ショスタコーヴィチ
2019年09月24日
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エマーソン弦楽四重奏団が１９９４年から９９年にかけてアスペン音楽祭で行なったショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲全曲演奏会のライヴ録音で、その技量と知性を惜しむことなく注ぎ込んだ全集である。
ロシア人作曲家ショスタコーヴィチ(1906-75)はソ連時代という苛酷な時代に生きた音楽家であった。
芸術家といえども社会主義国家建設に寄与することが求められたし、戦争の現実も作曲家の運命を翻弄した。
またスターリンと党との関係も常に緊張したものであり、眉間に皺を作らないでは１日たりとも過ごせない生涯を送ったと言えよう。
ショスタコーヴィチの残した弦楽四重奏曲は全部で１５曲で、ほぼ生涯の全域にわたって作られている。
もっとも第１番は１９３５年、第２番は１９４４年に作られているから、スタートは遅かったと言えよう。
だがそれだけにショスタコーヴィチが成熟した技法と人間としての明確な自覚を持ったうえで内面を綴った作品ばかりとなっている。
しかもそれらの中にはしかめっ面のイメージとは対照的とも言える陽気さ、快活さすら刻印した作品も見られるから、弦楽四重奏の世界はショスタコーヴィチの素顔を装うことなく、率直に記した肖像画であると言ってもよいであろう。
したがって、ベートーヴェンのそれとともに弦楽四重奏団にとっては踏破、征服すべき目標としてそびえ立っている。
１９７６年に創設されたアメリカのエマーソン弦楽四重奏団は作品や演奏の機会に応じて第１ヴァイオリンと第２ヴァイオリンが入れ替わる（差がほとんどわからない）という柔軟なスタイルを持つ稀有なクヮルテットとして知られる。
しかしそれ以上に彼らの真摯かつ誠実な作品へのアプローチが毎回聴き手を感動させてきた実績を誇っている。
エマーソン弦楽四重奏団のショスタコーヴィチは、美しい音色と軽やかなリズム感を基調とした、洗練された現代的な演奏だ。
かつてのボロディン弦楽四重奏団のように聴くのが辛くなる程の冷徹さはなく、陰影の付け方も充分感じられ豊かである。
しかもベートーヴェンやメンデルスゾーンでは持て余し気味だった彼らの演奏技巧が、ここでは存分に羽ばたいている。
柔らかくひそやかな弱音（第１番第１楽章、第１０番第１楽章、第１４番第３楽章コーダ）からバリバリと音を割った暴力的な強音（第１番終楽章コーダ、第３番第３楽章、第８番第３楽章）まで、表現の幅が実に広い。
第７番第３楽章や第１２番第２楽章冒頭での激情の猛烈な迸りなど、作曲者の想像した音世界をも超えてしまったのではないだろうか。
ここには深刻かつ激越な感情をむき出しに表現した素顔のショスタコーヴィチがあり、彼らの表現力の凄まじさは聴き手の胸を鋭く突き、痛いほどだが、感銘は交響曲に匹敵する。
作品を気迫と集中力をもって再現しながらも、もう一つ別の視点から作品を俯瞰して見据えていくようなアングルの大きさも特筆され、ショスタコーヴィチ作品の豊かさを聴き手がじっくり味わっていくことを可能にしている。
全１５曲を聴くと、生きることは決してなまやさしいことではない、と諭されるかのようで、忘れられない教訓を残してくれる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年06月12日
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アシュケナージは紆余曲折の末、ショスタコーヴィチの交響曲全集を完成させ、世に問うている。
やはり全集録音を行ったネーメ・ヤルヴィ、ロストロポーヴィチなどを含めて、旧ソ連からの亡命者によるショスタコーヴィチ演奏には、何か共通のパトス、場合によっては怨念みたいなものが感じられる。
もっとも、アシュケナージは、すでに母国への里帰りを果たし、サンクトペテルブルク・フィルもこの全集に加わっている。
「ヴォルコフの証言」以後（証言それ自体の真偽のほどはさておいて）、ショスタコーヴィチの、特に「交響曲」を演奏する場合は、作曲者の体制下での葛藤をどう表現するかに注目が集まるようになった。
もちろん「ショスタコーヴィチの作中での体制賛美は、逆説的」というヴォルコフ認識は、証言の真偽によらず、大いにありえると思う。
しかし、アシュケナージのスタンスには、そのような「囚われ」がなく、純音楽的アプローチに徹していて、政治的な色が薄くなり、それが筆者には好ましい。
元来センスがいいのだし、それだけで音楽を作った割り切りは潔いが、指揮者としてのアシュケナージには、筆者としてもまだよく判らないことが多い。
音楽家としての彼は、多分曲によっては、言いたいこと、訴えたいことがたくさんあるのだろう。
ソヴィエト＝ロシア音楽のある部分がそれで、そういう作品を指揮する時の彼は、棒のテクニックがといった次元の話を突き抜けてしまう。
中でも、超難曲の『第４』が最上の出来で、これは初演者コンドラシンによる１９６６年の録音を除けば、ロジェストヴェンスキー、ハイティンクを上回る緊張感と、抜群の構成感を持った演奏だった。
第５番、第８番、第１０番ではサウンドのバランスがよく、急速部の足並みのよさが印象的だ。
ロイヤル・フィルの金管の音色がいつもより柔らかめなのがユニークで、それが音の彩に馴染んでいる。
サンクトペテルブルク・フィルとの録音となった第７番と第１１番ではオーケストラの音色自体が抜群で、しかも必要以上の恰幅を求めないスマートさがよく、いわゆる「現代的」ショスタコーヴィチだ。
第１番、第６番、それにバルシャイの編曲による室内交響曲（原曲は弦楽四重奏曲第８番）や祝典序曲も好演、部分的にソフトフォーカス気味なサウンドを交えるあたりが巧みで、聴き心地がよい。
アシュケナージのアプローチは西欧風に洗練されていると言ってもいいし、やや焦点が不明瞭と批判することもできる。
ただ、この時期にきて、ショスタコーヴィチ演奏に様々なヴァリエーションが出てきたのは歓迎だし、アシュケナージは遠くから母なるロシアを見ているように思う。
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2019年05月19日
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ショスタコーヴィチの１５曲の交響曲の中で、最も数多く演奏され、幅広いファンを獲得しているのが第５番であるということは、それなりの理由があることも事実であろう。
楽譜には今もって疑問を残すところがあるとしても、こうした位置に置かれる作品には、当然のことながら数多くのレコーディングも生まれているし、その中に心ひかれるものがいくつかあっても不思議ではない。
バーンスタインが１９５９年に、音楽監督に就任したばかりのニューヨーク・フィルと録音したこの演奏もそのひとつと言えるし、その後１９７９年にも、この顔合わせが来日した際の東京文化会館でのライヴがあるが、その双方が今もって高い評価を得続けている。
そのいずれをとるかは、その条件の違いをどう受け止めるかによって異なろうが、バーンスタインにとって、このベートーヴェンの第５交響曲にも相通ずるような“苦悩を突き抜けて歓喜へ”の理念を思わせるような作品への共感が、より率直に表出されていたのは、この最初の録音であるかも知れない。
ただ今回ＳＡＣＤハイブリッド盤で改めて聴いてみると、この演奏のインパクトの強さ、とりわけフィナーレの異様なまでの激しさは、バーンスタインが直感的に、この曲が単純な勝利の音楽ではないことをいち早く見抜いていた証ともとれるし、彼は時代を先取りしていたのだとも思える。
４１歳という年齢的な若さもさることながら、演奏には覇気の迸りや気迫のこもった英気が滲み出ているのが容易に見てとれる。
それは、彼が実質的にまだ若かったということなのであろうが、オーケストラとの間の緊張感も含めて、その演奏にはライヴに匹敵するような強い気迫が感じられる。
この第５番はその代表的なものだが、彼の得意演目であったこともあって、冒頭から高いテンションの演奏が展開されている。
時として粗削りな表現がむき出しになってしまうところもあるが、表現力はかえって増すようにさえ思える。
その響きは、そうした面を反映してか、多少粗野なところもないではないが、そこに自己の音楽を自在に飛翔させ、新たな未来を見据えたようなその演奏は、聴く者に新鮮な感動と希望をもたらしてくれる。
ムラヴィンスキーの峻厳なイメージとは異なり、解釈は自在で溌剌とした気風に満ちており、いつ聴いても新鮮な感動と興奮を覚えさせる名演である。
まだショスタコーヴィチのもろもろの真実についてとやかく言われていなかったあの時代に、いち早くただならぬ問題提起をした、バーンスタインの本能的な洞察力に脱帽する。
カップリングされているコープランドの《ビリー・ザ・キッド》はニューヨークで生まれたが、育ったのはニューメキシコで、どちらの風土が彼により影響しているかはわかりにくいが、コープランドの創造したキッドは、凶悪な行状描写よりは、詩人が草原で夢想しているといった風貌に近い。
「ガン・バトル」のシーンも命がけで闘っているというよりは、バレエ音楽を意識し、ユーモラスなダンスを楽しんでいるといった印象だ。
おそらく彼はキッドに芸術家的なテンペラメントを見て、そんな要素を拡大しようとしたのだろう。
バーンスタインはそれを洞察し、抑制の効いたポエジー溢れる演奏を示している。
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2019年05月12日
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キリル・コンドラシンはショスタコーヴィチの交響曲第13番『バビ・ヤール』を生涯に５回録音しているので、このライヴが最後のものになる。
1962年の初演時には降板したムラヴィンスキーに替わってその重責を果たして大成功を勝ち得たのだが、それ以降ショスタコーヴィチの作品の最良の理解者として交響曲全集を始めとするオーケストラル・ワークやオラトリオの名演を遺してくれた。
ちょうどコンドラシンが『バビ・ヤール』を初演してから18年後となる1980年12月18&19日のバイエルン放送交響楽団との伝説的なライヴは、偶然と言われているが、全く同日の18年後であるこの演奏は翌年3月にアムステルダムで急逝したコンドラシンの遺言とも言うべき録音であり、『バビ・ヤール』の西側での録音としては、未だ並ぶものがないほどの超絶的な名盤である。
原作になるエフトゥシェンコの詩『バビ・ヤール』には旧ソヴィエト体制化のユダヤ人迫害を仄めかす部分が当局の検閲にかかって、初演の前から演奏家にも圧力が加えられ、ソロを歌うバス歌手も降板が相次いだといういわくつきの作品だ。
初演と２日後の再演はオリジナル版で演奏されたが、それ以降は歌詞を変えない限り上演禁止という措置が強制された。
実際メロディアからリリースされたコンドラシンのショスタコーヴィチ交響曲全集には改訂版が収録されているが、このディスクは幸い初演時に戻されたスコアが採用されている。
初演時のエフトゥシェンコの歌詞は、後のメロディアへの録音時には改訂版の使用を余儀なくされたため、ここで使用されているオリジナルの歌詞による演奏は一層価値がある。
この演奏は５種類の中ではライヴながら最も音質に恵まれ、ショスタコーヴィチによって緻密に仕上げられたオーケストレーションを細部まで聴き取ることが可能だ。
コンドラシンに率いられたバイエルン放送交響楽団も非常に精緻かつドラマティックで、一朝一夕のやっつけ仕事でないことは明らかだ。
彼はどのオーケストラとも徹底的に稽古をする指揮者としても知られていたが、そうした音楽的な厳しさもひしひしと感じられる。
またソロを歌う英国のバス歌手ジョン・シャーリー=カークとコーラスもロシア語に挑戦した原語上演であることも好ましい。
1962年ののっぴきならない逼迫した緊張感には及ばないとしても、作曲家の意志を貫いた鮮烈でスペクタクルな再現であることに違いない。
重々しく始まる冒頭から一貫してコンドラシンの強い主張と一種独特なテンションが持続されており、聴く者の心を鷲掴みにせずにはおかない驚異的な演奏だ。
ライナー・ノーツにはアルファベット表記のロシア語に日本語対訳が掲載されている。
尚リリース元のタワーレコードからはこのレギュラー・フォーマット盤の他にSACDバージョンでも入手可能だ。
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2019年04月16日
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《ムツェンスク郡のマクベス夫人》は、ショスタコーヴィチが生涯を通じて最も自由奔放な作曲を行った時期の総決算的な意味を持つ記念碑的作品の原典版。
意外にもショスタコーヴィチにはオペラが少なく、完成しているものは３作品で、このうちの１曲は本作品の焼き直し（改訂）だから、結局２曲となり、しかも、この２作は２０歳半ばまで書き上げたものだ。
《ムツェンスク郡のマクベス夫人》が１９３６年の共産党批判を受けたため、ショスタコーヴィチがこの分野の作曲を�犂躙鵜瓩犯獣任靴燭燭瓩世蹐Δ�？
あまりに凄絶な内容はともかく、西欧の１９２０年代の前衛手法を巧みに取り込み、ドラマティックな表現力や緻密な構成、そして何より豊潤な旋律線は見事というしかない。
もしショスタコーヴィチが�爛�ペラ作曲家�瓩箸靴導萍�していたら、２０世紀のオペラ史はかなり違ったものになっていただろう。
いずれにしても、同じ作曲家の６年前の佳作《鼻》などとは格違いの、２０世紀のオペラの最高傑作のひとつである。
体制に抹殺されていたこの傑作のパリ初演の成果に基づくチョン・ミュンフン盤は、非常に優れた演奏である。
ダイナミック・レンジの大きな表現、歌と管弦楽のバランスも素晴らしく、この指揮者の緻密な音楽づくりと劇的センスの良さを強く印象づける。
このオペラには、太い描線で、濃く演奏するやり方があるとは思うけれど、もちろんチョン・ミュンフンはそうしてはおらず、細部のニュアンスを見事に拾い出す。
ここでも、さまざまなパロディやら何やらを投入して、まじめさと冗談の奇妙に混ざり合ったショスタコーヴィチの音楽を巧みに描いていくが、その際の手際の良さは大変なものだ。
このように作品の鮮烈さとともに叙情的な面にもよく配慮しながら入念緻密な音によるドラマを造形してゆくチョンは、刺激的な現代技法が隠し味に回る終幕が特に素晴らしい。
ここでちょい役の老囚を演じるクルト・モルの歌にただよう存在感もチョンの解釈を引き立てている。
２０世紀を代表する傑作オペラの１つなのだと、この演奏なら得心がゆくし、暴力や性のオペラ化も、これならいける。
そして、この演奏の強みは、キャストがそれぞれ巧妙に歌で演技していることだろう。
性格的な役柄を得意にするユーイングをはじめ、ツェドニク（農民）、ザレンバ（ソニェートカ）、モル（老囚人）など、脇役まで隙のないキャストも充実している。
特にカテリーナを歌うマリア・ユーイングは、申し分なく魅力的な悪女になっていて、それに指揮者が同情の眼差しを注いでゆく。
あの手この手を繰り出して、暗いドラマを楽しませてしまおうとするショスタコーヴィチの狙いは、この演奏で存分に生かされることになった。
録音も歌唱と管弦楽のバランスに優れ、決別したチョンとパリ・オペラ座バスティーユの残した見事な記録でもある。
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2018年09月24日
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クルト・ザンデルリンクは1960年にベルリン交響楽団の首席指揮者としてドイツ帰国を果たして以来、ヨーロッパの楽壇でもその実力が認められるようになった。
ナチスの迫害を避けるための亡命だったが、25年に及ぶソヴィエト滞在はショスタコーヴィチとの交流やムラヴィンスキーからの薫陶でスラヴ系の作曲家の作品をレパートリーとして開拓することになった。
このディスクに収録されたショスタコーヴィチの交響曲第５番は、1982年に古巣ベルリン交響楽団を振ったセッション録音で、ドイツ的な真摯で重厚な演奏の中に緊張感を崩さないオーケストラへの采配が見事だ。
敢えて指摘するならば外面的な派手なアピールは皆無なので、玄人受けはするが入門者にとっては多少地味に映るかもしれない。
例えばアンチェル、チェコ・フィルの演奏では終楽章は希望を感じさせる色彩を放ちながら壮大に終わるのに対して、彼らは頑固なまでに色調を変えず、黒光りするようなコーダを形成している。
アンチェルの開放性と解釈を違えている理由は、やはり彼のソヴィエト時代の研鑽によるものだろう。
ザンデルリンクは1937年11月21日のムラヴィンスキー、レニングラード・フィルによるこの作品の初演に立ち会った可能性がある。
またショスタコーヴィチ自身から作曲の成り立ちについても聞き出していたのではないだろうか。
以前はプラウダに掲載された態勢への反動分子という汚名返上のための回答としての社会主義リアリズムのプロパガンダ、つまり恭順の意を示した作品のイメージが浸透していたが、最近では第４番の初演撤回の後も彼の作曲への理念は根本的に変化していなかったというのが一般的な見方だ。
結果的に初演は大成功に終わり、図らずも彼の当局への名誉回復になったのだが、どうもショスタコーヴィチ自身には彼らの目論見とは別の構想があったように思われる。
その後1948年に今度はジダーノフ批判に曝されてモスクワ及びレニングラード音楽院の教授職を追われることになるのは象徴的な事件だが、この時彼は巧妙に立ち回って迎合的な作品を発表する。
このあたりの複雑な心理状態と行動にショスタコーヴィチの苦悩が秘められている。
録音会場になったイエス・キリスト教会は当時の東ベルリンにあり、現在ではエヴァンゲリスト教会に改名されていて、カラヤン、ベルリン・フィルが使った同名の教会とは異なっているが、こちらも大編成のオーケストラの演奏に対応する優れた音響空間を持っている。
このディスクは旧東独ドイツ・シャルプラッテン音源を新規リマスタリングしたUHQCDバージョンで、従来盤より滑らかでクリアーな音質が再生される。
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2018年08月27日
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ショスタコーヴィチは若い頃からクラシック以外のジャンル、ポピュラー・ミュージックやジャズにも造詣が深く、習作とは言えないほどのかなりの数の本格的な作品を書いているし、また映画音楽にも取り組んでそのオールマイティーな才能を発揮した。
それらは彼の後の交響曲などから見ればきわものとして扱われるが、作曲当時から大人気を博した作品群で、彼の意外なプロフィールを披露していて興味深い。
このディスクではジャズ組曲第1番及び同第2番、ピアノ協奏曲第1番ハ短調とヴィンセント・ユーマンスの『二人でお茶を』のオーケストラ用アレンジが収録されている。
演奏の方だがロイヤル・コンセルトヘボウのメンバーは流石に巧く、アンサンブルとしても洗練されていて、シャイーの纏め方にもケチのつけようがない。
