Ｆ=ディースカウ
2022年07月01日
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プフィッツナーの代表作《パレストリーナ》はドイツ語圏では時々演奏されても、それ以外の国では滅多に採り上げられないようなので、作曲者と楽曲の説明を中心にしたい。
日本ではなかなか見ることのかなわないレアなオペラだが、プフィッツナーの音楽は現代ということをあまり感じさせないロマン派的な非常に美しいものだ。
クーベリックの指揮の下、名歌手たちの見事なパフォーマンスを聴くだけでも十分に楽しめるし、豪華布陣からドイツでのパレストリーナの占める地位がうかがえる。
「音楽的不能に関する新しい美学」は、Wikipediaによると「腐敗の徴候」という副題が付いていて、ユダヤ人が音楽に破壊的な影響を与えたという攻撃で結ばれている。
しかしその一方で、プフィッツナーはマーラーに恩義があり、尊敬し、人間的に愛していたとされている。
それは彼の作品を一流の劇場で最初に上演したのがマーラーだったということも大きいはずだ。
マーラーがプフィッツナーのオペラ《愛の花園のばら》をウィーンで上演する時、リハーサルに彼を呼び、マーラーの後ろに座らせて、「気に入らないところがあればいつでも演奏を止めるように」した。
マーラーは「ほんとうにあなたの批判的な意見が聞きたい」とも言ったそうで、正しく偉大な芸術家に対する態度であった。
そんな恩義があって、人物としてはマーラーを敬愛しても作曲上の価値観、好みは別で、他の論文では「もし聖霊なる造り主が現れなければ、どうするのか」と、マーラーの第８交響曲の冒頭合唱を持ちだしてマーラー、シェーンベルク、シュレーカーを攻撃の対象としていた。
第三帝国時代、政権が栄誉を与えてくれることを期待したものの、気難しい性格と風采があがらないことが災いしてか、ヒトラーにあまり好かれず、大した恩恵は無く、大戦末期には自宅は空襲で消失した。
第二次大戦後はウィーン・フィルがプフィッツナーに好意的で、ザルツブルクに家を用意までしてくれたので、彼はそこで亡くなった。
プフィッツナーの行動にはいろいろ話題もあるが、「反ユダヤ的ではないが、親ユダヤ的でもない、良いドイツ人だと思ったユダヤ人なら好いていた」というクレンペラーの評が象徴的だ。
以下は個人的な私見であるが、プフィッツナーの作品には行きどまりの閉ざされた世界に場所を求めた人たちの最後の拠り所が感じられる。
とくに志操堅固を貫くあまり、孤高な生き方をよぎなくされる人々にとって、このオペラは、この上ない励ましとなり慰めとなるだろう。
毅然として生きることに真のヒューマンな喜びがあり、それが倫理的にも情感的にも納得できるひびきとして伝わり、明日もまた雄々しく生きる勇気を与えてくれる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2022年05月31日
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本作は、ロリン・マゼールがディートリヒ・フィッシャー＝ディースカウとユリア・ヴァラディ夫妻を迎えてベルリン・フィルと録音したアルバムで、アレクサンダー・ツェムリンスキーの代表作、《叙情交響曲》を一躍有名にしたデジタル初期（１９８１年録音）の名盤。
《叙情交響曲》は、シェーンベルクの師で、マーラーとも親交のあったツェムリンスキーの傑作である。
ツェムリンスキーに対する関心と認識は、かなり最近のことと言ってもよいであろう。
それは、後期ロマン派やシェーンベルクをはじめとする新ウィーン楽派への関心の副産物というのは言い過ぎであろうが、シェーンベルクの師であり義兄であるという認識は大きい。
そのツェムリンスキーの１９２３年の《叙情交響曲》は、その代表作でもあり、最近はいくつかの録音もあるが、これは世界初録音であった。
インドの詩人タゴールの独語訳テキストに、男女２名の独唱、大編成のオーケストラ。
明らかにマーラーの《大地の歌》を意識した内容であるが、生と死をモチーフとした《大地の歌》に比べ、こちらは男女の愛欲を濃厚に歌い上げている。
このツェムリンスキーの《叙情交響曲》は、１９２２年から２３年という「新音楽」の誕生の時期にあえて《大地の歌》へのオマージュとして書かれたわけで、明らかに時代の潮流に逆らっていた。
官能を主題とした点では、スクリャービンの《法悦の詩》に通じるところがあり、全般に暗く濃厚なロマン派の音楽で、時には甘美に、または激しく愛を歌っている。
しかし、エロティシズムと神秘主義の間を揺れ動くその官能的な内容と壮大な交響楽的構成には、耽美的な後期ロマン派の遅れた成果という以上の魅力が備わっている。
特に調性語法の幅や、アリオーゾからシュプレッヒゲザングまでの声楽様式の幅など、実にドラマティックだ。
マゼールとベルリン・フィル、ヴァラディとフィッシャー＝ディースカウという最上の顔合わせが得られた結果、その登場はツェムリンスキーへの理解を急速に強めたとさえ言える。
マゼールは決して音楽に溺れることなく、この大曲をまとめあげ、フィッシャー＝ディースカウ、ヴァラディの独唱陣とベルリン・フィルもマゼールと息の合ったところを見せている。
豪奢で官能的な前奏曲の響きは、まごうことないベルリン・フィルの響きであり、この冒頭の歴史絵巻を思わせるような雰囲気が見事に全体に一貫しており、この雰囲気の持続はツェムリンスキーの要求通りと言えよう。
流麗なマゼールの解釈もすぐれているが、特に生と死を幻想的に気品をもって歌い上げた王子役のフィッシャー＝ディースカウの歌唱は、タゴールの原詩の精神をよく伝えていて、バリトンの「英雄」的力感、ドラマティックな表現力と知的解釈の深さも印象的だ。
フィッシャー＝ディースカウの薫陶を受けたであろうユリア・ヴァラディの旨さも特筆できるものである。
《大地の歌》との関連はともかくとしても、このロマン的な美しく魅惑的な世界は一聴に値しよう。
ウイーンの楽壇で指揮者、作曲家として高く評価されていましたツェムリンスキーは、ユダヤ系の出自のためにナチスの台頭後、シェーンベルクとともにアメリカに逃れた。
しかし、シェーンベルクが富と名声に包まれてロスで暮らしたのに対し、ツェムリンスキーは注目されることなく病気と貧苦に苦しんだ挙句、ニューヨークで斃死してしまった。
１９８０年代にようやく注目され、これはその一環として録音されたもので、時代の波に巻き込まれ、不当に評価された音楽家を発掘した意味でも貴重な１枚である。
この演奏を通して、いよいよツェムリンスキーの夢と現実の世界に魅せられていく人も多いはずだ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2022年02月27日
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「戦争レクイエム」は第１次世界大戦で戦死したオーウェンの反戦詩に拠った大作の、ブリテンの代表作を自ら指揮した記念碑的な録音。
１９６２年５月にイギリス、コヴェントリーの聖ミカエル教会大聖堂の献堂式のために書かれた。
この教会堂は第２次世界大戦のドイツ軍空襲によって破壊されたもの。
ブリテンは戦争をテーマとし、その悲しみを描くとともに、人々に不滅のメッセージを投げかけるユニークなレクイエムを書き上げた。
同曲の初演翌年（１９６３年）に録音されたもので、ブリテンの代表作の、作曲者自身の指揮による歴史的演奏である。
名曲ゆえに世界各地で演奏され録音も少なくないが、歴史に残る名盤には大きな意義がある。
初演当時の熱気を収めた作曲者指揮の録音は、ドキュメンタリーとして貴重なだけにどんな名演奏が現れても存在価値を失わない。
まさにいかなる理由があろうとも、今後どれだけの名演が出てこようとも、決して過去の遺物になることがないのが、ブリテンの自作自演録音なのである。
文字通り渾身の力をこめた凄まじい迫力をもった演奏で、ブリテンがこの作品にこめた死者への鎮魂と平和への祈念の深さは、聴く者の心を打たずにはおかない。
ブリテンが作曲にあたって想定したが、初演の時には揃わなかった、英・独・ソを代表する３人のソリスト（ピアーズ、フィッシャー=ディースカウ、ヴィシネフスカヤ）を迎え、緊張とドラマにあふれた熱い歌が感動をよぶ。
ソリストたちがその力を遺憾なく発揮するとともに、ロンドン交響楽団、合唱団も何かに憑かれたように音楽に集中している。
オールドバラ音楽祭をはじめとして多くの競演を重ねてきたオケやプレイヤーたちが、ブリテンの棒の下に集結しているのだ。
作品の原点がここに記録されていて、戦争の記憶がまだ残っている世界に向けて強く平和を訴えかけている。
誠実さを絵に描いたようなブリテンの指揮も音楽の訴えかけるメッセージを聴き手に伝えてくれる。
ブリテンが自作を振って生まれる音楽は、プロポーションが常にクール＆スマートでありながらも、音色やバランスなどで、感情を表出させている。
このことは他の指揮者にはマネのできないことである（作品をよく知る者だけに許される）。
敵同士の魂が「さぁ、みんな眠ろう」と静かに歌い出す最後のくだりは、天使の声を象徴するような児童合唱の歌声とともに、胸を締めつけられながらも自らの魂が救済されるかのようで、最も感動的な部分だ。
本盤には、約５０分におよぶ�牘�し録り�瓮螢蓮璽汽襪�付いている。
ちなみに根っからの人道主義者のブリテンは、第２次世界大戦の際にも兵役を自ら拒否した反戦主義者でもあった。
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2021年11月11日
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なにしろバッハの《マタイ受難曲》は偉大な作品なので、どのようなアプローチの仕方をも許容し得るような大きさを秘めている。
そこにあって当クレンペラー盤は、とくに気宇壮大、スケールの大きな演奏内容といえるだろう。
編成の大きなオーケストラ、声楽陣などから生み出される各表現は、いずれも濃い陰影をもち、粗削りのようなたくましい輪郭に彩られ、たいそう大胆。
ドラマティックな起伏も、他に類を見ないほど大きい。
偉大な《マタイ受難曲》を、些事にわずらわされることなく、可能な限り偉大に再現し得た演奏内容だ。
この演奏の核心のような部分で、すべてを耐えて重きを担っているアトラスのようなクレンペラーの姿が印象的である。
《マタイ受難曲》には、唯一無二といってもいいほどのリヒターによる不朽の名盤がある。
まこと、凄まじいほどの気魄と先鋭な切り込みの烈しさに打たれぬ人はいない。
これに対抗できるのはクレンペラー盤であろう。
聴く者をゆったりと包み込み、そのドイツ的音響構築の悠揚迫らぬ余裕は、イエスに対する畏敬の念をその底辺に据え、人間が犯したさまざまな愚かな“あやまち”を責めるのではなく、共に許し合おうとするクレンペラーの包容力の大きさでもある。
十字架上の２人のうち、どちらを助けるか問われ、群衆は「バラバを！」と叫ぶが、リヒターは怖ろしいまでの緊迫感と、犯してはならなかった罪への責めを音の中に刻みつけた。
クレンペラーには“悲しみ”が感じられる。
クレンペラーの上にふりかかったさまざまの苦難を通して、このマエストロはその試練に耐え抜き、自分の精神を強く、他には愛をもって音楽をつくっていった。
その人間的な深さがバッハを貫いている。
その意味でもこの巨匠のベートーヴェンは比類ない演奏の典型だが、その根源にはこうしたバッハへの帰依があってのことと思われる。
筆者は本名盤を学生時代に聴き、バッハの宗教曲の素晴らしさに、身も心も酔いしれる思いを味わった。
《マタイ受難曲》では、ある女がイエスに香油を注ぎかけたというレチタティーヴォからアルトの悔恨のアリアに至るあたりや、「備えせよ」のバス・アリアから最後の大らかな合唱に入るあたりは、正直のところ、涙なくしては聴くことができなかった。
クレンペラーはこの受難の物語の中から、人間の普遍的な愛情の襞にまで入り込んで、すべての人物が人間の愚かしい行動を是認しなければならない苦しさを描き出していく。
これはクレンペラーならではの世界だろう。
全体に遅めのテンポ設定が主流をなしているが、彼にとってこのテンポは不可欠なものに違いない。
雄渾な音楽づくりの中にも、クレンペラーの老巧な棒さばきと、張りつめた緊張感とが身近に伝わってくる。
テンポ設定ひとつにしても、やや遅めにとり、コラールも重厚に、コラールフェルマータも、様式からはみ出さない限度においてテヌートを加えるなど、細心の注意が行きわたっている。
１９６１年のステレオ録音だけに音質も良好で、シュヴァルツコップもＦ=ディースカウの声もまだ瑞々しく、ルートヴィヒのアルトも沈痛だ。
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2021年06月28日
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１９８７年３月８７歳で亡くなったジェラルド・ムーアが行った、１９６７年の引退記念コンサート。
ロイヤル・フェスティヴァル・ホールで行われたこのコンサートにはシュヴァルツコップ、ロス・アンヘレス、フィッシャー=ディースカウといった当代を代表する大歌手が一同に会した。
歌手を巧みにサポートするピアニストとして、リート演奏史を支え続けた名手が、この日ばかりは主役となり彼の業績が名手の歌で語られる。
歌や器楽の伴奏をしたことがある方なら、ジェラルド・ムーアを知らない人はまずいないだろう。
彼はシャリアピンに始まる名歌手からシゲティなどの名奏者、そして彼が生きた時代のおよそありとあらゆる音楽家の伴奏を片っ端から経験したピアニストだ。
その経験の豊かさだけでなく、謙虚でしかも研究熱心な姿勢は、それまでソリストにとって引き立て役でしかなかった伴奏という分野を芸術の領域に引き上げることに貢献した。
彼が温め続けたその伴奏芸術のエッセンスがこの６７年の引退記念コンサートに集約されていると言っても過言ではないだろう。
一人の伴奏者がこのように大歌手三人を呼んで演奏会を開いたというのも前例のないことだ。
彼の伴奏に関するポリシーは自身の手になる著書『ある伴奏者の回想』のなかでユーモアたっぷりに書かれている。
ソロを活かすには歌詞の言語を理解すること、調性、そして声や楽器の種類によっても総て伴奏者がそれらに合わせ、長所を引き出さねばならない。
またオペラのアリアでは自分がオーケストラの役目を担わなければならない、などその秘訣を語っている。
このコンサートではドイツ・リートが中心だが、シュヴァルツコップとデ・ロス・アンへレスのデュエットによるロッシーニの『二匹の猫』はムーアのとぼけた伴奏の巧みさと二人の歌手の悪乗り気味の猫の声で聴衆も抱腹絶倒だ。
また最後に彼が披露する、おそらく最初で最後だったであろうソロ、自らの編曲によるシューベルトの『楽に寄す』は、彼が長年のキャリアを振り返り、その静かな喜びや励みをしみじみと表現していてひたすら巧い。
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2021年06月07日
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ディートリッヒ・フィッシャー=ディースカウによって、ドイツ・リートはかつてないほどの芸術的高みとその価値を不動のものにした。
このレーヴェの作品集でも彼の全盛期の自由自在ともいえる表現力と伸びやかな歌声が冴え渡るアルバムで、バラード形式の歌曲においては、特にその強みを発揮する歌手であった。
レーヴェのバラードのドラマ性を、フィッシャー=ディースカウは雄弁で自在な表現法を駆使して描き出している。
