけではなく作曲家としても多種多様な活動をしたバーンスタインであるが、作曲家バーンスタインの最高傑作としては、何と言っても「ウェスト・サイド・ストーリー」を掲げるというのが一般的な考え方ではないだろうか。
本盤に収められている演奏は、バーンスタインが、ブロードウェイ内外の一流のミュージシャンを特別に編成して１９８４年にスタジオ録音を行ったものであるが、「ウェスト・サイド・ストーリー」の演奏史上最高の超名演と高く評価したい。
それは、もちろん自作自演であるということもあるが、それ以上にバーンスタインの指揮が素晴らしいと言えるだろう。
バーンスタインは、かつてニューヨーク・フィルの音楽監督の時代には、いかにもヤンキー気質の爽快な演奏の数々を成し遂げていたが、ヨーロッパに拠点を移した後、とりわけ１９８０年代に入ってからは、テンポは異常に遅くなるとともに、濃厚でなおかつ大仰な演奏をするようになった。
このような芸風に何故に変貌したのかはよくわからないところであるが、かかる芸風に適合する楽曲とそうでない楽曲があり、途轍もない名演を成し遂げるかと思えば、とても一流指揮者による演奏とは思えないような凡演も数多く生み出されることになってしまったところだ。
このような晩年の芸風に適合した楽曲としては、何よりもマーラーの交響曲・歌曲、そしてシューマンの交響曲・協奏曲が掲げられるところだ。
そして、米国の作曲家による楽曲についても、そうした芸風がすべてプラスに作用した名演の数々を成し遂げていたと言えるだろう。
したがって、本盤のような自作自演に至っては、バーンスタインのまさに独壇場。
水を得た魚のようなノリノリの指揮ぶりで、圧倒的な名演奏を繰り広げている。
テンポについてはおそらくは遅めのテンポなのであろうが、自作自演だけにこのテンポこそが必然ということなのであろう。
そして、濃厚にして彫りの深い表現は、同曲の登場人物の心象風景を鋭く抉り出していくのに大きく貢献しており、どこをとっても非の打ちどころがない完全無欠の演奏に仕上がっている。
独唱陣も、きわめて豪華なキャスティングになっており、とりわけマリア役のキリ・テ・カナワとトニー役のホセ・カレーラスの名唱は、本超名演に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
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2014年11月03日
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バーンスタインは、マーラーの「第９」をビデオ作品も含め４度録音している。
ニューヨーク・フィル盤（１９６５年）、ウィーン・フィル盤（１９７０年代のＤＶＤ作品）、ベルリン・フィル盤（１９７９年）、そして本コンセルトヘボウ・アムステルダム盤（１９８５年）があり、オーケストラがそれぞれ異なっているのも興味深いところであるが、ダントツの名演は本盤であると考える。
それどころか、古今東西のマーラーの「第９」のあまたの演奏の中でもトップの座に君臨する至高の超名演と高く評価したい。
マーラーの「第９」は、まぎれもなくマーラーの最高傑作だけに、様々な指揮者によって数々の名演が成し遂げられてきたが、本盤はそもそも次元が異なっている。
まさに、本バーンスタイン盤こそは富士の山、他の指揮者による名演は並びの山と言ったところかもしれない。
これに肉薄する往年の名演として、ワルター＆ウィーン・フィル盤（１９３８年）があり、オーパス蔵によって素晴らしい音質に復刻はされているが、当該盤は、多分に第２次世界大戦直前という時代背景が名演に伸し上げたと言った側面も否定できないのではないだろうか。
マーラーの「第９」は、マーラーの交響曲の総決算であるだけに、その神髄である死への恐怖と闘い、それと対置する生への妄執と憧憬がテーマと言えるが、これを、バーンスタイン以上に表現し得た指揮者は他にはいないのではないか。
第１楽章は、死への恐怖と闘いであるが、バーンスタインは、変幻自在のテンポ設定や思い切ったダイナミックレンジ、そして猛烈なアッチェレランドなどを大胆に駆使しており、その表現は壮絶の極みとさえ言える。
これほど聴き手の肺腑を打つ演奏は他には知らない。
第３楽章の死神のワルツも凄まじいの一言であり、特に終結部の荒れ狂ったような猛烈なアッチェレランドは圧巻のド迫力だ。
終楽章は、生への妄執と憧憬であるが、バーンスタインの表現は濃厚さの極み。
誰よりもゆったりとした急がないテンポにより、これ以上は求め得ないような彫りの深い表現で、マーラーの最晩年の心眼を鋭く抉り出す。
そして、このようなバーンスタインの壮絶な超名演に潤いと深みを付加させているのが、コンセルトヘボウ・アムステルダムによるいぶし銀の音色による極上の名演奏と言えるだろう。
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バーンスタインは、その生涯に、ビデオ作品を含め、マーラーの交響曲全集を３度に渡って録音した。
このような指揮者は今日においてもいまだ存在しておらず、演奏内容の質の高さだけでなく、遺された全集の数においても、他のマーラー指揮者を圧倒する存在と言えるだろう。
いずれの全集も歴史的名演と評してもいいくらいの質の高いものであるが、その中での最高傑作は、やはり、衆目の一致するところ、マーラーゆかりの３つのオーケストラを指揮して録音を行った最後の全集ということになるのではなかろうか。
この最後の全集で残念なのは、本盤に収められた「第８」と「第１０」、そして、「大地の歌」を録音できずに世を去ったことである。
この全集の他の諸曲のハイレベルな出来を考えると、これは大変残念なことであったと言わざるを得ない。
特に、「第１０」は、２度目のビデオによる全集の中から抜粋したものとなっており、演奏内容は名演ではあるが、二番煎じの誹りを免れない。
他方、「第８」は、２度目の全集に収められた「第８」とほぼ同時期の録音ではあるが、ザルツブルク音楽祭におけるライヴ録音であり、全く別テイク。
