リヒター
2022年07月14日
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従来の普及盤と比較試聴してみた印象と音質の差を簡単に記したい。
この３枚組のＣＤセットにはカール・リヒターの指揮するバッハの『ロ短調ミサ』及びカンタータ第１４７番『心と口と行いと生活』の２曲が収録されている。
どちらも１９６１年のセッションで、オリジナル・マスターの質自体が優れているために劇的な変化とは言えないが、今回のリマスタリングのメリットは明瞭に感知できる。
全体的な音場がやや広がりそれぞれの楽器やコーラスの解像度が高まった結果、音像がより立体的になってステレオ録音の効果が従来のＣＤを上回っている。
初期のステレオ録音ということもあって、これまでのＣＤではこうした大編成の楽曲の総奏部分になるとコーラスとオーケストラが渾然一体となって、ひとつの音塊のように再生されていたものが、ここでは各楽器間並びにコーラスの各パートの独立性も明確になっているし、定位も保たれている。
高音の伸びも良くなっているが、特定の音域が突出することのない、バランスのとれた非常に音楽的なリマスタリングであるように思える。
リマスタリングに関しては、どういったテクニックを使ったかは明記されていないが、テクニック以上にエンジニアのその演奏に対するポリシーが一貫していることが望ましい。
またこうした歴史的な古い音源には常に音質改善のための試行錯誤が不可欠だろう。
その意味でこのシリーズのリマスタリングは成功していると言える。
いたずらにＳＡＣＤ化して価格を吊り上げるよりも、レギュラーＣＤフォーマットでの改善の余地を示した努力を評価したい。
リヒターによる『ロ短調ミサ』には、ほかにも1969年5月に東京文化会館で行われた来日公演時の実況録音盤に、その4カ月後の1969年9月、クロスター教会で収録された映像作品など、いくつものすぐれた演奏内容が存在する。
いずれもリヒターのバッハ演奏特有の、そのあまりにも厳しく美しい佇まいに抗いがたい魅力が共通するなか、やはり最終的には、この1961年盤に行き着いてしまう。
まさに半世紀以上の時を経てなお、不滅の遺産として特別の輝きを放ち続けている。
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2022年05月11日
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バッハの殉教者フリッツ・レーマンはバッハ音楽録音史に燦然と輝く快挙を成し遂げている。
《マタイ受難曲》のカットなしの史上初の完全録音盤は、レーマン、ベルリン放送交響楽団＆合唱団、そして、結果的にこのレコーディングがデビュー作となった当時２３歳のディートリヒ・フィッシャー＝ディースカウがイエス役を務めた１９４９年４月のライヴ盤なのである。
あたかも指揮者レーマンのスピリットが演奏者全員に乗り移ったかのような気迫に満ちた、バッハの最高傑作の名に恥じない《マタイ受難曲》だ。
この曲をより器用に、それらしく表現した演奏は他にも存在するが、キリスト受難のエピソードを単なる絵空事に終わらせず、のっぴきならない生きたドラマとして描き出した例は非常に少ない。
レーマンのバッハ、特に《マタイ》はバネのきいたリズムを特徴としている。
ともすると、懶惰に陥りがちなわたしたちを励起させるリズムだが、決して押し付けがましくはない。
どうしても、そのリズムの勢いに突き動かされ、ついて行きたいと思わずにはいられぬ躍動感に満ちている。
そして、それはあるひとつの目標に向かって、ともに心を合わせて前進してゆくときの一体感を掻き立ててくる。
この目標は、神との出会いを目指しているのは言うまでもなく、神の存在をフィジカルに体得するリズムとでも言おうか。
その時、わたしたちは人間が霊的な存在だと知り、この霊的なリズムに乗ると、誰もが超越的な空気に触れ、物質的な欲望がいかに卑小で、ともに同胞であることが、すべてに優るよろこびだとわかる。
それが神とともにあるという意味だが、その意味が今日忘れられている。
というよりもすでに経済の高度成長期の１９７０年代に、わたしたちはレーマンが望んだのとは別の生き方に引かれはじめた。
株価の変動に一喜一憂し、金勘定に忙しいわたしたちは、レーマンの《マタイ》にもう一度立ち返って、心を問い直す必要があるのではないか。