時に、フィッシャー＝ディースカウの余りに能弁な語り口が、いささか恣意的に聴こえることもあるほどである。
また伴奏のイェルク・デムスの気の利いた、時には粋で快活、また時には流麗なピアニズムが、これらの歌曲を一層生き生きとさせている。
確かに『海を行くオーディン』のようなドラマティックな作品では、ハンス・ホッターの迫力には適わないが、『婚礼の歌』での小回りの利いた早口でのたたみかけや『追いかける鐘』の軽快さ、そして『詩人トム』のメルヘン性などは替え難い芸術性に満ちている。
『エドアルド』の不気味で恐ろしい展開も見事だし、『魔王』の情景描写も卓越している。
後者はシューベルトと全く同じゲーテの詩による歌曲だが、異なった趣を持っていて興味深い。
カール・レーヴェ(1796-1869)はシューベルトとほぼ同時代に活躍した作曲家で、この２枚組のCDでは彼のバラード及び歌曲が37曲収録されていて、聴き応えのある一組である。
圧倒的なシューベルトの影に隠れてレーヴェの作品はドイツ・リートに親しみのない人にとってはマイナーかも知れないが、物語性を描写する巧みな技法とドイツ語の抑揚を生かしたリズミカルな曲想は、捨てがたい魅力を持っている。
かつてはシューベルトのライヴァルの座にあったレーヴェの歌曲（バラード）は、なぜか最近はリーダーアーベントのプログラムに見られる機会が少なくなってしまったが、優れた歌唱を得た時には、やはりその魅力は絶大なものがある。
録音は1969年、71年及び82年に行われ、当初2枚のLP盤でリリースされていたものがリマスタリングされてCDで復活したが、このセットも廃盤の憂き目にあって久しい。
尚ライナー・ノーツには総てのドイツ語の歌詞にフランス語と英語の対訳付き。
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2019年12月30日
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かつてフィッシャー=ディースカウのリサイタルの放送を見たことがあって、既に老年に入り、かつての輝かしさは失っていたかも知れないが、歌詞の表情付けには類を見ないものがあった。
驚いたのは、彼の顔の表情で、歌が悲しい表情を見せる時には沈鬱な趣になり、遥かな憧れを表わす段になると、にわかに憧れに満ちた表情になる。
決して劇的なのではなく、人間の内面の奥底にある言い表わし難い感情の変遷が、そのまま自然に外に滲み出してくるという風なのだ。
彼のその表情は、めったに人間のこんな顔を見られるものではないな、と感じ、忘れられないものとなった。
そして、単に優れた音楽家としてではなく、一個の芸術家として、彼は物凄い境地に達しているのだな、と思ったのだった。
そのフィッシャー=ディースカウが晩年（１９９０年）、バレンボイム/ベルリン・フィルと組んでマーラーの『子供の不思議な角笛』を歌ったディスクがあるが、あの放送を見た時の印象がまざまざと思い出される。
これは凄い演奏で、他の一般の演奏とはだいぶ異なった印象を受けるにもかかわらず、この演奏を１度聴いてしまった後では、まさにこういう風でしかありえない、と確信させる、そういう演奏なのだ。
フィッシャー=ディースカウは、まず全曲をひとりで歌っており、これは歌曲としての一貫性という面から考えられていると思われる。
ディースカウの歌のアプローチも、オーケストラも、歌曲的なのだが、そのことが、曲の表現性を減じているわけではなく、事態は全く逆なのだ。
ここでのディースカウの歌唱を一体どんな風に表現したらいいのだろう。
彼の歌は、テクニックやスタイルとして、むろん完璧なのだが、クラシックの表現スタイルを遥かに越えて、人類が持つ「うた」の普遍的な感動のほうに近づいているみたいなのだ。
そこには「民謡」の節回しの素朴さがあり、「語り」の要素があり、「詩の朗唱」の要素があり、そして表情の無類の変化と繊細さがある。
既に述べたように、彼の表わす悲しみや憧れは、物理的な条件を昇華してしまい、人間の繊細な感情の変化そのものと化してしまう。
このことが、マーラーのエッセンスが全てぶちこまれたようなこの歌曲集の、マーラーの悲しみ、憧れ、素朴な喜び、皮肉、人間存在への激しい慟哭や冷笑、運命への屈従と犯行、それらあらゆる全ての要素が恐るべき同化力をもって表現されることと繋がっているのだ。
この曲は、ベルクに影響を与えているように、表現主義的、大衆的なシアターピース、まるで大道芸人が１幕１幕弁じ立てるような要素も持っているが、そうした要素を最も強く感じさせるのもディースカウの歌だ。
バレンボイムの指揮は、彼自身のピアノによる伴奏者としてディースカウと度々共演してきたこともあって、歌曲的なアプローチをごく自然に行なっている。
そして尚且つ、この研ぎ澄まされたオーケストラの表現力は物凄く、これ以後のバレンボイムのマーラー録音を期待させるに足る演奏だった。
とにかくこのディスクは、マーラー演奏史のうえでも、あらゆる表現の文化史のなかでも、特筆すべきものである。
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2019年07月15日
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フィッシャー=ディースカウが録音した作品は、シューベルト、シューマン、ヴォルフなどの歌曲全集をはじめ膨大な数にのぼるし、また第一線での活動時期が長かったこともあって、何回も録音している曲もある。
そうした中にあっても、この演奏は彼の最高の演奏の１つに数えられる。
１曲めの『さすらう若人の歌』では、マーラー特有のデカダンス的な雰囲気とただならぬ緊張感が漂っているという意味では１９５１年のウィーン・フィルとのライヴが優っているが、音質の面ではスタジオ録音の当１９５２年盤をお薦めする。
どちらも２０代だったフィッシャー=ディースカウの絶唱が堪能できる演奏で、５１年の破綻寸前のはげしい慟哭の迸るライヴに対して、このスタジオ録音は内容と形式、声とオケとが完璧なバランスを得て模範的な演奏を示し、歌曲録音史上の金字塔の１つに数えられる。
フィッシャー=ディースカウなんと２７歳の時に、青春の溌剌とした息吹きや、言い知れぬ深い挫折の詠唱が他の誰にも増して秀逸だ。
フィッシャー=ディースカウとフルトヴェングラーは、１９５１年のザルツブルク音楽祭で『さすらう若人の歌』で共演した。
フルトヴェングラーは、フィッシャー=ディースカウの自己投入のはげしい歌いぶりに触発され、敬遠気味のマーラーを見直すきっかけを得たほどだった。
フルトヴェングラーがフィッシャー=ディースカウに「君のおかげでマーラーをようやく理解できるようになった」と言ったのは有名だが、優れた演奏家が互いに触発されて生まれた稀有の名演の記録であり、今なお最高の演奏でもある。
翌年フィッシャー=ディースカウとともに『トリスタンとイゾルデ』を録音した折、セッションが余ったので、それを利用して『さすらう若人の歌』を録音しようと指揮者自ら申し出た。
フルトヴェングラー指揮するフィルハーモニア管弦楽団は、後の時代のより洗練された緻密な響きではないにしても、指揮者のロマン性とマーラーの病的なまでに凝った音楽性を恐ろしいほど反映させている。
フィッシャー=ディースカウはフルトヴェングラーの薫陶を受けた後、この曲を彼の最も得意とするレパートリーに加えて、その後もライヴやセッションでしばしば採り上げ、そうした録音も少なからず残されている。
それぞれに優れた演奏であると同時に、年齢とともに表現の移り変わりも感じられるが、中でも１９６９年のラファエル・クーベリック指揮、バイエルン放送交響楽団との協演が彼の壮年期の頂点をなすものだろう。
しかしその中にあっても、これは単に若かりし頃のフィッシャー=ディースカウの歴史的名盤の域をはるかに越えた芸術品だし、フルトヴェングラー指揮の管弦楽部の表現と見事に一体化している。
２曲めの『亡き子を偲ぶ歌』は当初からバリトン・ソロとオーケストラを想定して書かれた作品だが『さすらう若人の歌』と同様音域が非常に広く、歌唱技術的にも困難であるばかりでなく、幼い娘を失った父親の内面的な屈折した悲しみという特殊な表現を要求されることからバリトン歌手による録音はそれほど多くない。
ここでのルドルフ・ケンペ指揮、ベルリン・フィルとのセッションは、フィッシャー=ディースカウが極めた精緻な心理描写が面目躍如たる演奏で、この曲の代表盤と言ってもいいだろう。
尚女声で歌われたものとしてはコントラルトのキャスリーン・フェリアーを迎えたブルーノ・ワルター指揮、ウィーン・フィルの１９４９年盤が質の高い演奏としてお薦めできる。
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2019年05月29日
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膨大なレパートリーを持ち、そのすべてを徹底的に解釈し尽くし、完璧な発声で克明に歌いあげたフィッシャー＝ディースカウは、ドイツ歌曲史上に巨大な足跡を残した歌い手として有名な存在だった。
精力的に行われたリサイタルのほか、大量のレコーディングも残しており、さらに声楽大作やオペラ、古楽でも大活躍し、一時は指揮まで手掛けていたので、その才能はまさに偉大というほかない。
この１１枚組のボックス・セットは、彼の若き日のＥＭＩへのドイツ・リートの録音が網羅されている。
特にドイツ歌曲レコーディングから名唱として評価の高いものがCD10枚に渡って選りすぐられており、シューベルト、シューマン、ブラームス、マーラー、ヴォルフ、R.シュトラウス、レーヴェ、メンデルスゾーン、ワーグナー、リスト、コルネリウスの作品を味わうことができる。
この当セットと並んでドイツ・グラモフォンからもフィッシャー=ディースカウのシューベルト歌曲全集が２１枚組のセットでリリースされ、彼の広範囲に及ぶ歌唱芸術のエッセンスを廉価盤でより身近に親しめるようになったことは評価したい。
しかも伴奏の殆どは、ジェラルド・ムーアが息の合った巧妙なサポートを聴かせてくれる。
それは伴奏を芸術の領域に引き上げたとされるムーア自身の至芸でもある。
一方『さすらう若人の歌』をはじめとするマーラーの曲集では、ダニエル・バレンボイムの斬新かつ華麗なピアノも聴き逃せない。
これらの録音は１９５１年から７８年にかけて行われ、リリースされた当初から既に評価の高かったものだ。
何と言ってもフィッシャー=ディースカウの精緻で自由闊達な表現力と若々しい声の魅力が身上だろう。
シューベルトの３大歌曲集の中でも『美しき水車小屋の娘』は彼自身のナレーションによるプロローグとエピローグが付いていて、語り手としての絶妙なエンターテイメントも披露している。
最後のＣＤでの彼の８５歳の誕生記念として公開された２つのインタビューも興味深い。
またこのＣＤにはPDFファイルによる、セットに収められた総ての曲の歌詞を見る事もできるし、ごく一部を除いて英語対訳が付いているのも良心的だ。
尚このセットにはおそらく流通経路が原因と思われる店舗による大幅な価格差があることも指摘しておく。
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2018年12月12日
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ディートリヒ・フィッシャー=ディースカウはただ単に戦後を代表する名バリトン歌手というだけでなく、ドイツの楽壇の重鎮というべき偉大な存在であった。
彼のレパートリーは膨大で、また幸いその至芸の殆んどが録音を通じて鑑賞できるが、特にフーゴ・ヴォルフ歌曲集での感動はひとしおだ。
ヴォルフはテクストに選んだ詩を、恐ろしいほどの深い洞察力で読み取り、その言霊の抑揚ひとつひとつに人間の心理やさがを見出し、嬉々としてそれを楽譜に写し取っていった。
ピアノさえも伴奏の範疇を抜け出して歌詞と対等に語らせ、森羅万象を表すだけでなく心理描写にも心血が注がれている。
それは殆んど狂気と紙一重のところで行われた作業であるために、その再現には一通りでない表現力や機知と、それを裏付けるテクニックが要求される。
筆者は語り口の精緻さにおいて、フィッシャー=ディースカウを凌駕する歌手を知らない。
ヴォルフ歌唱録音の金字塔ともいえる不滅の名全集というだけでなく、フィッシャー=ディースカウが数多く遺した作曲家別の「歌曲全集」中、シューベルトとともに傑出しているのが、このヴォルフという定評が高い。
シューベルトに匹敵するほどのヴォルフの豊饒な歌の世界の全容を知らしめたのがフィッシャー=ディースカウの当意即妙で、自在闊達な歌唱であった。
この６枚組のセットでは彼とピアニスト、ダニエル・バレンボイムのコンビによる最良のヴォルフ歌曲集を堪能することができる。
特にフィッシャー=ディースカウと丁々発止のやり取りを聴かせているバレンボイムのピアノは秀逸だ。
１９７２年から７４年にかけてのセッションで、音質は極めて良好。
尚ＥＭＩからは同様の歌曲集にフィッシャー=ディースカウ自身が指揮したヴォルフの管弦楽曲集を加えた７枚組セットもリリースされている。
そちらの方の歌曲は１９５２年から６６年の録音になり、よりストレートな解釈が特徴で、声も若々しいが音質は時代相応でやや劣っている。
一方伴奏者はジェラルド・ムーアで、これも名伴奏の名に恥じないものだが、比較すると良し悪しはともかくとしてバレンボイムのピアノの方がより積極的に歌に介入していると言えるだろう。
フィッシャー=ディースカウ自身もこのグラモフォン盤では千変万化の感情の機微の表現、声の使い方のきめ細かさで熟練の境地に達している。
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2018年11月26日
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『さすらう若人の歌』はマーラーを接点にフルトヴェングラーとフィッシャー=ディースカウを結びつけたザルツブルクの記念碑的名演。
フルトヴェングラーはフィッシャー=ディースカウと2種類のマーラーの『さすらう若人の歌』を遺している。
音質から言えば1952年のフィルハーモニア管弦楽団とのスタジオ録音をお薦めしたいが、マーラー生前時のウィーンを髣髴とさせる特有のデカダンス的な雰囲気とただならぬ緊張感が漂っているという意味ではこのウィーン・フィルとの1951年ザルツブルク・ライヴが圧倒的だ。
スタジオ録音の方が繊細でまとまりはよいが、ライヴでは天をも衝くような烈しい慟哭が主導し、生と死の境をさまよう若者の破れかぶれの心理を鋭く追求している。
内面のこの破綻の風景こそこの歌曲集の核心をなしていることがわかる。
そこにはまたフルトヴェングラーのロマンティックな感性が横溢していて、オーケストラも病的なまでに凝ったマーラーの音楽性と、退廃が最後の雫を滴らせるような表現がおそらくウィーン・フィルにとっても後の時代にはみられない演奏になっている。
そこでは明快な発音に裏打ちされたフィッシャー=ディースカウ２０代の絶唱を聴くことができるが、精緻な歌唱の中に挫折する青年の姿が生き生きと映し出されていることに驚かざるを得ない。
彼はその後何度も『さすらう若人の歌』を録音しているが、円熟味や老獪さは増しても、このデモーニッシュさはない。
また世界初出LPのマスターテープ（伊ディスコス制作）から作られ、最新デジタル・リマスタリング、更にメモリーテック社の革命的製盤技術によりUHQCD化されたキング（セブンシーズ）CDの音質は他社盤を凌いでいる。