本盤は、この「第８」を聴くだけでも十分にお釣りがくるＣＤと言える。
バーンスタインの晩年の録音は、ほぼすべてがライヴ録音であるのだが、録音を意識していたせいか、限りなくスタジオ録音に近い、いわゆる自己抑制したおとなしめ（と言ってもバーンスタインとしてはという意味であるが）の演奏が多い。
ところが、本盤は、録音を意識していない正真正銘のライヴ録音であり、この猛烈な暴れ振りは、来日時でも披露したバーンスタインのコンサートでの圧倒的な燃焼度を彷彿とさせる。
これほどのハイテンションになった「第８」は、他の演奏では例がなく、同じく劇的な演奏を行ったテンシュテットなども、遠く足元にも及ばない。
猛烈なアッチェレランドの連続や、金管楽器の思い切った最強奏、極端と言ってもいいようなテンポの激変など、考え得るすべての表現を駆使して、「第８」をドラマティックに表現していく。
バーンスタインもあたかも火の玉のように燃えまくっており、あまりの凄さに、合唱団とオーケストラが微妙にずれる点があるところもあり、正真正銘のライヴのスリリングさも満喫することができる。
それでいて、楽曲全体の造型が崩壊することはいささかもなく、聴き終わった後の興奮と感動は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分だ。
録音が、若干オンマイクで、トゥッティの箇所で、音が団子状態になるのが惜しいが、演奏内容の質の高さを考えると、十分に許容範囲であると考える。
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2014年11月02日
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マーラーの「第７」は、最近では多くの指揮者によって数々の名演が成し遂げられており、他の交響曲と比較しても遜色のない演奏回数を誇っているが、本盤の録音当時（１９８５年）は、マーラーの他の交響曲と比較すると一段下に見られていたのは否めない事実である。
本盤と、ほぼ同時期に録音されたインバル＆フランクフルト放送交響楽団による名演の登場によって、現代における「第７」の名演の隆盛への道が開かれたと言っても過言ではないところである。
その意味では、本盤に収められた演奏は、「第７」の真価を広く世に認知させるのに大きく貢献した至高の超名演と高く評価したい。
ここでのバーンスタインの演奏は、他の交響曲におけるアプローチと同様に実に雄弁であり、濃厚さの極みである。
バーンスタインの晩年の演奏は、マーラー以外の作曲家の楽曲においても同様のアプローチをとっており、ブラームスの交響曲全集やドヴォルザークの「第９」、シベリウスの「第２」、チャイコフスキーの「第６」、モーツァルトのレクイエム、ショスタコーヴィチの「第７」など、雄弁ではあるが、あまりにも大仰で表情過多な面が散見され、内容が伴っていない浅薄な凡演に陥ってしまっているものが多い。
ところが、同じようなアプローチでも、マーラーの交響曲や歌曲を指揮すると、他の指揮者の演奏を圧倒する素晴らしい名演が仕上がるという結果になっている。
これは、バーンスタインがマーラーの本質を誰よりも深く理解するとともに、心底から愛着を抱いていたからに他ならず、あたかもマーラーの化身のような指揮であるとさえ言える。
本盤の「第７」も、第１楽章の葬送行進曲における激しい慟哭から天国的な美しさに至るまで、表現の幅は桁外れに広範。
これ以上は求め得ないような彫りの深い濃密な表現が施されており、その情感のこもった音楽は、聴き手の深い感動を呼び起こすのに十分だ。
また、「第７」の愛称の理由でもある第２楽章及び第４楽章の「夜の歌」における情感の豊かな音楽は、至高・至純の美しさを誇っている。
終楽章の光彩陸離たる響きも美しさの極みであり、金管楽器や弦楽器のパワフルな力奏も圧巻の迫力を誇っている。
ここには、まさにオーケストラ演奏を聴く醍醐味があると言えるだろう。
「第７」の評価が低い理由として、終楽章の賑々しさを掲げる者が多いが、バーンスタインが指揮すると、そのような理由に何らの根拠を見出すことができないような内容豊かな音楽に変貌するのが素晴らしい。
録音の当時、やや低迷期にあったとされるニューヨーク・フィルも、バーンスタインの統率の下、最高のパフォーマンスを示しているのも、本名演の大きな魅力の一つであることを忘れてはならない。
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2014年11月01日
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マーラーの「第６」は、マーラーの数ある交響曲の中でも少数派に属する、４楽章形式を踏襲した古典的な形式を維持する交響曲である。
「悲劇的」との愛称もつけられているが、起承転結もはっきりとしており、その内容の深さからして、マーラーの交響曲の総決算にして最高傑作でもある「第９」を予見させるものと言えるのかもしれない。
マーラーの交響曲には、様々な内容が盛り込まれてはいるが、その神髄は、死への恐怖と闘い、それと対置する生への憧憬と妄執である。
これは、「第２」〜「第４」のいわゆる角笛交響曲を除く交響曲においてほぼ当てはまると考えるが、とりわけ「第９」、そしてその前座をつとめる「第６」において顕著であると言えるだろう。
このような人生の重荷を背負ったような内容の交響曲になると、バーンスタインは、まさに水を得た魚のようにマーラー指揮者としての本領を発揮することになる。
本演奏におけるバーンスタインのアプローチは、他の交響曲と同様に濃厚さの極み。
テンポの緩急や強弱の変化、アッチェレランドなどを大胆に駆使し、これ以上は求め得ないようなドラマティックな表現を行っている。
それでいて、第３楽章などにおける情感の豊かさは美しさの極みであり、その音楽の表情の起伏の幅は桁外れに大きいものとなっている。