しかしオーケストラが精緻になればなるほどプリミティヴで荒削りな側面やジャズの命とも言えるインプロヴィゼーションの面白さが失せてしまうことも事実だろう。
それゆえクラシックとして鑑賞するのであれば非の打ちどころのない演奏だが、組曲第1番などは純粋なジャズ・バンドで聴いてみたいという欲求に駆られるというのが正直な印象だ。
その点ピアノ協奏曲もさまざまな音楽からの影響を受けた作品ではあるにしても、クラシックの範疇に留まった再現は上出来で、ブラウティハムのピアノ・ソロも首席奏者マシュールスのトランペットも力強く冴え渡っている。
ジャズ組曲第2番は第1番よりも規模が大きくなっているが、実際にはステージ・オーケストラのための組曲で本来のジャズ組曲第2番は戦時中に紛失したようだ。
この作品はいわゆるジャズではないが、ショスタコーヴィチが交響曲で見せる暗澹とした重苦しい雰囲気とは全く異なった、底抜けに明るいイメージが同じ作曲家の作品とは思えないほどのコントラストに驚かされる。
最後の『タヒチ・トロット、二人でお茶を』はユーマンスの曲だが、指揮者ニコライ・マルコの提案した1時間以内でのオーケストラ・アレンジという賭けに応じて、22歳のショスタコーヴィチが僅か40分で仕上げたといういわく付の編曲物だ。
小粋で洒落たセンスと色彩感豊かなオーケストレーションに成功しているのも彼の天才性を示すエピソードだろう。
1988年から91年にかけてアムステルダム・コンセルトヘボウ大ホールでの収録で、当時のデッカの音質は極めて良好。
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2018年08月23日
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ザンデルリンクはこの作品を構成している限りないほどの音楽的あるいは心理的な動機を整然と纏め上げて、ショスタコーヴィチ自身の言葉から発せられていないメッセージを伝えようとしているように思われる。
彼は自分の作品がジダーノフ批判に曝されたことも影響して、芸術を語る時にも当局の監視を常に意識していた筈だ。
第1楽章の後半にみせるドラマティックなサウンドと終楽章の静謐だが不気味な余韻を残す終焉に、作曲者の抑圧された心情が隠されているようにも感じられる。
第4楽章パッサカリアでのヴァリエーションの連なりには音量的なクライマックスがなく深遠に渦巻くような情念が、最後のフルートのフラッタリングまで緊張感を持続させている。
この作品でもショスタコーヴィチはソナタ形式を始めとしてスケルツォ、パッサカリアやフーガなどの伝統的な手法を執拗に繰り返して、交響曲に対する彼の作曲上のコンセプトを明確にしているし、彼がマーラー以降の交響曲作家たる存在感を示す面目躍如の作品に仕上げているが、ザンデルリンクの演奏は至って真摯でスコアの本質を読み取った解釈と言えるのではないだろうか。
録音会場に使用されたベルリンのイエス・キリスト教会はカラヤン、ベルリン・フィルが使った同名の教会ではなく、当時の東ドイツ側に属していて、現在ではエヴァンゲリスト教会と改名されている。
内部はドレスデンのルカ教会に比較するとやや小振りでシンプルだが、ゴシック様式の高い天井と頑健な壁面が影響していると思われるしっかりした明瞭なサウンドが得られ、ショスタコーヴィチの精緻なオーケストレーションを再現するには理想的な会場だったことが想像される。
1976年の収録だが非常に鮮明であることに加えて、UHQCD化による透明度の高い音質で、ドイツ・シャルプラッテンの原音の特徴が良く表れている。
この頃の彼らのアナログ音源が西側に匹敵する音質を誇っていたことも納得できる1枚だ。
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2018年08月19日
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クルト・ザンデルリンクはナチスのユダヤ人迫害から逃れてソヴィエトに亡命し、ムラヴィンスキー音楽監督時代のレニングラード・フィルの客演指揮者として研鑽を積んだ。
尤もムラヴィンスキーのような全軍水も漏らさず統率する強面の指揮官というイメージはない。
ここでも緻密だがオーケストラの持ち味を活かした柔軟な音楽作りが冴えていて、決して強引と思われるような牽引もなければ聴き手を疲弊させることもない豊かな音楽性を発揮させることができた指揮者だった。
彼は録音活動にはそれほど恵まれなかったが、その実力はゲルマン、スラヴ系の作品に示された楽曲に対する手際の良い采配と音響力学の巧みな配分やあざとさのない歌心、クライマックスでの自然な、しかし力強い高揚感などに表れている。
特にザンデルリンクはショスタコーヴィチとはソヴィエト時代に個人的な交流があったために、作曲家の良き理解者でもあった彼が情熱的に取り組んだ重要なレパートリーだ。
交響曲第15番はロッシーニを始めとする他の作曲家や自作のパロディーの応酬が聴きどころだが、それはショスタコーヴィチの人生の走馬燈だったのかも知れない。
彼らの演奏はシニカルというよりスコアからのダイレクトな表現で、かえってこの作品の構想を真摯に捉えたものだと思う。
ベルリン交響楽団(現在のベルリン・コンツェルトハウス管弦楽団)は旧東ドイツではシュターツカペレ・ドレスデン、シュターツカペレ・ベルリンやライプツィヒ・ゲヴァントハウスなどに続く典型的な質実剛健なオーケストラで、ザンデルリンクの下でその実力を培ってヨーロッパを代表する名門になるまでに至った。
それはこのディスクに収録されたショスタコーヴィチの最後の交響曲でも明瞭に聴き取ることができる。
この作品のいたるところにソロや複雑なアンサンブルがちりばめられていて、彼らの高い水準の合奏力とメンバー１人１人のテクニックが示されているし、勿論総奏の時の迫力も申し分のないものだ。
1978年に当時の東ベルリン・イエス・キリスト教会で収録されたドイツ・シャルプラッテン音源だが、西側と全く変わらない良好な音質で残されていて、今回のUHQCD化によって雑味の払拭されたサウンドが再生される。
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2018年02月26日
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このディスクは演奏水準と録音状態で既に高い評価を受けていたものだが、今回のUHQCD化によってその価値を更に高める結果になっている。
また前回のコロムビアからの日本盤では交響曲第５番と祝典序曲のカップリングだったのが、同じメンバーによる交響曲第１番との２曲に入れ替わり、より充実した選曲になったことも評価できる。
肝心の音質だが確実に向上していることが聴き取れる。
より古い1961年録音の第５番は64年の第１番に比べても遜色のない、透明感のある鮮明なサウンドと奥行きを感じさせる音場が得られ、終楽章コーダのティンパニの打ち込みも鮮やかに再生されるし、第１番のソロ楽器の独立性が保たれたカラフルなアンサンブルが印象に残る。
源音をCD化する時に必然的に起こる音質の劣化を最小限に食い止める手段として、個人的には肯定的に受け止めている。
ショスタコーヴィチの交響曲については、とかくこれらの曲の成り立ちに関するエピソードや当時のソヴィエトの社会情勢に対する作曲家の複雑な心境などが云々されて、聴き手もそうした暗澹たる状況を演奏の中に探しがちだ。
アンチェルの演奏にはそのような作品にまつわる澱のようなものを完全に濾過した解釈があり、純粋にスコアに書き記された音楽だけから引き出される音響力学によって再現する姿勢は終生変わらなかった。
それが作品に普遍的な価値を与えているのだろう。
アンチェル自身の強制収容所での悲惨な経験は、活かされているとすればそれは人類愛に向けられていて、彼の演奏を高踏的にしているのだと思わざるを得ない。
第５番は全体にゆとりのあるテンポで作品の悲劇性を素朴に表現しており、そこに西欧やアメリカとは異なるスラヴ的気質が表されているようだ。
アンチェルの演奏には技術的にデリケートな側面とおおらかな気分が同居しているのが興味深い。
終楽章を雄大に表出してクライマックスを盛り上げているのは現代の先駆を成す演奏だ。
チェコ・フィルのオーケストラとしての実力が遺憾なく示されているのもこのCDの特徴で、アンチェルの指揮に敏感に呼応する全体の機動力と結束にも驚かされる。
アンサンブル交響曲とも呼びたくなる第１番の様々な楽器によるソロの大活躍と一糸乱れぬ合わせの巧さも聴きどころだ。
ここにはアンチェル首席時代に迎えたチェコ・フィル第二の黄金期の面目躍如の演奏が記録されている。
彼らはドヴォルザークからスーク、マルティヌーやヤナーチェクに至るチェコの作曲家の作品の演奏では他の追随を許さないが、この２曲のショスタコーヴィチではロシア物との相性もすこぶる良いことを示している。
勿論スラヴ系以外でもモーツァルトに代表される古典から現代音楽のジャンルにおいても活躍が期待できるオーケストラだ。
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2016年08月26日
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エフゲニー・ムラヴィンスキーと手兵レニングラード・フィルによるショスタコーヴィチの交響曲第５番ニ短調Ｏｐ.４７及び第１２番ニ短調Ｏｐ.１１２『１９１７年』の２曲を収録したＳＡＣＤ盤である。
ライナー・ノーツには前者が１９６５年１０月２４日のモスクワ音楽院大ホールでの放送用ライヴ、後者が１９６１年１０月１日のレニングラード・ライヴで１９６２年１月６日のプラハ放送用ブロードキャスト音源と記載されている。
同じプラガ・ディジタルスから既にリリースされたレギュラー・フォーマット盤と同一データだが、これらの音源はその後日本ムラヴィンスキー協会の事務局長だった天羽健三氏の調査によると、実際には第５番が１９７８年６月１３日ウィーン・ムジークフェライン・グローサー・ザールでのライヴ、第１２番は１９６１年モスクワ・ラジオ・ラージ・スタジオでのセッションと判明しているようだ。
なるほどフランク・フォアマン／天羽健三編のディスコグラフィーを閲覧すると、より信頼性の高いと思われるこちらのデータが記録されている。
ライヴ録音が多かった彼らの音源ではしばしば起こる混乱の一例だ。
どちらも良好なステレオ録音で、しかも両者の間には１７年間の開きがあるにも拘らず、いずれ優るとも劣らない音質には正直言って違和感さえ感じられる。
特に第５番はライヴにしては聴衆を隔離でもしたかのように客席からの雑音や拍手は一切なく、データに関してはいくらか疑問が残らないでもないが、リマスタリングの効果は上々で、両翼型オーケストラ特有の音響が鮮明に蘇って、彼らの典型的なコラボの真骨頂を堪能することができる。
第１楽章のピアノを交えた重厚なカノンや終楽章の執拗に打ち込まれるティンパニの連打には弥が上にも高まる緊張感と執念とも思える迫力が示されている。
ショスタコーヴィチはロシア革命と社会主義をテーマに扱った一連の交響曲を作曲しているが、第１２番は『１９１７年』の副題付でレーニンと１０月革命をイメージした作品になり、後半の大規模なオーケストラのサウンドを殆んど限界まで全開させるムラヴィンスキーの統率力と、それに応えるレニングラードの大奮闘はソヴィエトの威信を懸けた凄まじい演奏だ。
ムラヴィンスキーはショスタコーヴィチの才能に関して、当初からその作品を通じて高い芸術性に理解と共感を示して、プロコフィエフを始めとする他の２０世紀のロシアの作曲家の作品よりも好んで採り上げている。
このディスクに収録された２曲の他にもムラヴィンスキー＆レニングラード・フィルが初演を飾ったショスタコーヴィチの交響曲は第６、第８、第９、第１０番があり、全１５曲の交響曲のうち６曲までの初演を彼らが手掛けている。
ちなみに第４番及び第１３番はキリル・コンドラシン、最後の第１５番は息子のマキシム・ショスタコーヴィチの初演になるが、１９４８年から１０年間に及んだジダーノフ批判でショスタコーヴィチが退廃的作曲家のレッテルを貼られたことによって、ムラヴィンスキー自身にも当局からの圧力がかかったとも言われている。
そうした不幸にも拘らず彼らが演奏を繰り返すことによって、現在これらの交響曲が西側でも独自の価値を獲得し、オーケストラのレパートリーとして定着しているのはまさに彼らの功績と言えるだろう。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年04月13日
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プラガ・ディジタルスのＳＡＣＤ盤シリーズで、ムラヴィンスキーは既にリヒテルとの協演で２枚、その他にオイストラフとショスタコーヴィチのヴァイオリン協奏曲を収めた１枚がリリースされているが、今回彼が振ったオーケストラル・ワークのレパートリーから更に２枚が加わった。
演奏については今更言及するまでもない評価の高い名盤なので、音質がどの程度改善されたかが鑑賞のポイントになるだろう。
ショスタコーヴィチが１９６１年２月１２日のライヴ、スクリャービンの方が１９５８年１２月２２日のセッションのどちらもモノラル録音で、演奏の質とその意義を考えればＳＡＣＤ化の価値は充分に見出せるが、当時の欧米の大手メーカーに比較するとこれらの音源とその保存状態は理想的とは言えないのも事実だ。
改善された点は高音部の伸びと音場に奥行きが感じられるようになったことで、その結果以前より無理のない柔らかで潤いのある音質が得られている。
モノラル録音では楽器ごとの分離状態がある程度確保されることで臨場感が補われるので、その意味では成功しているし、また僅かながら音像に立体感が出ている。
特に管弦打楽器が一斉に鳴り響く総奏の部分では再生し切れなかった音の塊りが、より自然に響いている印象を受ける。
ショスタコーヴィチの交響曲第８番ハ短調はムラヴィンスキーに献呈され、彼によって初演された作品なので、指揮者自身にも強い思い入れがあった筈だし、ライナー・ノーツによればこの曲はジダーノフ批判の波に曝されて１９４８年から５６年まで上演禁止の憂き目に遭っていた。
交響曲としての色調はいたって暗く、ムラヴィンスキーによって鍛え抜かれたレニングラード・フィルの統率感と凄まじいばかりの集中力がただならぬ雰囲気を作り上げている。
第３楽章のミリタリー的なファンファーレの応酬にも硬直した感じがないのは流石で、それに続くパッサカリアへの劇的な変化にも必然性がある。
当時の放送用ライヴだが、幸い客席からの雑音は最低限に抑えられている。
一方スクリャービンの交響曲第４番『法悦の詩』は官能的な演奏とは言えないが、逆にある種硬質な透明感が曲の神秘性を醸し出している。
２台のハープ、オルガン、チェレスタや多くのパーカッションが活躍するこの曲こそステレオ録音で聴きたいところだが、ムラヴィンスキーによって冷徹に熟考されたダイナミズムとバランスはそうした弱点を超越して特有の色彩感も感知させている。
ちなみに同ＳＡＣＤシリーズでムラヴィンスキーのオーケストラル・ワーク第２集、バルトーク、オネゲル及びストラヴィンスキーの作品集がリリースされている。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年11月26日
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東京都交響楽団とのショスタコーヴィチ「第４」が２０１２年レコード・アカデミー賞を受賞したインバル７０代半ばの解釈を、プレートルとのマーラーで実力をみせた１９９０年代ライヴ盤が近年高い評価を受けたウィーン交響楽団との組み合わせで聴く異色の全集。
全世界にインバルの名を知らしめたのマーラーに始まって、ラヴェル、ベルリオーズへ、短期間にある作曲家の作品を集中的に録音・発表することによってその全体像を明らかにするというインバルのアプローチとそれを実現させる力量は、そしてこのウィーン交響楽団とのショスタコーヴィチ交響曲全集に至って、一段と大きな成果を生み出した。
全体主義政権下における芸術家の苦悩、そしてその作品の本質への理解を後世に託したショスタコーヴィチの心の声が、全１５曲を俯瞰することによって、より深く感得されることであろう。
フランクフルト交響楽団との多くの名盤の陰で、評判は当時も今も高くないが、管や打楽器の名演、弦の弱奏、タクトへの迅速な反応に優れたオーケストラと、練習に厳格そうな指揮者とが、双方一心に演じている。
都響ライヴと趣が違う「第４」も、指揮者の指示にオケが敏捷に動き、第３楽章後半での管と弦との掛け合いでは、フレーズごとに表情を変えながら頂点に向かっていくドライブが心地よい。
スペクタクル派と対極な「第７」でも個性が発揮され、第３楽章が宗教的なら、フィナーレはモールス信号Ｖを連打で表したと言う爆音が膨張するなど、聴き所は沢山ある。
さらに初期交響曲の「第１」は若々しくも老練、「第２」の近代的な音作りや奇怪なサイレン音は指揮者の心中をみるようで、「第３」はスケールが大きく、管・打楽器の演奏は恰好が良い。
他に比べ人気の低い「第６」から、この演奏が「深い森に冷たい陽がさすように始まり、最後は乱痴気騒ぎで終わった」と聴こえれば、本曲の魅力が知れると共に、全集に共通して最初モヤモヤ始まり終わりにつれてダイナミックさを増していく指揮者のポリシーが知れる。
しかしこれは聴き手の好みを分けることになるだろう。
開始が「第６」と似た「第１２」も、楽譜への忠実さが定評なインバルだからこそ、終楽章での大胆なリズム変化や打楽器の炸裂は面白い。
「第８」「第１１」は深刻すぎずも要所を押さえ、「第９」は管楽器のソロが優れており、第１楽章は軽快、第２楽章は奇怪、第５楽章は雄弁で、「第１０」のトランペットソロの技巧とともに印象に残った。
歌手の声がよい「第１３」も、煙幕の中から音が始まり、狂言と悲しみを歌う後の至福の旋律が天国へつれてゆく。
そして最後の「第１５」は、他の同曲盤と比べても名解釈であり、「第１」の快活さに通じる第１楽章に続き、第２楽章の金管と独奏チェロの掛け合いはたそがれて、第３楽章のソロアンサンブルも上手い。
終楽章はヴァイオリン協奏曲の主題が魔界的に降臨し、バルトークの夜の音楽風なコーダは、暗い道を管・打楽器がどこまでもか細くつぶやき、ついにふっと吹き消えて終わる。
しかし全集の中でも「第５」と「第１４」は、他の数ある名盤に譲るかもしれない。
現在、全集プロジェクトが進行する若いペトレンコの現代的な演奏と聴き比べたりすることにより、１９９０年代に録音された本作からも、ショスタコーヴィチを当時新たに描こうと、時代を先取ったインバルの意欲が伝わってきた。
ショスタコーヴィチの苦悩の音楽が理解されるようになった今こそ、評価されてよいものに思う。
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2015年09月19日
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このＳＡＣＤに収録されたショスタコーヴィチの３曲の協奏曲は、いずれも歴史的録音の範疇に入るもので、ロストロポーヴィチ及びオイストラフはこれらの曲の初演を果たしたソリストでもあり、またピアノ協奏曲を弾き振りするバーンスタインとニューヨーク・フィルは初演の翌年に早くもアメリカでの演奏を手がけたメンバーだ。