フルトヴェングラーとフラグスタートのリヒャルト・シュトラウスの『４つの最後の歌』は更に古い1950年の世界初演ライヴになり、フィルハーモニア管弦楽団を振ったものだがスクラッチ・ノイズが煩わしいのが残念だ。
しかし彼女の強靭だが清澄な声に託された晩年のシュトラウスの、失われつつあったウィーンに想いを馳せた、甘美な夢と避けることのできない失望がひしひしと伝わってくる。
前年に亡くなった作曲者とっても、この２人は最適の初演者だったのであって、死と生にまつわるパセティークな情感を、これほどドラマティックに描き出した演奏は他にはない。
この企画はフルトヴェングラーのライヴを復刻することにあるので、名演とは言えないものも収録されていて、最後のボーナス・トラックははっきり言って必要なかったと思われる。
ソロを歌うバリトン、アルフレート・ペルは、こうしてフィッシャー=ディースカウと並べられるとテクニックにおいても、また表現力においても到底及ばない歌唱で、このディスクの価値を下げる結果になっている。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2018年11月18日
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両者の緊張感に満ちたスリリングで硬質な『冬の旅』を聴けるのがこのライヴの特徴だ。
この２人にとっては『美しき水車小屋の乙女』のような甘美で、哀愁を湛える曲集よりも遥かに適した選曲だったと思われる。
その意味でもこの協演の音楽的な面白みは尽きない。
フィッシャー=ディースカウにしてもポリーニにしてもお互いに譲れない一線があり、そのぎりぎりのところで２人のせめぎ合いと合意があって成立しているような演奏だ。
しかし決して歌手と伴奏者が勝手気ままに楽譜を辿ったのではなく、合わせなければならない部分では完全な意気投合が感じられ、シューベルト晩年の慟哭が聞こえてくるような表現を成り立たせているのが素晴らしい。
ベテラン、フィッシャー=ディースカウの自由闊達で老練な歌唱もいつになくエキサイティングな雰囲気があり、これまでのセッションでは聴くことができなかったもうひとつの世界が開かれたかのようだ。
一方ポリーニはムーアのようにどこまでもぴったり寄り添って歌手の長所を引き出すというタイプではない。
ある部分では先導し、挑発し、また別の部分では付き従って行くという絶妙な関係を保ちながら、ピアニスティックな音響を響かせる部分では、冷徹で内省的でありながらかつて誰も到達したことがないようなスケールの大きな伴奏を披露している。
幅広いダイナミズムを駆使しつつ、一切の小細工を避けて真摯に真正面から曲と向き合った孤高の表現は、シューベルトの歌曲伴奏の新しい可能性をポリーニがたった一晩のコンサートで試みた例外的なサンプルと言えないだろうか。
確かにポリーニには今もって伴奏はおろかアンサンブルの経験が殆んどない。
ライヴ、セッションを通じてもこの『冬の旅』と、イタリア弦楽四重奏団とのブラームスのピアノ五重奏曲があるのみだ。
それだけにこうしたのっぴきならない緊張感が醸し出されているのだろう。
だからと言って彼がドイツ・リート界の巨匠の前に遠慮したり萎縮している様子は全くなく、対等に対峙してひとつひとつの歌曲を入念に仕上げているところに若き日のポリーニらしさがある。
彼らのセッション録音が実現しなかったのは、ある意味で当然のことだったのかも知れない。
もしこの２人がセッションに臨んだとしても、お互いが完璧な演奏を残したいがために芸術的な接点を見出せなかったかも知れないからだ。
むしろ一期一会のライヴだったために可能になった協演という印象を受ける演奏だ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年04月13日
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『ピアノ伴奏者の王』と題された１０枚組のセットは、１人の伴奏者の記録としては余りにも稀な企画であり、それはそのままムーアの辿った奇跡的なキャリアを示している言葉だ。
むしろここに収められた曲目はそのごく一部で、彼は膨大な量の歌曲伴奏の他にも器楽とあわせたセッションも少なからず残している。
しかもどのソリストもその時代を代表する演奏家だったことを考えると、彼が如何に共演者として信頼された存在だったか理解できる。
このアンソロジーは歌曲に限られているが、それぞれが独、仏、英、西、伊語の歌詞を持ったもので、それらの歌の意味するところを的確に捉えて歌手の長所を引き出す術は並大抵の努力では得られない筈だ。
これは彼が自著『伴奏者の発言』及び『歌手と伴奏者』でも述べていることだが、相手の声質によって伴奏は変えなければならない。
ソプラノとバスを同じようには伴奏できないし、同じ曲でも移調すれば曲自体のイメージが変化するだけでなく、当然指使いも全く異なったものになる。
だから一度弾いたからレパートリーになるというものではなく、伴奏者である限り、こうした課題は果てしなく続く。
そのあたりの極意を極めたのがムーアだったのではないだろうか。
ムーアの演奏に強烈な自己主張はない。
それはあくまでも相方を活かし、寄り添って音楽を作り上げようという哲学に貫かれているからで、なおかつ彼が伴奏というカテゴリーを芸術の域に高めることができたのは、自らの役割を明確に認識し、その手法を洗練しつくしたからだと思う。
しかしムーア自身、一流のピアニストや指揮者達が伴奏側に回ること、つまり伴奏経験をすることを強く勧めている。
何故ならそれを体験することによって彼らの音楽観が飛躍的に広がり、ソロを弾く時やオーケストラの扱いに応用できるからだ。
あるいはむしろそのための時間の捻出を嫌う彼らへの警告なのかもしれない。
前置きが長くなったが、ボックスの裏のデータを見てから１枚目のＣＤを聴いて面食らった。
表記ではＣＤ１−３の歌手はアクセル・シェッツとなっているが、実際にこのデンマークのテノールが歌っているのは２枚目の『美しき水車小屋の娘』で、『冬の旅』はフィッシャー＝ディースカウ、『白鳥の歌』はハンス・ホッターの演奏だったからだ。
録音は現在比較的手に入りにくい１９４０年から１９５８年にかけてのもので、音質は時代相応の響きだ。
個人的には彼が器楽を伴奏したものをまとめて聴いてみたい。
それによって更にムーアの実力が明らかになる筈だ。
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2017年03月24日
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シューベルトは６００曲余りの歌曲を生み出し、それらのすべてに接したいと思うのはシューベルティアンの見果てぬ夢だった。
その願いを満たしてくれたのが、フィッシャー＝ディースカウという超人的な歌い手によるこの大全集だった。
フィッシャー＝ディースカウは古典から現代までにわたり、信じられないような量の声楽曲を歌い、演じ、録音してきたが、その膨大な録音群の中でひときわ高峰を成しているのがこのアルバムである。
勿論ここには男声用の歌曲しか収録されていないが、シューベルトの歌曲を窺う史上空前の最も重要なマイルストーンとなった。
以来別の企画でシューベルトの歌曲全集がリリースされたり、また目下進行中のシリーズもあったりするが、一歌手による一人の作曲家の作品への録音としてはレパートリーの上でも前人未到の驚異的な記録だし、今後も望めないだろう。
１９６６年から７２年にかけての録音の集大成で、この２１枚のＣＤに収められたシューベルトの歌曲は、３大歌曲集５７曲とその他の男声用の作品４０６曲で構成され、その数だけでも実に４６３曲に及んでいる。
フィッシャー＝ディースカウの声も芸術的な表現力も充実しきっていた時期の歌唱を満喫できるのが最大の魅力だが、これらの歌には、いわゆるやっつけ仕事としての歌唱がまったくないということも驚嘆すべきことだ。
ひとつひとつの曲に丹念な想いが込められ、精緻でありながら千変万化の巧みな表現と語り口調の絶妙さは傑出している。
ピアノのジェラルド・ムーアについて言えば、彼は伴奏を芸術の域に高めた功労者として知られているが、また自身の個性よりも常に曲趣と歌手の持ち味を生かすというニュートラルな立場を貫いた、まさに伴奏者の鏡のような存在だった。
彼は１９６７年に公開のコンサートからは退いたが、その後もこうした録音活動によって円熟期の至芸を鑑賞できるのは幸いだ。
まさにフィッシャー＝ディースカウ＆ムーアという稀代の名コンビによる共同作業の最高の結晶である。
更にフィッシャー＝ディースカウは４００曲を超えるこの大全集と前後して、わずか１０年と少しの間に、ヴォルフとブラームス、シューマンの大全集の録音も行っている。
ベートーヴェンやメンデルスゾーン、レーヴェらの歌曲と合わせ、実に１０００曲を超える録音を残してくれた。
フィッシャー＝ディースカウは、どれほどの決意と使命感を持ってこの超人的な難事業にチャレンジしたのであろうか。
楽々と成し遂げられているように見えるが、これらは貴重な人類の宝というべきもので、奇蹟的というしかない偉業だ。
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2016年07月17日
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Ｒ.シュトラウスの歌曲は文学的な技巧を凝らした叙事詩を扱ったものより、甘美な抒情詩をテクストにしたものが圧倒的に多いし、曲想にもまた彼らが生きた世紀末特有のデカダンス的な雰囲気が濃厚に感じられるが、かえってそうした傾向の曲で彼の才能が際立っているように思える。
それは同時代の作曲家、フーゴー・ヴォルフの詩作品への近付き難いほどの心理的な鋭い洞察力と言霊への飽くことのない追究には及ばないだろうが、オペラでの愛のモノローグを髣髴とさせるような大らかでメロディックな旋律、官能的な和声進行や絵画的な情景描写は、ヴォルフの歌曲より気軽に鑑賞できる親しみ易さがある。
ここにはフィッシャー＝ディースカウのバリトンとジェラルド・ムーアのピアノによる２回目のセッションからのＲ．シュトラウスの歌曲集２９作品、計１３４曲が６枚のＣＤに収められている。
フィッシャー＝ディースカウもこの録音が行われた１９６７年から７０年は脂の乗り切った全盛期で、声もテクニックもすこぶる充実しているのが特徴だ。
少なくとも彼の２０代の頃の録音では声自体の初々しさで優っているが、こちらでは表現がより自由闊達になり、歌唱法も完成された独自の境地を開いている。
例えばＣＤ５枚目の『小商いの鏡』Ｏｐ.６６から「三つの仮面を天に見た」では最高音がＢｂ（変ロ音）に達しているが、彼は全く力みのない艶やかな発声で歌い切っている。
この曲集は風刺に富んだ内容を持っているだけに、詩の皮肉っぽさが品良く、またさりげなく表出されているのが聴きどころだろう。
ムーアのピアノは決して歌と張り合うような奏法ではなく、歌手の歌心を絶妙にくすぐる巧妙なものだ。
常に相手に寄り添いながら、音形や和声の意味するところを鋭敏に演奏に反映させていく老獪さは、もはや伴奏という範疇を遥かに超越している。
録音状態及び音質はこの時代のものとしては極めて良好で印刷されているデータも正確だが、バジェット価格盤の宿命で残念ながら歌詞対訳は一切省略されている。
１１ページほどのライナー・ノーツにはＲ．シュトラウスと彼の歌曲作品についてのごく簡易な考察が掲載されている。
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2016年05月10日
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《美しき水車小屋の娘》などを聴くと、確かにシューベルトはウィーンの抒情作家だが、《冬の旅》は異なり、いっそう詩の内容が重視されており、その内容が暗いために音楽も深くなっている。
失恋した若者が終わりのないさすらいの旅に出る、という筋立てには何の救いもなく、死の深淵を見つめる晩年の作曲家の絶望や寂寥や、わずかに横切る希望の光があるだけだ。
《水車小屋》が青春の一齣なのに対し、《冬の旅》は全人生に匹敵し、作曲当時、シューベルトの肉体はすでにボロボロで、精神の根っこまで蝕まれて、わずか３１年の生涯に過ぎなかったのだ。
《冬の旅》には名盤が多いが、それはとりもなおさず、この曲集の芸術的魅力の大きさを物語っており、多くの歌手がこの絶望のドラマに魅了されてきたのだ。
ＣＤは第一にフィッシャー＝ディースカウを採りたいが、とはいっても彼にとってこの曲のレコーディングはライフワークの１つといってもよく、なんと７回もスタジオ録音している。
古今東西、名歌手数多しといえども、ドイツ・リートを歌って、Ｆ＝ディースカウ以上にうまい人を筆者は知らない。
美声のハイ・バリトンで柔軟な技巧も卓越、いかなる表情も自由自在で、感情の豊かさ、知的なアプローチ、発音の明晰さ、美しさ、どれをとってもベストだ。
初めは名伴奏者として知られたジェラルド・ムーアと組んでいたが、次第に有名な独奏ピアニストの伴奏で歌うようになり、デムス、バレンボイム、ブレンデル、ペライアなどが総動員された。
それらはただ単に繰り返しではなく、それぞれにカラーが違い、掘り下げ方とピアノとのかけ合いもそれぞれに違うが、この歌曲集の内奥に最も深く分け入り、持ち前の完璧な技巧と表現で歌いつくしているのは、この第５回目のバレンボイムとの録音である。
後年の録音のように技巧に走ることもなく、また初期の歌唱のように美声に頼り切ることもなく、きわめて知と情のバランスのとれた、絶妙のシューベルトになっている。
ここではバレンボイムの個性溢れるピアノが、歌い手が望んだとおり、歌唱に大きな刺激を与えているようで、ピアノと歌は互いに相手を信頼し、互いに感情をぶつけ合いながら、この暗いドラマにスケールの大きな起伏を作り出している。
また、対等でありながら深く掘り下げていくという点でも、イマジネーション溢れるバレンボイムとのものが一番面白く、Ｆ＝ディースカウもいつもの文学的偏向を避けてシューベルトの旋律をなめらかに歌っている。
様式感の崩れもなく、語りだけでなくメロディックな要素も雄弁に語り、この盤で、曲の世界がさらに深まった感じがする。
技巧的に聴こえることがあるＦ＝ディースカウだが、ここでは感情の流れがきわめて自然で、声のみずみずしさも保たれている。
恋人に裏切られ真夜中に町を去っていく若者の憤怒が、旅を最後まで持続させるバネになっているが、そこには若者らしい矜持の念も欠けず、怒りを理性で制御しようとする賢明さもうかがえ、その絶妙なバランスに、この演奏の特色がある。
しかも、その歌は厳しく劇的であるとともに、１曲１曲を明快にしなやかなスケールで歌い分け、全曲を大きな流れと起伏をもって構成している。
特に、次第に悲嘆の感情を強めていった２３曲の歌が最後に虚無的ともいえる深い絶望に行き着き、無限の彼方へ消えてゆくような〈ライアー回し〉は、聴き手に恐ろしいほどの感動を呼び起こさずにはいないだろう。
そうしたＦ＝ディースカウの歌唱を可能にしたバレンボイムのピアノも万全、まことに素晴らしく、歌唱とピアノが密着した絶妙のアンサンブルは、数あるドイツ・リートの模範のような出来を示している。
バレンボイムのピアノはそれまでのリートの伴奏という域を大きく踏み出し、歌と同等の発言権を得て比類ない世界を構築している。
さまざまな音色、自在なルバートを駆使した伴奏は見事というほかなく、それはときにオペラ風に傾くが、リートにふさわしい美感を損なうことのない、素晴らしい共演の記録だ。