終楽章の畳み掛けていくような生命力溢れる力強い、そして壮絶な表現は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分な圧巻の迫力を誇っている。
そして、素晴らしいのはウィーン・フィルの好パフォーマンスであり、バーンスタインの激情的とも言える壮絶な表現に、潤いと深みを加えるのに成功している点も高く評価したいと考える。
これだけの超名演であるにもかかわらず、影響力のあるとある高名な音楽評論家が、バーンスタインの体臭がしてしつこい演奏などと難癖をつけ、ノイマン＆チェコ・フィル盤（１９９５年）や、あるいは数年前に発売され話題を呼んだプレートル＆ウィーン交響楽団盤（１９９１年）をより上位の名演と評価している。
筆者としても、当該高名な評論家が推奨する２つの演奏が名演であることに異論を唱えるつもりは毛頭ない。
しかしながら、本盤に収められたバーンスタイン＆ウィーン・フィルの超名演を、これら２つの演奏の下に置く考えには全く賛成できない。
マーラーの「第６」のような壮絶な人間のドラマを表現するには、バーンスタインのようなドラマティックで壮絶な表現こそが必要不可欠であり、バーンスタインの体臭がしようが、しつこい演奏であろうが、そのような些末なことは超名演の評価にいささかの瑕疵を与えるものではないと言えるのではないか。
むしろ、本超名演に匹敵し得るのは、咽頭がんを患った後、健康状態のいい時にのみコンサートを開催していたテンシュテット＆ロンドン・フィルによる命がけの渾身の超名演（１９９１年）だけであり、他の演奏は、到底足元にも及ばないと考える。
併録の「亡き子をしのぶ歌」も超名演であり、バリトンのハンプソンの歌唱も最高のパフォーマンスを誇っていると高く評価したい。
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マーラーの交響曲第５番は、マーラーの数ある交響曲の中でも最も人気のある作品と言えるだろう。
ＣＤ時代が到来する以前には、むしろ第１番や第４番が、ＬＰ１枚に収まることや曲想の親しみやすさ、簡潔さからポピュラリティを得ていたが、ＣＤ時代到来以降は、第５番が、第１番や第４番を凌駕する絶大なる人気を誇っている。
これは、ＣＤ１枚におさまる長さということもあるが、それ以上に、マーラーの交響曲が含有する魅力的な特徴のすべてを兼ね備えていることに起因するとも言えるのではないだろうか。
先ずは、マーラー自身も相当に試行錯誤を繰り返したということであるが、巧みで光彩陸離たる華麗なオーケストレーションが掲げられる。
次いで、マーラーの妻となるアルマ・マーラーへのラブレターとも評される同曲であるが、同曲には、葬送行進曲などに聴かれる陰鬱かつ激情的な音楽から、第４楽章における官能的とも言える極上の天国的な美しい音楽に至るまで、音楽の表情の起伏の幅が極めて大きいものとなっており、ドラマティックな音楽に仕上がっている点が掲げられる。
このように魅力的な同曲だけに、古今東西の様々な指揮者によって、数々の個性的な名演が成し遂げられてきた。
無慈悲なまでに強烈無比なショルティ盤（１９７０年）、官能的な耽美さを誇るカラヤン盤（１９７３年）、細部にも拘りを見せた精神分析的なシノーポリ盤（１９８５年）、劇的で命がけの豪演であるテンシュテット盤（１９８８年）、瀟洒な味わいとドラマティックな要素が融合したプレートル盤（１９９１年）、純音楽的なオーケストラの機能美を味わえるマーツァル盤（２００３年）など目白押しであるが、これらの数々の名演の更に上を行く至高の超名演こそが、本バーンスタイン盤と言える。
バーンスタインのアプローチは大仰なまでに濃厚なものであり、テンポの緩急や思い切った強弱、ここぞと言う時の猛烈なアッチェレランドの駆使など、マーラーが作曲したドラマティックな音楽を完全に音化し尽くしている点が素晴らしい。
ここでのバーンスタインは、あたかも人生の重荷を背負うが如きマーラーの化身となったかのようであり、単にスコアの音符を音化するにとどまらず、情感の込め方には尋常ならざるものがあり、精神的な深みをいささかも損なっていない点を高く評価したい。
オーケストラにウィーン・フィルを起用したのも功を奏しており、バーンスタインの濃厚かつ劇的な指揮に、適度な潤いと奥行きの深さを付加している点も忘れてはならない。
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2014年10月31日
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終楽章にボーイ・ソプラノを起用したことにより数々の批判を浴びている曰くつきの演奏ではあるが、筆者としては、確かにボーイ・ソプラノの起用には若干の疑問は感じるものの、総体としては、素晴らしい名演と高く評価したい。
マーラーの「第４」は、マーラーのあらゆる交響曲の中で、最も古典的な形式に則った作品であり、楽器編成も第１楽章の鈴や終楽章の独唱を除けば、きわめて常識的である。
それ故に、いわゆるマーラー指揮者とは言えない指揮者によっても、これまで好んで演奏されてきた交響曲ではあるが、表情づけが淡泊であるというか、内容の濃さに欠ける演奏、スケールの小さい演奏が多かったというのも否めない事実であると言えるのではないだろうか。
もっとも、いくらマーラーが作曲した最も規模の小さい簡潔な交響曲と言っても、そこは重厚長大な交響曲を数多く作曲したマーラーの手による作品なのであり、何も楽曲を等身大に演奏することのみが正しいわけではないのである。
バーンスタインは、そうした軽佻浮薄な風潮には一切背を向け、同曲に対しても、他の交響曲へのアプローチと同様に、雄弁かつ濃厚な表現を施している点を高く評価したい。
バーンスタインの名演によって、マーラーの「第４」の真価が漸くベールを脱いだとさえ言えるところであり、情感の豊かさや内容の濃密さ、奥行きの深さと言った点においては、過去の同曲のいかなる演奏にも優る至高の超名演と高く評価したい。
バーンスタインの統率の下、コンセルトヘボウ・アムステルダムも最高のパフォーマンスを示していると言えるところであり、バーンスタインの濃厚な解釈に深みと潤いを与えている点を忘れてはならない。