ソリスト陣にも作品の核心を突くことのできる歌手たちを起用しているのも聴き所だ。
たとえばエヴァンゲリストを演じるヘルムート・クレプスの迫真の絶唱はこの受難を書き記したマタイ自身が直接この物語の中に入り込んで、聴き手に切々と訴えかけてくるような説得力がある。
コーラスにおいても洗練された和声的な美しさよりも、むしろ劇的な感情の表出と状況描写に最重点が置かれているのも特徴的だ。
レーマンのバッハはオリジナル楽器や当時の歌唱法を用いたいわゆる古楽としての再現ではない。
あらゆる様式を超越してしかも作品の本質に触れることのできる稀に見る演奏として高く評価したい。
１９５６年３月３０日、聖金曜日、レーマンはミュンヘンで《マタイ受難曲》公演の第一部を終え、楽屋で休憩中に急逝した。
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2022年03月11日
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旧盤から２１年ぶりの再録音で、バッハ演奏においてかけがえのない存在であったリヒターのさまざまな変貌が示されている。
峻厳なバッハ演奏の頂点として威厳に満ちて聳え立つ旧盤に比して、この演奏では人間リヒターとしての心情を吐露している。
テンポも大幅に遅くなり、その中で登場人物の心情やドラマの劇的展開を、振幅の大きな表現で重厚に描いている。
リヒターのバッハ、とくに《マタイ受難曲》はバネのきいたリズムを特徴としている。
ともすると、懶惰に陥りがちなわたしたちを励起させるリズムだ。
だが、けっして押しつけがましくなくはない。
どうしても、そのリズムの勢いに突き動かされ、ついて行きたいと思わずにはいられぬ躍動感に満ちている。
そして、それはあるひとつの目標に向かって、ともに心を合わせて前進してゆくときの一体感をかき立ててくる。
この目標は、神との出会いを目指しているのは言うまでもない。
神の存在をフィジカルに体得するリズムとでも言おうか。
そのとき、わたしたちは人間が霊的な存在だと知る。
この霊的なリズムに乗ると、わたしたちは誰も超越的な空気にふれ、物質的な欲望がいかに卑小で、ともに同胞であることが、すべてに優るよろこびだとわかる。
それが神とともにあるという意味だ。
その意味が今日忘れられている、というよりもすでに経済の高度成長期の１９７０年代に、わたしたちはリヒターの望んだのとは別の生き方に引かれはじめた。
彼はその離反に深く悩み苦しんだのだろう、彼の２度目の《マタイ受難曲》の録音は、それを食い止めようとする絶望的な努力と挫折感をひびかせている。
株価の変動に一喜一憂し、金勘定に忙しいわたしたちは、リヒターの《マタイ》にもう一度立ち返って、心を問い直す必要があるのではないか。
リヒターは１９７９年に本演奏を録音、その１年後に急逝した。
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2022年03月01日
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２０世紀のバッハ表現を象徴したカール・リヒターの最高傑作で、真摯この上ない演奏だ。
来日時のライヴを含め、我々はほぼ１０年の間隔で録音された３種類のリヒター指揮による《マタイ受難曲》演奏を持っている。
しかし初回のこの演奏はあらゆる録音の中の金字塔をなすもので、多くの人にとって、他の２つの録音はこの最初の録音からの変化か展開でしかない。
そればかりか他の指揮者による演奏も、「リヒターとくらべ云々」というように比較の基準としてきた。
それほどまでにこの演奏は、ある年代以上のファンにとって「マタイ体験」の原点にある。
１９５８年、ナチの悪夢が覚めやらないのにハンガリー動乱、東西冷戦と、明日の命がどうなるかわからない状況のなかに演奏家たちはいた。
リヒターが学んだドレスデンやライプツィヒは戦禍から回復する状況ではなかった。
牧師を父にもつ彼が、時代に対して語る言葉は説教ではなく演奏である。
キリストの受難に対するリヒターの自己投入のはげしさは、彼自身がキリストになったかとみまがうほど。
その底には信仰を失った現世への深い絶望がひそんでいる。