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2015年06月29日
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フィッシャー＝ディースカウが１９５１年にＥＭＩとレコーディング契約をして以来の伴奏者だったピアニスト、ジェラルド・ムーアとのコラボレーションによるシューベルトの歌曲集。
先般のＥＭＩによる過去の名盤のＳＡＣＤ化シリーズにおいては、若き日のフィッシャー＝ディースカウによる一連のシューベルトの歌曲集も採り上げられることになった。
フィッシャー＝ディースカウは、紛れもなく独墺系歌曲の最高の歌い手の１人であると言えるが、その最高の名唱とされているのは、何と言っても１９７０年代にジェラルド・ムーアと組んでスタジオ録音（ＤＧ）したシューベルトの３大歌曲集と言えるのではないだろうか。
本盤に収められたシューベルトの歌曲の演奏は、それよりも約２０年ほど前の若き日の歌唱ということになるが、モノラル録音という音質面でのハンディはあるものの、１９７０年代の名唱とは違った意味で、素晴らしい名唱と評価したいと考える。
というのも、フィッシャー＝ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、後年の歌唱においては、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、若さ故の気迫や熱き生命力が全体に漲っており、いささかも技巧臭を感じさせないのが素晴らしいと言えるからだ。
そして、勢い一辺倒の内容のない歌唱には陥っておらず、どこをとっても、シューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが見事である。
巧緻な歌唱を支える若き日のフィッシャー＝ディースカウの声は、言葉のニュアンスを深く、美しく伝えて、各曲の伝える世界を克明に描き出している。
本盤に収められた歌曲は、『魔王』や『セレナード』などのシューベルトの歌曲の中でも比較的有名なものを収めているところであるが、これら各歌曲の聴かせどころのツボを心得たいい意味での演出巧者ぶりは、本演奏当時の若き日より健在であると言えるところであり、まさに非の打ちどころのない名唱に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
本盤のピアノ演奏は、いつものジェラルド・ムーアがつとめているが、例によってジェラルド・ムーアによるピアノ演奏は、シューベルトの楽曲に特有の寂寥感に満ち溢れた美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、フィッシャー＝ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質は、モノラル録音というハンディもあって、従来ＣＤ盤の音質は、いささか鮮明さに欠ける音質であり、時として音が歪んだり、はたまた団子のような音になるという欠点が散見されたところであった。
ところが、今般、ついに待望のＳＡＣＤ化が行われることによって大変驚いた。
従来ＣＤ盤とは次元が異なる見違えるような、そして１９５０年代のモノラル録音とは到底信じられないような鮮明な音質に生まれ変わったと言える。
フィッシャー＝ディースカウの息遣いやジェラルド・ムーアのピアノタッチが鮮明に再現されるのは殆ど驚異的であり、あらためてＳＡＣＤの潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー＝ディースカウ、そしてジェラルド・ムーアによる素晴らしい名演を、ＳＡＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したいと考える。
なお、当たり前のことではあるが、前述の３大歌曲集のＳＡＣＤ化に際して、扱いにくい紙パッケージに封入したことや対訳を省略したユニバーサルに対して、本盤では通常パッケージで、なおかつ対訳が付いていることについても、この場を借りて評価をしておきたい。
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2015年06月27日
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フィッシャー＝ディースカウが、ピアニスト、カール・エンゲルとのコラボレーションによるシューベルトの歌曲集。
先般のＥＭＩによる過去の名盤のＳＡＣＤ化シリーズにおいては、若き日のフィッシャー＝ディースカウによる一連のシューベルトの歌曲集も採り上げられることになった。
伴奏をムーアからエンゲルに代えてのシューベルト歌曲集第３巻は、シラーの詩による大作『水に潜る者』をはじめ、耳にする機会の少ない力作バラードを収めており、シューベルト・アルバムとしても珍しい企画と言えよう。
フィッシャー＝ディースカウは、紛れもなく独墺系歌曲の最高の歌い手の１人であると言えるが、その最高の名唱とされているのは、何と言っても１９７０年代にジェラルド・ムーアと組んでスタジオ録音（ＤＧ）したシューベルトの３大歌曲集と言えるのではないだろうか。
本盤に収められたシューベルトの歌曲の演奏は、それよりも約２０年ほど前の若き日の歌唱ということになるが、モノラル録音という音質面でのハンディはあるものの、１９７０年代の名唱とは違った意味で、素晴らしい名唱と評価したいと考える。
というのも、フィッシャー＝ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、後年の歌唱においては、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、若さ故の気迫や熱き生命力が全体に漲っており、いささかも技巧臭を感じさせないのが素晴らしいと言えるからだ。
そして、勢い一辺倒の内容のない歌唱には陥っておらず、どこをとっても、シューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが見事である。
本盤に収められた歌曲は、いずれもシューベルトの歌曲の中では必ずしも有名なものとは言い難いものであると言えるが、それでも各歌曲の聴かせどころのツボを心得たいい意味での演出巧者ぶりは、本演奏当時の若き日より健在であると言えるところであり、まさに非の打ちどころのない名唱に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
本盤のピアノ演奏は、いつものジェラルド・ムーアではなくカール・エンゲルがつとめているが、カール・エンゲルによるピアノ演奏も、シューベルトの楽曲に特有の寂寥感に満ち溢れた美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、フィッシャー＝ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質は、モノラル録音というハンディもあって、従来ＣＤ盤の音質は、いささか鮮明さに欠ける音質であり、時として音が歪んだり、はたまた団子のような音になるという欠点が散見されたところであった。
ところが、今般、ついに待望のＳＡＣＤ化が行われることによって大変驚いた。
従来ＣＤ盤とは次元が異なる見違えるような、そして１９５０年代のモノラル録音とは到底信じられないような鮮明な音質に生まれ変わったと言える。
フィッシャー＝ディースカウの息遣いやカール・エンゲルのピアノタッチが鮮明に再現されるのは殆ど驚異的であり、あらためてＳＡＣＤの潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー＝ディースカウ、そしてカール・エンゲルによる素晴らしい名演を、ＳＡＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したいと考える。
なお、当たり前のことではあるが、前述の３大歌曲集のＳＡＣＤ化に際して、扱いにくい紙パッケージに封入したことや対訳を省略したユニバーサルに対して、本盤では通常パッケージで、なおかつ対訳が付いていることについても、この場を借りて評価をしておきたい。
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2015年06月19日
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フィッシャー＝ディースカウが１９５１年にＥＭＩとレコーディング契約をして以来の伴奏者だったピアニスト、ジェラルド・ムーアとのコラボレーションによるシューベルトの歌曲集。
先般のＥＭＩによる過去の名盤のＳＡＣＤ化シリーズにおいては、若き日のフィッシャー＝ディースカウによる一連のシューベルトの歌曲集も採り上げられることになった。
フィッシャー＝ディースカウは、紛れもなく独墺系歌曲の最高の歌い手の１人であると言えるが、その最高の名唱とされているのは、何と言っても１９７０年代にジェラルド・ムーアと組んでスタジオ録音（ＤＧ）したシューベルトの３大歌曲集と言えるのではないだろうか。
本盤に収められたシューベルトの歌曲の演奏は、それよりも約２０年ほど前の若き日の歌唱ということになるが、モノラル録音という音質面でのハンディはあるものの、１９７０年代の名唱とは違った意味で、素晴らしい名唱と評価したいと考える。
というのも、フィッシャー=ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、後年の歌唱においては、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、若さ故の気迫や熱き生命力が全体に漲っており、いささかも技巧臭を感じさせないのが素晴らしいと言えるからだ。
そして、勢い一辺倒の内容のない歌唱には陥っておらず、どこをとっても、シューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが見事である。
解釈の完成度において後年の諸録音に引けをとらず、かつ若き日のフィッシャー＝ディースカウの美声を堪能できる点が嬉しい。
本盤に収められた歌曲は、いずれもシューベルトの歌曲の中では必ずしも有名なものとは言い難いものであると言えるが、それでも各歌曲の聴かせどころのツボを心得たいい意味での演出巧者ぶりは、本演奏当時の若き日より健在であると言えるところであり、まさに非の打ちどころのない名唱に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
ジェラルド・ムーアのピアノ演奏も、シューベルトの楽曲に特有の寂寥感に満ち溢れた美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、フィッシャー=ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質は、モノラル録音というハンディもあって、従来ＣＤ盤の音質は、いささか鮮明さに欠ける音質であり、時として音が歪んだり、はたまた団子のような音になるという欠点が散見されたところであった。
ところが、今般、ついに待望のＳＡＣＤ化が行われることによって大変驚いた。
従来ＣＤ盤とは次元が異なる見違えるような、そして１９５７年のモノラル録音とは到底信じられないような鮮明な音質に生まれ変わったと言える。
フィッシャー＝ディースカウの息遣いやジェラルド・ムーアのピアノタッチが鮮明に再現されるのは殆ど驚異的であり、あらためてＳＡＣＤの潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー＝ディースカウ、そしてジェラルド・ムーアによる素晴らしい名演を、ＳＡＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したいと考える。
なお、当たり前のことではあるが、前述の３大歌曲集のＳＡＣＤ化に際して、扱いにくい紙パッケージに封入したことや対訳を省略したユニバーサルに対して、本盤では通常パッケージで、なおかつ対訳が付いていることについても、この場を借りて評価をしておきたい。
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2015年05月01日
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フィッシャー＝ディースカウが１９５１年にＥＭＩとレコーディング契約をして以来の伴奏者だったピアニスト、ジェラルド・ムーアとのコラボレーションによるシューベルトの歌曲集。
溌剌とした時代の若きディースカウの歌声が響き、当時から卓越した美声と表現力をもっていたことが、今回オリジナルの形そのままに復活したシューベルト歌曲集で十分に示されている。
先般のＥＭＩによる過去の名盤のＳＡＣＤ化シリーズにおいては、若き日のフィッシャー＝ディースカウによる一連のシューベルトの歌曲集も採り上げられることになった。
フィッシャー＝ディースカウは、紛れもなく独墺系歌曲の最高の歌い手の１人であると言えるが、その最高の名唱とされているのは、何と言っても１９７０年代にジェラルド・ムーアと組んでスタジオ録音（ＤＧ）したシューベルトの３大歌曲集と言えるのではないだろうか。
本盤に収められたシューベルトの歌曲の演奏は、それよりも約２０年ほど前の若き日の歌唱ということになるが、モノラル録音という音質面でのハンディはあるものの、１９７０年代の名唱とは違った意味で、素晴らしい名唱と評価したいと考える。
というのも、フィッシャー＝ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、後年の歌唱においては、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、若さ故の気迫や熱き生命力が全体に漲っており、いささかも技巧臭を感じさせないのが素晴らしいと言えるからだ。
そして、勢い一辺倒の内容のない歌唱には陥っておらず、どこをとっても、シューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが見事である。
本盤に収められた歌曲は、いずれもシューベルトの歌曲の中では必ずしも有名なものとは言い難いものであると言えるが、それでも各歌曲の聴かせどころのツボを心得たいい意味での演出巧者ぶりは、本演奏当時の若き日より健在であると言えるところであり、まさに非の打ちどころのない名唱に仕上がっていると言っても過言ではあるまい。
ジェラルド・ムーアのピアノ演奏も、シューベルトの楽曲に特有の寂寥感に満ち溢れた美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、フィッシャー=ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質は、モノラル録音というハンディもあって、従来ＣＤ盤の音質は、いささか鮮明さに欠ける音質であり、時として音が歪んだり、はたまた団子のような音になるという欠点が散見されたところであった。
ところが、今般、ついに待望のＳＡＣＤ化が行われることによって大変驚いた。
従来ＣＤ盤とは次元が異なる見違えるような、そして１９５５年のモノラル録音とは到底信じられないような鮮明な音質に生まれ変わったと言える。