前述のように、終楽章にボーイ・ソプラノを起用した点についてはいささか納得し兼ねるが、ヴィテックの独唱自体は比較的優秀であり、演奏全体の評価にダメージを与えるほどの瑕疵には当たらないと考える。
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バーンスタインが遺した３度にわたるマーラーの交響曲全集の中で、３度目の全集は、「第８」、「第１０」及び「大地の歌」の新録音を果たすことができなかったものの、いずれ劣らぬ至高の超名演で構成されていると言えるのではないだろうか。
マーラーの「第３」は、重厚長大な交響曲を数多く作曲したマーラーの交響曲の中でも、群を抜いて最大の規模を誇る交響曲である。
あまりの長さに、マーラー自身も、「第３」に当初盛り込む予定であった一部の内容を、「第４」の終楽章にまわしたほどであったが、これだけの長大な交響曲だけに、演奏全体をうまく纏めるのはなかなかに至難な楽曲とも言える。
また、長大さの故に、演奏内容によっては冗長さを感じさせてしまう危険性も高いと言える。
ところが、生粋のマーラー指揮者であるバーンスタインにとっては、そのような難しさや危険性など、どこ吹く風と言ったところなのであろう。
バーンスタインの表現は、どこをとってもカロリー満点で、濃厚で心を込め抜いた情感の豊かさが演奏全体を支配している。
特に、終楽章は特筆すべき美しさでスケールも気宇壮大、誰よりも遅いテンポで情感豊かに描き出しているのが素晴らしい。
他方、変幻自在のテンポ設定や、桁外れに幅の広いダイナミックレンジ、思い切ったアッチェレランドなどを大胆に駆使するなど、ドラマティックな表現にも抜かりがない。
このように、やりたい放題とも言えるような自由奔放な解釈を施しているにもかかわらず、長大な同曲の全体の造型がいささかも弛緩することなく、壮麗にして雄渾なスケール感を損なっていないというのは、マーラーの化身と化したバーンスタインだけに可能な驚異的な圧巻の至芸である。
特筆すべきは、ニューヨーク・フィルの卓越した技量であり、金管楽器（特にホルンとトロンボーン）にしても、木管楽器にしても、そして弦楽器にしても抜群に上手く、なおかつ実に美しいコクのある音を出しており、本名演に華を添える結果となっている点を忘れてはならない。
ルートヴィヒの独唱や、ニューヨーク・コラール・アーティスツ及びブルックリン少年合唱団による合唱も、最高のパフォーマンスを示している点も高く評価したい。
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マーラーの交響曲第２番の優れた名演が、最近相次いで登場している。
一昨年以降の演奏に限ってみても、パーヴォ・ヤルヴィ＆フランクフルト放送交響楽団、インバル＆東京都交響楽団、そしてラトル＆ベルリン・フィルが掲げられ、その演奏様式も多種多様だ。
また、少し前の時代にその範囲を広げてみても、小澤＆サイトウ・キネン・オーケストラ（２０００年）、テンシュテット＆ロンドン・フィル（１９８９年ライヴ）、シノーポリ＆フィルハーモニア管弦楽団（１９８５年）など、それぞれタイプの異なった名演があり、名演には事欠かない状況だ。
このような中で、本盤に収められたバーンスタインによる演奏は、これら古今東西の様々な名演を凌駕する至高の超名演と高く評価したい。
録音から既に２０年以上が経過しているが、現時点においても、これを超える名演があらわれていないというのは、いかに本演奏が優れた決定的とも言える超名演であるかがわかろうと言うものである。
本演奏におけるバーンスタインの解釈は実に雄弁かつ濃厚なものだ。
粘ったような進行、テンポの緩急や強弱の思い切った変化、猛烈なアッチェレランドなどを大胆に駆使し、これ以上は求め得ないようなドラマティックな表現を行っている。
また、切れば血が出るとはこのような演奏のことを言うのであり、どこをとっても力強い生命力と心を込めぬいた豊かな情感が漲っているのが素晴らしい。
これだけ大仰とも言えるような劇的で熱のこもった表現をすると、楽曲全体の造型を弛緩させてしまう危険性があるとも言える。
実際に、バーンスタインは、チャイコフスキーの「第６」、ドヴォルザークの「第９」、シベリウスの「第２」、モーツァルトのレクイエムなどにおいて、このような大仰なアプローチを施すことにより、悉く凡演の山を築いている。
ところが、本演奏においては、いささかもそのような危険性に陥ることがなく、演奏全体の堅固な造型を維持しているというのは驚異的な至芸と言えるところであり、これは、バーンスタインが、同曲、引いてはマーラーの交響曲の本質をしっかりと鷲掴みにしているからにほかならない。
バーンスタインのドラマティックで熱のこもった指揮にも、一糸乱れぬアンサンブルでしっかりと付いていっていったニューヨーク・フィルの卓越した技量も見事である。
ヘンドリックスやルートヴィヒも、ベストフォームとも言うべき素晴らしい歌唱を披露している。
ウェストミンスター合唱団も最高のパフォーマンスを示しており、楽曲終結部は圧巻のド迫力。
オーケストラともども圧倒的かつ壮麗なクライマックスを築く中で、この気宇壮大な超名演を締めくくっている。
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2014年10月30日
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マーラーの「第１」は、マーラーの青雲の志を描いた作品である。
スコア自体は「第４」と同様に、他の重厚長大な交響曲と比較すると必ずしも複雑であるとは言えないが、演奏自体は、なかなか難しいと言えるのではないだろうか。
他の交響曲をすべて演奏した朝比奈が、「第１」を一度も演奏しなかったのは有名な話であるし、小澤は３度も同曲を録音しているが、最初の録音（１９７７年）を超える演奏を未だ成し遂げることが出来ていないことなどを考慮すれば、円熟が必ずしも名演に繋がらないという、なかなか一筋縄ではいかない面があるように思うのである。