この世の不条理にいかに打ち克ち、それを乗り越え、神のもとに達するかがテーマとなっている。
ユダの裏切り、ピラトの心の動揺、ペテロの弱さ、それらが人間の生き方のアポリアとして聴き手に突きつけられる。
すべては霊的な生き方のための総力に還元され、キリストの生涯そのものへの同化として意識される。
鋭い劇的な造形はもちろんリヒターの解釈であるが、それとともに演奏全体の異様な昂揚は、たとえば曲中で「イエスを十字架に」と唱和する民衆に、ひと昔まえに狂信的独裁者を賛美した人々を重ねあわせられる状況があってこそもたらされたのではないか。
その熱さが、人の罪とか愛の根元的な思いが、聴く者の心を貫通する。
その意味でまさに希有な、再びは登場し得ない種類の演奏である。
リヒターは１９７９年に再録音、その１年後に急逝した。
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2022年01月14日
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このディスクのレコーディングは1965年のステレオ録音だが、彼は異なったソリストと共にその10年前にも『クリスマス・オラトリオ』のモノラル録音を遺している。
しかしこの作品の喜びに満ちた華やかな性格は、勿論こちらの新録音が断然優っているし、またソリストもグレードアップされているのが特徴だろう。
音質的にもSHM-CD化によって、雑味の払拭された明瞭なサウンドが特徴だ。
ただしその後にリリースされたリヒターのバッハ宗教音楽選集でブルーレイ・オーディオ化がされたので、現在最も優れた音質で鑑賞したい方にはそちらをお薦めしたい。
細部にいたるまで妥協を許さないリヒターの緻密な設計と、強力な統率力が全曲を支配している。
バッハを真正面からとらえた演奏で、厳しいまでの表情は他の演奏にはみられない威容を示す。
４人の独唱者、オーケストラ、合唱団の集中力の高い、真摯な演奏も申し分なく、その重厚な響きと清澄な音色は一度聴いた者の耳を離そうとしない。
現代楽器を用いた演奏だが、時代や様式を超えたバッハ像がある。
この演奏に抜擢された歌手陣は、現代でも得難いほどのメンバーが揃っている。
清楚で宗教曲にも精緻な歌唱を披露したソプラノのヤノヴィッツとメゾのルートヴィヒ、癖がなく真摯で若々しテノール、ヴンダーリヒと説得力のあるバスのクラスがそれぞれ宗教曲としての抑制を加えながら全体のバランスを絶妙にとって歌っている。
そこにはリヒターの哲学が感知される。
彼の解釈に迷いはなく、非常にすっきりした簡潔な構築力を見せているし、またその中に彼の強い情熱が迸るように感じられる。
当時まだ古楽としての奏法も楽器も確立されていなかったので、例えばフルートは木製のいわゆるトラヴェルソではなく、ベーム式のフルートで、トランペットはバロック時代には存在しなかったピッコロ・トランペットを使用している。
言ってみれば折衷様式による再現だが、そうした制限を乗り越えてリヒターの演奏は燦然と輝いている。
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2021年11月14日
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１９６９年５月９日、リヒターとミュンヘン・バッハ管弦楽団の来日公演のときの貴重なライヴ録音である。
あふれるようにみずみずしい演奏だ。
リヒターには１９６１年のスタジオ録音もあり、それはきわめて峻厳な名演奏だった。
これはそのスタジオ録音ほどの芯の強さはあまり感じられないが、全篇にわたって、表情がゆたかであたたかな、人間愛にみちた音楽がつくられている。
このライヴにおけるリヒターの演奏は旧盤に聴かれる、魂を引き裂くような痛切な叫びはない。
構えのとれた、自在なバッハで、まるでリヒターの新しい面を発見したかのように感じられる。
演奏自体の密度の高さは旧盤に求められるだろうが、東京での緊張のひとときとしての、異常なまでの空間がひしひしと伝わってくる名演である。
その日本公演でまったく精力的にリハーサルと多くの本番をこなしたリヒターは、疑いなくこの時期が生涯の頂点だったといえる。
リヒターの棒は厳格をきわめたものだと思いがちだが、むしろ次に何が始まるのかわからないといった、まことにスリリングな緊張を、演奏者にも聴衆にも呼び起こした。