総てオリジナル・ステレオ・ソースからのＤＳＤリマスタリングによるＳＡＣＤ化なので、多少のヒス・ノイズは致し方ないが、全体的にかなり鮮明な音質が再現されていて、これらのセッションの生々しい雰囲気を感じることができ、高度な鑑賞にも充分堪え得るクオリティーを持っている。
３人のソリストの集中力に漲る演奏とその表現力の多様さに驚かされる１枚だ。
チェロ協奏曲第１番変ホ長調はユージン・オーマンディ指揮、フィラデルフィア管弦楽団との１９５９年のセッションになり、ロストロポーヴィチの張り詰めた緊張感が全曲に亘って貫かれた厳格な印象を与える演奏で、またオーマンディの鋭利な指揮も注目される。
この曲にはオブリガート・ホルンが加わるが、ホルン奏者のメイソン・ジョーンズも力強い表現でチェロに拮抗している。
ピアノ協奏曲第２番はバーンスタインの軽妙洒脱で、とびっきり粋なセンスが活かされた、彼の気性に良くマッチした曲だ。
第２楽章の、この作曲家にしては珍しくロマン派的な哀愁が作品を随分親しみ易いものにしているのも事実だろう。
録音データを見ると１９６１年１１月となっているが、バーンスタイン、ニューヨーク・フィルのセッションは１９５８年で、おそらくこれはソニーからリリースされているものと同一音源であることが考えられる。
またバーンスタインのディスコグラフィーにも１９６１年にこの曲を録音した形跡は見当たらない。
プラガは以前にも物議を醸したレーベルなので、データの信憑性については疑問が残る。
ＣＤの最後を飾るヴァイオリン協奏曲第１番イ短調は、神秘的である一方、ハチャトゥリァンの同協奏曲のように民族的な底力を持った曲で、それはあるいは彼からの影響かも知れない。
しかし第３楽章のパッサカリアの荘厳な風格と長いソロ・ヴァイオリンのカデンツァはショスタコーヴィチのオリジナリティーに富んだ部分で、ここではオイストラフのパワフルで鮮やかなソロが白眉だ。
両作曲家のヴァイオリン協奏曲がどちらもオイストラフに献呈されていることを思えば、当時彼が如何に信頼の厚かった演奏家であったか想像に難くない。
初演と全く同じメンバー、ムラヴィンスキー指揮、レニングラード・フィルによる１９５６年の演奏が堪能できるのも特徴だ。
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2015年09月11日
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リヒテルは幸いロシアのヴィオラ奏者、ユーリ・バシュメットとこのソナタ集を遺してくれた。
このＣＤに収められているのはヒンデミットの『ヴィオラ・ソナタヘ長調』Op.11-No.4、ブリテンのヴィオラとピアノのための『ラクリメ』Op.48及びショスタコーヴィチの『ヴィオラ・ソナタ』Op.147の３曲で、いずれも１９８５年３月６日から８日にかけて行われたフライブルクでのコンサートからのライヴ録音になる。
ここでは勿論名手バシュメットの理知的で精緻なヴィオラが白眉だが、ヒンデミットのソナタでは意外なほどヴィオラを歌わせるように作曲されていて、それとは対照的に広い音域を駆使した非常に技巧的で華麗なピアノ・パートをリヒテルが巧妙に支えているのが聴き所だ。
一方ブリテンの曲は『ダウランドの歌曲の投影』という副題付だが、ダブル・ストップ、フラジオレット、トレモロやピチカートなどの弦楽器特有のテクニックがフルに使われた一種のファンタジーで、バシュメットの高度な表現力が張り詰める緊張感の中で活かされている。
またショスタコーヴィチでもヴィオラ特有の暗く奥深い響きと両者の集中力が、ドラマティックで不気味な曲想をいやがうえにも高めている。
沈潜した両楽章に挟まれた第２楽章の民族舞踏を思わせるアレグレットは、全曲中最も激しく情熱的な死の舞踏を想起させる。
ヴィオラはその音色の性質と音域から、普段はオーケストラの内声に入って和声を支える役目を負わされ、ソロ楽器としては滅多に扱われることがないが、バシュメットの手腕によってその芸術性を再認識させられるのがこのソナタ集だ。
彼らの協演したコンサートでは、この他にシューマンのピアノとヴィオラのための４つの『お伽の絵本』のモスクワ・ライヴがドレミ・レーベルからリリースされているし、バシュメットが指揮者にまわったテルデックからの協奏曲集もある。
リヒテルのアンサンブルへの参加は他のピアニストに比較して決して少なくない。
一流どころのピアニストが歌曲や他のソロ楽器のための伴奏にまわること自体、彼らのコンサートの習慣からしても、あるいは主催者側のスケジュールの調整や費用の面からしても、それほど簡単でないことが想像される。
しかしリヒテルはロストロポーヴィチとのチェロ・ソナタ集に代表されるように若い頃から伴奏や連弾、あるいは弦楽アンサンブルとの協演を盛んに手がけている。
彼のこうした情熱を考えると、広い視野を持ってさまざまなジャンルに取り組んだオールマイティな音楽観が、逆に純粋なピアノ曲にも反映されていると言えるだろう。
それがリヒテルの音楽を包容力に富んだ懐の深いものにしている理由のように思われる。
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2015年08月08日
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１９８６年８月２８日、ロイヤル・アルバート・ホールでのライヴ録音で、ハイティンクが得意とするショスタコーヴィチの交響曲の待望の再録音の登場だ。
ハイティンクは、本盤に収められた交響曲第１０番を約１０年前にも同じロンドン・フィルとともに、ショスタコーヴィチの交響曲全集の一環としてスタジオ録音（１９７７年）していることから、本演奏はハイティンクによる同曲の２度目の録音ということになる。
ところで、ハイティンクほど評価が分かれる指揮者はいないのではないか。
長年に渡ってコンセルトへボウ・アムステルダムの音楽監督をつとめ、ポストカラヤン争いでも後継者の候補の一人と目されベルリン・フィルの団員にも愛された指揮者であり、そして現在ではシカゴ交響楽団の音楽監督をつとめるという輝かしい経歴の持ち主であるにもかかわらず、ハイティンクの名声が揺るぎないものとは言い難い状況にある。
ハイティンクは全集マニアとして知られ、数多くの作曲家の交響曲全集を録音している。
いずれも決して凡演というわけではなく、むしろいい演奏ではあるが、他の指揮者による演奏にも優るベストの名演を成し遂げているとは言い難いのではないだろうか。
このように、ベターな演奏を成し遂げることが出来てもベストの名演を成し遂げることができないところに、ハイティンクという指揮者の今日における前述のような定まらない評価という現実があるのかもしれない。
もっとも、ハイティンクが録音した数ある交響曲全集の中でも、唯一ベストに近い評価を勝ち得ている名全集がある。
それは、完成当時はいまだ旧ソヴィエト連邦が存在していたということで、西側初とも謳われた前述のショスタコーヴィチの交響曲全集（１９７７〜１９８４年）である。
これは、ハイティンクに辛口のとある影響力の大きい有名音楽評論家さえもが高く評価している全集だ。
もっとも、当該全集については、すべての演奏がベストの名演というわけではないところが、いかにもハイティンクらしいと言える。
ハイティンクは、ロンドン・フィルとコンセルトへボウ・アムステルダムの両オーケストラを使い分けて全集の録音を行ったが、どちらかと言えば、コンセルトへボウ・アムステルダムを起用した演奏の方がより優れていた。
したがって、当該全集に収められた交響曲第１０番の演奏は、いささか不満の残る内容であったことは否めないところだ。
ところが、本盤に収められた約１０年ぶりの本演奏は、当該全集に収められた演奏とは段違いの素晴らしい名演に仕上がっていると評価したい。
本演奏におけるハイティンクのアプローチは直球勝負。
いずれの演奏においても、いかにもハイティンクならではの曲想を精緻に、そして丁寧に描き出していくというものであり、ショスタコーヴィチがスコアに記した音符の数々が明瞭に表現されているというのが特徴である。
したがって、ショスタコーヴィチの交響曲の魅力を安定した気持ちで味わうことができるというのが素晴らしい言えるところだ。
加えて、本演奏には、晩年を迎えたハイティンクならではの奥行きの深さが感じられるところであり、さすがにムラヴィンスキー＆レニングラード・フィルによる超名演（１９７６年）ほどの凄みはないが、同曲に込められた作曲者の絶望感などが、淡々と進行していく曲想の中の各フレーズから滲み出してくるのが見事である。
このような彫りの深い名演を聴いていると、ハイティンクが今や真の大指揮者になったことを痛感せざるを得ないところだ。
ハイティンクの確かな統率の下、旧盤でも演奏したロンドン・フィルが持ち得る実力を最大限に発揮した入魂の名演奏を繰り広げているのも、本名演に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
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2015年08月03日
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凄い演奏だ。
このような凄い演奏が遺されていたということは、ザンデルリンクのファンのみならず、クラシック音楽ファンにとっても大朗報と言えるのではないだろうか。
東独出身のザンデルリンクは、旧ソヴィエト連邦においてムラヴィンスキーにも師事し、ショスタコーヴィチと親交があったこともあって、ショスタコーヴィチの交響曲を得意としていた。
すべての交響曲を演奏・録音したわけではないが、第１番、第５番、第６番、第８番、第１０番、第１５番の６曲についてはスタジオ録音を行っており、いずれ劣らぬ名演に仕上がっている。
ショスタコーヴィチの１５ある交響曲の中で、どれを最高傑作とするのかは諸説あると思われるが、盟友であったムラヴィンスキーに献呈された第８番を最高傑作と評価する者も多いのではないかとも思われるところだ。
ザンデルリンクも、前述のようにムラヴィンスキーに師事していたこともあり、同曲にも特別な気持ちを持って演奏に臨んでいたのではないか。
前述のベルリン交響楽団とのスタジオ録音（１９７６年）もそうしたことを窺い知ることが可能な名演に仕上がっていたが、本盤の演奏は、当該演奏をはるかに凌駕する圧倒的な超名演に仕上がっていると高く評価したい。
ザンデルリンクによる本演奏は、師匠であるムラヴィンスキーの演奏とはかなり様相が異なるものとなっている。
ムラヴィンスキーによる同曲最高の名演とされる１９８２年のライヴ録音と比較すればその違いは顕著であり、そもそもテンポ設定が随分とゆったりとしたものとなっている（ザンデルリンクによる１９７６年のスタジオ録音よりもさらに遅いテンポをとっている）。
もっとも、スコア・リーディングの厳正さ、演奏全体の堅牢な造型美、そして楽想の彫りの深い描き方などは、ムラヴィンスキーの演奏に通底するものと言えるところだ。
その意味では、ショスタコーヴィチの本質をしっかりと鷲掴みにした演奏とも言えるだろう。
ムラヴィンスキーの演奏がダイレクトに演奏の凄みが伝わってくるのに対して、ザンデルリンクによる本演奏は、じわじわと凄みが伝わってくるようなタイプの演奏と言えるのかもしれない。
ショスタコーヴィチの交響曲は、最近では数多くの指揮者が演奏を行うようになってきているが、その本質を的確に描き出している演奏はあまりにも少ないと言えるのではないだろうか。
ショスタコーヴィチは、旧ソヴィエト連邦という、今で言えば北朝鮮のような独裁者が支配する政治体制の中で、絶えず死と隣り合わせの粛清の恐怖などにさらされながらしたたかに生き抜いてきたところだ。
かつて一世を風靡した「ショスタコーヴィチの証言」は現在では偽書とされているが、それでも、ショスタコーヴィチの交響曲（とりわけ第４番以降の交響曲）には、死への恐怖や独裁者への怒り、そして、粛清された者への鎮魂の気持ちが込められていると言っても過言ではあるまい。
したがって、ショスタコーヴィチと親交があるとともに、同時代を生き抜いてきたムラヴィンスキーの演奏が感動的な名演であるのは当然のことであり、かかる恐怖などと無縁に平和裏に生きてきた指揮者には、ショスタコーヴィチの交響曲の本質を的確に捉えて演奏することなど到底不可能とも言えるだろう。
一般に評判の高いバーンスタインによる演奏など、雄弁ではあるが内容は空虚で能天気な演奏であり、かかる大言壮語だけが取り柄の演奏のどこがいいのかよくわからないところだ。
かつてマーラー・ブームが訪れた際に、次はショスタコーヴィチの時代などと言われたところであるが、ショスタコーヴィチ・ブームなどは現在でもなお一向に訪れていないと言える。
マーラーの交響曲は、それなりの統率力のある指揮者と、スコアを完璧に音化し得る優秀なオーケストラが揃っていれば、それだけでも十分に名演を成し遂げることが可能とも言えるが、ショスタコーヴィチの交響曲の場合は、それだけでは到底不十分であり、楽曲の本質への深い理解や内容への徹底した追求が必要不可欠である。
こうした点が、ショスタコーヴィチ・ブームが一向に訪れない要因と言えるのかもしれない。
旧ソヴィエト連邦と同様の警察国家であった東独出身であるだけに、ザンデルリンクの演奏も、前述のようにショスタコーヴィチの本質をしっかりと鷲掴みにしたものであり、とりわけ最晩年にも相当する本演奏は、数あるザンデルリンクによるショスタコーヴィチの交響曲の名演の中でも最高峰の名演であり、同曲の数ある名演の中でも、ムラヴィンスキーによる１９８２年の名演と並び立つ至高の超名演と高く評価したいと考える。
音質についても、１９９４年のライヴ録音であるが、文句の付けようのない見事な音質に仕上がっていると評価したい。
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2015年06月30日
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２０１４年はモスクワ出身の名指揮者キリル・コンドラシンの生誕１００周年に当たる。
コンドラシンは１９７８年のコンセルトヘボウ客演の際にオランダに政治亡命して西側での音楽活動を本格的に始めた矢先の１９８１年３月８日に突然他界した。
その死には当局がらみの暗殺説も浮上している。
コンドラシンは既に１９５８年のチャイコフスキー・コンクールで優勝したヴァン・クライバーンの凱旋公演にも随伴していて、冷戦時代の旧ソヴィエトの指揮者の中ではいち早く西側での演奏を実現した人だ。
このＳＡＣＤに収められた音源はいずれも今回が初めてのリリースではないが録音も保存状態も極めて良好で、リマスタリングによって奥行きと立体感の感じられる音響が蘇っている。
『バビ・ヤール』はモノラル・ライヴ、カンタータ『１０月』の方はステレオ・セッション録音になる。
交響曲第１３番『バビ・ヤール』はユダヤ人虐殺が行われたウクライナの地名をタイトルに持ち、ロシアに受けつがれる反ユダヤ主義を非難する内容となっている。
旧ソ連ではタブーのテーマだったゆえ反体制的とみなされ、１９６２年１２月の初演の際にも演奏者に当局から圧力がかかったとされている。
この録音は世界初演の２日後の再演時のライヴであるが、出演者もほぼ同じで、ショスタコーヴィチも臨席、緊張が生々しく伝わってくる。
当初はショスタコーヴィチの多くの作品の初演を手がけていたムラヴィンスキーが指揮する予定だったらしいが、ソヴィエトのユダヤ人差別政策を仄めかす詩の内容が検閲に引っかかり、ムラヴィンスキー降板の後もこのコンサート以降の音楽活動への影響を恐れて土壇場まで歌手の入れ替わりが続いたようだ。
当時のコンドラシンは当局からの執拗な妨害にあって苦境に立たされていた筈だが、逆に言えばそうした状況にあってこの凄まじいまでの集中力に支えられた初演が可能だったのかも知れない。
コンドラシンは作曲家の抉り出した心理描写と映像のように浮かび上がる情景を音像として驚くほど冷静に、しかしまた劇的に表現し切っているし、モスクワ・フィルも流石に巧い。
バス・ソロを歌うグロマツキーは朴訥として器用な歌手ではないが、詩の表す陰鬱で悲愴な情感は良く出していて、この危険な役回りを引き受けたことを潔しとしたい。
ショスタコーヴィチ本人を始めとする初演遂行側の表現の自由に賭けた熱意と圧迫を受けていた人道的思想の発露が漕ぎ着けた初演は大成功を収めたと伝えられているが、結果的に考えるならば後の政治亡命も起こるべくして起こったと言わざるを得ない。
コンドラシンはこの作品初演成功後、交響曲第４番やオラトリオ『ステンカ・ラージンの処刑』の初演も飾っている。
一方プロコフィエフのカンタータ『１０月』は、帝政ロシア崩壊に至る一連の事件から１０月革命２０周年を記念した曲で、ここでもコンドラシンは冷徹に音楽的バランスを熟慮してそれぞれの部分の強烈な個性を的確に捉えているが、何故かここでは第１、２、４、７、９部のみの尻切れトンボで収録されているのが残念だ。
一般に風変わりなオーケストレーションと合唱、モノローグによるグロテスクな奇曲という評価だが、プロコフィエフの作曲技法はかえって洗練された鋭利さを感じさせる作品だと思う。
プラガのデータについては鵜呑みにできない怪しげなところが無きにしも非ずだが、交響曲第１３番については１９６２年１２月１８日に初演が行われ、この音源は同年１２月２０日の同一メンバーによる再演ライヴから収録されたものらしい。
プロコフィエフの方は１９６６年５月５日のセッションと記載されている。
ライナー・ノーツには『バビ・ヤール』のみだがロシア語のローマ字発音表記の歌詞に英語対訳が付けられている。
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2015年06月26日
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クルト・ザンデルリンクは、２０１１年９月１８日、ベルリンにて９８歳の生涯を終えた。
２００２年に引退をしてからは指揮活動から遠ざかってはいたが、現役時代に行った演奏の数々の中には素晴らしい名演も数多く存在しており、その死は誠に残念至極であり、この場を借りて、改めてザンデルリンクの冥福を心からお祈りしたい。
ザンデルリンクはムラヴィンスキーに師事するとともに、ショスタコーヴィチと親交があったこともあって、ショスタコーヴィチを得意としており、交響曲第１５番については２度にわたってスタジオ録音している。
最初の録音が、ベルリン交響楽団との演奏（１９７８年）であり、２度目の録音が、クリーヴランド管弦楽団との演奏（１９９１年）である。
いずれ劣らぬ名演と言えるところであり、１９７８年盤はより引き締まった演奏全体の造型美を味わうことが可能と言えるが、特に１９９１年の演奏については懐の深い円熟の名演とも言えるところであり、筆者としては、本演奏の方を僅かに上位に掲げたいと考える。
ショスタコーヴィチの交響曲は、最近では数多くの指揮者が演奏を行うようになってきているが、その本質を的確に描き出している演奏はあまりにも少ないと言えるのではないだろうか。
ショスタコーヴィチは、旧ソヴィエト連邦という、今で言えば北朝鮮のような独裁者が支配する政治体制の中で、絶えず死と隣り合わせの粛清の恐怖などにさらされながらしたたかに生き抜いてきたところだ。