どちらかと言えば、重々しくなったり仰々しくなったりしないアプローチをした方が成功するのではないかとも考えられるところであり、例えば、同曲最高の名演とされるワルター＆コロンビア交響楽団盤（１９６１年）は、もちろんワルターの解釈自体が素晴らしいのではあるが、コロンビア交響楽団という比較的小編成のオーケストラを起用した点もある程度功を奏していた面があるのではないかと思われる。
ところが、バーンスタインはそうした考え方を見事に覆してしまった。
バーンスタインは、他のいかなる指揮者よりも雄弁かつ濃厚な表現によって、前述のワルター盤に比肩し得る超名演を成し遂げてしまったのである。
バーンスタインは、テンポの思い切った緩急や強弱、アッチェレランドなどを駆使して、情感豊かに曲想を描いている。
それでいて、いささかも表情過多な印象を与えることがなく、マーラーの青雲の志を的確に表現し得たのは驚異の至芸であり、これは、バーンスタインが同曲の本質、引いてはマーラーの本質をしっかりと鷲掴みにしている証左である。
オーケストラにコンセルトヘボウ・アムステルダムを起用したのも、本盤を名演たらしめるに至らせた大きな要因と言えるところであり、光彩陸離たる響きの中にも、しっとりとした潤いや奥行きの深さを感じさせるのが素晴らしい。
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バーンスタインは、その晩年にウィーン・フィルとともにモーツァルトの主要な交響曲集のライヴ録音を行ったが、本盤はそれらを集成したディスク集である。
バーンスタインは、かつてニューヨーク・フィルの音楽監督の時代には、いかにもヤンキー気質の爽快な演奏の数々を成し遂げていたが、ヨーロッパに拠点を移した後、とりわけ１９８０年代に入ってからは、テンポは異常に遅くなるとともに、濃厚でなおかつ大仰な演奏をするようになった。
このような芸風に何故に変貌したのかはよくわからないところであるが、かかる芸風に適合する楽曲とそうでない楽曲があり、とてつもない名演を成し遂げるかと思えば、とても一流指揮者による演奏とは思えないような凡演も数多く生み出されることになってしまったところだ。
具体的には、マーラーの交響曲・歌曲やシューマンの交響曲・協奏曲などにおいては比類のない名演を成し遂げる反面、その他の作曲家による楽曲については、疑問符を付けざるを得ないような演奏もかなり行われていたように思われる。
本盤の演奏においても、ゆったりとしたテンポによる熱き情感に満ち溢れた濃厚さは健在であり、例えば、これらの楽曲におけるワルターやベームの名演などと比較すると、いささか表情過多に過ぎるとも言えるところだ。
もっとも、オーケストラがウィーン・フィルであることが、前述のような大仰な演奏に陥ることを救っていると言えるところであり、いささか濃厚に過ぎるとも言えるバーンスタインによる本演奏に、適度の潤いと奥行きを与えている点を忘れてはならない。
近年のモーツァルトの交響曲演奏においては、古楽器奏法やピリオド楽器を使用した小編成のオーケストラによる演奏が主流となりつつある。
そうした軽佻浮薄な演奏に辟易としている中で本演奏を聴くと、本演奏には血の通った温かい人間味を感じることが可能であり、あたかも故郷に帰省した時のように安定した気持ちになる聴き手は筆者だけではあるまい。
いずれにしても、本演奏は、近年の血の通っていない浅薄な演奏が目白押しの中にあってその存在意義は極めて大きいものであり、モーツァルトの交響曲の真の魅力を心行くまで堪能させてくれる人間味に溢れた素晴らしい名演と高く評価したい。
音質は従来盤でも十分に満足できる高音質である。
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2014年09月24日
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本盤は、バーンスタインがベルリン・フィルを指揮した唯一の演奏会の記録である。
カラヤンがバーンスタインをベルリン・フィルの指揮台に立たせなかったとの説が横行しているが、筆者は、側近が親分であるカラヤンの気持ちを勝手に斟酌して、そのように仕向けたのではないかと考えている。
比較のレベルが低すぎてカラヤンには大変申し訳ないが、我が国の某党の某幹事長のケースに酷似しているとも言える。
しかも、カラヤンはこの時期、自分のレコーディング人生の最後を飾る作品として、ベルリン・フィルとともにマーラーの「第９」の究極の演奏を目指して、真剣に取り組んでいた。
しかしながら、バーンスタインの同曲への解釈とカラヤンのそれとは北極と南極ほどに大きく異なる。
そんな完全アウェイの中に、バーンスタインは果敢に飛び込んでいった。
その結果、両者の試行錯誤がはっきりと聴き取れる演奏になった。
バーンスタインは、解説書にある表現に例えるなら、あたかも不感症の女性のように、思い通りの音を出そうとしないベルリン・フィルをうなり声まで発して相当にイライラしている様子が窺え、ベルリン・フィルもアンサンブルの乱れなどに、バーンスタインの大仰な指揮への戸惑いが見てとれる。
このような指揮者とオーケストラの真剣勝負の格闘が、本盤に聴くような大熱演を生み出したと言えるだろう。
まさに、一期一会の奇跡の熱演である。
しかしながら、本盤は、果たして繰り返して聴くに足りる演奏と言えるのかどうか。
というのも、筆者は、ベルリン・フィルはともかく、バーンスタインが本演奏に決して満足していなかったのではないかと思うからである。
本盤が発売されたのが、カラヤン没後バーンスタイン存命中ではなく、バーンスタインの没後２年も経ってからであるというのも、それを表しているのではないだろうか。
バーンスタインのマーラーの「第９」の決定盤はあくまでもコンセルトヘボウ管弦楽団との１９８５年盤。
本盤は大熱演であることは認めるが、バーンスタインのベストフォームとは到底言えず、あくまでも一期一会の記録として記憶にとどめておきたい。