リヒターはここでは学究の徒であることを放棄し、まさしく神に仕える一個の真摯な人間にかえったのである。
時として考証的なバッハを、冷徹なバッハを演奏するリヒターであったが、それはこの夜だけに許された「即興の時」であったのだろうか。
といってもテンポの揺れは実際にみられなかったことも指摘しておく必要がある。
リヒターの中にある自由な飛翔は、厳格主義によって身動きが出来なくなっている日本のバッハ演奏家に対して大きな啓示となったのである。
リヒターの張り詰めて峻厳な音楽作り、彼を信奉する合唱団員たち、与えられた機会に最上の歌唱や演奏で応えようと全力を尽くす独唱者たち、オーケストラの尋常ではない協調ぶりは強く心に残る。
オーケストラは驚嘆すべき音色と技術に加え、音楽性の息づきの中で見事にリヒターにこたえた。
フルートのまろやかさ、Ｄ管トランペットの強靭で卓越した技巧は、それが音楽の必然的帰結であることを納得させたし、合唱における「自発性」は日本の合唱団に大きな影響を与えた。
独唱陣は最高の布陣で、これ以上の歌手を誰が望めるだろう。
その中でもヘフゲンのアルトは特筆せねばなるまいし、ヘフリガーの＜ベネディクトス＞も絶唱というべきだろう。
バッハが亡くなる前年の１７４９年に、過去のさまざまな作品からの転用を含めてまとめあげた宗教音楽の一大大作がこの《ミサ曲ロ短調》である。
当時としてはたいへん規模の大きな作品で、全曲の演奏に約２時間を要するが、バッハの声楽曲の集大成としても重要な意味を持つので、是非耳にしておくべきだろう。
全編に崇高な宗教的感情があふれていて、この曲にバッハのすべてがあるといっても過言ではないほどだ。
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2021年11月12日
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リヒターが手兵のミュンヘン・バッハ管弦楽団、合唱団を率いて１９６９年に初来日したおりの東京での実況録音。
初めてこのマタイ受難曲とロ短調ミサ曲と併せて聴いた時には、自分の音楽観や人生観をさえ揺さ振られるほどの大きな感動を受けた。
指揮台の前にチェンバロを置き、まったくの暗譜で指揮はもちろんレチタティーヴォでの通奏低音まで弾いてしまう姿勢には、バッハ自身が現れたのではないかという錯覚さえ覚えたものだ。
その時の音楽から放射されてきた意味の大きさ深さは未だに比べるものがないほどだが、この実況録音盤で聴いてもその時の印象は鮮明に蘇ってくる。
１９５８年のスタジオ録音も良いが、日本人にとってはこの演奏があくまで原点である。
ところで１９７０年前後といえば、オリジナル楽器によるバロック演奏が一般化していった時期であるが、表面的にはリヒターは、こうした新しいバッハ演奏の影響をまったく受けなかったように見える。
しかし、６０年代後半から７０年代にかけての繁栄の時代に人々の意識は徐々に変化していった。
そうした変化とリヒター自身が年齢を加えていったことが、この時期、リヒターの眼をより大らかなバッハへの音楽へと向けたのではないだろうか。
しかし、こうしたリヒターのよりロマンティックといえるようなバッハへの回帰は、ある意味ではその裏返しでもあったのではないだろうか。
リヒターがバッハ演奏家の第一人者となった５０年代から６０年代のドイツは、敗戦から立ち直って、奇跡ともいわれる戦後の復興を着々と成し遂げようとしていた時期であり、厳しく凝縮し、強い劇性と生命力にみちたリヒターのバッハ演奏は、いかにもそうした時代にふさわしかったといえるだろう。
しかし、そこにはより自然で力みのない人間的な表現があり、旧盤のように鮮烈に聴き手の胸を打つことはないが、バッハの音楽の大きさやゆたかさをより素直に味合わせてくれる良さもある。
そして、年齢的にも真の円熟期を迎えようとしていたリヒターが、新たに目指したバッハ演奏は、そうした肩張らぬ素直な人間的表現だったのではないだろうか。
しかし、７９年に単独で来日したものの、リヒターには、その時間が残されていなかった。
８１年４月には再び手兵のミュンヘン・バッハ管弦楽団と合唱団を率いて来日することが決まっていたが、その直前の２月１５日に、滞在中のミュンヘンのホテルで心臓麻痺のために、５４歳という働き盛りに急逝してしまい、多くの音楽ファンを驚き、悲しませることになった。