かつて一世を風靡した「ショスタコーヴィチの証言」は現在では偽書とされているが、それでも、ショスタコーヴィチの交響曲（とりわけ第４番以降の交響曲）には、死への恐怖や独裁者への怒り、そして、粛清された者への鎮魂の気持ちが込められていると言っても過言ではあるまい。
したがって、ショスタコーヴィチと親交があるとともに、同時代を生き抜いてきたムラヴィンスキーの演奏が感動的な名演であるのは当然のことであり、かかる恐怖などと無縁に平和裏に生きてきた指揮者には、ショスタコーヴィチの交響曲の本質を的確に捉えて演奏することなど到底不可能とも言えるだろう。
ザンデルリンクの場合は、東独という、旧ソヴィエト連邦と同様の警察国家の出身であること、そしてムラヴィンスキーに師事していたこともあって、ショスタコーヴィチの交響曲の本質への深い理解については、人後に落ちないものがあったと言える。
本演奏も、さすがに、師匠であるムラヴィンスキーの演奏（１９７６年）ほどの深みや凄みには達していないと言えるが、それでもザンデルリンクによる彫りの深い表現が全体を支配するなど、外面だけを取り繕った薄味な演奏にはいささかも陥っていないと言えるところだ。
加えて、ドイツ人指揮者ならではの堅固な造型美や重厚な音色が演奏全体を支配しており、その意味では、ムラヴィンスキーによる名演の持つ峻厳さを若干緩和するとともに、ドイツ風の重厚さを付加させた演奏と言えるのかもしれない。
いずれにしても、本演奏は、ムラヴィンスキーなどのロシア系の指揮者以外の指揮者による演奏の中では、最右翼に掲げられる素晴らしい名演と高く評価したいと考える
マーラーもまったくただものではなく、ザンデルリンクの凄さを思い知らされる演奏である。
ザンデルリンクが創り出す音楽は、さしずめブロンズ像のようなもので、細部の再現性ではなく、全体の大づかみな構築を問うている。
だから、作品が逞しく聴こえるところであり、この逞しいとは、もちろん他人よりも大きな音を出すとか響きが分厚いということではない。
たとえば両端楽章は大きな振幅でうねるが、そのうねりに神経質なところがなく、実に自信があるのだ。
このザンデルリンク流が細部ほじくり型より容易な演奏法だということはまったくない。
単にうるさいところは強く弾き、メロディは歌いまくればこういう演奏になるかと言えば、そんなことはないのである。
フレージングの力学に通じ、どうすれば音楽が自然に流れるように聞こえるのかを知らなければならない。
ザンデルリンクはその技のきわめつきの名手であり、彼の手にかかると、複雑なこの交響曲もじつにやすやすと流れていくのである。
たとえば第４楽章は、誰もが心をこめて歌う楽章だが、感情移入という点では、バーンスタインのほうがザンデルリンクよりもよほど熱烈だ。
ザンデルリンクの演奏では感情の力学ではなく、響きの力学に従って音楽が先へ進む。
だから、この楽章がことさら嘆きとか悲しみを訴えることはなく、美的なものとして現れてくるのだ。
筆者は、この太い名木を組み合わせて作ったような感触のフィナーレが大好きである。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2015年05月10日
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本セットには、第一期ボロディン弦楽四重奏団によるショスタコーヴィチ：弦楽四重奏曲第１〜１３番（１９６２〜７２年ステレオ録音）が収められている。
１９４５年に結成、チェロのベルリンスキーを精神的支柱に、今なお数多い現代の弦楽四重奏団をリードする、ロシアの名クヮルテットによるショスタコーヴィチの弦楽四重奏録音の復活を大いに歓迎したい。
結成時のオリジナル・メンバーによるボロディン・クヮルテット、いわゆる「ドゥビンスキー時代」の彼らのかけがえのない録音がChandos Historicalから着々と世に出ているが、中でもこれは特に注目に値するセットと言えよう。
演奏はどれも最高の評価を獲得してきたもので、数あるショスタコーヴィチの弦楽四重奏録音の中にあって、その厳しいスタイルはまさに空前絶後。
結成当初から作曲者に演奏法を直接指導されたという同団の演奏には、「ボロディンＳＱなくしてショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲は語れない」との絶賛が数多く寄せられている、いわばショスタコ四重奏の規範として知られる名盤である。
レコーディング当時、まだ作曲されていなかった第１４番と第１５番を含んでいないのは残念とはいえ、この時期の彼らの演奏をまとめて聴けるこのセットの価値にはまさに圧倒的なものがある。
ショスタコーヴィチは、弦楽四重奏曲を交響曲と同様に１５曲も作曲したが、これはバルトークによる６曲の弦楽四重奏曲と並んで、２０世紀における弦楽四重奏曲の最高傑作との評価がなされている。
確かに、作曲書法の充実度や、内容の奥深さなどに鑑みれば、かかる評価は至当であると考えられる。
ショスタコーヴィチは、旧ソヴィエト連邦という、現在で言えば北朝鮮のような非民主的な独裁国家で、粛清の恐怖を耐え忍びながらしたたかに生き抜いた作曲家であった。
かつて一世を風靡した「ショスタコーヴィチの証言」は現在では偽書とされているが、ショスタコーヴィチに関して記したその他の様々な文献を紐解いてもみても、その交響曲や弦楽四重奏曲などには、かかる粛清の恐怖や、スターリンをはじめとする独裁者への批判や憤り、独裁者によって粛清された犠牲者への鎮魂などが色濃く反映されている。
したがって、旧ソヴィエト連邦の時代を共に生き、粛清への恐怖に実際に身を置いた者こそが、ショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲に込められたこのような深遠な世界をよりうまく音化することができると言えるのではないだろうか。
ボロディン弦楽四重奏団は、前述の通り旧ソヴィエト連邦下において１９４５年に結成され、それ以降も旧ソヴィエト連邦において活動を行ってきた団体である。
したがって、その演奏は、ショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲の心眼に鋭く切り込んでいくという鋭さ、そして凄みにおいては、他のいかなる弦楽四重奏団が束になってもかなわないレベルに達していると言えるところであり、その演奏の彫りの深さは、尋常ならざる深遠さを湛えている。
とりわけ、晩年の弦楽四重奏曲の凄みのある演奏には戦慄を覚えるほどであり、これは音楽という次元を通り越して、あたかもショスタコーヴィチの遺言のように聴こえるのは筆者だけではあるまい。
なお、ボロディン弦楽四重奏団は、１９７８年から１９８４年にかけて、本録音当時作曲されていなかった第１４番及び第１５番を含むすべての弦楽四重奏曲の録音を行っており、各楽曲の本質への追求度という意味においては当該演奏の方が数段上であると考えられなくもないが、その分、演奏自体はかなり冷徹なものとなっていると言えなくもない。
新盤も決定的名盤と記されるに相応しい全集であるが、そのあまりにも透徹した非人間的な響きに敬遠を覚えた人も少なくないと思う。
しかしこの旧盤には新盤にはないロマンティシズムの人間的響きが感じられ、未だ旧ソ連の鉄の教育による同質音楽ではなく、ハイドン、ベートーヴェンにもひけをとらない「四重奏」の音楽を堪能できるものとなっている。
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2015年05月06日
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本盤に収められたロストロポーヴィチによるショスタコーヴィチの交響曲第５番については、かつてＬＰで聴いた時のことを鮮明に記憶している。
本演奏の録音は１９８２年であるが、この当時は、現在では偽書とされている「ショスタコーヴィチの証言」が一世を風靡していた時期に相当し、ロストロポーヴィチのショスタコーヴィチとの生前における親交から、本演奏は証言の内容を反映した最初の演奏などともてはやされたものであった。
筆者は「証言」をむさぼり読むとともに本演奏を収めたＬＰを聴いたものの、若かったせいもあるとは思うのであるが、今一つ心に響くものがなかったと記憶している。
その後、大学生になってＣＤを購入して聴いたが、その印象は全く変わることがなかった。
そして、先般ＳＨＭ−ＣＤ化されたのを契機に、久々に本演奏を聴いたが、やはり心に響いてくるものがなかったと言わざるを得ない。
確かに、巷間言われるように本演奏には楽曲の頂点に向けて畳み掛けていくような緊迫感や生命力溢れる力強さなどが漲っているが、この時点でのロストロポーヴィチは、手兵のワシントン・ナショナル交響楽団をうまく統率し切れずに、いささか空回りしているような気がしてならないのだ。
加えてオケの演奏レヴェルが低く、ワシントンＤ.Ｃ.という都市にあるオケでありながら、ボルティモア交響楽団や、ピッツバーグ交響楽団、サンフランシスコ交響楽団、ヒューストン管弦楽団、ミネソタ管弦楽団などのローカル・オケとも比較が出来ないほど、サウンドが荒く、アンサンブルが成立していない状態での録音である。
このオケは、「ナショナル」という冠をつけているが、国立の楽団ではない。
ただ、アメリカ合衆国大統領の就任式で国歌等を演奏するのは、慣例としてこの楽団の仕事になっているらしい。
その割に、楽団の音色、響きは発展途上のオケのままという感じで、音色というか響きに滑らかさがなく、ざらざらしていて埃っぽい。
当然透明感がなく、第１楽章から平坦で変化のないフレーズどり（オケのサウンドがひどく、ダイナミクスレンジも狭いようだ）で、第３楽章などは聴くに堪えない音を出していて、鈍重な弦楽器の厚ぼったい響きに歯切れの悪さを覚えるだけである。
やや雑然とした演奏に聴こえるのもおそらくはそのせいであり、ロストロポーヴィチによる同曲の演奏であれば、いささか大人しくはなったと言えるが、後年の２つの録音、（ワシントン・ナショナル交響楽団との１９９４年盤（テルデック）又はロンドン交響楽団との２００４年盤（ＬＳＯ））の方がより出来がいいと言えるのではないだろうか。
特に後者は音質が優れているだけでなく、オケの演奏技術もかなり向上して、音程、サウンドのテクスチャー、音のブレンドなどに格段の進歩を見せている。
他方、プロコフィエフのバレエ音楽「ロメオとジュリエット」からの抜粋については、ロシア風の民族色に満ち溢れた名演と高く評価したい。
ロストロポーヴィチがワシントン・ナショナル交響楽団の音楽監督を務めていた頃の、彼の内面の激情が燃えたぎるような精力的なこの演奏は、プロコフィエフの傑作に鮮やかに光を当てる結果を招来したと言えるだろう。
録音は、従来盤でもかつてのＬＰと同様に十分に満足できる音質であったが、今般のＳＨＭ−ＣＤ化によって音質がやや鮮明になるとともに、音場が若干幅広くなったことについては評価したい。
全体の評価としては、「ロメオとジュリエット」の名演とＳＨＭ−ＣＤ化による若干の高音質化を加味して準推薦の評価とさせていただくこととする。
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2015年04月30日
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旧盤から１５年以上を経て、円熟のゲルギエフが再度問いかける、作曲７０周年の問題作であるが、素晴らしい名演と高く評価したい。
現在の様々な指揮者の中で、ショスタコーヴィチの交響曲の名演を成し遂げる可能性がある指揮者と言えば、これまでの実績からして、本盤のゲルギエフのほかは、インバルが掲げられると思うが、他の指揮者による名演もここ数年間は成し遂げられていないという現状に鑑みると、現在では、ショスタコーヴィチの交響曲の演奏についてはゲルギエフとインバルが双璧と言えるのかもしれない。
いずれにしても、本盤に収められた名演は、このような考え方を見事に証明するものと言えるだろう。
第８番の過去の名演としては、初演者として同曲が有する精神的な深みを徹底して追求した決定盤の誉れ高いムラヴィンスキー＆レニングラード・フィルの名演（１９８２年）があり、本盤の演奏も、ムラヴィンスキーの系列に繋がるものと言える。
ゲルギエフ＆マリインスキー劇場管弦楽団による、ショスタコーヴィチの交響曲第８番は、１９９４年９月に同じオーケストラとオランダのハーレムにて録音され、ロングセラーとなっていた。
今回は１５年以上を経て、ゲルギエフの円熟ぶりと、手兵マリインスキー劇場管弦楽団を完全に手中に収めた神業の完成度に驚かされる。
旧盤で見られた未消化さや解釈の甘さは完全に払拭され、黒光りするような凄味が感じられるところであり、こうした幻想的で複雑な大曲にこそ、ゲルギエフの真価が最大に発揮し得ると言えるだろう。
ここでもゲルギエフは、楽曲の本質を抉り出していくような鋭さを感じさせる凄みのある演奏を披露しており、おそらくは、同曲演奏史上ベストを争う名演と高く評価したい。
全体として堅固な造型を構築しつつ、畳み掛けていくような緊迫感や、生命力溢れる力強さは圧巻の迫力を誇っている。
また、スコアに記された音符の表層をなぞるだけでなく、スターリン時代の粛清や死の恐怖などを描いたとされている同作品の本質をこれだけ音化し得た演奏は、おそらくはムラヴィンスキー以来はじめてではないかとさえ思われるほどだ。
その壮絶とも言える圧倒的な迫力は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分だ。
今回の演奏時間は６５分３８秒、旧盤より２分半ほど長くなっているが、注目は第１楽章のテンポの遅さ。
旧盤より２分半、ムラヴィンスキーの１９８２年盤に比べて３分半も遅く、数ある同曲の録音中でもかなり遅い部類に属する。
重苦しさに満ちながら、驚くほど強い緊張感が張り詰め、金縛りにあったように動けなくなる凄さ！ゲルギエフのテンポ設定に納得させられる。
急速楽章の第２、第３楽章はほぼ同じ演奏時間であるが、ラルゴの第４楽章は１分ほど速く、希望の兆しが見える第５楽章は逆に遅くなっている。
ことにパッサカリアの第４楽章が絶品で、こうした精密極まりない音楽でゲルギエフの見せるテクニックは誰にも真似できない凄さがあり、ショスタコーヴィチの天才性を改めて実感できる。
終楽章の不思議な重さにもゲルギエフの哲学が感じられる。
ゲルギエフの統率の下、手兵マリインスキー劇場管弦楽団は最高のパフォーマンスを示している。
マルチチャンネル付きのＳＡＣＤによる極上の高音質録音も、本名演の価値を高めるのに大きく貢献している点を忘れてはならない。
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2015年04月05日
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アバドは、私見であるが、これまでの様々な名指揮者の中でも、最高の協奏曲指揮者と言えるのではなかろうか。
ベルリン・フィルの芸術監督に就任する前には、ロンドン交響楽団とともに圧倒的な名演奏を成し遂げていた気鋭の指揮者であったアバド。
そのアバドは、ベルリン・フィルの芸術監督就任後、借りてきた猫のような大人しい演奏に終始するようになってしまった。
カラヤン時代に、力の限り豪演を繰り広げてきたベルリン・フィルも、前任者と正反対のアバドの民主的な手法には好感を覚えたであろうが、演奏については、大半の奏者が各楽器セクションのバランスを重視するアバドのやり方に戸惑いと欲求不満を感じたのではないか。
それでも協奏曲の演奏に限ってみれば、ベルリン・フィルの芸術監督就任以前と寸分も変わらぬ名演を成し遂げていたと言える。
チャイコフスキーのピアノ協奏曲第１番におけるアルゲリッチとの競演（１９９４年）、そして、レコード・アカデミー賞を受賞したブラームスのピアノ協奏曲第２番におけるブレンデルとの競演（１９９１年）など、それぞれの各楽曲におけるトップの座を争う名演の指揮者は、このアバドなのである。
本盤に収められた日本を代表するヴァイオリニストである五嶋みどりと組んで録音を行ったチャイコフスキーとショスタコーヴィチのヴァイオリン協奏曲についても、こうした名演に系譜に連なるものとして高く評価したいと考える。
協奏曲の演奏に際してのアバドの基本的アプローチは、ソリストの演奏の引き立て役に徹するというものであり、本演奏においても御多分にも漏れないが、オーケストラのみの演奏箇所においては、アバドならでは歌謡性豊かな情感に満ち溢れており、格調の高さも相俟った美しさは、抗し難い魅力に満ち溢れている。
ここぞという時の力感溢れる演奏は、同時期のアバドによる交響曲の演奏には聴くことができないような生命力に満ち溢れており、これぞ協奏曲演奏の理想像の具現化と評しても過言ではあるまい。
チャイコフスキーやショスタコーヴィチの協奏曲に特有のロシア風のメランコリックな抒情を強調した演奏にはなっておらず、両曲にロシア風の民族色豊かな味わいを求める聴き手にはいささか物足りなさを感じさせるきらいもないわけではないが、五嶋みどりのヴァイオリン演奏の素晴らしさ、両曲の持つ根源的な美しさを見事に描出し得たといういわゆる音楽の完成度という意味においては、まさに非の打ちどころのない素晴らしい名演に仕上がっていると高く評価したいと考える。
五嶋みどりのヴァイオリンについては、もちろん技量においても何ら問題はないが、巧さを感じさせないところが素晴らしい。
要は、楽曲の美しさだけが聴き手に伝わってくるような演奏を心掛けていると言えるところであり、加えて、畳み掛けていくような気迫や強靭な生命力が演奏全体に漲っているのが素晴らしい。
実演ということも多分にあるとは思うが、五嶋みどりの体当たりとも言うべき渾身の、そして楽曲の美しさを際立たせた演奏は、我々聴き手の感動を誘うのに十分であり、このような力強い名演奏を聴いていると、あらためて五嶋みどりの卓越した才能を感じることが可能だ。
一部の女流ヴァイオリニストにありがちな線の細さなどは微塵もなく、どこをとっても骨太のしっかりとした構えの大きい音楽が鳴り切っているのが見事である。
音質は、ＳＡＣＤ化がなされることにより、臨場感のある素晴らしい高音質になっており、とりわけ五嶋みどりのヴァイオリンの弓使いが鮮明に再現されるのは殆ど驚異的ですらある。
あらためて本演奏の凄みを窺い知ることが可能になるとともに、ＳＡＣＤの潜在能力の高さを思い知った次第だ。
いずれにしても、アバド＆ベルリン・フィル、そして五嶋みどりによる素晴らしい名演をＳＡＣＤ盤で味わうことができるのを大いに歓迎したいと考える。
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2015年03月23日
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１９９０年５月５,６日、ウィーン・ムジークフェラインザールに於ける、楽曲の珍しい組み合わせによるコンサートの記録である。
一見凡庸な選曲に見えて、凡庸な指揮者では絶対に選択しないカップリングと言えるところだ。
１８世紀的な勝利への凱歌と２０世紀の勝利への凱歌への懐疑といった戦略的なカップリングにより、ベートーヴェンの「第５」の物語は見事に剥奪され、屈折した構造が白日の元に引きずり出されている。
そこに偶然とはいえウィーン・フィルの美音を重ねるとは、ショルティも相当な策士と言えたところであり、見事なまでに屈折したコンセプトアルバムとなった。