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2014年09月02日
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バーンスタインが史上最大のマーラー指揮者であることは論を待たないところだ。
バーンスタインは、ＤＶＤ作品を含めて３度にわたってマーラーの交響曲全集を録音した唯一の指揮者でもあるが（最後の全集は残念ながら一部未完成）、そのいずれもが数多くのマーラーの交響曲全集が存在している現在においてもなお、その輝きを失っていないと言えるだろう。
本盤に収められたマーラーの交響曲全集は、バーンスタインによる最初のものに相当する。
録音は１９６０〜１９７５年という１５年の歳月にわたってはいるが、その殆どは１９６０年代に行われており、バーンスタインがいまだ４０歳代の壮年期の演奏ということが可能である。
オーケストラは、当時音楽監督を務めていたニューヨーク・フィルを軸として、第８番はロンドン交響楽団、「大地の歌」についてはイスラエル・フィルが起用されている。
このようなオーケストラの起用の仕方は、１９７０年代によるＤＶＤによる２度目の全集がウィーン・フィルの起用を軸としつつも第２番においてロンドン交響楽団、「大地の歌」においてイスラエル・フィルを起用したこと、３度目の全集においては、ウィーン・フィル、コンセルトへボウ・アムステルダム、そしてニューヨーク・フィルの３つのオーケストラを起用したこととも共通している。
バーンスタインのマーラー演奏は極めてドラマティックなものだ。
変幻自在のテンポ設定や思い切った強弱の変化、そして猛烈なアッチェレランドを駆使するなど、その劇的な表現は圧倒的な迫力を誇っており、聴いていて手に汗を握るような興奮を味わわせてくれると言えるだろう。
こうしたバーンスタインのマーラー演奏のスタイルは最晩年になってもいささかも変わることがなかったが、晩年の３度目の全集では、より一層表現に濃厚さとスケールの大きさ、そして楽曲の心眼に鋭く切り込んでいくような奥行きの深さが加わり、他の指揮者による演奏を寄せ付けないような至高の高みに達した超名演に仕上がっていた。
本盤に収められた演奏は、４０代の壮年期のバーンスタインによるものであるだけに、３度目の全集のような至高の高みには達してはいないが、前述のようなドラマティックな表現は健在であり、とりわけトゥッティに向けて畳み掛けていくような気迫や強靭な迫力においては、２度目や３度目の全集をも凌駕しているとさえ言えるだろう。
ストレートで若干荒削りな演奏と言えなくもないが、スコアに記された音符の表層をなぞっただけの洗練された美を誇る演奏などに比べれば、よほど本演奏の方がマーラーの本質を捉えていると言えるとともに、我々聴き手に深い感動を与えてくれると言えるだろう。
いずれにしても、本全集は、稀代のマーラー指揮者であったバーンスタインによる最初の全集として、今後ともその存在価値をいささかも失うことがない名全集と高く評価したい。
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2014年08月20日
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これは素晴らしい超名演だ。
このうち、ラプソディ・イン・ブルーについてはバーンスタインによる旧盤（１９５８年）との優劣を比較することは困難を極めるが、それ以外の諸曲については、それぞれの楽曲の演奏史上トップの座を争う至高の超名演と高く評価したい。
バーンスタインは、かつてニューヨーク・フィルの音楽監督の時代には、いかにもヤンキー気質の爽快な演奏の数々を成し遂げていたが、ヨーロッパに拠点を移した後、とりわけ１９８０年代に入ってからは、テンポは異常に遅くなるとともに、濃厚でなおかつ大仰な演奏をするようになった。
このような芸風に何故に変貌したのかはよくわからないところであるが、かかる芸風に適合する楽曲とそうでない楽曲があり、途轍もない名演を成し遂げるかと思えば、とても一流指揮者による演奏とは思えないような凡演も数多く生み出されることになってしまったところだ。
具体的には、マーラーの交響曲・歌曲やシューマンの交響曲・協奏曲などにおいては比類のない名演を成し遂げる反面、その他の作曲家による楽曲については、疑問符を付けざるを得ないような演奏が目白押しであったように思われる。
本盤に収められた楽曲はいずれも米国の作曲家によるものであり、それだけにバーンスタインの晩年の芸風がいずれもプラスに作用しているのではないだろうか。
ガーシュウィンのラプソディー・イン・ブルーについては、途轍もない超名演であった旧盤（１９５８年）と比較すると、テンポが遅くなるとともに濃厚な表情づけがなされているが、同曲特有の軽快なリズム感においてはいささかも損なっておらず、いい意味での円熟の名演に仕上がっていると言えるところであり、旧盤との優劣は容易にはつけられないのではないかと考えられる。
コープランドの２曲については、バーンスタインとしても自家薬篭中の作品であり、あたかも水を得た魚のような生命力溢れる力強さと濃厚な表情づけがうまくミックスされた素晴らしい名演に仕上がっていると評価したい。
その演奏の彫りの深さなどを考慮すれば、今後ともこれ以上の演奏を成し遂げるのは困難を極めると言えるだろう。
バーバーの弦楽のためのアダージョは、おそらくは同曲演奏史上最も遅いテンポをとっているのではないかとも考えられるが、その濃厚で彫りの深い表現は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分な凄みのある名演である。
そして、自作自演でもある「キャンディード」序曲に至っては、まさにバーンスタインの独壇場。
同曲特有の躍動するようなリズム感と彫りの深い濃厚さが一体となった稀有の名演と言えるだろう。
音質については、従来盤でも十分に良好なものであったが、今般のＳＨＭ−ＣＤ化によって、若干ではあるが音質が鮮明になるとともに、音場が幅広くなったように思われる。