しかし、酷な想像かもしれないが、もしリヒターが６０代、７０代と活動を積み重ねていったとしても、古楽器演奏がますます隆盛なこの時代に、かつてのような誰をも心服させるような新たなバッハ像を構築し得たかどうかは、やはり疑問ではないだろうか。
その意味では、５４歳というあまりに早い死は、３０代にして現代最高のバッハ解釈家としての名声を獲得したに対する天の配剤であったようにも思える。
つまり、リヒターが５０年代末から６０年代にかけて残した数々の名演は、今もそれほど強い輝きを放っているといってもよいだろう。
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2021年01月05日
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濃厚なコーガンのヴァイオリン、重厚なリヒターのチェンバロ、ねっとりたっぷりと歌うロマン的情緒濃密なバッハ。
これはこれですごくいいんだけども、コーガンのヴァイオリンは時にあまりにソリスティックすぎて、リヒターのチェンバロを覆い隠してしまうほどに主張が前面に出過ぎるときがある。
つまりコーガンのブラームスのような超スタイリッシュな演奏がバッハらしくなく違和感を感じざるを得ない。
それでもバッハの音楽の融通性から考えれば、肯定的なセッションではあるが、ロシア人演奏家はどんなに優れた巨匠でも、ドイツ音楽においてはこのような不適格さを露呈してしまう傾向があり、このCDもその好例である。
この曲集は基本的にヴァイオリン、そしてチェンバロの右手と左手がそれぞれ一声部ずつを受け持つ、トリオの手法で書かれているので、ソロ・ヴァイオリンがあまりに突出すると声部間のバランスが崩れてしまう。
ここでのコーガンはひたすら自己の妥協せざる音楽を堅持しているようで、その点峻厳な印象を与えることに成功している。
しかしリヒターは伴奏に追いやられているようにも聞こえる。
彼はノイぺルトのモダン・チェンバロを使っているが、この楽器のやや金属的で耳障りな音色が録音で助長されているのも好きになれない。
全体的にこうした理由で演奏が鈍重なものになっているのは残念だ。
はっきり言えば2人の間に音楽で一致するところが見えない演奏ということになる。
個人的にはこの6曲のベストはシェリング、ヴァルヒャ盤だが、リヒターがシュナイダーハンと組んだ1966年のセッションも好ましい。
この演奏は最近リリースされたリヒターのコンプリート・レコーディング集に復活している。
またラインホルト・バルヒェット、ロベール・ヴェイロン=ラ・クロワによる60年代初期のヴァイオリン・ソナタ全集もシンプルかつバランスの良い演奏でお薦めだ。
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2020年12月05日
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CD97枚+ブルーレイ・オーディオ3枚で構成されたカール・リヒターのアルヒーフ及びグラモフォンへのコンプリート・レコーディング集は、入手困難になっていた音源や初CD化のディスク2枚も組み込まれている。
確かにコレクション仕様の記念碑的企画には違いないが、前回アルヒーフから出たバッハ宗教音楽集に入っていたマタイ、ヨハネ両受難曲とロ短調ミサを収録した4枚のDVDが含まれていない。
リヒターをはじめ声楽、器楽のソリスト陣がアップで撮影された貴重な映像を鑑賞できるDVDが何故割愛されてのか理解できない。
そのアルヒーフ盤には今回と同一内容のブルーレイ・オーディオ1枚がついていた。
もう一つの既出盤、75曲のバッハ宗教カンタータ集は、やはりブルーレイ2枚組だったので、音質の向上は称賛に値する。
このコンプリート・セットのために新規に制作されたものではなく、その意味でも目新しさにはやや乏しい。
いずれにしても、バッハの演奏に関しては既に複数のバジェット価格の箱物がリリースされているので筆者も含めてそれらを購入済みのファンも少なくない筈だ。
できればバッハ以外の作曲家の作品の音源だけに纏めて欲しかったというのが正直な感想だ。