フィッシャー＝ディースカウの息遣いやジェラルド・ムーアのピアノタッチが鮮明に再現されるのは殆ど驚異的であり、あらためてＳＡＣＤの潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー＝ディースカウ、そしてジェラルド・ムーアによる素晴らしい名演を、ＳＡＣＤによる高音質で味わうことができるのを大いに歓迎したいと考える。
なお、当たり前のことではあるが、前述の３大歌曲集のＳＡＣＤ化に際して、扱いにくい紙パッケージに封入したことや対訳を省略したユニバーサルに対して、本盤では通常パッケージで、なおかつ対訳が付いていることについても、この場を借りて評価をしておきたい。
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2015年04月01日
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フィッシャー＝ディースカウが、ポリーニという絶好の共演者を得て、１９７８年にザルツブルク音楽祭に於いて、十八番にしていた《冬の旅》を演唱した貴重な記録である。
彼自身、１９７０年代初めの頃のあのムーアとの録音を最高とは考えていなかった証拠と言えないだろうか。
ムーアには、伴奏者が持つ限界が見えている。
同じリートをいろいろな歌手達と何度も何度も演奏し、録音する生活の中では、自ずから自分のスタイルを失っていくことになるのではなかろうか。
それに反して、エンゲルとか、デムスとか、ブレンデルとか、一流のピアニストには、１つのリートに一回性を求める立場が保留されている。
それだからこそ、個性的な伴奏が、新鮮な解釈と共に可能になるのだ。
そうした中で、稀代のピアニストとして大成したマウリツィオ・ポリーニは、傑出した伴奏者として特筆に値する音楽家である。
ポリーニの豊かな音楽体験と、厳しい人生経験から、この名伴奏が産まれたことは明らかである。
フィッシャー＝ディースカウはこの人を伴奏者に得て、ムーア盤で示した独特の《冬の旅》解釈を極限まで洗練させ、完成した名演としてレコードに残すことに成功したのである。
演出を越え、解釈を克服したところに、無類の《冬の旅》の出現がありえたわけで、これは奇蹟でも、偶発的産物でもない、至芸というものなのである。
細かいことを言えば、第６曲「あふれる涙」での三連音符と付点音符の組み合わせだが、ポリーニの解釈こそ彼の豊かな音楽体験の産物なのであって、ショパンの《２４の前奏曲》とか、バッハの《平均律》などを深く研究したピアニストなら、疑いもなく、ポリーニの解釈を正統と評価するに違いない。
伴奏の専門家たちの手から、こうした解釈が決して産まれなかったのは、それなりの理由がある。
つまり、記譜上の書式通りに弾こうとするから問題が起こるのであって、書式と実際の演奏法の間の関係について、時代様式の心得がないと、シューベルトでもシューマンでも、問題が起こるのだ。
続く「河の上で」も素晴らしい演奏で、こうした名演は、ピアノのパートの干渉度が大きい曲では、声楽家の努力と才能だけでは産まれえぬものなのである。
「鬼火」や「春の夢」などにも同じことが言えるところであり、特に一見幸福そうな後者から、これだけ深い悲しみが表現できようとは、驚異としか言いようがない。
ここまで行くと、この意外というほかないフィッシャー＝ディースカウとポリーニという組み合わせが、結果として最高の名コンビということになった。
後半１２曲に入っても、緊張感は衰えることなく、最後の５曲に凝集されていく《冬の旅》のエッセンスは、ますます純度を増していく。
曲尾にそれまで示されていた歌唱の唐突なクレッシェンドは、ここでは姿を消し、歌のパートに代わってピアノが不気味な盛り上がりを聴かせている。
「決して静まることがない」ライアーマンの楽器がそこでは前面に出るのである。
そして、ポリーニはフィッシャー＝ディースカウの期待に応えて、ピアノの右手の奇妙な旋律を絶妙に歌い上げている。
それは歌唱の弱まって終わる効果と見事な対比を形成してわれわれの心の中に未聞の深い印象を残すのだ。
《冬の旅》ここに窮まる。
この名演があっては、プライもホッターも出る幕がなさそうである。
そして、大半の責任は歌手にあるのではなく、伴奏者の選択にあることを、この名録音が教えてくれているのではなかろうか。
フィッシャー＝ディースカウは、５３歳に達してとうとう最高の伴侶を得たのである。
音質もフィッシャー＝ディースカウの息づかいとポリーニのピアノタッチが明瞭に聴こえるなど、１９７８年のライヴ録音としては極めて優れたものと評価したい。
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2014年12月26日
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《詩人の恋》は、青春の初々しい愛の喜びと失恋の悲しみという表面上のコンセプトから言えば、感傷的な色合いの強い歌曲集。
事実そのように演奏され、聴かれることが多い。
そういう繊細な感受性というイメージには、例えばベーアの演唱がぴったりだし、青年らしい傷つきやすい心が的確に歌い出されている。
この表層の抒情性に対し、ハイネの詩のテキストは鋭いアイロニーに満ちており、それは作曲者によって近代的な深層心理に読みかえられている。
そしてそれは表層の意識に対し、無意識の反対感情をひびかせ、複雑多感な心理の世界を築き上げている。
この相互照射に鋭敏かつ繊細に触れぬき、生き生きと再現しているという点でＦ=ディースカウ＆ブレンデルに優る演奏はない。
また《リーダークライス》はロマン的な神秘感と近代的な自意識とがひとつに解け合う不思議な世界を生み出しているが、この両極のエレメントを結びつけるキーワードは「孤独」である。
孤独は辛いが、自己認識の新しい世界を開いてくれるし、また人間関係の煩わしさを逃れ、独りになる喜びも教えてくれる。
曲集はこの孤独な魂の新しい冒険の多彩さと物語的な面白さにかけてはＦ=ディースカウ＆ブレンデルの右に出るものはない。
しかも曲のこの二面的構造を知りつくし、完璧に再現している点も他の追随を許さない。
いずれの曲集も充実した表現で、Ｆ=ディースカウの年輪の豊かさをしみじみと感じさせる演奏だ。
ただ、この時期（１９８５年）の彼は喉の状態がベストとは言えず、声の粗さが目立っている。
ブレンデルの伴奏はさすがと言うべきもので、彼特有のタッチによるシューマネスクな世界が、細やかな遠近法の中に描かれている。
《詩人の恋》第６曲を例にとれば、ラインの流れの描写、タッチの微妙な色合いなど聴くべきものは多い。
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2014年09月18日
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本盤には、シューベルトの最晩年の傑作である歌曲集「冬の旅」が収められている。
歌曲集「冬の旅」は、恋に破れ、さすらいの旅に出た若者を歌った救いようもない絶望的な暗いストーリーを、シューベルトならではの寂寥感溢れる美しい旋律が散りばめられた２４曲にも及ぶ歌曲で描き出した傑作である。
その内容の深さには尋常ならざるものがあると言えるところであり、シューベルトの他の作品で言えば、最後の３つのピアノ・ソナタ（第１９番〜第２１番）や弦楽五重奏曲ハ長調、交響曲第９番「ザ・グレート」などにも比肩する崇高さを湛えていると言えるだろう。
いずれにしても、同歌曲集は、歌曲の王と言われたシューベルトの膨大な数に及ぶ歌曲の中でも最高傑作であるだけでなく、あらゆる作曲家による歌曲の中でもトップの座に君臨する不朽の名作と言っても過言ではあるまい。
これだけの名作だけに、フィッシャー=ディースカウは、同歌曲集をスタジオ録音だけでも７度という途轍もない数の録音を行っているところだ。
その中で、随一の名演を１つ選ぶということであれば、筆者としては、本盤に収められたマレイ・ペライアとともに演奏を行ったスタジオ録音（１９９０年）を掲げたい。
１９９０年といえば、フィッシャー=ディースカウにとって晩年の時期に相当し、声の衰えはいかんともしがたいものがあるが、それだけに以前の録音よりも本歌曲集の本質に鋭く切り込んでいくという気概漲る圧倒的な名唱を披露している。
フィッシャー=ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、巧さにおいては申し分がないものの、技巧臭などはいささかも感じさせず、むしろシューベルト晩年の音楽の寂寥感や深みを心行くまで堪能させてくれるのが素晴らしい。
あたかも、フィッシャー=ディースカウが主人公である若者の化身となったような趣きさえ感じられるところであり、これだけ同歌曲集の魅力を堪能させてくれれば文句は言えまい。
もっとも、かかるフィッシャー=ディースカウによる歌唱は、同曲異演盤でも他の演奏の追随を許さない名演に仕上がっていたが、歌曲集「冬の旅」の場合は、その内容の奥行きのある深遠さに鑑みて、より楽曲の心眼に鋭く切り込んでいくような凄みといった点で本盤を掲げたところだ。
マレイ・ペライアのピアノ演奏についても同様のことが言えるところであり、シューベルトによる美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、その表現には、凄みと彫りの深さがあり、フィッシャー=ディースカウによる名唱の引き立て役としても十分にその任を果たしていると言えるだろう。
したがって、本演奏を名演と評価するのにいささかも躊躇するものではないが、フィッシャー=ディースカウの声の衰えを考慮すれば、唯一無二の名演と評価するのは困難であることを指摘しておきたい。
音質については、１９９０年のデジタル録音であり、フィッシャー=ディースカウの息遣いやマレイ・ペライアのピアノタッチが鮮明に再現されている。
いずれにしても、フィッシャー=ディースカウ＆マレイ・ペライアによる名演を、高音質録音で味わうことができるのを歓迎したい。
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2014年09月09日
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Ｆ=ディースカウが、自らの歌唱芸術の歩みを確かめる里程標として幾度となく＜冬の旅＞を採りあげ、また録音してきたことは周知の事実であろう。
かつて筆者が耳にしてきた９種の録音の中でも、名唱とされるのは、ステレオ初期のＥＭＩ盤、デムスとのグラモフォン盤、ムーアとの１９７０年代の録音（一般にはこれが決定盤とされる）、バレンボイムとの録音、と並ぶが、いずれもこの名歌手のそれぞれの時期の会心の歌唱が記録されているものとして評価が高い。
それが、つい先日購入した１９５５年プラド音楽祭でのライヴ盤を聴いて、この曲集からかつてなかったほどの深い感銘を受けたことをここに記しておきたい。
この名歌手がステレオ期に入ってから聴かせる洗練された完成度の高い表現とはだいぶ趣を異にする、ある種“生々しい”歌唱が当盤では聴けるのである。
第１曲「おやすみ」からすでに感じられることなのだが、この録音での歌唱は主情的というか、かなり詩の意味を劇的かつ直截に表現しているような感がある。
第７曲「川で」や第１８曲「嵐の朝」、あるいは第２２曲「勇気」といったあたりで聴かれるその雄弁な表現は、ほとんどオペラ的とさえ称していいようなレベルにまで達している。
これがステレオ期に入ってからは、より知的な客観性みたいなものがはっきりと出てきて、いかにもＦ=ディースカウらしい歌唱に変わってくるわけだが、その知的客観性なるものに筆者の場合はある種の“分別臭さ”みたいなものを感じてしまって純粋に感動できないのではないか、という気がするのである。
一方、第２曲「風見」や第８曲「かえりみ」のように、いくぶん肩に力が入りすぎているような印象を受けるものもあるし、若さの部分が逆に若気の至りに感じられてしまう曲もまたなきにしもあらずなのだが、筆者は当盤の歌唱を最も好む。
ここでは、まさに今赤い口を開いて疼いている“青春の生傷”が歌われていて、それが他の録音以上に深い感銘を筆者の胸に残すからである。
とある雑誌で「この歌手の＜冬の旅＞はステレオ時代からが聴きものだ」というような事を評論家たちが異口同音に述べているのを読んだことがあるが、筆者の意見はむしろ逆である。
確かに、上述のように表現の未熟さ等を指摘できる箇所がないわけではない。
しかしこれほどに熱いものが強く胸に残る＜冬の旅＞を、少なくとも筆者は他で経験した記憶がないのである。
フルトヴェングラー＆フィルハーモニア管とのマーラーの＜さすらう若者の歌＞と同様に、この大歌手は若くしてすでに余人の及ばぬ世界を創造し始めていたということなのだろう。
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2014年09月08日
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本盤には、フルトヴェングラーのレパートリーとしてはきわめて珍しい歌曲集が収められている。
マーラーの「さすらう若人の歌」と、マーラーと同年生まれで、歌曲に劇的で深い要素を導入したことで知られる後期ロマン派の作曲家、ヴォルフの歌曲集の組み合わせだ。
このように、フルトヴェングラーにとって馴染みが薄い楽曲においても、そのスケールの大きい芸術はいささかも揺るぐことはない。
「さすらう若人の歌」はスタジオ録音、ヴォルフの歌曲集はライヴ録音（拍手入り）であるが、荘重なインテンポでいささかも急ぐことなく音楽の歩みを進めていっており、楽曲の心眼を抉り出していくような彫りの深さは、深沈とした情感を湛えていて実に感動的だ。
マーラーの「さすらう若人の歌」については、ワルターやバーンスタインによる名演が、本録音の後に登場してくることになり、本演奏のような演奏様式は時代の波に取り残されていくことになったが、それでもこのような深みのある人間のドラマとも評すべき奥行きのある名演は、人間関係やその絆が希薄になりつつある現代においてこそ、なおその存在意義は高いものと言わざるを得ないだろう。
フィッシャー=ディースカウは、その後も同曲を何度も録音しているが、本盤が随一の名唱と言えるのではないだろうか。
というのも、後年の歌唱では巧さが全面に出てしまいがちであると言えるからである（それでも、十分に堪能させてくれるので、文句がつけようがないのだが）が、本演奏では、巧さよりも人間味や情感の豊かさが全面に出てきており、フルトヴェングラーの人間のドラマの構築に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
ヴォルフも素晴らしい名演だ。
ここでのフルトヴェングラーのピアノは、「さすらう若人の歌」における指揮ぶりと何ら変わりがないと言えるところであり、深沈とした奥行きのある演奏は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分な凄みのある音楽の醸成に成功している。
シュヴァルツコップの歌唱も、フルトヴェングラーの凄みのあるピアノ演奏に一歩も引けを取っておらず、このような至高・至純の名演に大きく貢献していると言っても過言ではあるまい。
音質は、今般のＳＡＣＤ化によって、既発ＣＤとは次元が異なる良好な音質に生まれ変わった。
特に、フィッシャー=ディースカウやシュヴァルツコップの息遣いまで聴こえるような声楽の鮮明さには大変驚かされた。
いずれにしても、このような歴史的な名演を、現在望み得る最高の高音質ＳＡＣＤで味わうことができることを大いに歓迎したい。