バーンスタインによる至高の超名演をＳＨＭ−ＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに喜びたい。
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2014年08月14日
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バーンスタインのベートーヴェン全集（旧盤）は異様な充実感が全体を貫いている。
そして、この演奏は良くも悪くもバーンスタイン臭の充満した演奏である。
例えば「エロイカ」の第１楽章で、速めのテンポで畳み掛けながら緊張を緩めまいとしている点に、そうしたことが言える。
それにリズム感が異質だ。
これは、全体を通して言えることだから、明らかにこのリズム感はバーンスタインその人のリズム感である。
「第５」では、誰もがまず、テンポが極度に抑制されている、と気づくだろう。
もちろんバーンスタインはそのテンポを最後まで見事に維持している。
彼は恣意的になることを巧みに避け、主観的な要素さえも極力抑え、その意味では演奏の進め方は、まことに慎重である。
解釈者としての彼の力は、意外なところで余すところなく発揮されているのである。
「田園」は個性的な表現で、音楽が楽天的と言えるほどよく弾んでいる。
ドイツの伝統的な解釈とは異なる現代的な表現と言えるが、作品に共感した真実性は高く評価したい。
「第９」は劇的で起伏の激しい、主張の明快な演奏である。
もちろん、バーンスタインはこの巨大な作品の伝統的な演奏様式を十分に知った表現で、例えばトスカニーニのように徹底した解釈ではないが、それでも第１楽章の劇的な推進力や第３楽章の腰の強い表現など、バーンスタイン以外の何者でもない。
終楽章は各部分が的確な表現であり、楽想をくっきりと描いている。
独唱と合唱も見事だ。
「フィデリオ」序曲と「レオノーレ」序曲第３番も、バーンスタインの自己主張が強いが、それが作品の求める様式と一致しないところがあるのは惜しまれる。
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2014年08月11日
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バーンスタイン晩年の録音は、ほぼすべてがライヴ録音であるのだが、録音を意識していたせいか、限りなくスタジオ録音に近い、いわゆる自己抑制したおとなしめ（と言ってもバーンスタインとしてはという意味であるが）の演奏が多い。
ところが、第８番は、録音を意識していない正真正銘のライヴ録音であり、この猛烈な暴れ振りは、来日時でも披露したバーンスタインのコンサートでの圧倒的な燃焼度を彷彿とさせる。
これほどのハイテンションになった第８番は、他の演奏では例がなく、同じく劇的な演奏を行ったテンシュテットなども、遠く足元にも及ばないとさえ言える。
猛烈なアッチェレランドの連続や、金管楽器の思い切った最強奏、極端と言ってもいいようなテンポの激変など、考え得るすべての表現を駆使して、第８番をドラマティックに表現していく。
バーンスタインもあたかも火の玉のように燃えまくっており、あまりの凄さに、合唱団とオーケストラが微妙にずれる点があるところもあり、正真正銘のライヴのスリリングさも満喫することができる。
それでいて、楽曲全体の造型が崩壊することはいささかもなく、聴き終わった後の興奮と感動は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分だ。
「大地の歌」と第１０番から「アダージョ」は、２度目のビデオによる全集の中から抜粋したものとなっており、演奏内容は名演ではあるが、二番煎じの誹りを免れない。
ただ、第８番はザルツブルク音楽祭におけるライヴ録音であり、全く別テイクなので、本セットは、この第８番を聴くだけでも十分にお釣りがくるものと言える。
そして、第９番こそは、マーラーの交響曲の総決算であるだけに、その神髄である死への恐怖と闘い、それと対置する生への妄執と憧憬がテーマと言えるが、これを、バーンスタイン以上に表現し得た指揮者は他にはいないのではないか。
第１楽章は、死への恐怖と闘いであるが、バーンスタインは、変幻自在のテンポ設定や思い切ったダイナミックレンジ、そして猛烈なアッチェレランドなどを大胆に駆使しており、その表現は壮絶の極みとさえ言える。
これほど聴き手の肺腑を打つ演奏を他には知らない。
第３楽章の死神のブルレスケも凄まじいの一言であり、特に終結部の荒れ狂ったような猛烈なアッチェレランドは圧巻のド迫力だ。
終楽章は、生への妄執と憧憬であるが、バーンスタインの表現は濃厚さの極み。
誰よりもゆったりとした急がないテンポにより、これ以上は求め得ないような彫りの深い表現で、マーラーの最晩年の心眼を鋭く抉り出す。
そして、このようなバーンスタインの壮絶な超名演に潤いと深みを付加させているのが、コンセルトヘボウ・アムステルダムによるいぶし銀の音色による極上の名演奏と言えるだろう。
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第５番におけるバーンスタインのアプローチは、大仰なまでに濃厚なものであり、テンポの緩急や思い切った強弱、ここぞという時の猛烈なアッチェレランドの駆使など、マーラーが作曲したドラマティックな音楽を完全に音化し尽くしている点が素晴らしい。
ここでのバーンスタインは、あたかも人生の重荷を背負うが如きマーラーの化身となったかのようであり、単にスコアの音符を音化するにとどまらず、情感の込め方には尋常ならざるものがあり、精神的な深みをいささかも損なっていない点を高く評価したい。
オーケストラにウィーン・フィルを起用したのも功を奏しており、バーンスタインの濃厚かつ劇的な指揮に、適度な潤いと奥行きの深さを付加している点も忘れてはならない。