ショスタコーヴィチは、ショルティが最晩年になって漸く取り組みを開始した作曲家であるが、こうしたショルティのあくなき前向きな姿勢には頭を下げざるを得ない。
２曲とも快演だが、特にショスタコーヴィチの「第９」が聴きもので、ショルティの演奏は、今までこの曲に付き纏っていた曲の経緯などを全く顧慮しない典型的なものと言えよう。
この「第９」は、「第８」に次いで録音されたものであるが、全体を２０分少々という快速のテンポを取りながら、その中から浮かび上がる造型的な美しさを目指しているようだ。
新古典主義的解釈でこの作品の本質を衝き、ショルティの凄いほどの統率力がウィーン・フィルの音を引き締めると同時に、このオケの柔らかな音色が、より一層、今までの演奏との違いを感じさせる。
この当時、ショルティは既に７８歳に達していたはずであるが、とてもそうとは思えない、若き日の鋭角的なショルティを彷彿とさせる力感溢れるアプローチだ。
実にきびきびとして緊張感にあふれていながら色彩感があり、ショスタコーヴィチ特有のダークなアイロニーに富む楽想がつぶさに伝わってくる。
第１楽章からホルンなどの管楽器の響きが冴え渡り表情は明晰そのもので、第２楽章など史上最速の演奏ではあるまいか。
第３楽章の速度指定はプレストであるが、作曲者の指定通りの速度での演奏は、これが初めてであったと記憶している。
ウィーン・フィルらしからぬ荒々しさも感じられるところであり、アンサンブルがあちこちで悲鳴を上げる寸前まで追い込まれつつも、驚異的な機動力で見事に乗り切っている。
ショスタコーヴィチが「第９」に込めた諧謔的な一面を的確に描出しているという点でも、一定の評価をすべき好演であると考える。
ロシア的な色彩感が自然に表されているのも興味深い。
ベートーヴェンの「第５」は、ショルティの４回目にして最後の録音となったものだが、ここには枯れた味わいなど薬にもしたくない。
最晩年を迎えた指揮者とは思えないほどの速めのテンポでエネルギッシュな演奏を繰り広げている。
ただ、さすがにベートーヴェンだけに、ウィーン・フィルのしなやかにして優美な演奏が、全体としての印象を幾分柔和なものとすることに貢献しており、決して無機的な演奏に陥っていない。
ショルティの「第５」は、筆者としてはシカゴ響との１９７０年代または１９８０年代のスタジオ録音を採りたいが、本盤については、ウィーン・フィルとの組み合わせという意味で、それなりの存在価値はあると思われる。
全体的に強い緊張感と豊かな風格をもった演奏で、両曲ともライヴ特有の緊迫感を備えた好演である。
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2015年03月04日
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東独出身のザンデルリンクは、旧ソヴィエト連邦においてムラヴィンスキーにも師事し、ショスタコーヴィチと親交があったこともあって、ショスタコーヴィチの交響曲を得意としていた。
すべての交響曲を演奏・録音したわけではないが、第１番、第５番、第６番、第８番、第１０番、第１５番の６曲についてはスタジオ録音を行っており、いずれ劣らぬ名演に仕上がっている。
ザンデルリンクは、前述のようにムラヴィンスキーに師事していたこともあり、ショスタコーヴィチの交響曲を指揮するに際しては特別な気持ちを持って臨んでいたことを窺い知ることが可能な名演に仕上がっている。
ザンデルリンクによる本演奏は、師匠であるムラヴィンスキーの演奏とはかなり様相が異なるものとなっており、そもそもテンポ設定が全体的に随分とゆったりとしたものとなっている。
もっとも、スコア・リーディングの厳正さ、演奏全体の堅牢な造型美、そして楽想の彫りの深い描き方などは、ムラヴィンスキーの演奏に通底するものと言えるところだ。
その意味では、ショスタコーヴィチの本質をしっかりと鷲掴みにした演奏とも言えるだろう。
ムラヴィンスキーの演奏がダイレクトに演奏の凄みが伝わってくるのに対して、ザンデルリンクによる本演奏は、じわじわと凄みが伝わってくるようなタイプの演奏と言えるのかもしれない。
ショスタコーヴィチの交響曲は、最近では数多くの指揮者が演奏を行うようになってきているが、その本質を的確に描き出している演奏はあまりにも少ないと言えるのではないだろうか。
ショスタコーヴィチは、旧ソヴィエト連邦という、今で言えば北朝鮮のような独裁者が支配する政治体制の中で、絶えず死と隣り合わせの粛清の恐怖などにさらされながらしたたかに生き抜いてきたところだ。
かつて一世を風靡した「ショスタコーヴィチの証言」は現在では偽書とされているが、それでも、ショスタコーヴィチの交響曲（とりわけ第４番以降の交響曲）には、死への恐怖や独裁者への怒り、そして、粛清された者への鎮魂の気持ちが込められていると言っても過言ではあるまい。
したがって、ショスタコーヴィチと親交があるとともに、同時代を生き抜いてきたムラヴィンスキーの演奏が感動的な名演であるのは当然のことであり、かかる恐怖などと無縁に平和裏に生きてきた指揮者には、ショスタコーヴィチの交響曲の本質を的確に捉えて演奏することなど到底不可能とも言えるだろう。
一般に評判の高いバーンスタインによる演奏など、雄弁ではあるが内容は空虚で能天気な演奏であり、かかる大言壮語だけが取り柄の演奏のどこがいいのかよくわからないところだ。
かつてマーラー・ブームが訪れた際に、次はショスタコーヴィチの時代などと言われたところであるが、ショスタコーヴィチ・ブームなどは現在でもなお一向に訪れていないと言える。
マーラーの交響曲は、それなりの統率力のある指揮者と、スコアを完璧に音化し得る優秀なオーケストラが揃っていれば、それだけでも十分に名演を成し遂げることが可能とも言えるが、ショスタコーヴィチの交響曲の場合は、それだけでは到底不十分であり、楽曲の本質への深い理解や内容への徹底した追求が必要不可欠である。
こうした点が、ショスタコーヴィチ・ブームが一向に訪れない要因と言えるのかもしれない。
旧ソヴィエト連邦と同様の警察国家であった東独出身であるだけに、ザンデルリンクの演奏も、前述のようにショスタコーヴィチの本質をしっかりと鷲掴みにしたものであり、数あるショスタコーヴィチの交響曲の録音の中でも、かなり上位にランキングされる名演として高く評価したいと考える。
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2015年02月23日
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ヤンソンスは、現在ではラトルやゲルギエフなどと並ぶ世界を代表する人気指揮者の１人である。
コンセルトへボウ・アムステルダムとバイエルン放送交響楽団といった超一流の音楽監督を兼務するなど、名実ともに現代を代表する大指揮者であると言っても過言ではあるまい。
ヤンソンスが初来日したのは１９８６年で、当時、レニングラード・フィルの副指揮者をつとめていたヤンソンスは、ムラヴィンスキーが急病で来日をキャンセルしたこともあって、その代役としてレニングラード・フィルとともに数々の演奏会をこなしたのである。
本盤に収められたショスタコーヴィチの交響曲全集は、いまだヤンソンスが若かった初来日の２年後の録音（１９８８年）である第７番を皮切りとして、２００５年に録音された第１３番に至るまで、何と１７年もの歳月をかけて録音がなされたものである。
そして、オーケストラについても、副指揮者をつとめていたレニングラード・フィルや現在音楽監督をつとめているバイエルン放送交響楽団、更には、ベルリン・フィル、ウィーン・フィル、フィラデルフィア管弦楽団、ピッツバーグ交響楽団、ロンドン・フィル、オスロ・フィルといった世界各国の８つのオーケストラを起用して録音がなされているというのも、本全集の大きな特徴と言えるだろう。
ヤンソンスの芸風は、本全集の１７年間に大きく変容しているとは言えるが、基本的には純音楽的なアプローチと言えるのではないだろうか。
ムラヴィンスキーの下で副指揮者をつとめていたにもかかわらず、ムラヴィンスキーのような楽曲の心眼に鋭く切り込んで行くような徹底して凝縮化された凄みのある表現を聴くことはできない。
さりとて、ゲルギエフやスヴェトラーノフ、そしてロジェストヴェンスキーなどによるロシア風の民族色を感じさせるようなアクの強さなども殆ど存在していない。
むしろ、楽想を精緻に、そして丁寧に描き出していくというものであり、他のロシア系の指揮者とは一線を画する洗練された演奏を行っているとさえ言えるだろう。
しかしながら、ヤンソンスの表現は洗練されているからと言って、スコアに記された音符の表層だけをなぞっただけの薄味の演奏にはいささかも陥っていない。
一聴すると淡々と流れていく各フレーズには独特のニュアンスが込められており、楽曲の細部に至るまで彫琢の限りを尽くした表現を駆使していると言えるのかもしれない。
もっとも、１７年もの歳月をかけただけに、初期に録音されたものよりも後年の演奏の方がより優れており、とりわけバイエルン放送交響楽団とともに録音した第２番、第３番、第４番、第１２番、第１３番の５曲は、素晴らしい名演に仕上がっていると評価したい。
これに対して、最初の録音であるレニングラード・フィルとの第７番は、いささか踏み込み不足が感じられるところであり、作曲者生誕１００年を記念して発売されたコンセルトへボウ・アムステルダムとのライヴ録音（２００６年）と比較すると、今一つの演奏であると言わざるを得ない。
その他の交響曲については、出来不出来はあるが、少なくとも今日のヤンソンスの名声を傷つけるような演奏は皆無であり、一定の水準は十分に保った演奏に仕上がっている。
前述のバイエルン放送交響楽団との５曲の名演やコンセルトへボウ・アムステルダムとの第７番の名演等に鑑みれば、ヤンソンスが今後バイエルン放送交響楽団、あるいはコンセルトへボウ・アムステルダムとともに、ショスタコーヴィチの交響曲全集を録音すれば、おそらくは現代を代表する全集との評価を勝ち得ることが可能ではないかとも考えられるところだ。
いずれにしても、本全集は、今日の大指揮者ヤンソンスへの確かな道程を感じさせる全集であり、最初期の第７番を除いては水準以上の演奏で構成されていること、そして破格の廉価であることに鑑みれば、初心者にも安心しておすすめできる素晴らしい全集であると評価したいと考える。
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2015年02月22日
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今は大指揮者との評価の高いハイティンクだが、かつて凡庸、平凡の代名詞のように言われていた時期があった。
そんなイメージを引きずってか、ハイティンクのショスタコーヴィチには迫力や厳しさが足りない、という先入観を持っている方は少なくないように思う。
たしかに、スヴェトラーノフばりの耳をつんざく金管の叫びとも、ムラヴィンスキーのような極限の美とも無縁だが、ただ上品なだけの大人しい演奏かというと、それも間違いである。
ことに「第４」「第８」といった阿鼻叫喚の作品で見せる鬼神の如き迫力は、一般にイメージされる温厚で良識のある（悪く言えば、凡庸な）ハイティンク像とは違うものだろう。
両演奏ともに、しっとりと美しい弦と懐の深いサウンドがあってはじめて、「ここぞ」という場面での気迫が生きてくるのである。
つまり、単純な叫びに終わらない含蓄があるのだ。
「第５」も、これほど静かで、心に染み入るアプローチは稀だが、それが却って、この作品の純粋器楽の美しさを浮かび上がらせている。
大声で叫ばなくても、否、敢えて叫ばないからこそ、聴き手の心にズシリと響く。
怒涛のフィナーレにおいても、自らは夢中にならずにオーケストラを燃え上がらせる大家の指揮ぶりだ。
静かなアプローチといえば「第６」第１楽章での、ひたひたと押し寄せる悲しみと嘆きに真の慟哭が認められるし、純粋器楽の美しさといえば「第９」の愉悦感も極上だ。
さて、この全集の白眉は、ヴァラディ（Ｓ）、フィッシャー=ディースカウ（Ｂｒ）を独唱に迎えた「第１４」であろう。
この「第１４」の持つ独特の構成（２名の独唱者による１１の連作歌曲風）は、まさにショスタコーヴィチの愛したマーラー「大地の歌」を彷彿とさせるだけでなく、音楽的な内容の深さにも十分に対峙できるものである。
この曲が一般的に知られていないのは、原曲のテキストがロシア語、または諸外国の詩のロシア語訳のため演奏頻度が少ないせいもあるのだろう。
この演奏では、ロルカ（スペイン）、アポリネール（フランス）、キュヘルベルケ（ロシア）、リルケ（ドイツ）によるテキストが、大胆にもそれぞれの原語で歌われているが、それが斬新であるとともに、きわめて強い説得力を持っている。
ヴァラディもフィッシャー=ディースカウも、まったく綺麗事でない、まるでベルク「ヴォツェック」の登場人物のような鬼気迫る歌唱を見せ、聴き手の魂を凍りつかせる。
ハイティンク指揮のコンセルトヘボウ管も超絶的な技巧で、この室内楽的なスコアの、精緻を極めた再現に成功している。
これは、もっともっと多くの方の耳に届けたい畢生の名演である。
ところで、ハイティンクの上質なアプローチのすべてが功を奏しているというわけではない。
「第７」など、恰幅の良い演奏だが、これは、ハイティンクの上質さが裏目に出ている例だろう。
弦主体のバランス感覚は良いとしても木管の色彩感が淡すぎて、この作品の持つヴァイタリティを表しきれないのである。
「第１」については、あまりにも落ち着き払った演奏により、才気煥発な学生ショスタコーヴィチというよりは、円熟した大人の音楽に聴こえてしまうのが、贅沢な難点と言えるだろう。
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2015年02月14日
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プレヴィンがかつて首席指揮者を務めたロンドン響と録音したショスタコーヴィチの大作、交響曲第８番。
高性能軍団ロンドン響を駆使して、プレヴィンが壮大な音のドラマを繰り広げる。
みごとな完成度をもった演奏だ。
ショスタコーヴィチの音楽はどれを聴いても、独裁体制下でのインテリゲンチャの生き方のむずかしさを考えさせられる。
体制に迎合すると見せかけて、研ぎ澄ました牙のちらつくこともある。
隠蔽が行き過ぎて自虐的、韜晦的になることもある。
この交響曲第８番も例外ではない。
第２次世界大戦中に作曲されたこの曲は、戦争の悲惨さを訴えながら、どんな苛酷な現実のなかでも譲ることのできない芸術家の良心を滲ませている。
むしろ現実が苛酷なほど、自己の芸術を磨くチャンスになる。
プレヴィンはそれを追求してゆく作曲家の超人的な努力に同調しつつ、同時に表面からは見えにくい芸術理念を、透かし彫りのように浮かび上がらせている。
この交響曲は、当初作曲者が表明したように人生を肯定的に表現したものか、それとも、のちに作曲者が遺言したように、レクイエム、悲劇の音楽なのか。
「物語」あるいは「神話」が付随した作品だ。
プレヴィンは、とりあえずそうしたものから自由になって純粋に音楽そのものに立ち向かう。
悲劇性を押し売りすることなく、逆に、耳に聴きやすくテクスチュアを整理することもない。
特筆すべきは響きの混ぜ合わせの妙で、極小の響きの断片が微細に色合いと明暗を変えてゆく。
第４楽章は入魂の名演で、とくに後半は静かな眩暈すら呼ぶ。
戦争の恐怖や悲惨さから生まれた曲ではあるが、いたわりに満ちた音色で奏でられるアダージョを聴くとき、プレヴィンは曲の背景にこだわることなく、あくまで音楽自身がもつエネルギーを描き出そうとしている気がする。
第５楽章も圧倒的だ。
人生の否定か肯定かという「物語」を超える、音楽のみが表現できるゲミュートが聴き手を包む。
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2015年02月03日
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ルドルフ・バルシャイ指揮ケルン放送交響楽団ほかによる、１９９２年〜２０００年にデジタル録音された、ショスタコーヴィチ交響曲全集の廉価盤ＢＯＸである。
一見、地味な組み合わせだが、ショスタコーヴィチの真髄を精確に演奏している名盤と言えるだろう。
バルシャイはショスタコーヴィチに作曲を師事し、交響曲第１４番『死者の歌』の初演をした、旧ソ連ラビンスク出身のヴィオラの名手にして名指揮者である。
１つ１つの交響曲が非常に丁寧に演奏されていて、全体的な出来映えが非常に高い。
演奏スタイルは、第５番を例にとると、バーンスタインのような華やかさ・流麗さではなく、むしろ重厚さ・深さに比重を置いたものとなっていて、ある意味、奇を衒わない、基本に忠実なショスタコーヴィチと言えるだろう。
中でも１５曲中、最も重要な作品と言われる第４番、第８番、第１０番の出来栄えは素晴らしいものがあり、第４番両端楽章でのフーガの緊迫感と声部バランスの完璧さや、第８番の２つのスケルツォ楽章における哄笑の切れ味、第１０番でのテクスチュアの克明さなどまさに圧巻。
ショスタコーヴィチの語法を知り尽くしたバルシャイならではの意味深いアプローチは聴き応え十分だ。
もちろん、他の作品の出来栄えも優れたもので、迫力満点の標題交響曲としてマニアに人気の第１１番『１９０５年』でも殺戮シーンの描写は圧倒的なものがあるし、同じく描写性の高い第１２番『１９１７年』でも、弦楽の扱いが巧緻なぶん、構造面の魅力がよく伝わってくる。
声楽つきの第２番、第３番、第１３番、第１４番ではそれぞれの異なるテーマにふさわしいスタンスが取られており、特に、バルシャイ自身が作品の初演者でもある第１４番『死者の歌』については、室内編成オーケストラによる多彩をきわめた音響の面白さが耳目を引く。
その他、第１３番『バビ・ヤール』でのフーガや、第３番『メーデー』での文字通り行進曲風な楽想の処理、第２番『１０月革命に捧ぐ』での過激な音響表出もひたすら見事。
第１番、第６番、第９番の３曲は、いずれも３０分程度の規模の小さな作品ながら、聴きどころのぎっしり詰まった充実した作風ゆえファンが多い傑作。
バルシャイのアプローチも機知に富み、機敏さを決して失わないところなどは作品にまさにぴったり。
ショスタコーヴィチ最後の交響曲となった第１５番では、ウィリアム・テルやマーラー、ワーグナーの引用などいつにも増してパロディ的な手法が多く使われるのだが、バルシャイの演奏は引用強調を主眼としないシリアスなものとなっている。
天才ショスタコーヴィチの交響曲を深く知ってみたいと思うのであれば、この作曲家にとことんこだわったバルシャイの情熱的な演奏を理解できるようにしておきたい。
ロストロポーヴィチやコンドラシンなどもショスタコーヴィチ交響曲全集を残しているが、聴きやすさという点ではこのバルシャイ盤が一番であり、特にショスタコーヴィチをまだ聴いたことがない人は、まずこの全集を聴いて気に入った交響曲を聴いていけば良いだろう。
バルシャイのショスタコーヴィチと言えば、熱気あふれる名演として有名な第７番『レニングラード』ライヴや、自身の編曲版による弦楽四重奏曲集、といったアルバムがこれまでリリースされていたが、今回のリリースは彼の実力を真に知らしめるものとして、大いに歓迎されるところだ。