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2014年04月21日
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歌曲集「白鳥の歌」は、同じく３大歌曲集の一角を占める歌曲集「美しき水車小屋の娘」や歌曲集「冬の旅」とは異なり、一連のストーリーが存在しているわけではない。
様々な内容の歌曲を、シューベルトの没後に一つの歌曲集に纏めたに過ぎないところであり、その意味では同歌曲集を構成する各歌曲の内容には脈略がないとも言えるだろう。
それ故に、歌曲集「美しき水車小屋の娘」や歌曲集「冬の旅」の演奏のように、演奏全体の構成力や表現力が問われるのではなく、むしろ個々の歌曲一つ一つをいかに的確に歌い上げていくのかが問われると言えるだろう。
したがって、このような同歌曲集の場合、力量のある歌手にとってはその実力を如何なく発揮し得るものと言えるところであり、フィッシャー=ディースカウはまさに水を得た魚のようにその実力を十二分に発揮することが可能と言えるところだ。
フィッシャー=ディースカウは、同歌曲集を何度も繰り返し録音しているが、心身ともに最も充実していた１９７２年にジェラルド・ムーアとともに組んでスタジオ録音した本盤の演奏こそが、随一の名演と高く評価したい。
それどころか、同歌曲集の様々な歌手による演奏の中でも、トップの座を争う至高の超名演と高く評価したい。
それにしても、本演奏におけるフィッシャー=ディースカウの歌唱は、巧いという他はない。
フィッシャー=ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、巧さにおいては申し分がないものの、技巧臭などはいささかも感じさせず、むしろシューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが素晴らしい。
これは、歌曲集「美しき水車小屋の娘」や歌曲集「冬の旅」において圧倒的な名演を成し遂げるとともに、シューベルトの歌曲を知り尽くしているからこそ可能であった名唱とも言えるところであり、まさに他の歌手を寄せ付けないような圧倒的な名唱と言っても過言ではあるまい。
ジェラルド・ムーアのピアノ演奏も、シューベルトによる寂寥感に満ち溢れた美しい旋律の数々を情感豊かに描き出しており、フィッシャー=ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質については、リマスタリングがなされるなど高音質化への不断の取組が行われてきたが、今般、ついにシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化が行われることによって、従来ＣＤ盤をはるかに凌駕するおよそ信じ難いような圧倒的な高音質に生まれ変わったところだ。
フィッシャー=ディースカウの息遣いやジェラルド・ムーアのピアノタッチが鮮明に再現される極上の高音質や音場の幅広い臨場感にはただただ驚愕するばかりであり、あらためて本シングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ盤の潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー=ディースカウ＆ジェラルド・ムーアによる至高の超名演を、現在望み得る最高の高音質を誇るシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ盤で味わうことができるのを大いに喜びたい。
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2014年04月20日
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本盤には、シューベルトの最晩年の傑作である歌曲集「冬の旅」が収められている。
歌曲集「冬の旅」は、恋に破れ、さすらいの旅に出た若者を歌った救いようもない絶望的な暗いストーリーを、シューベルトならではの寂寥感溢れる美しい旋律が散りばめられた２４曲にも及ぶ歌曲で描き出した傑作である。
その内容の深さには尋常ならざるものがあると言えるところであり、シューベルトの他の作品で言えば、最後の３つのピアノ・ソナタ（第１９番〜第２１番）や弦楽五重奏曲ハ長調、交響曲第９番「ザ・グレート」などにも比肩する崇高さを湛えていると言えるだろう。
いずれにしても、同歌曲集は、歌曲の王と言われたシューベルトの膨大な数に及ぶ歌曲の中でも最高傑作であるだけでなく、あらゆる作曲家による歌曲の中でもトップの座に君臨する不朽の名作と言っても過言ではあるまい。
これだけの名作だけに、フィッシャー=ディースカウは、同歌曲集を７度という途轍もない数の録音を行っているところだ。
その中で、随一の名演を１つ選ぶということであれば、筆者は躊躇なく、本盤に収められたジェラルド・ムーアとともに演奏を行ったスタジオ録音（１９７１年）を掲げたいと考える。
１９７１年と言えば、フィッシャー=ディースカウにとって心身ともに最も充実していた時期に相当するが、それだけに、本演奏においても圧倒的な名唱を披露している。
フィッシャー=ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、巧さにおいては申し分がないものの、技巧臭などはいささかも感じさせず、むしろシューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが素晴らしい。
あたかも、フィッシャー=ディースカウが主人公である若者の化身となったような趣きさえ感じられるところであり、これだけ同歌曲集の魅力を堪能させてくれれば文句は言えまい。
もっとも、かかるフィッシャー=ディースカウによる歌唱は、歌曲集「美しき水車小屋の娘」では他の演奏の追随を許さない名演に仕上がっていたが、歌曲集「冬の旅」の場合は、その内容の奥行きのある深遠さに鑑みて、より楽曲の心眼に鋭く切り込んでいくような凄みが欲しいとも言えるところだ。
したがって、本演奏を名演と評価するのにいささかも躊躇するものではないが、歌曲集「美しき水車小屋の娘」の場合のように、唯一無二の名演と評価するのは困難であることを指摘しておきたいと考える。
ジェラルド・ムーアのピアノ演奏についても同様のことが言えるところであり、シューベルトによる美しい旋律の数々を情感豊かに描き出してはいるが、今一歩表現に凄みというか彫りの深さが欲しいという気がしないでもないところだ。
もっとも、フィッシャー=ディースカウによる名唱の引き立て役としては十分にその任を果たしていると言えるだろう。
音質については、リマスタリングがなされるなど高音質化への不断の取り組みが行われてきたが、今般、ついにシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化が行われることによって、従来ＣＤ盤を遥かに凌駕するおよそ信じ難いような圧倒的な高音質に生まれ変わったところだ。
フィッシャー=ディースカウの息遣いやジェラルド・ムーアのピアノタッチが鮮明に再現される極上の高音質や音場の幅広い臨場感にはただただ驚愕するばかりであり、あらためて本シングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ盤の潜在能力の高さを思い知った次第である。
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本盤には、シューベルトの若き日の傑作（シューベルトは３１歳でこの世を去ったことから、若き日というのは生涯のことではなく創作期のことを指すことを指摘しておきたい）である歌曲集「美しき水車小屋の娘」が収められている。
同歌曲集は、主人公の青年が水車小屋の若き乙女に恋をするが、恋敵が登場するに及んで乙女の心が恋敵に移り、絶望のうちに小川に身投げをするという一連のストーリーを、シューベルトならではの瑞々しさを感じさせる美しい旋律が散りばめられた２０曲にも及ぶ歌曲で描き出した傑作である。
シューベルトの若き日の感性が全体に漲った楽曲だけに、同歌曲集については、演奏の時期を選ぶと言えるのではないだろうか。
フィッシャー=ディースカウは、同歌曲集を何度も繰り返し録音しているが、心身ともに最も充実していた１９７１年にジェラルド・ムーアとともに組んでスタジオ録音した本盤の演奏こそが、随一の名演と高く評価したい。
それどころか、同歌曲集の様々な歌手による演奏の中でも、トップの座を争う至高の超名演と高く評価したい。
フィッシャー=ディースカウの歌唱は、あまりにも巧いために、その巧さが鼻につくケースも散見されるところであるが、本演奏においては、巧さにおいては申し分がないものの、技巧臭などはいささかも感じさせず、むしろシューベルトの音楽の素晴らしさ、美しさを心行くまで堪能させてくれるのが素晴らしい。
あたかも、フィッシャー=ディースカウが主人公である青年の化身となったような趣きさえ感じられるところであり、これだけ同歌曲集の魅力を堪能させてくれれば文句は言えまい。
ジェラルド・ムーアのピアノ演奏も、シューベルトの当歌曲集に特有の初々しく瑞々しい情感に満ち溢れた美しい旋律の数々を表現力豊かに描き出しており、フィッシャー=ディースカウによる名唱をより引き立てるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
音質については、リマスタリングがなされるなど高音質化への不断の取組が行われてきたが、今般、ついにシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化が行われることによって、従来ＣＤ盤をはるかに凌駕するおよそ信じ難いような圧倒的な高音質に生まれ変わったところだ。
フィッシャー=ディースカウの息遣いやジェラルド・ムーアのピアノタッチが鮮明に再現される極上の高音質や音場の幅広い臨場感にはただただ驚愕するばかりであり、あらためて本シングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ盤の潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、フィッシャー=ディースカウ＆ジェラルド・ムーアによる至高の超名演を、現在望み得る最高の高音質を誇るシングルレイヤーによるＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ盤で味わうことができるのを大いに喜びたい。
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2014年04月01日
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残した業績の数でも、それを行ってきた歳月の点でも比類のないその経歴の中で、ディートリヒ・フィッシャー=ディースカウは、シューベルトの《冬の旅》をあらゆる主要なコンサート会場で歌い、また録音も７回を数えた。
この録音は、彼の声が「美しさと表現力のピークにあった」と言われた１９６５年に行われた３度目のものである。
今回がＣＤとして初めての発売になる当演奏は３９歳の時にベルリンのＵfaスタジオで録音された（フィッシャー=ディースカウが日本を初めて訪れたのはこの２年前である）。
ここでフィッシャー=ディースカウは言葉を大切に、曲ごとの内容に即した表情付けをその豊かな声を駆使しつつ、かつ十二分に縦横にコントロールした、ごく自然な流れの中で望みを失った若者の孤独で寒々とした姿が歌われている。
彼は幅広い声域と豊麗な声、完璧なまでのテクニックをもち、独自の至高の世界を創り上げている。
時折厳しい表情も見せるが、全２４曲聴き終わった後、私たちは何よりもこの若者の心を包み込むような暖かさに心満たされるのである。
と同時にこの２４曲から成る歌曲集が秘める汲めども汲めども尽きることのない魅力を私たちは改めて知るのである。
イェルク・デムスの淡々とした上品な味わいと詩的な感性に溢れる伴奏に支えられたこの演奏を、数ある《冬の旅》の録音の中でも最高のものと考える人々も多い。
デムスとフィッシャー=ディースカウは互いを研鑽し合う仲だったようで、デムスの品の良い解釈が、頭脳プレイに陥りがちなフィッシャー=ディースカウをも納得させたのであろう。
筆者としては、フィッシャー=ディースカウの７つの当歌曲集の録音を所有しているが、録音した年、伴奏ピアニストを考慮に入れて、あとは聴く時の気分や好みに合わせて選ぶことにしている。
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2012年06月15日
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1957年9月9日 ブザンソン音楽祭でのモノラル（ライヴ）録音。
《トリスタンとイゾルデ》の「前奏曲」は、実に荘重なイン・テンポであり、シューリヒトのワーグナー指揮者としての適性を感じさせる。
これに対して、「愛と死」は、終結部の盛り上がりの箇所でアッチェレランドを駆使したりするなど濃厚な表情を見せており、決して一筋縄ではいかない。
《さすらう若人の歌》は、ゆったりとしたイン・テンポで通しているが、何よりも若き日のＦ=ディースカウの巧いこと。
そのＦ=ディースカウの絶美の歌唱を見事に活かしたシューリヒトの至芸にも拍手を送りたい。
そしてベートーヴェンの《第７》！ いかにも巨匠風の構えの大きい名演だ。
冒頭のテヌートをかけない最強奏の一打の連続には大いに驚かされるが、主部に入ると、シューリヒトならではの颯爽とした進軍が開始される。
提示部の繰り返しは行っていないが、特に、展開部に入ってからの熱狂や終結部の低弦の響かせ方など、実に素晴らしい。
第２楽章は淡々とした表情で開始されるが、やがて、むせ返るような濃厚な表情が表れる。
第３楽章は快速のいつものシューリヒト節。
第４楽章は、やや遅めのイン・テンポであるが、シューリヒトの内に秘めたパッションをなんとか抑えようと努力しているのがよくわかる。
それも、終結部に至ってついに大爆発！ 猛烈なアッチェレランドとトランペットの最強奏があり、圧倒的な熱狂のうちに全曲を締めくくるのである。
シューリヒトの音楽については『淡々とした』とか『軽く流麗』とかいったような言葉が多用されていたが、これらを聴くと寧ろ正反対とさえ思えるものである。
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2012年05月13日
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１９５１年８月１９日、ザルツブルク音楽祭での実況録音。
フィッシャー=ディースカウはシューマンのリートの卓越した歌い手だが、マーラーにかけても他の追随を許さない。
それは１９５１年に弱冠２６歳の彼が、ザルツブルク音楽祭でフルトヴェングラーと共演した「さすらう若人の歌」の録音を一聴すれば瞭然。
当時２６歳だったフィッシャー=ディースカウの若々しく瑞々しい歌唱が大変に見事。
フルトヴェングラーもオケを意のままに動かしながら、この曲の持ち味を余すところなく表出している。
ウィーン・フィルも実にうまい。
フィッシャー=ディースカウの迫真の歌いぶりに、フルトヴェングラーをして、これまであまり関心のなかったマーラーの音楽を再認識させ、もっと彼の作品を演奏してみたいと思わせた、いわくつきの演奏だ。