第６番におけるバーンスタインのアプローチも、他の交響曲と同様に濃厚さの極みであり、テンポの緩急や強弱の変化、アッチェレランドなどを大胆に駆使し、これ以上は求め得ないようなドラマティックな表現を行っている。
それでいて、第３楽章などにおける情感の豊かさは美しさの極みであり、その音楽の表情の起伏の幅は桁外れに大きいものとなっている。
終楽章の畳み掛けていくような生命力溢れる力強い、そして壮絶な表現は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分な圧巻の迫力を誇っている。
そして、素晴らしいのはウィーン・フィルの好パフォーマンスであり、バーンスタインの激情的とも言える壮絶な表現に、潤いと深みを加えるのに成功している点も高く評価したい。
第７番も、第１楽章の葬送行進曲における激しい慟哭から天国的な美しさに至るまで、表現の幅は桁外れに広範。
これ以上は求め得ないような彫りの深い濃密な表現が施されており、その情感のこもった音楽は、聴き手の深い感動を呼び起こすのに十分だ。
また、第７番の愛称の理由でもある第２楽章及び第４楽章の「夜の歌」における情感の豊かな音楽は、至高・至純の美しさに満ち溢れている。
終楽章の光彩陸離たる響きも美しさの極みであり、金管楽器や弦楽器のパワフルな力奏も圧巻の迫力を誇っている。
録音の当時、やや低迷期にあったとされるニューヨーク・フィルも、バーンスタインの統率の下、最高のパフォーマンスを示しているのも、本名演の大きな魅力の一つであることを忘れてはならない。
歌曲集も超名演であり、バリトンのハンプソンの歌唱も最高のパフォーマンスを誇っていると高く評価したい。
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2014年08月10日
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第１番におけるバーンスタインは、テンポの思い切った緩急や強弱、アッチェレランドなどを駆使して、情感豊かに曲想を描いている。
それでいて、いささかも表情過多な印象を与えることがなく、マーラーの青雲の志を的確に表現し得たのは驚異の至芸であり、これは、バーンスタインが同曲の本質、引いてはマーラーの本質をしっかりと鷲掴みにしている証左である。
オーケストラにコンセルトヘボウ・アムステルダムを起用したのも、本盤を名演たらしめるのに至らせた大きな要因であり、光彩陸離たる響きの中にも、しっとりとした潤いや奥行きの深さを感じさせるのが素晴らしい。
第２番におけるバーンスタインの解釈は実に雄弁かつ濃厚なものだ。
粘ったような進行、テンポの緩急や強弱の思い切った変化、猛烈なアッチェレランドなどを大胆に駆使し、これ以上は求め得ないようなドラマティックな表現を行っている。
また、切れば血が出るとはこのような演奏のことを言うのであり、どこをとっても力強い生命力と心を込めぬいた豊かな情感が漲っているのが素晴らしい。
バーンスタインのドラマティックで熱のこもった指揮にも、一糸乱れぬアンサンブルでしっかりと付いていっていったニューヨーク・フィルの卓越した技量も見事である。
ヘンドリックスやルートヴィヒも、ベストフォームとも言うべき素晴らしい歌唱を披露している。
ウェストミンスター合唱団も最高のパフォーマンスを示しており、楽曲終結部は圧巻のド迫力。
オーケストラともども圧倒的かつ壮麗なクライマックスを築く中で、この気宇壮大な超名演を締めくくっている。
第３番におけるバーンスタインの表現は、どこをとってもカロリー満点で、濃厚で心を込め抜いた情感の豊かさが演奏全体を支配している。
特に、終楽章は特筆すべき美しさでスケールも気宇壮大、誰よりも遅いテンポで情感豊かに描き出しているのが素晴らしい。
他方、変幻自在のテンポ設定や、桁外れに幅の広いダイナミックレンジ、思い切ったアッチェレランドなどを大胆に駆使するなど、ドラマティックな表現にも抜かりがない。
このように、やりたい放題とも言えるような自由奔放な解釈を施しているにもかかわらず、長大な同曲の全体の造型がいささかも弛緩することなく、壮麗にして雄渾なスケール感を損なっていないというのは、マーラーの化身と化したバーンスタインだけに可能な驚異的な圧巻の至芸である。
特筆すべきは、ニューヨーク・フィルの卓越した技量であり、金管楽器（特にホルンとトロンボーン）にしても、木管楽器にしても、そして弦楽器にしても抜群に上手く、なおかつ実に美しいコクのある音を出しており、本名演に華を添える結果となっている点を忘れてはならない。
ルートヴィヒの独唱や、ニューヨーク・コラール・アーティスツ及びブルックリン少年合唱団による合唱も、最高のパフォーマンスを示している点も高く評価したい。
第４番は、終楽章にボーイ・ソプラノを起用したことにより数々の批判を浴びている曰くつきの演奏ではあるが、筆者としては、確かにボーイ・ソプラノの起用には若干の疑問は感じるものの、総体としては、素晴らしい名演と高く評価したい。
バーンスタインは、同曲に対しても、他の交響曲へのアプローチと同様に、雄弁かつ濃厚な表現を施している点を高く評価したい。
バーンスタインの名演によって、マーラーの第４番の真価が漸くベールを脱いだとさえ言えるところであり、情感の豊かさや内容の濃密さ、奥行きの深さといった点においては、過去の同曲のいかなる演奏にも優る至高の超名演と高く評価したい。
バーンスタインの統率の下、コンセルトヘボウ・アムステルダムも最高のパフォーマンスを示しており、バーンスタインの濃厚な解釈に深みと潤いを与えている点を忘れてはならない。
さすらう若人の歌は、バーンスタインの死の年の録音であり、健康を害している中での思い入れたっぷりの、そして命がけの演奏は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分な深い感動を与えてくれる。
ハンプソンも、そうしたマーラーの化身と化したバーンスタインの下、最高のパフォーマンスを示していると言える。
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