個人的にはリヒターの宗教曲に限れば前述のアルヒーフ盤CD11枚+DVD4枚+ブルーレイ1枚組とカンタータ集ブルーレイ2枚組の方をお薦めしたい。
尚初CD化の2枚はCD89のヘンデルの6曲のフルート・ソナタ集が、ハンス=マルティン・リンデとの1969年の共演、CD96のフランツ・リストの『バッハの名によるプレリュードとフーガ』が1954年の収録である。
マックス・レーガーの『バッハの名によるファンタジアとフーガ』が1957年のライヴから採られていて、この2曲はリヒターのオルガン・ソロになる。
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2018年07月12日
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5年前にユニヴァーサル・イタリーからリリースされたカール・リヒター、ミュンヘン・バッハ管弦楽団によるバッハの宗教カンタータ集は彼が録音した全75曲をバジェット価格で纏めた画期的な企画だったが、今回音質をグレードアップさせた２枚のブルーレイ・オーディオに圧縮されて本家からの再発になった。
ディスクの形態では進歩型の優れた音質を誇るメディアにリニューアルされたことを歓迎したい。
こちらも全曲歌詞対訳付だが僅か２枚に75曲を収録したところも魅力で、昨年リリースされた２曲の受難曲、ロ短調ミサ、クリスマス・オラトリオ及びマニフィカトを全曲収録したブルーレイ1枚とDVD4枚を伴ったセットと合わせると、ライヴは別としてリヒターがステレオ録音したバッハの宗教曲が高音質ディスクで網羅されることになる。
レギュラー・フォーマット盤と聴き比べてみたが第１曲目からその音質の違いは明らかに感知できる。
先ず低音から高音までのバランスが改善され一部の音域の突出がなくなり、鮮明な音像が得られると共に、全オーケストラとコーラスが総奏の時にひとつの音の塊りになることが避けられている。
これはDSDリマスタリングの精緻さとブルーレイ盤の収容能力の余裕から来るものだろう。
雑味も払拭されてよりクリアーな音質が得られている。
専用機器の普及状況に合わせてのコンビネーションだと思うが、最近ブルーレイ・オーディオ盤と従来のCDを抱き合わせにしてリリースするケースが増えている。
これはコレクションのだぶりとマテリアルの節約のために賛成できないので、今回の企画は評価したい。
ハードカバーのディジタル・パック仕様で厚みは2.8cmほどあり、綴じ込みのブックレットは255ページで、全曲歌詞英語対訳付で前回より見易い上質紙に余裕を持ったスペースで掲載されている。
最後に曲名アルファベット順の索引が付いていて、ディスク・ナンバー、トラック、トラック・リスティング及びテキストのページが明記され鑑賞の便宜が図られている。
イメージ欄の写真の通りややレトロ調でシックなデザインは、スクリーンに映し出されるトラック・リストのバックにも共通しているが装丁自体はしっかりしている。
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2017年12月16日
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先ず、バッハが作曲した規模の大きい宗教曲を集大成したこの16枚と2013年にユニヴァーサル・イタリーからリリースされたバッハ宗教カンタータ集26枚で、カール・リヒターがアルヒーフ・レーベルに遺したバッハの宗教作品の殆んどが一気に揃うことになるので、入門者には最短コースのコレクションに成り得る筈だ。
勿論古い音源はどうしても新規のリマスタリングが欠かせないのでオールド・ファンにとっても再購入の時の有力な選択肢だろう。
ミュンヘン・バッハ管弦楽団は、バイエルン放送響、ミュンヘン・フィル、バイエルン国立管の団員などの精鋭から編成され、なによりも当代のバッハの使徒とでもいうべきリヒターに対する尊敬の念と忠誠心をもっていたと言われている。
リヒターは当時にあって、バッハについて深い学識ある研究者であるとともに、最高のチェンバロ奏者、オルガニストであり指揮者であった。
チェンバロ、オルガンなどの独奏の高次性も並外れており、しかもすぐれた即興性も聴衆を魅了した。
こうした実力ゆえのミュンヘン・バッハ管弦楽団＆合唱団の結成であった。