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ショスタコーヴィチは、間違いなく２０世紀を代表する作曲家であり、今後益々評価は高まっていくだろう。
特に「第５」は、ポピュラーな作品だけに、ロジンスキーの歴史的名盤以来、個性溢れる演奏が目白押しである。
ハイティンクの名は、一般には平凡、無個性の代名詞のように認識されている。
確かに、ブルックナー、マーラー、それを聴いても、魂の底光りが感じられないことが多い。
しかし、理由は不明だが、ショスタコーヴィチにはそれがあるのだ。
一聴すると、オーケストラを無理なく鳴らすだけの浅薄な演奏に聴こえなくもないが、コンセルトヘボウの豊穣な響きでもって、充実しきった演奏を繰り広げる。
ただそれだけなのに感動がある。
そこに、土臭い「ロシア訛り」のないことが幸いして、ショスタコーヴィチの理知的な面に光が当たるからなのか。
本盤の「第５」は、１９８２年に録音されているが、ハイティンクのディスクに接するに当たって、この年代は記憶しておいていい。
指揮者ハイティンクは、ずいぶんと早い時期からレコーディングを行なってきているが、必ずしもコンスタントに名盤・秀盤を送り出してきたというわけではない。
もうひとつ注文がつくところがあるなぁ、と思わせるのもいくつかあった。
とりわけ、その傾向は１９６０年代、７０年代において強い。
ところが、その彼が８０年代を迎える頃あたりから急速に充実、成熟し、出るディスク、出るディスク、いずれも中身が濃い音楽を聴かせてくれるようになっていった。
この「第５」は、そうした傾向を端的に象徴する１枚と言えよう（同じ時期に完成されたショスタコーヴィチの交響曲全集にも、当然同じことが指摘できる）。
重心の低い、しかも柔軟性のある音楽性が、ここでもたいそう効果的である。
「第５交響曲で扱われている主題は誰にも明白である。あれは《ボリス・ゴドゥノフ》の場合と同様、強制された歓喜なのだ」。
ヴォルコフの『ショスタコーヴィチの証言』が作曲者の肉声を伝えていることを前提にしての感想であるが、定評ある名盤が居並ぶなかでハイティンクの演奏が一際光彩を放つのは、彼がオペラ指揮者として、オーケストラによる情景描写、心理描写に優れた技量を備えていることと無関係ではないと思う。
『証言』以来、特にこの曲は聴く側にもいろいろと変化をもたらしたが、あくまでもスコアに則ったハイティンクの演奏は、作品のもつ劇的な性格や音響美など、すべてにおいて最もバランスのよい表現であり、まだ新鮮さを失っていない。
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2015年01月24日
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ハイティンクほど評価が分かれる指揮者はいないのではないか。
長年に渡ってコンセルトへボウ・アムステルダムの音楽監督をつとめ、ポストカラヤン争いでも後継者の候補の１人と目されベルリン・フィルの団員にも愛された指揮者であり、そして現在ではシカゴ交響楽団の音楽監督をつとめるという輝かしい経歴の持ち主であるにもかかわらず、ハイティンクの名声が揺るぎないものとは言い難い状況にある。
ハイティンクは全集マニアとして知られ、数多くの作曲家の交響曲全集を録音している。
いずれも決して凡演というわけではなく、むしろいい演奏ではあるが、他の指揮者による演奏にも優るベストの名演を成し遂げているとは言い難いのではないだろうか。
このように、ベターな演奏を成し遂げることが出来てもベストの名演を成し遂げることができないところに、ハイティンクという指揮者の今日における前述のような定まらない評価という現実があるのかもしれない。
もっとも、ハイティンクが録音した数ある交響曲全集の中でも、唯一ベストに近い評価を勝ち得ている名全集がある。
それは、完成当時はいまだ旧ソヴィエト連邦が存在していたということで、西側初とも謳われたショスタコーヴィチの交響曲全集（１９７７〜１９８４年）である。
これは、ハイティンクに辛口のとある影響力の大きい有名音楽評論家さえもが高く評価している全集だ。
本演奏におけるハイティンクのアプローチは直球勝負で、いずれの演奏においても、いかにもハイティンクならではの曲想を精緻に、そして丁寧に描き出していくというものであり、英デッカによる高音質も相俟って、ショスタコーヴィチがスコアに記した音符の数々が明瞭に表現されているというのが特徴である。
したがって、ショスタコーヴィチの交響曲の魅力を安定した気持ちで味わうことができるという意味においては、どの演奏も水準以上の名演であると言えるだろう。
もっとも、決して奇を衒ったり、踏み外しを行ったりすることのない演奏であることから、各交響曲に込められた粛清への恐怖や粛清された者への鎮魂、独裁者への激しい怒りなどを抉り出していくような鋭さにおいては、後述のように第１３番を除いては必ずしも十分とは言い難い面があり、個々の交響曲のすべてがベストの名演というわけではないことにも留意しておく必要がある。
その意味では、最大公約数的に優れた名全集と言えるのかもしれない。
私見では、第１番〜第３番、第９番、第１１番についてはゲルギエフ＆マリインスキー劇場管による演奏、第４番についてはラトル＆バーミンガム市響やチョン・ミュンフン＆クリーヴランド管、そしてゲルギエフ＆マリインスキー劇場管による演奏、第５番及び第６番、第８番、第１２番、第１５番についてはムラヴィンスキー＆レニングラード・フィルによる演奏、第７番についてはスヴェトラーノフ＆ソヴィエト国立響による演奏、第１０番についてはカラヤン＆ベルリン・フィルやムラヴィンスキー＆レニングラード・フィルによる演奏、第１４番についてはクルレンツィス＆アンサンブル・ムジカエテルナによる演奏がベストの名演であり、これらの名演と比較すると、ハイティンクによるこれらの交響曲の演奏はどうしても見劣りすると言わざるを得ない。
また、ハイティンクは、ロンドン・フィルとコンセルトへボウ・アムステルダムの両オーケストラを使い分けているが、どちらかと言えば、コンセルトへボウ・アムステルダムを起用した演奏の方がより優れている。
そのような中で、コンセルトへボウ・アムステルダムと演奏した第１３番だけは、何故に同曲だけなのかよくわからないところであるが、楽曲の心眼を鋭く抉り出していこうという彫りの深さが際立っており、同曲の他の指揮者による様々な演奏にも冠絶する至高の超名演と高く評価したいと考える。
いずれにしても、本全集は、ショスタコーヴィチの交響曲全集をできるだけ良好な音質で、なおかつすべての交響曲を一定の水準以上の名演奏で聴きたいという人、そして第１３番の最高の超名演を聴きたいと思う人には、安心してお薦めできる名全集である。
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2015年01月22日
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ムラヴィンスキーの数ある同曲録音の中から、日本でのライヴ録音が図抜けて素晴らしい、ということは実に誇らしいことだ。
何度聴いてもなんと神聖な演奏であろうか。
まるで早朝の神社にお参りしたような張り詰めた空気がここにはある。
破格の技術を持つレニングラード・フィルは、決してその技を誇示することなく、ひたすら音楽のために奉仕する。
いかに低弦が唸ろうとも金管が吠えようとも、つねに格調の高さと節度を失うことがなく、「ロシアの」ということを超越した普遍的な芸術意識に貫かれている。
もっとも胸打たれる瞬間のひとつは、第１楽章後半のフルート・ソロ（ムラヴィンスキー夫人）とホルンの対話の部分である。
ヴィブラートの抑制された清冽なフルートの調べは、指揮者との愛の交歓のようで、聴きながら切なくなってしまう。
第３楽章にも同様の場面があるが、こんなフルートを吹かれてしまうと、ムラヴィンスキーでなくても、この人を愛してしまうに違いない。
このＣＤの価値を高めているのは、ＮＨＫによる良心的な録音、及びアルトゥスによる優れたリマスタリングにもよる。
会場ノイズを除去しすぎることもなく、徒らな効果も狙うこともなく、きわめて真っ当な音で勝負してくれたのが、何よりありがたい。
このような中で、今般、待望のシングルレイヤーによるＳＡＣＤ化がなされるに及んで大変驚いた。
音質の鮮明さ、そして音場の幅広さ、音圧などのどれをとっても一級品の仕上がりであり、あらためてＳＡＣＤ盤の潜在能力の高さを思い知った次第である。
いずれにしても、ムラヴィンスキーによる圧倒的な超名演を現在望みうる最高の高音質ＳＡＣＤで味わうことができるのを大いに喜びたい。
なお、この他のムラヴィンスキーによる同曲の録音では、１９５４年のスタジオ盤、１９８４年のライヴ盤も聴いておきたい。
前者は何と言っても、ムラヴィンスキーが遺した唯一の商業録音として、その公式見解を知るという意味で。
後年よりさらに厳しい彫琢によるストイックさが魅力である。
後者は、アルトゥス盤よりもオン・マイクの録音による生々しさに別の魅力がある。
その直接的な迫力にグラッとくるが、日本公演のような神聖さは後退している。
前記フルート・ソロも断然アルトゥス盤が上である。
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世界初のショスタコーヴィチ交響曲全集である。
ハイティンクの全集には、ロシア訛りがなくて物足りない、という人には、最適の全集であろう。
もっとも、コンドラシンの演奏は、ロシア臭だけが売り物のローカルなものでなく、いずれも非常な熱演で、純音楽的にも高い水準である。
全集完成に１３年を費やしているため、演奏や録音に多少のムラはあるが、１人の指揮者が同じ楽団で、１人の作曲家の生涯の仕事を追うのは意義深いことだし、コンドラシンが、楽曲を端正・率直に表出して、豊かな音楽を歌い出す指揮者であることも適任だったと言える。
コンドラシンといえば、ショスタコーヴィチ交響曲の２つの問題作、すなわちオペラ「ムツェンスク郡のマクベス夫人」などに対して始まった当局の批判をかわすために作曲者自らが上演を取りやめた「第４」、ユダヤ人迫害というソ連政府にとって蓋をしておきたい問題提起にムラヴィンスキーが初演指揮を辞退した「第１３」の気骨ある初演指揮者として、作曲者と深い心の絆で結ばれていた。
だから、と言えばこじつけのように聞こえるかもしれないが、この２曲に関して、コンドラシンの録音を無視するわけにはいかない。
「第４」は、歴史的な初演直後の録音であるが、それにしても素晴らしい作品だ。
大衆性とは無縁ながら、インスピレーションの豊富さ、斬新さ、奇抜さという点では、次作「第５」をも遥かに上回る。
終楽章の後半、ドロドロと轟くティンパニに続くトランペットの強烈な不協和音では、一瞬、地球が軌道から外れたような衝撃が走る。
コンドラシンはそうした常識で計れない作品の魅力を深部で捉え、見事に音にしており、これ以外の表現が考えられないほど的確な構築の名演だ。
有り余るエネルギーを内に湛えつつ、抑制された語り口に始まりながら、徐々に熱を帯びてくる恐ろしさ、時折、顔をのぞかせる狂気など、一級の演奏芸術作品となっているのである。
余談ながら、ムラヴィンスキーが「《第５》以前の交響曲は指揮しない」として、この傑作を無視し続けたことは、まことに残念だ。
「第１３」は、１９６８年の録音だが、初演者としての自信と使命感に裏打ちされた立派な演奏だ。
凍てつく大地をも揺るがすようなエイゼンの独唱とコーラスは、まさにロシアの男声はかくあるべし、と思わせる。
スタジオ録音とは思えないほど緊張感の持続した演奏であるが、音質がいまひとつなのは惜しまれる。
「第８」の凄絶さも群を抜いているが、ムラヴィンスキーにだけは敵わないようだ。
残る１３曲も水準を超える演奏である。
オーケストラの耳を突き刺す大音響が、ときに煙幕となって作品の理知的なフォルムを曇らせてしまうこともあるけれど。
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2015年01月18日
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本盤の売りは何よりもＸＲＣＤによる極上の高音質録音ということになるのではないだろうか。
本盤に収められた演奏は１９６５年の録音であるが、約５０年近く前の録音とはとても思えないような鮮度のある高音質に生まれ変わっており、あらためてＸＲＣＤの潜在能力に驚き入った次第である。
ＸＲＣＤのポリシーとしては、マスターテープに刻み込まれた原音を忠実に再現するということであり、いかに約５０年近く前と言えども、マスターテープには良好な音質が記録されている証左であるとも考えられる。
現在においても、１９６０年代に録音された演奏を収めたＣＤが大量に流通しているが、ＳＡＣＤ化されたものは別格として、本盤のような水準に達した高音質のＣＤは非常に少ないと言わざるを得ない。
１９６０年代は、ワルターやシューリヒト、クナッパーツブッシュが最後の輝きを見せるとともに、クレンペラーなどの往年の大指揮者がなお活躍していた時代である。
これらの大指揮者による名演のうち、ＳＡＣＤ化されたのは現時点ではワルターやクレンペラーによる一部の録音に限られており、その他の大半の録音はいまだに音質の抜本的な改善が図られているとは言い難い状況にある。
今後は、マスターテープに刻み込まれた原音を忠実に再現すべく、ＸＲＣＤ化や、あわよくばＳＡＣＤ化を行うことによって、かつての名演の再生につとめていただきたいと考えている。
本盤に収められた演奏は、１９６５年８月に録音された若き日のプレヴィンによるショスタコーヴィチの「第５」である。
プレヴィンにとって、協奏曲を除き、ＲＣＡにおける最初のクラシック音楽のレコーディングの１つとなった。
プレヴィンにとっては、いわばＲＣＡにおける最初の交響曲アルバムとなったもので、１９６０年代の絶頂期のロンドン響から、若々しく濃密なサウンドを引き出して、「２０世紀最大のシンフォニスト」であったショスタコーヴィチのオーケストレーションを緻密に再現した名盤としてＬＰ時代から高く評価されている。
プレヴィンは、クラシック音楽のみならず、多種多様な音楽のジャンルでも活躍する万能型のミュージシャンと言える。
それ故に、プレヴィンのアプローチは、楽曲の聴かせどころのツボを心得た非常にわかりやすいものと言えるだろう。
本演奏においても、プレヴィンはいささかも深刻には陥ることなく、起承転結が明快な演出巧者ぶりを発揮している。
他方、ショスタコーヴィチが同曲に込めた粛清への恐怖や、それと裏腹の強制された歓喜などとは無縁の演奏でもあり、苦悩から歓喜へという単純な図式に基づいて外面的な効果を狙った演奏に陥っているとも言えなくもない。
しかしながら、本演奏の録音当時はショスタコーヴィチがなお存命であり、その評価が定まっていない時期であったことや、プレヴィンが本演奏に示した類稀なる音楽性の豊かさ、そして前述のＸＲＣＤによる素晴らしい高音質を加味すれば、名演との評価をするのにいささかの躊躇もしない。
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2015年01月17日
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「私の交響曲は墓標である」と言ったというショスタコーヴィチの交響曲であるが、この演奏はその中でも注目すべき１枚と言えよう。
ケーゲルは共産主義の正しさを確信し、それでも共産主義体制が崩壊してゆくことに危機感を募らせ、自ら命を絶ったといわれているが、このショスタコーヴィチの交響曲第５番は、そういう指揮者にしかできない演奏であることは間違いない。
ケーゲルはここで本領を発揮、全楽章を通して悲愴感に満ちているが、そういう意味では、この曲の悲劇性を皮肉にも非常に強く表現している。
まるで深い闇の底を覗き込むような音楽であるが、なかでも聴きどころは澄んだ悲しさの第３楽章に続く最終楽章。
冒頭から聴こえてくるのは、「革命の生の高揚」などではない。「恐怖の絶叫」「感情の爆発」だ。
続いてもその先には「勝利の喜び」などはない。その喜びは一種の絶望と諦観とでもいうべきものである。
したがって、文学的メッセージを鑑賞するには、ケーゲルの解釈は一定の評価をされるべきものであると評価したい。
しかしながら、オケの、ステージ上で何か事故が起こっているのではないかと思わせるほどのミス（拍子のカウントのずれやテンポのずれ）が散見される。
それは、ライヴ録音であるという点を考慮しても許容される範囲をはるかに逸脱していると言わざるを得ない。
これでもし、オケが一流だったら、ムラヴィンスキーに追随するかのような凄演になっていたのだろうと悔やまれる。
なお、終楽章のコーダでティンパニの連打に鐘を重ねているのは聴く者の度肝を抜くケーゲル独自の解釈と言えるが、この解釈は成功していると思う。
やはり曲そのものにそういうものを予感させる何かがあるからであろう。
最後は決して勝利の行進ではなく、強制された断頭台への行進なのである。ケーゲルはそれを明らかにしただけなのだ。
「第９」は、スタイリッシュでセンス抜群な古典風の端正な交響曲ではあるが、一聴してそれと判断してはいけない。
その底には恐怖の予兆とでもいった、闇の底から湧きあがる黒いマグマの様なものが流れているのだ。
聴く者を恐怖のどん底に落とすであろうこの１枚は、「癒し」などという言葉とはほど遠いものがあるが、そもそも「感動」とは人の心や価値観を脅かし、一種の恐怖を伴うものなのだ。
ケーゲルという指揮者を決して侮ってはならない。恐怖は静かな顔でこちらを窺っているのである。
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2015年01月11日
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ショスタコーヴィチの交響曲第５番は、ムラヴィンスキーにより初演された（１９３７年）。
彼はその翌年にレニングラード・フィル（現サンクト・ペテルブルク・フィル）の首席指揮者に就任するが、以来ショスタコーヴィチのほとんどの作品は彼の手によって世に送り出されている。
ムラヴィンスキーは、生涯をかけて何百回となくこのロシアの大地の匂いを感じさせる交響曲をとりあげてきた。
それに併せて、数多くの録音が遺され、いずれ劣らぬ名演であるが、演奏や録音の両方を兼ね備えた名演としては、本盤と来日公演での演奏ということになるのではないかと考える。
ムラヴィンスキーの自信と余裕が感じられ、特に全体に漲る迫力と緊張感は彼ならではのもの。
しかも彼の独裁的なオーケストラ統治のおかげで、その解釈表現は頑強に保たれることになった。
一言で言えば、襟を正したくなるような厳しい演奏で、一切の無駄を省き、一分の隙もない引き締まった彫琢をみせる。
この演奏もまさに完璧の一言で、ムラヴィンスキーらしい聴いていて恐ろしくなるほどの異様な緊張感と迫力で一気に聴かせる。
これを聴いていると、あの冷戦時代の緊張感、そしてショスタコーヴィチの苦悩が再現されるような思いにかられる。
ムラヴィンスキーの演奏を聴いていると、ショスタコーヴィチの演奏の王道は、今では偽書ととされているものの、『ショスタコーヴィチの証言』が何と言おうが、初演者であるムラヴィンスキー以外の演奏ではあり得ないと痛感させられる。