フィッシャー=ディースカウの声は技術や声の深さ、表情の豊かさなどが完璧で、フルトヴェングラーの伴奏も威厳と風格と偉大なる愛情にあふれ、ただ聴き惚れるのみである。
フィッシャー=ディースカウのテキストとスコアの読みは、２６歳の若者とは思えないほど深くこまやかだ。
心の傷つきやすい若者が、美しい自然に懸命に自分を合わせ、すがる思いを吐露するが、その繊細で鋭敏な心の働きが痛いほど伝わる。
そして、ついに抑えられなくなった想いは、天にも達する激しい慟哭で歌い上げられ、その心の苦しみは狂気と紙一重となる。
そのフィッシャー=ディースカウの捨て身の白熱的燃焼力、心情の吐露には圧倒される思いがする。
このコンビによるスタジオ録音のほうが繊細でまとまりはよいが、このライヴでは天をも衝くような激しい慟哭が主導し、生と死の境をさまよう若者の破れかぶれの心理を鋭く追求している。
内面のこの破綻の風景こそ、この歌曲集の核心をなしていることがわかる。
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2011年02月07日
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豊かな知性と感性、超人的なレパートリーを持ち、声楽の世界を広げたＦ=ディースカウだが、本領はドイツ・リートではないだろうか。
そこにはこれまで耳にしたことのない柔らかな快いバリトンの響きがあり、しなやかな歌いぶりには極めて繊細な陰影が刻まれていた。
またドイツ語も美しく、このように素晴らしいリート歌手に出会えたのは初めてのことのように思えた。
ところでＦ=ディースカウの最も古い録音は、ビリングのピアノによる１９４８年１月に収録されたベルリンＲＩＡＳの放送録音《冬の旅》全曲である。
Ｆ=ディースカウ２２歳の時の演奏ではあるが、既に完成された技巧を備えており、みずみずしい声で率直に心情を吐露している。
後の７度に及ぶ《冬の旅》に較べてもさして遜色がない。
この録音は当時しばしば放送され、彼の名が次第に知れ渡って行った。
日本では最初ＡＮＦからＣＤとして発売され、その後キングから再発されたが残念なことに廃盤となったようである。
幸いなことに現在では輸入盤で入手でき、観賞に耐えうる音質である。
演奏時間は７６分に及び、その後の録音のどれよりも遅いテンポが採られているのも興味深いところだ。
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2010年12月14日
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シュライアーがシューベルトの「水車小屋」を十八番としているように、フィッシャー=ディースカウの十八番は、この「詩人の恋」といってよいだろう。
彼は６種類のディスクを残しており、そのいずれもが名演で、それらを凌駕する他の演奏は見当たらないといっても過言ではない。
その中で、成熟度やバランスの点でエッシェンバッハとの共演盤が一地頭抜きん出ている。
この歌曲集では、シューベルトの場合と違い、メロディに代わって短いモティーフが主導する。
それらは若者の初々しい情感と男性的な気概、心理の微妙な変化、ユーモアと身を切る自虐、夢と現実のもつれなどを隈取っている。
フィッシャー=ディースカウは、そのモティーフの変化の振幅に鋭敏に反応し、微妙な陰影を連続技で浮き彫りにしてくる。
その情報量の多さは驚異的で、その点、フィッシャー=ディースカウに勝る歌い手はいない。
エッシェンバッハも、それに劣らぬ鋭敏さで対応している。
ロマン性と近代性の融合という歌曲集「リーダークライス」の主眼に最も鋭く迫っているのが、フィッシャー=ディースカウ＆エッシェンバッハ盤だ。
この歌曲集の前半は主に夜と森の神秘感が、後半は近代的な自我意識の探究が主導する。
演奏者は、まず第１曲で夕暮れの森の中での孤独感を内面の自我意識の認識に結びつけられるかどうか、そこにこの歌曲集の演奏のいちばんのポイントがある。
フィッシャー=ディースカウは、孤独感が自我意識を誘い出す心理的な過程を見事に浮き上がらせ、エッシェンバッハのピアノはその内的構造を手にとるようにわからせてくれる。
そうした演奏は曲の説明に陥り、散文化しやすいが、このコンビは決してポエジーを失うことなく、１曲１曲を同じ的確な解釈と説得力で展開していく。
その語りと歌とのバランスは精妙この上ない。
多くの演奏が森と深層心理の深みに足をとられ、晦渋さに陥りやすいなかで、わかりやすい展開とまとまりの良さという点も特筆に値する。
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2010年03月24日
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Ｆ=ディースカウ若き日の「冬の旅」だ。
Ｆ=ディースカウの王座はまだ揺るがない。ただし４０年以上の長い演奏生活で多くの録音があり、ベストを決めるのは容易ではない。
ここでは厳しい様式感と気力の充実とで１９６２年の最初のステレオ録音を挙げておく。
数えきれぬほどの演奏があり、それぞれに特色がある。しかし私の心をとらえるものは２つ。
１つは凛然たること古武士のごときゲルハルト・ヒュッシュ。いま１つは、そのヒュッシュの呪縛を解き、声楽曲として豊かな世界を展開したフィッシャー=ディースカウ、それもこのムーアとの若々しい１枚だ。
この不世出のバリトンは飛び抜けた美声のうえに、声のコントロールも完璧、さらに曲に対する、客観的とも言える精緻な研究によって、この曲集の持つ悲しさ、憧れと絶望を美しく歌い出している。
ひたむきな心象風景のひとこまひとこまが彫りの深い表情で歌われている。
ことに、余りにポピュラーなため、かえって多くの歌手がつまづきやすい〈菩提樹〉など、曲全体も全体とのバランスの上でも、やはり傑出している。
まだ年輪の大きさ、人生への諦念への歩みには遠いにしても、この曲は老人の歌ではなく、死と向き合った青春の歌である。
Ｆ=ディースカウの若さと"死"の世界の息詰まるような対峙がここにはある。
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2010年03月19日
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Ｒ.シュトラウスの歌曲は今でこそ多くの歌手たちが歌い、ＣＤもたくさんあるが、この録音が行なわれた４０年前はそうではなかった。
シュトラウスの２００近くにものぼる歌曲のうち、レコードで聴けるものはせいぜい２０曲くらいの人気曲だけだった。
１人で１３０曲以上を歌って録音するというのは、まさにフィッシャー=ディースカウだからこそできたことである。
Ｆ=ディースカウの１９６７年から７０年にかけての若々しい、そして自由自在のテクニックを駆使した完璧とさえいえるこの歌唱は、今後凌駕する歌手が現れるとは思えない。
さまざまに異なる性格の曲を自由自在に歌い分けるディースカウの力量はここでも感嘆の他はない。
こぼれ落ちんばかりの"歌の輝き"がどの曲にもあふれかえる、眩しいばかりの究極のＲ.シュトラウス歌曲だ。
また伴奏のムーアの燻し銀のような名人芸による表現も、最高の解釈の規範をこれらの曲で示している。
Ｆ=ディースカウも、伴奏のムーアも、Ｒ.シュトラウスの音楽に対する造詣が深いだけに、彼らの織りなす精妙な表現は格別だ。
ＬＰが廃盤になったあと、長らく入手困難だったが、ＣＤで入手・観賞できるようになって本当にありがたい。
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2010年02月25日
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不世出の大リート歌手フィッシャー=ディースカウは、主要な作曲家の男声用リートをほとんど録音しつくすという偉業を成し遂げたが、そのなかで最も成功しているのがこの『シューマン歌曲大全集』だ。
それまでシューマンのリートはロマンティックな抒情一本槍と思われがちで、ほとんどの歌い手は愛のよろこびと苦しみの表情づけに余念がなかった。
しかしフィッシャー=ディースカウはシューマンのリートのなかに、たんに愛の表面的な一喜一憂だけでなく、それによって来たる内面の心理を深く掘り下げ、本来シューマンが目指していた深層心理の世界をこれまでにない斬新さで開いて見せたのである。
当時は地理的な世界発見の時代で、地図の空白を埋めようとする冒険が盛んに行なわれたが、その一方で心の未知の世界を覗き見ようとする内面の冒険も試みられつつあった。
シューマンはその先駆者となり、狂気の危険を冒してまでも心の謎の部分に踏み込もうとしていた。
とくにリートの場合、声は意識やたてまえを歌い出すのに対し、ピアノは無意識と本音をひびかせる。
その複雑な心理構造をはじめて明快に解き明かし、しかもポエジーを失うことなく、総合的にシューマンのリートの世界をとらえ得たのがこの演奏だ。
そのためにはピアノとの完全な釣合いが必要だが、エッシェンバッハはそれにぴったり。
２人でスケールの大きな、同時に心理の襞にこまやかにふれる演奏を実現している。
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2009年12月18日
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シューベルトやシューマンはたとえば《冬の旅》や《詩人の恋》などの連作歌曲集で、リートを物語的に展開する手法を編み出した。
それに対してヴォルフは《メーリケ歌曲集》や《アイヒェンドルフ歌曲集》《ゲーテ歌曲集》など、詩人別の歌曲集を編んだ。
彼がこれらの歌曲集で目指したのは、物語的な展開ではなく、これらの詩人たちの世界をプリズム的に分解し、そうすることでその全体像を万華鏡的に再構築することだった。
こうしてこれまで抒情に偏していたドイツ・リートは、彼に到って初めて人間の感情や心理を総合的にとらえる芸術となったのである。
そのためには詩人の世界のあらゆる側面に通じ、それをひびきで表現できなければならない。
ヴォルフはその総体性をくまなくとらえるために渾身の力を傾けた。
たいていのリート歌手は、ヴォルフのそうした多彩な総合性のうち、一、二のベクトルを拾い上げるのが精いっぱいというのが実情だ。
しかしＦ=ディースカウの『ヴォルフ歌曲全集』が姿をあらわしたとき、わたしたちは初めてその全体像を目のあたりにすることができるようになった。
とくに風刺やユーモアに満ちたリートの斬新な解釈と歌いぶりにかけては彼の右に出る者はいない。
バレンボイムの伴奏もそれに劣らず自由闊達で、ヴォルフの世界のあらゆるひだに敏捷にふれ、またＦ=ディースカウとの丁々発止のやりとりが実にスリリングで興奮させられる。
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2009年12月09日
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ジェラルド・ムーア。少しでもリートに関心のある人なら誰でも知っている名伴奏ピアニストだが、このディスクは、つねに脇役にまわって名歌手たちを支え続けてきたムーアが、ただ一度主役にまわったコンサートの記録。
１９６７年２月２０日、長年名歌手たちの伴奏をつとめ、レコード録音も多く、まさに２０世紀最大の伴奏ピアニストと言うべきムーアの引退に際してロンドンのロイヤル・フェスティヴァル・ホールで行われた演奏会のライヴである。
イギリスＥＭＩの名プロデューサー、ウォルター・レッグの企画により、これまでムーアとともに数々のコンサート出演やレコーディングを行ってきた３人の大歌手、ヴィクトリア・デ・ロス・アンヘルス、ディートリヒ・フィッシャー=ディースカウ、エリザベート・シュワルツコップの３人が同時に集い、ムーアへの感謝を捧げるというのが、この演奏会の主旨だった。
なにしろこの３人の世紀の大歌手が一堂に会して独唱ばかりか重唱も繰り広げたのであるから、そのライヴとしてこのレコードが発売された当時は、それなりに話題になったそうである。
しかし、この種の特別な機会に制作されたレコードのつねとして、時間が経つとともに忘れられ、再発のチャンスもなかなかやってこない。
これは残念なことである。
記念盤は記念盤として一回限りのリリースのほうが、まさに記念としての意義があるのかもしれないが。
幸いなことにＣＤ化されたディスクは、むろん演奏は素晴らしいし、雰囲気も豊かである。
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2009年12月08日
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シューベルト、シューマン、マーラー、ヴォルフは、フィッシャー=ディースカウが何度も録音を繰り返したレパートリーだ。
シューマンのハイネ歌曲集を代表する《詩人の恋》もまた、何種類かの録音が残されているが、その中でも壮年期のＦ=ディースカウがデムスの伴奏で録音したこの１枚は、最も魅力的な歌唱が楽しめる。
ハイネの詩にシューマンの音楽がこの上もないほど敏感に反応している様をＦ=ディースカウは実に鮮やかに歌いあげており、間然としたところがない。
エッシェンバッハとの録音もすばらしいが、若き日のデムスとの録音も、負けず劣らず魅力的だ。
なによりも、その表現意欲の強さが前面に押し出された歌唱姿勢が、何のケレン味も感じさせない点がすばらしい。
若々しい情熱と表現意欲、そして声の成熟と若さの絶妙なバランスを示すＦ=ディースカウは、シューマンの“青春の歌”を歌うに当たって、その“青春のときめき”を十全に歌い出すと同時に、シューマンの音楽の中の多くの"チェック・ポイント"を見事にクリアしている。
内的必然との強い結びつきがあって初めて生まれる歌唱である。
大胆でありながら、少しのあざとさもない稀有の名唱と言えよう。
そうか、シューマンの当歌曲集はこれほど素晴らしいものだったのか、Ｆ=ディースカウという歌手はこれほど傑出した存在であったのか、と改めて再認識せざるを得ないような演奏の出来映えである。
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2009年11月09日
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リストは、オーケストラ曲やピアノ曲などのジャンルで華麗な色彩感にあふれる作品を多く書いているが、歌曲の分野でも、抒情的で、多彩な情感にみちた、魅力ある作品を残している。
これは、フィッシャー=ディースカウの２度目のリスト歌曲集で、リストの最も完備した歌曲集である。
３枚のＣＤにはリストが書き残した７０曲余りの歌曲の中から４４曲が収められている。
ここでのＦ=ディースカウの声にはやや年齢的な陰りが感じられるが、表現力の幅は増大しており、甘美な旋律による抒情的な歌も、劇的な内容に彩られたバラードも、深い思考を宿した歌も、すべて万全に表現されている。
《３人のジプシー》《ペトラルカの３つのソネット》などでは以前よりも表現が大胆で、スケールが大きくなっているように思う。
バレンボイムも美しい音色と雄弁な弾きぶりで、リストが書き残したピアノ・パートを伸びやかに生かしており、リストの歌曲の素晴らしさを改めて実感する。
リストの最も甘美な抒情的世界をストレートに表出したＦ=ディースカウのこまやかな表情を、バレンボイムが何と巧妙に迫っていることだろう。
ここにはこけおどしの絢爛たるピアニズムもなければ、意表を衝く前衛的和声進行も見られない。
バレンボイムの名演中の名演を得て、ここでＦ=ディースカウが理想的な歌唱を聴かせている。
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2009年06月12日
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フィッシャー=ディースカウの厖大なリート録音のハレーションのなかにかき消され、意外に見落とされているすぐれた演奏が、このバーンスタインとの〈若き日の歌〉と〈リュッケルト歌曲集〉抜粋だ。
これほどマーラーの音楽の神髄に迫った演奏も珍しい。
当時のフィッシャー=ディースカウは心技一体化し、体のすみずみにまで歌うよろこびが行き渡り、声に出すひびきはすべての霊感をおびていた。
特にこの〈リュッケルト〉と〈若き日の歌〉では、バーンスタインのピアノと驚くほどよく合い、空前絶後といえるほどのひびきの空間を作り上げている。
バーンスタインはピアノのパラフレーズの仕方が独特で、マーラーの内面の生と死との間に揺れる焦燥と不安、その分裂の風景を目に見える形で映し出している。
ディースカウの声はそれに的確に反応し、マーラーの内面の分裂の隙間へとどこまでも深く分け入ってゆく。
そして、その奥にマーラーの原点を支える絶対的な精神の基盤、つまり神なき世の芸術家の任務に目覚め、救済を模索する生き方を突き当てている。
声とピアノだけで、ベートーヴェンの〈第９〉に匹敵する深遠広大な精神的空間を表現しえたリート演奏は、このディスクをおいて他にはない。
これはドイツ・リート録音史上、金字塔的演奏と呼ぶに値する。
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2009年03月15日
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Ｆ=ディースカウは古典から現代までにわたり、信じられないような量の声楽曲を歌い、演じ、録音してきた。
その膨大な録音群の中でひときわ高峰をなしているのがこのアルバムである。
Ｆ=ディースカウによる「大全集」は、まさに偉業というべきもので、好きとか嫌いとかいう次元を超えている。
将来１人の歌手がシューベルト歌曲全集を果たして録音できるかの疑問を越えて、Ｆ=ディースカウとムーアの全集はドイツ・リートの楽しさを徹底して教えてくれる。
これをもって毎日少しずつ聴いてゆく醍醐味！
シューベルトの歌曲のうち女声用を除いてほとんどここに歌い切ってしまった彼のこれらの歌には、いわゆるやっつけ仕事としての歌唱がまったくないということも驚嘆すべきことだ。
あらためてこの２０世紀最高のリート歌手の存在の大きさを思わずにはいられない。
ムーアとのコンビによる共同作業の最高の結晶である。
むろん、Ｆ=ディースカウがいればあとはいらないなどというわけでは全くないし、私も彼のレコードを日頃愛聴しているかというと、必ずしもそうではないことに気づく。
しかし思えば、Ｆ=ディースカウの規範的な歌唱があればこそ、もう少しクセのある歌手や独特の味わいを持った歌手たちの演奏を安心して楽しめるのかもしれないのだ。
ドイツ・リートのレパートリーをそれこそ網羅的に歌っているＦ=ディースカウだが、この『シューベルト歌曲大全集』は、最も驚嘆すべき業績の一つと言うことができるだろう。
ムーアのピアノ伴奏で４００曲以上のシューベルト歌曲を録音したこの大全集には、日頃滅多に歌われない、しかしまさに珠玉のような歌がたくさん収められている。
とくにゲーテの詩への反応がよく、シューベルトの健康で男性的な一面への共感が際立っている。
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2008年08月19日
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１９５９年、ザルツブルグでのライヴ録音なので、音質はあまりよくないが、若いＦ=ディースカウの張りのある、美しい声が素晴らしい。
Ｆ=ディースカウは、言葉のもつイメージ機能の伝達にすぐれた歌手だけに、シューベルトやヴォルフの歌曲のように、遠心力の拡大に目を向けられる作曲家の作品の方が資質に合っている。
Ｆ=ディースカウのテクストに対する分析力の細かさは他の歌手の及ぶところでなく、言葉に対するリアクションの速さ、深さ、多様さなどは聴き手に無限の想像力を喚起する。
特に「ケルナー歌曲集」での重層的な感情の動きは、深く聴く者の心を捉えるはずだ。
「ひそかな涙」では、たっぷりとしたフレーズを心をこめて歌い上げ、終わりの２曲も、心を打つ名唱を聴かせてくれる。
「リーダークライス」には、エッシェンバッハやブレンデルの伴奏による録音もあるが、この作品のもつ若々しさをよく表現していることや、若い頃のＦ=ディースカウのみずみずしい歌唱を味わえるという点で、このディスクをとった。
ムーアのピアノも見事だ。
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2008年07月27日
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ロック・ファンにも愛好者の多い「カルミナ・ブラーナ」は、大オーケストラとコーラスが生み出すシンプルで圧倒的なビートの洪水が魅力の現代曲屈指の名曲。
若手指揮者が新しいオーケストラとやった新録音の方が分がよさそうに思えるが、意外にも硬派の古典指揮者ヨッフムが名門ベルリン・ドイツ・オペラを率いてのこの１枚が最高の出来だ。
ヨッフム盤は従来のスタイルだが、オルフは案外この当たりの線を描いて作曲したのではないかと思える要所を心得た表現を聴くことができ、スタンダードというに相応しい内容を持っている。
また、ソリストも非常に質が高い。
ヤノヴィッツ、シュトルツェ、フィッシャー=ディースカウという名歌手をソリストに迎えて、独唱曲の部分が絶品なのも勝因だが、オーケストラの豪快かつ重厚な鳴り具合もさすが本場の威力。
１９６７年録音とはいえ、本場のオルフという感じはまだ薄れていない。
今回のオリジナルスのＣＤ化によって音質も向上し、ヨッフムの一徹な心情が青春の回顧とともに生々しく再生されていく。
この曲には、より華麗で圧倒的な、興奮を誘う演奏が他にもあるが、その中でこのヨッフム盤はいつまでも"なつかしさ"を失わない。
官能性の上で多少物足りない所があるとしても、正統派の強味は不変である。
ちなみにオルフはこの曲の成功の勢いで「カトゥリ・カルミナ」という続編も書いているが、こちらは今いちの出来。
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2008年06月12日
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１９６８年、シュヴァルツコップとＦ=ディースカウという２人の名歌手の最盛期の録音である。
数々の名盤が多いこの曲だが、この１枚にかなうものはない。
いくぶん２人の表情のつけ方が濃厚すぎるきらいもあるが、実に絶妙な歌いまわしで、聴いていると思わずひきこまれてしまう。
その熟達した歌唱は比類がない。
マーラーの長大なフレーズ、民謡風の色合い、そして少年時代の記憶の反芻から生まれる音たちの断片を集合し、これらを通して２人のリートの大家の歌い口は、本当に鮮やかに、生き物のように耳にとびこんでくる。
マーラーのエッセンスがすべてぶちこまれたようなこの歌曲集の、マーラーの悲しみ、憧れ、素朴な喜び、皮肉、人間存在への激しい慟哭や冷笑、運命への屈従と反抗、それらあらゆる全ての要素が恐るべき同化力をもって表現されるという結実に至っている。
セルも、あたたかい伴奏をつけており、そのうまさとあいまって圧倒的な名演となっている。
そして、マーラーの中からセンチメンタルな部分を濾過したセルの指揮が全体を引き締めている。
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2008年05月15日
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Ｆ=ディースカウはごく初期からブラームスを繰り返し録音しており、エンゲル、デムス、ムーア、バレンボイム、そしてリヒテルと、多くのピアニストとアルバムを録音していた。
また１９７０〜７３年にかけてはムーア、サヴァリッシュ、バレンボイムとＥＭＩに全集を録音、次いで１９７２〜８１年にはバレンボイムとＤＧのブラームス全集のための録音を行っていた。
このディスクは１９５８年、モーツァルテウム、ザルツブルグにおけるライヴ録音で、１８曲収録されており、ほんの数曲聴いただけでも、この人の精神的な燃焼度の凄さに圧倒される。
Ｆ=ディースカウのブラームスは、思念の奥深い所から誰の耳にも優しく、また烈しいメッセージを届けてくれる。
言葉への傾斜を強めていた彼だけに、多分にシューマネスクなブラームスだが、そこから"内に向けられた"ロマン性"を解放し、情感の襞の中から、ブラームスをつかみ出してくるのだ。
Ｆ=ディースカウは、最晩年のブラームスの境地がしみじみと語られた「４つの厳粛な歌」を劇的求心力の強い、彫りの深い歌唱で展開している。
また、作品３２から４曲が歌われているが、内容のいっぱいつまったこれらの名歌曲を、ステージにちりばめながら素晴らしいブラームス・アーベントを組み立てている。
ともすると晦渋の色濃いブラームスの歌曲を、聴き手がどうしたら楽しんでくれるかという、彼の優しい心がそのまま伝わってくるような１枚だ。
ムーアのピアノも配慮がいきとどき、しなやかに和している。
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Ｆ=ディースカウとムーアのによる１９６１年、モーツァルテウム、ザルツブルグにおけるライヴ録音。
声とピアノが、まさに対等の立場で競い合うようなスリリングな演奏だ。
曲の細分化に関してＦ=ディースカウの右に出る歌手はいない。ディクションの細やかなニュアンスが最大に力を発揮して、ヴォルフの変幻自在な歌の命を燃焼させている。
Ｆ=ディースカウほどヴォルフを楽しませてくれる歌手はいない。
言葉のもつイメージの多彩な働きが、素晴らしい力をもって、ドイツ語を解さない聴き手をも無条件に呪縛してしまうのだ。
それにムーアのピアノによる、ヴォルフ・エネルギーの凄まじいまでの噴出が相乗作用し、理想的なメーリケ歌曲集を生んでいる。
Ｆ=ディースカウというと、リヒテルやバレンボイムと組んだ演奏も名演だったが、それらの演奏よりも、さらに情熱を外に向けて発散させているような歌唱で光っている。
Ｆ=ディースカウは絶妙な語り口と心理的な表現で、時には数分の短い歌にオペラの１幕を思わせるようなドラマを織り込んで歌っている。
「癒えたものが希望に寄する歌」での深い表情、「明け方に」での激情、「出会い」「あばよ」での達者さ、「いましめ」での芝居気なども驚くほど。
プログラミングの周到さも名歌手ならではだ。
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2008年03月21日
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青年Ｆ=ディースカウと巨匠フルトヴェングラーの歴史的名盤「さすらう若人の歌」は、幾度となく装いを新しくしては発売され、不朽の声価を保ち続けている。
フルトヴェングラーは、１９５０年のザルツブルグ音楽祭で、Ｆ=ディースカウを独唱者としてこの曲を演奏し、聴衆に多大な感銘を与えた。
そのとき彼は、Ｆ=ディースカウにこう言ったという。
「私はいままで、マーラーの音楽を好きになれなかったが、あなたのおかげでそのよさがわかった」と。
このディスクは２人のマーラーに対する深い共感によって貫かれた感動的な名演奏で、フルトヴェングラーのロマンティックな解釈に支えられた、Ｆ=ディースカウの、沈潜した歌唱のうまさは比類がない。
こまやかな情感を引き出す語り口の見事さ、美しさ、それによる旋律線に弱体化のないことが、唯一無二の名演たらしめている。
モノーラルなので音の劣るのが残念だが、この密度の高い演奏は、マーラー歌曲史上の偉大な金字塔のひとつといえよう。
「亡き児をしのぶ歌」も細心の配慮をもって歌い上げた名唱。
ただこちらのほうは、いまひとつ暗い情念の沈潜が欲しい。
「さすらう若人の歌」には、この若きＦ=ディースカウと晩年のフルトヴェングラーによる伝説的な名演があり、さすがのＦ=ディースカウも２８歳の時のこの奇蹟的な演奏以上の録音をその後行っていない。
クーベリックとのものも、もちろんそれ自体は大変な名唱だが、かつてのデモーニッシュさはない。
とはいえ、他のどの歌手をも遥かに凌駕している。
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2008年02月18日
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戦後最大の歌手といえば、恐らく、ほとんどのひとが彼、フィッシャー=ディースカウの名前をあげるだろう。
それほどまでに、彼は幅広い分野（リート、オペラ、宗教曲など、声楽すべての分野に及んでいる）で獅子奮迅の大活躍をし、また膨大な数にのぼるレコーディングをおこなっているのである。
このような歌手は、これまでに存在しなかったし、今後も容易にはあらわれないであろう。
彼は１９２５年ベルリンで生まれている。父親は高名な教育家で、家庭はゆたかな芸術的雰囲気に満ちていたという。彼自身、芸術一般に対して強い関心をもつ少年であった（彼は画家としても玄人はだしであり、文筆もよくすることは、広く知られているところだ）。
早くから声楽家としての才能を開花させ、戦後、本格的に歌手として活動するようになる。
フルトヴェングラーをはじめとする多くの音楽家、その他文化人などと出会うことで、彼はいっそう大きく成長。大歌手への道を邁進することになる。
彼の数々のディスクは、いずれも比類ない名盤の誉れ高いものばかりだし、各種の舞台においても、今では語り種となっているような名舞台の数も限りない。
まさに、彼の栄光は、歌うことの栄光そのものといっても、決して過言ではないだろう。
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2008年02月06日
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ＥＭＩ盤はＦ=ディースカウの最絶頂期の録音で、いかにも若々しくみずみずしい歌いぶりが聴かれる。
特の「白鳥の歌」は、声のパワーとしては最高の状態にあるといってよく、１語１語その意味するところをつきとめようとする意欲がひしひしと伝わってくる。
円熟という点ではまだ距離があるにせよ、Ｆ=ディースカウは若い頃から完成度の高い歌を歌ってきた声楽家であり、その時々の録音を比べるのも楽しみというものだろう。
グラモフォン盤の「白鳥の歌」はＦ=ディースカウにとっては３度目の録音。
この後ブレンデルのピアノで４度目の録音を行っているが、声の状態はこの３度目のほうがはるかにいい。
特に後半のハイネの詩による６曲に示す理解の深さは驚嘆すべきものがある。
しかも、以前のものに見うけた過度の文学的傾斜は是正されている。
「別離」での言葉の誤り（６２年のエンジェル盤のみ）ももとに戻っている。
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