世評では、バーンスタインの演奏の評価が高いが、あのような外面的な効果を狙っただけの演奏では、ショスタコーヴィチの交響曲の本質を表現することはできないと考える。
ソヴィエト連邦、しかも独裁者スターリンの時代という、現代で言えば北朝鮮に酷似した恐怖の時代。
この恐怖の時代をともに生きた者でないとわからない何かが、この交響曲には内包されているはずで、ムラヴィンスキーの名演も、外面的な効果ではバーンスタインの演奏などには一歩譲るが、神々しいまでの深遠さにおいては、他の演奏が束になってもかなわない至高・至純の次元に達している。
ムラヴィンスキーの統率の下、レニングラード・フィルの鉄壁なアンサンブルも凄い。
ホルンのブヤノフスキーやフルートのアレクサンドラ夫人の巧さも際立っており、第２楽章のコントラバスの重量感溢れる合奏も凄まじい迫力である。
いずれにせよ円熟期にあったムラヴィンスキーの至芸が心ゆくまで味わえる素晴らしい名演奏には違いない。
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2015年01月10日
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以前メロディアから出ていた１９５９年のセッション録音（モノラル録音）である。
この名録音が久しぶりに容易に入手できるようになったことを歓迎したい。
この曲を戦争映画のサントラか無内容な音の大スペクタクルのように感じる人がいたならば、ケーゲルやコンヴィチュニー、同じくムラヴィンスキーのレニングラード初演などとともに、この録音をお薦めしたい。
録音の古さを超えて、この曲が単にレーニン賞受賞の体制御用達の曲でなく、絞り出すようなプロテスト、万感のメッセージが込められているのではと考えさせてくれる。
ショスタコーヴィチの交響曲の約半数、７曲を初演したムラヴィンスキーは、作曲家晩年の回想では理解していないと非難されたが、作品の普及に大きく貢献したことは事実である。
演奏について「曲の本質ではない演奏」という評がちらほら見られるが、ショスタコーヴィチとレニングラード・フィルは紛れもなく初演者であり、「そうじゃない！」と言わせたなどの数々のエピソードからショスタコーヴィチ本人の楽曲に込めた意思はムラヴィンスキー本人に伝わっていると断言できる。
全体的な構成感やその歌い回しでは今録音されている全ての「１９０５年」を通して変わらない一つの頑固なる意志が見て取れる。
それを以て「曲の本質を掴めていない」というのは何事か！？ 作曲者の意思が現れる演奏こそ最も本質的な演奏なのである。
別な解釈からのアプローチを行った演奏は否定しないし、もし筆者が自身の作品の奇異な解釈に出会ったとして、それが面白いものならば面白いと思うだろう（事実、奇異な演奏というのは様々な淘汰の中で生き残ってきた演奏のみを今耳にすることが出来るのである）。
しかしそれによって刷り込まれたイメージのみを以て作曲者のアドバイスをも受けたこの初演者の演奏を「曲の本質ではない」と評するのは作曲家ショスタコーヴィチにも失礼である。
もし本当にそれでも本質的でない演奏と思うのであれば、それはショスタコーヴィチのアドバイスを受けていない第三者が誇張した演奏を最も本質的だ！と評しているということで、本当はそれこそ本質的ではないということを自覚するべきである。
この演奏も、絶壁に立たされたような恐ろしいまでの緊張感を感じさせる演奏だ。
でも、本当のところは、歴史を共有することができない私たちにはわからないのかもしれない。
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2014年10月24日
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ハイティンクが得意とするショスタコーヴィチの交響曲の待望の最新録音の登場だ。
ハイティンクは、本盤に収められた交響曲第４番を約３０年前にもロンドン・フィルとともに、ショスタコーヴィチの交響曲全集の一環としてスタジオ録音（１９７９年）していることから、本演奏はハイティンクによる同曲の２度目の録音ということになる。
そして本盤に収められた約３０年ぶりの本演奏は、当該全集に収められた演奏とは段違いの素晴らしい名演に仕上がっていると評価したい。
本演奏におけるハイティンクのアプローチは直球勝負。
いかにもハイティンクならではの曲想を精緻に、そして丁寧に描き出していくというものであり、ショスタコーヴィチがスコアに記した音符の数々が明瞭に表現されているというのが特徴である。
したがって、ショスタコーヴィチの交響曲の魅力を安定した気持ちで味わうことができるというのが素晴らしいと言えるところだ。
加えて、本演奏には、晩年を迎えたハイティンクならではの奥行きの深さが感じられるところであり、同曲に込められた作曲者の狂気や絶望感などが、淡々と進行していく曲想の中の各フレーズから滲み出してくるのが見事である。
このような彫りの深い名演を聴いていると、ハイティンクが今や真の大指揮者になったことを痛感せざるを得ないところだ。
ハイティンクの確かな統率の下、現在の手兵であるシカゴ交響楽団が持ち得る実力を最大限に発揮した入魂の名演奏を繰り広げているのも、本名演に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
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2014年09月15日
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ショスタコーヴィチは、弦楽四重奏曲を交響曲と同様に１５曲も作曲したが、これはバルトークによる６曲の弦楽四重奏曲と並んで、２０世紀における弦楽四重奏曲の最高傑作との評価がなされている。
確かに、作曲書法の充実度や、内容の奥深さなどに鑑みれば、かかる評価は至当であると考えられる。
ショスタコーヴィチは、旧ソヴィエト連邦という、現在で言えば北朝鮮のような非民主的な独裁国家で、粛清の恐怖を耐え忍びながらしたたかに生き抜いた作曲家であった。
かつて一世を風靡した「ショスタコーヴィチの証言」は現在では偽書とされているが、ショスタコーヴィチに関して記したその他の様々な文献を紐解いてもみても、その交響曲や弦楽四重奏曲などには、かかる粛清の恐怖や、スターリンをはじめとする独裁者への批判や憤り、独裁者によって粛清された犠牲者への鎮魂などが色濃く反映されている。
したがって、旧ソヴィエト連邦の時代を共に生き、粛清への恐怖に実際に身を置いた者こそが、ショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲に込められたこのような深遠な世界をよりうまく音化することができると言えるのではないだろうか。
ボロディン弦楽四重奏団は、旧ソヴィエト連邦下において１９４５年に結成され、それ以降も旧ソヴィエト連邦において活動を行ってきた団体である。
したがって、その演奏は、ショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲の心眼に鋭く切り込んでいくという鋭さ、そして凄みにおいては、他のいかなる弦楽四重奏団が束になってもかなわないレベルに達していると言えるところであり、その演奏の彫りの深さは、尋常ならざる深遠さを湛えている。
とりわけ、最晩年の弦楽四重奏曲の凄みのある演奏には戦慄を覚えるほどであり、これは音楽という次元を通り越して、あたかもショスタコーヴィチの遺言のように聴こえるのは筆者だけではあるまい。
リヒテルが加わったピアノ五重奏曲も、弦楽四重奏曲と同様の彫りの深い圧倒的な超名演だ。
なお、ボロディン弦楽四重奏団は、１９６０年代から１９７０年代の初頭にかけて、当時作曲されていなかった第１４番及び第１５番を除くすべての弦楽四重奏曲の録音を行っており、それも優れた名演であったが、各楽曲の本質への追求度という意味においては本演奏の方が数段上であると考えている（その分、演奏自体はかなり冷徹なものとなっていると言えなくもない）。
本演奏で唯一の難点は録音が今一つ冴えないということであり、これは旧ソヴィエト連邦下のメロディア録音であり致し方がない面もある。
もっとも、ショスタコーヴィチの弦楽四重奏曲の演奏史上最高の超名演でもあり、今後はＸＲＣＤ化やＳＡＣＤ化を図るなど、更なる高音質化を大いに望んでおきたいと考える。
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2014年09月14日
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２００３年５月 ベルリン・フィルハーモニーに於けるライヴ録音。
巨匠スクロヴァチェフスキが、近年客演を繰り返すドイツの名門ベルリン・ドイツ響(旧西ベルリン放送響)の優秀さを存分に生かし、稀に見る緊張感を孕んだ強烈な演奏の登場で、これは確かに素晴らしい演奏だ。
スクロヴァチェフスキは、当曲をマンチェスターのハレ管弦楽団とも録音していたが、オーケストラの能力には如何ともし難い部分があったのは事実であり、今までどうしても優秀オケとの共演盤に恵まれなかっただけに、この演奏は歓呼を持って迎えられた。
スクロヴァチェフスキは、オーケストラに対し非常に要求の厳しい指揮者であり、その指示命令を完璧にこなすには、相当の技量を持ったオーケストラでないと上手くいかないことは、ファンなら良く知る所と言えよう。
ムラヴィンスキーを想起させる辛口でキリリと引き締まった快速テンポが採用され、変幻自在な棒さばきにベルリン・ドイツ響が見事に反応する様子は魔術のようである。
音量の強弱、大小のコントラストの強さは、凄絶を極めているが、指揮者が音楽をあまり締め付けず、手綱を緩めた結果、オケの自在性がその潜在力を最も発揮した例のように思われる。
ベートーヴェンでもブルックナーでも、スクロヴァチェフスキはあまりに厳格なコントロールがやりすぎの感を抱かせるときがあり、それが音楽をスケールの小さなものにしている気がする。
そんな演奏は「箱庭」の音楽などと揶揄されるが、ベートーヴェンでも「第９」やブルックナーでも「第６」（ＣＤ）、「第７」（ザールブリュッケン放送響の東京公演）など、はまった演奏のときは大抵オケに自在感があり、揺るぎない造形の上に一期一会の名演となる。
オーケストラのアルチザンとしては、造形の破綻は言語道断なのであろうし、造形を揺るがせてまで表現に賭けるという、あるいは造形には目を瞑って表現に賭けるなどということは、スクロヴァチェフスキには考えられないことなのだろう。
これが、ヨーロッパ・シリアス音楽の伝統というものであるが、その職人性が度外れな場合、悪くすると凝り固まった凡演ともなる。
ＣＤのブルックナー全集は多くがそうしたものだったが、これは、いずれも造形に対する執拗な追究が音楽から色や艶を拭い去り、曰く言い難いインスピレーションを消去してしまうのだろう。
本ディスクは、スクロヴァチェフスキの美点がすべてプラスとなって、近年では、インバル＆都響と並んで稀に見る名演となっている。
ショスタコーヴィチを愛する人は勿論、初めて聴く人にも一番にお薦めできる。
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エリアフ・インバルは、現在でも偉大な遺産としてその名を轟かせているフランクフルト放送交響楽団とのマーラーの交響曲全集のスタジオ録音（１９８５〜１９８８年）に引き続いて、ショスタコーヴィチの交響曲全集のスタジオ録音に着手した。
既に、フランクフルト放送交響楽団とともに交響曲第５番を１９８８年にスタジオ録音していたが、それとは別のプロジェクトとして、１９９０年から３年間かけて１５曲の交響曲のスタジオ録音を行ったのであった。
当該交響曲全集プロジェクトは、当初は、レニングラード・フィル（サンクトペテルブルク・フィル）の起用が予定されていたが、契約の関係で困難となり、ウィーン交響楽団の起用に落ち着いた。
二流のオーケストラであるウィーン交響楽団を起用せざるを得なかった時点で、当該交響曲全集のいささか残念な運命は決定的になったと言わざるを得ないところだ。
レニングラード・フィルが困難であったとしても、何故にフランクフルト放送交響楽団の起用が出来なかったのであろうか。
この点は謎と言う他はないが、ショスタコーヴィチの交響曲を演奏する上での不可欠の要素とも言える、優秀な技量を有したオーケストラの起用が出来なかったことは、偉大な交響曲全集完成に際しての基盤そのものがと崩壊していると言っても過言ではあるまい。
交響曲第１０番は、１９９０年にウィーン交響楽団とともにスタジオ録音を行っているが、オーケストラの力量が今一つであり、必ずしも名演とは言い難い結果となっていた。
このような中で、インバルは、昨年より、東京都交響楽団とともにショスタコーヴィチの交響曲第４番及び第５番の再録音を開始したところであり、両演奏ともに圧倒的な超名演との高い評価を勝ち得たところだ。
そして、そのような中で、今般、満を持して東京都交響楽団との交響曲第１０番のライヴ録音が発売された。
本演奏は、１９９０年盤の演奏とはそもそも次元が異なる圧倒的な超名演に仕上がっていると高く評価したい。
インバルの本演奏におけるアプローチは、曲想を精緻かつ丁寧に描き出すという純音楽的なスタイルを基軸としている。
それでいて、いささかも単調には陥っておらず、インバルが得意としたマーラーの交響曲演奏においても顕著であるが、ありあまるパッションを演奏全体の堅牢な造型の中に封じ込めるという過程においてはみ出してきたものが存在しており、それが本演奏をして、内容豊かなものとしていると言えるところだ。
また、かつてのインバルの演奏に感じられた線の細さはなく、常に骨太の音楽が構築されている。
随所における彫りの深さ、懐の深さには出色のものがあり、まさに大指揮者の風格十分であると言っても過言ではあるまい。
そして、本演奏をして超名演たらしめるのに大きく貢献しているのは、前述のようなインバルの円熟の至芸に加えて、東京都交響楽団の圧倒的な名演奏である。
東京都交響楽団のブラスセクションや打楽器セクションは実に巧く、そして弦楽合奏の厚みのある響きは、ヨーロッパの一流のオーケストラに比肩し得るような力量を備えていると言ってもいいのではないだろうか。
いずれにしても、本演奏は、カラヤン＆ベルリン・フィルによるスタジオ録音の演奏（１９８１年）、ムラヴィンスキー＆レニングラード・フィルによるライヴ録音の演奏（１９７６年）、スクロヴァチェフスキ＆ベルリン・ドイツ交響楽団によるライヴ録音による演奏（２００３年）と並んで４強の１角を形成する、圧倒的な超名演と高く評価したい。
そしてＳＡＣＤによる超高音質録音も、本盤の価値を高めるのに大きく貢献しているのを忘れてはならない。
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2014年08月25日
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カラヤンがショスタコーヴィチの１５曲ある交響曲の中で唯一演奏・録音したのは第１０番のみだ。
その理由は定かではないが、オイストラフがカラヤンに、第１０番をショスタコーヴィチの交響曲の中で最も美しい交響曲だと推薦したという逸話も伝えられている。
また、最も有名な第５番については、カラヤンがムラヴィンスキー＆レニングラード・フィルの豪演を聴いて衝撃を受け、２度と指揮しないと誓ったとの説もまことしやかに伝えられている。
そうした逸話などの真偽はさておき、カラヤンは第１０番に相当の拘りと愛着を抱いていたようで、スタジオ録音を２度（１９６６年及び１９８１年）、モスクワでのライヴ録音を１度（１９６９年）行っている。
いずれも素晴らしい名演であるが、演奏の完成度と言う意味においては、本盤に収められた１９８１年盤を随一の名演と高く評価したいと考える。
本演奏でのカラヤンは、一糸乱れぬ鉄壁のアンサンブルを駆使して、曲想を徹底的に美しく磨き抜く。
加えて、ここぞという時のトゥッティの迫力も凄まじいもので、雷鳴のようなティンパニのトレモロは、殆ど悪魔的ですらある。
金管楽器や木管楽器のテクニックも桁外れで、分厚い弦合奏の揃い方は圧巻の技量だ。
これは、間違いなく、オーケストラ演奏の極致とも言うべき名演奏であり、かつて、レコード芸術誌において故小石忠男先生が使っておられた表現を借りて言えば、「管弦楽の室内楽的な融合」と評価したいと考える。
同曲の音楽の内容の精神的な深みを追求した名演と言うことになれば、ムラヴィンスキー＆レニングラード・フィルの名演（１９７６年盤）を第一に掲げるべきであるが、筆者としては、これだけの徹底した音のドラマを構築したカラヤンの名演との優劣は、容易にはつけられないのではないかと考えている。
録音は、１９８１年のデジタル録音ということもあって、本盤でも十分に満足し得る音質である。
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2014年08月19日
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ここしばらくの間途絶えていたゲルギエフ＆マリインスキー劇場管弦楽団によるショスタコーヴィチの交響曲チクルスであるが、１５曲の交響曲の中で最大規模を誇る交響曲第７番が登場だ。
これまでのマリインスキー劇場管弦楽団の自主レーベルへの録音は、原則として、これまでゲルギエフが録音を行っていない交響曲に限定されていたところであるが、今般の交響曲第７番は、かつてフィリップスレーベル（現英デッカ）において録音を行った演奏（２００１年）以来、１１年ぶりの再録音ということになる。
当該フィリップス盤を評価する音楽評論家も結構多かったと記憶するが、筆者としては、ゲルギエフの指揮する際の特徴でもある細やかな指の動きを反映したかのような神経質さが仇となって、木を見て森を見ないような今一つ喰い足りない演奏であったと考えているところであり、あまり高い評価をしてこなかった。
ところが、本盤の演奏は、フィリップス盤とは段違いの素晴らしさである。
演奏時間でも、トータルで約４分近くも長くなっており、これは、ゲルギエフがいかに同曲に対して思い入れたっぷりに演奏しているかの証左ではないかとも考えられるところである。
ゲルギエフの指揮芸術の特質でもある細部への徹底した拘りは相変わらずであるが、フィリップス盤においては随所に施された個性的な解釈がいささかあざとさを感じさせ、それが演奏全体の造型を弛緩させてしまうという悪循環に落ちいっていた。
ところが、本演奏では、ゲルギエフならではの個性的解釈が、演奏全体の造型美をいささかも損なわない中においてなされており、フィリップス盤のようなあざとさ、わざとらしさ、大仰さを感じさせないのが素晴らしい。
第１楽章はなどは実にソフトに開始され、その後も鋭角的な表現が減じたように思われるが、ここぞという時の強靭な迫力にはいささかも不足はなく、むしろ懐の深い音楽を醸成し得るようになったゲルギエフの円熟ぶりを正当に評価することが必要であろう。
また、第３楽章については、演奏時間がフィリップス盤と比較して１分以上も伸びていることからもわかるように、ゲルギエフは本楽章の美しい旋律を心を込めて歌い抜いているが、陳腐なロマンティシズムに陥ることなく、格調の高さをいささかも失っていないのが素晴らしい。
終楽章は、逆に１分程度演奏時間が短くなっているが、それだけに畳み掛けていくような気迫や生命力がフィリップス盤以上に漲っており、終結部の壮絶な迫力は聴き手をノックアウトさせるだけの凄まじいものがある。
本演奏を聴くと、ゲルギエフのこの１１年間の進境には著しいものがあると評価し得るところであり、今や名実ともに偉大な指揮者の仲間入りをしたと言っても過言ではあるまい。
いずれにしても、本演奏は、ゲルギエフの近年の好調ぶりを如実に示すとともに、今後のショスタコーヴィチの交響曲の再録音（例えば、第４番、第５番、第６番、第８番、第９番）に大いに期待を抱かせるだけの内容を有した素晴らしい名演と高く評価したい。
音質は、マルチチャンネル付きのＳＡＣＤ盤であり、かつてのフィリップス盤と全く遜色のない、臨場感溢れる極上の高音質録音となっていることについても評価しておきたい。
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2014年07月09日
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第７番「レニングラード」の凄演で知られるケーゲルのショスタコーヴィチを７曲収めたＢＯＸセットで、ムラヴィンスキー以外の最重要解釈者、ケーゲルのショスタコーヴィチ完結編。
このセットは１９５８年から１９８６年までのライヴ録音をまとめたもので、第４番と第１１番はモノラルであるが、他の５曲はステレオ録音で、特に１９８６年の第５番は良い状態となっている。
東独の指揮者だったケーゲルは、同盟国ソ連の作曲家ショスタコーヴィチの作品をよく演奏していた。
現代音楽を積極的に取り上げる合理主義、理知的な音楽作りを一面として、本来はロマンティックな嗜好が強い指揮者であり、思い入れの強かったマーラー、ショスタコーヴィチでは、憧憬を隠そうともしない蠱惑的な演奏を繰り広げることでも知られる。
演奏記録からもケーゲルのショスタコーヴィチへの偏愛は窺われるが、特に演奏年代に注目していただきたい。
第１１番に至ってはラクリンによる世界初演、ムラヴィンスキーによるレニングラード初演から半年も経たぬ１９５８年の演奏である。
モノラルとはいえムラヴィンスキー盤を上回る良好な音質で、その切実な音楽表現はトーンクラスターに陥らぬ、ケーゲルの個人的思い入れすら感じられる、熱く魅力的な超名演だ。
第４番はコンドラシン初演の２年後の録音も存在するが、演奏内容はフィナーレに一工夫も二工夫もある１９６９年ライヴを採りたい。
元来ステレオ録音されたもののトラックダウンで（ステレオ録音は残念ながら廃棄された模様）、分離の良い素晴らしい録音である。
現代では、大規模大音量交響曲として、多くの指揮者が取り上げているが、この時代に２回もの演奏に固執したケーゲルの先見性には頭が下がる。
壮年期のケーゲルならではの異常なまでの切れ味が作品の持ち味と合致して痛烈な仕上がりになっている。
ベルリン芸術週間（もちろん東ドイツの）における高揚したエッジの効いた強烈な表現に、ケーゲル晩年の特徴である虚無的な雰囲気も感じさせる独特の音楽づくりが印象的な第５番は、東のベルリン芸術週間での演奏ということもあってか、終楽章のコーダになぜか鐘が加えられていることもポイントで、『ボリス・ゴドノフ』を彷彿とさせるその巨大な響きは実にユニーク。
この第５番を聴くだけでも購入の価値ありと言いたいところであるが、他の６曲も聴き応え充分な内容だ。
オペラティックな趣のある第６番、スタイリッシュでセンス抜群な第９番（第６番と第９番は作品のパロディ的性格をシニカルに表している）、ドイツ語版ゆえにクールな感触が際立ち、「大地の歌」を想起せずにはいられない第１４番「死者の歌」、緊迫感みなぎる冷徹演奏が作品の真価をシリアスに示しザンデルリンクの独壇場を脅かす恐怖演奏の第１５番と、どれも高水準な内容となっている。
西側では知られていないだけで、実は最重要ショスタコーヴィッチ解釈者であった、巨匠の遺産である。
隅々まで注ぎ込まれた英知があり、聴き込んだファンほど納得することは間違いなしと言える。
ケーゲルも草葉の陰でこのリリースをさぞかし喜んでいることであろう。
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2014年07月06日
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レナード・スラットキンは現在デトロイト交響楽団の音楽監督の地位にあり、２０１１年からはリヨン国立管弦楽団の音楽監督にも就任している。
スラットキンのキャリアの中で最も光り輝いていたのは１９８０年代にセントルイス交響楽団を率いていた時だろう。
メジャーレーベル（ＲＣＡ）にどんどん録音し、日本にも同楽団と一緒にやってきたが、その後のクラシック音楽不況であまり名前を聞かなくなってしまっていた。
ＢＢＣ交響楽団退任後、録音面では際立った活躍のないスラットキンであるが、セントルイス時代は、チャイコフスキーやラフマニノフなど、ロシア音楽を網羅的・積極的に演奏・録音して、高い評価を得ていた。
ショスタコーヴィチでは、第４番、第５番、第８番、第１０番という大曲４曲をＲＣＡに録音している。
オケはいずれもセントルイス交響楽団で、１９８６年から１９８９年にかけて毎年１曲ずつ録音されている。
この第８番は、ＣＤ初期に発売されて以来久々の復活となるもので、当時全米メジャー・ファイヴに匹敵する実力を備えていたセントルイス響の粘着力のある弦を土台にした、細部まで緻密に考え抜かれた解釈が見事。
現在では偽書とされているものの、少なくともヴォルコフの『ショスタコーヴィチの証言』が現れてから、多くの指揮者は以前のように、楽天的にこの曲を解釈できなくなったようだ。
極楽トンボな演奏をすると、「物知らず」「不勉強」のレッテルを貼られかねないからだ。
スラットキン指揮セントルイス響は、そうした『ショスタコーヴィチの証言』の線に沿った、最も現代的でグラスノスチ的な名演に数えられよう。
弦を中心としたオーソドックスな表現だが、全体に暴力的な要素は影を潜め、悲劇的な哀悼の念がしみとおるような演奏だ。
特に第２楽章のカリカチュアライズされた皮肉な諧謔精神や、第３楽章の鬱屈した怒りの爆発、さらに第４楽章のクールな抒情と哀しみの表情は、ショスタコーヴィチ自身のメッセージを聞く思いである。
併録のテミルカーノフの『祝典序曲』は、来日公演でもお馴染みの定番。
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時代を超えた先鋭的な響きが存分に表出された、スラットキン渾身の名演だ。
アメリカの名指揮者、レナード・スラットキンが手塩にかけて育て上げたセントルイス交響楽団はＲＣＡに数多くの録音を残しており、それらの中でもロシア音楽との相性の良さは周知の通り。
スラットキンはセントルイス響時代に、ショスタコーヴィチの交響曲を４曲、ＲＣＡに録音している。
１９８６年に第５番、８７年に第１０番、８８年に第８番、そして８９年に第４番という順序で録音された。
１９８６年から１９８９年にかけてスラットキンが毎年１曲ずつ録音したショスタコーヴィチの交響曲４曲の中で、なぜか唯一国内でリリースされなかったのがこの第４番。
ショスタコーヴィチの交響曲の中で最大の編成で書かれ、マーラーなどの影響を強く受けた先鋭的な作風の故に、作曲から初演まで２５年を要したこの大作を、スラットキンが渾身の力を込めて先鋭的な大作を、明晰な指揮で描出している。
スラットキンとセントルイス響のショスタコーヴィチ作品の解釈・演奏は、華麗というかきらびやかというか、オーケストラの高度な技術も相俟った流麗な響きは特色である。
作曲者の置かれた政治的・社会的状況を背景に捉えると「これはショスタコーヴィチではない」という向きもいるかもしれないが、この作品の複雑な内容を整理し、堅実な解釈を施した演奏は、オーケストレーションというものの魅力を余すことなく堪能させてくれる。
確かに演奏レベルはピカイチで、あまり深刻になりすぎず、洗練された演奏が繰り広げられている。
過去のレビューにも記したように、同曲には、ラトル、ゲルギエフ、チョン・ミュンフンの録音が３強と言えるが、当盤は、この難解な傑作の入門の役割を果たすディスクとして、高く評価しても良いのではないかと考える。
第１楽章のフーガ〜プレストの難所（見せ場）は特に見事で、この時代のセントルイス響の弦楽器パートのアンサンブルの優秀さを実感する。
デジタル録音の技術も練れてきた頃のレコーディングであり、録音の素晴らしさも、この作品のテクスチュアを捉えるのに大きく寄与している。
再販終了となる前に、早めに入手されることをお薦めしたい。
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2014年06月19日
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東独出身のザンデルリンクは、旧ソヴィエト連邦においてムラヴィンスキーにも師事し、ショスタコーヴィチと親交があったこともあって、ショスタコーヴィチの交響曲を得意としていた。
すべての交響曲を演奏・録音したわけではないが、第１番、第５番、第６番、第８番、第１０番、第１５番の６曲についてはスタジオ録音を行っており、いずれ劣らぬ名演に仕上がっている。
ショスタコーヴィチの交響曲は、最近では数多くの指揮者が演奏を行うようになってきているが、その本質を的確に描き出している演奏はあまりにも少ないと言えるのではないだろうか。
ショスタコーヴィチは、旧ソヴィエト連邦という、今で言えば北朝鮮のような独裁者が支配する政治体制の中で、絶えず死と隣り合わせの粛清の恐怖などにさらされながらしたたかに生き抜いてきたところだ。
かつて一世を風靡した「ショスタコーヴィチの証言」は現在では偽書とされているが、それでも、ショスタコーヴィチの交響曲（とりわけ第４番以降の交響曲）には、死への恐怖や独裁者への怒り、そして、粛清された者への鎮魂の気持ちが込められていると言っても過言ではあるまい。
したがって、ショスタコーヴィチと親交があるとともに、同時代を生き抜いてきたムラヴィンスキーの演奏が感動的な名演であるのは当然のことであり、かかる恐怖などと無縁に平和裏に生きてきた指揮者には、ショスタコーヴィチの交響曲の本質を的確に捉えて演奏することなど到底不可能とも言えるだろう。
かつてマーラー・ブームが訪れた際に、次はショスタコーヴィチの時代などと言われたところであるが、ショスタコーヴィチ・ブームなどは現在でもなお一向に訪れていない。
マーラーの交響曲は、それなりの統率力のある指揮者と、スコアを完璧に音化し得る優秀なオーケストラが揃っていれば、それだけでも十分に名演を成し遂げることが可能とも言えるが、ショスタコーヴィチの交響曲の場合は、それだけでは到底不十分であり、楽曲の本質への深い理解や内容への徹底した追求が必要不可欠である。
こうした点が、ショスタコーヴィチ・ブームが一向に訪れない要因と言えるのかもしれない。
それはさておき、本盤のザンデルリンクの演奏は素晴らしい。
さすがに、師匠であるムラヴィンスキーの演奏ほどの深みや凄みには達していないが、旧ソヴィエト連邦と同様の警察国家であった東独出身のザンデルリンクだけに、ショスタコーヴィチの交響曲の本質への深い理解については、人後に落ちないものがあった。
加えて、ドイツ人指揮者ならではの堅固な造型美や重厚な音色が演奏全体を支配しており、その意味では、ムラヴィンスキーによる名演の持つ峻厳さを若干緩和するとともに、ドイツ風の重厚さを付加させた演奏と言えるのかもしれない。
いずれにしても、本演奏は、ムラヴィンスキーなどのロシア系の指揮者以外の指揮者による演奏の中では、最右翼に掲げられる素晴らしい名演と高く評価したい。
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2014年06月15日
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ザンデルリンク盤は１９７７年のスタジオ録音で音質が良く、ムラヴィンスキーとともに持っていたい。
ドイツ風の重厚な名演だ。
ザンデルリンクは、旧東ドイツ出身の指揮者ではあるが、旧ソヴィエト連邦において、ムラヴィンスキーの下、レニングラード・フィルの客演指揮者をつとめていたこともあり、ショスタコーヴィチの演奏について、ムラヴィンスキーの薫陶を得ていたものと思われる。
もちろん、ムラヴィンスキーの演奏とはその性格を異にするが、それでも、その演奏に通低する精神性においては、共通するものがあるのではないかと考える。
ショスタコーヴィチは、現在の北朝鮮のような国において、粛清の恐怖に耐えながら、したたかに生き抜いてきた。
そうした死と隣り合わせの恐怖が、各交響曲の根底にあると考えられる。
だからこそ、ムラヴィンスキーの演奏には、単に、初演者であるからというのにとどまらない、強い説得力があるものと言える。
ザンデルリンクも、前述のように社会主義政権下にあった東独出身であり、こうした恐怖には強く共感するものがあったと考える。
本演奏には、前述のような、厳しい造型美を旨とするドイツ風の重厚な佇まいに加えて、ショスタコーヴィチの交響曲の本質を鷲掴みにした凄みのある深い共感に満ち溢れている。
第１楽章は遅いテンポで格調高く、じっくりと攻めており、スケールが大きい。
閃きや鋭さはムラヴィンスキーの方が上だが、クライマックスにおける音の洪水には体が流されそうだし、（１２:０１）からのスタッカート指定を強調し、弦のリズムでものをいう表現は、前者とはまったく違うスタイルで、音彩もすばらしい。
この直後に連続する内容いっぱいの音楽は、どれほどの最強音になっても美感を失わず、しかも味わいは濃厚、ここだけはムラヴィンスキーを大きく超えている。
第２楽章の強靭なリズムとアンサンブルも聴きものだが、強音部になるととかく金管の音色の単調さが目立つのはどういうわけだろうか。
第３楽章は表現を整理しすぎ、整然とした佇まいがマイナスに作用しているが、冒頭部は美しいし、コーダの感慨深さも特筆すべきだ。
終楽章も、単なる苦悩から歓喜へというようなお祭り騒ぎにはなっておらず、ムラヴィンスキーの演奏と同様に、テンポを落とした幾分控えめな終結が印象的である。
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2014年06月12日
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ザンデルリンクはムラヴィンスキーに師事するとともに、ショスタコーヴィチと親交があったこともあって、ショスタコーヴィチを得意としており、交響曲第１５番については２度にわたってスタジオ録音している。
最初の録音が、本盤に収められたベルリン交響楽団との演奏（１９７８年）であり、２度目の録音が、クリーヴランド管弦楽団との演奏（１９９１年）である。
いずれ劣らぬ名演と言えるところであり、特に１９９１年の演奏については円熟の名演とも言えるが、筆者としては、より引き締まった演奏全体の造型美を味わうことが可能な本演奏の方をより上位に掲げたい。
ショスタコーヴィチの交響曲は、最近では数多くの指揮者が演奏を行うようになってきているが、その本質を的確に描き出している演奏はあまりにも少ないと言えるのではないだろうか。
ショスタコーヴィチは、旧ソヴィエト連邦という、今で言えば北朝鮮のような独裁者が支配する政治体制の中で、絶えず死と隣り合わせの粛清の恐怖などにさらされながらしたたかに生き抜いてきたところだ。
かつて一世を風靡した「ショスタコーヴィチの証言」は現在では偽書とされているが、それでも、ショスタコーヴィチの交響曲（とりわけ第４番以降の交響曲）には、死への恐怖や独裁者への怒り、そして、粛清された者への鎮魂の気持ちが込められていると言っても過言ではあるまい。
したがって、ショスタコーヴィチと親交があるとともに、同時代を生き抜いてきたムラヴィンスキーの演奏が感動的な名演であるのは当然のことであり、かかる恐怖などと無縁に平和裏に生きてきた指揮者には、ショスタコーヴィチの交響曲の本質を的確に捉えて演奏することなど到底不可能とも言えるだろう。
ザンデルリンクの場合は、東独という、旧ソヴィエト連邦と同様の警察国家の出身であること、そしてムラヴィンスキーに師事していたこともあって、ショスタコーヴィチの交響曲の本質への深い理解については、人後に落ちないものがあった。
本演奏も、さすがに、師匠であるムラヴィンスキーの演奏（１９７６年）ほどの深みや凄みには達していないが、それでもザンデルリンクによる彫りの深い表現が全体を支配するなど、外面だけを取り繕った薄味な演奏にはいささかも陥っていないと言えるところだ。
加えて、ドイツ人指揮者ならではの堅固な造型美や重厚な音色が演奏全体を支配しており、その意味では、ムラヴィンスキーによる名演の持つ峻厳さを若干緩和するとともに、ドイツ風の重厚さを付加させた演奏と言えるのかもしれない。
いずれにしても、本演奏は、ムラヴィンスキーなどのロシア系の指揮者以外の指揮者による演奏の中では、最右翼に掲げられる素晴らしい名演と高く評価したい。
音質は、ハイブリッドＳＡＣＤ盤とハイパーマスタリング盤がほぼ同格の音質であると言えるだろう。
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2014年06月01日
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マーラーから聴き始めたが、演奏はさすがに素晴らしいものだ。
バルビローリのようにロマンが沸々とたぎるようなものではないが、第１楽章からなかなか息の長いフレージングでぐいぐいと引っ張っていってくれる。
この指揮者の懐の深さは尋常ではない。
複雑に入り組んだポリフォニックなスコアをこうも見事に解きほぐされて、反応の良い素晴らしいアンサンブルによって供されると、もう筆者は深く心から満足し、マーラーの世界に浸っていられる。
ソロの部分、特にヴァイオリンのソロに今ひとつ美感を感じないのは惜しい。
木管はとても良いだけに、画竜点睛を欠くと言ったところか…、玉に瑕であって、価値をそれほど落とすものではないが。
クルト・ザンデルリンクのマーラーはこの演奏の十年ほど前にＢＢＣフィルハーモニーを振ったものを持っている。
こちらの方が更に熱く、情熱的に感じられるし、完成度も高いが、フィルハーモニア盤も完成度という点では負けていない。
ＢＢＣ盤の手に入る可能性が少なくなっている現在、フィルハーモニア管を振ったこの録音は貴重だ。
次いで、ショスタコーヴィチの第１５番である。
これも１９７８年にベルリン交響楽団とドイツ・シャルプラッテンに録音していて、何度もＣＤで発売されているので、お持ちの方も結構いるだろう。
解釈がそれほど変わっているわけではないので、別によほどのことがない限り、両方持っていなければならないというほどのものでないが、第２楽章がより深刻さと幻想味を増しているように思われる。
オケもクリーヴランド管弦楽団になっていて、さすがに上手い。
しかし、旧東ドイツの威信をかけて録音した旧盤のベルリン交響楽団の上手さも尋常でない。
この２つの演奏も甲乙つけがたい出来映えだが、筆者は旧盤の方に少し愛着がある。
このレビューを書くために２つの大作を連続して聴くのはなかなか骨が折れる作業であった。
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