多くのバッハ作品中、その精華が本集で、厳しくも神々しいバッハ解釈である。
1969年、日本でのこのメンバーによる公演があったが、マタイもヨハネもロ短調ミサも集中的に演奏された一大ページェントだった。
この公演自体がいまだに語り草になっているが、リヒターの厳しくも神々しいバッハ解釈を日本に知らしめた衝撃は大きかった。
一致団結しストイックとしか言いようのない敬虔、厳格な音楽づくりは、その後同様な演奏を聴くことを至難としている。
その演奏の均一性、精神的な統一感はいま聴いても非常な驚きがあるだろう。
尚最後のCD11はボーナス盤としてクリスマス・オラトリオのリハーサル及び録音状況が記録されていて、22日間に及んだ録音作業の日々を追って、次第に全曲が出来上がっていく過程を追体験できる興味深いものだ。
他に全収録曲をブルーレイ・オーディオ・ディスク1枚にハイレゾリューション・コピーしたものと、更にDVD4枚が加わっていて、カール・リヒターのバッハに対する殆んど宿命的とも言える演奏活動と共に、在りし日の彼の映像を鑑賞できる、よりコンプリートなセットになっている。
カートン・ボックスは13X14X6cmの存在感のあるしっかりしたコレクション仕様の装丁で、ディスクは作品ごとに独立した白を基調にしたジャケットに収納されている。
ライナー・ノーツではカール・シューマンによるリヒターのキャリアについてのエッセイを皮切りにマタイ受難曲、ヨハネ受難曲、クリスマス・オラトリオ、マニフィカト、ロ短調ミサのそれぞれの始めのページに異なったライターの解説を付け、それに続くドイツ語及びラテン語歌詞に英語対訳が掲載されている。
またCD、DVD、ブルーレイ・オーディオ・ディスクのトラック・リストを対応させた見出しを付けた150ページのブックレットの充実ぶりは特筆される。
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2015年12月26日
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このリヒターの崇高なバッハの成果は未だに独自の光彩を放ち、独創的で強い主張を持っている。
中でも彼のブランデンブルク協奏曲や管弦楽組曲などの息づくようなバイタリティーに溢れた表現は強く惹かれるものがあったが、当初アルヒーフのセット物は布張りカートン・ボックス入りのコレクション仕様で値段も高く、気軽に手が出せるような代物ではなかった。
そうした懐かしさも手伝ってかつての欲求を満たしてくれるのがこのセットで、同じくユニヴァーサル・イタリーから先発でリリースされたバッハのカンタータ集に続いて、今回はチェンバロ及びオルガン・ソロ、室内楽、オーケストラル・ワークに『ロ短調ミサ』を加えた１８枚で構成されている。
この中には現在入手困難な１９６６年収録のシュナイダーハンとのヴァイオリン・ソナタ集も含まれている。
リヒターは１９７２年にレオニード・コーガンとも同曲集の再録音をオイロディスクに遺しているが、バッハへのアプローチも、また音楽的な趣味や個性も全く異なった２人のヴァイオリニストと組んだアンサンブルの記録としても貴重な音源だ。
この演奏ではシュナイダーハンのウィーン流のしなやかで自由闊達なソロが美しい。
尚ブランデンブルク協奏曲集は１９６７年の再録音の方が採用されている。
ちなみに第１回目の１９５６−５７年の音源はドイツ・ヘンスラーから独自のリマスタリングで復活している。
ミュンヘン・バッハ管弦楽団は、バイエルン放送響、ミュンヘン・フィル、バイエルン国立管の団員などの精鋭から編成され、何よりも当代のバッハの使徒とでもいうべきリヒターに対する尊敬の念と忠誠心を持っていたと言われる。
その演奏の均一性、精神的な統一感はいま聴いても新鮮な驚きがあるだろう。
リヒター指揮による同管弦楽団、同合唱団による一致団結した統一感とストイックとしか言いようのない敬虔、厳格な音楽づくりは、その後同様な演奏を聴くことを至難としている。
一方、リヒターは当時にあって、バッハについて深い学識ある研究者であるとともに、最高のチェンバロ奏者＆オルガニストであり指揮者であった。
チェンバロ、オルガンなどの独奏の高次性も並外れており、しかもすぐれた即興性に魅力がある。
彼が使用しているチェンバロは総てノイペルト製のモダン・チェンバロで、ピリオド楽器が主流の現在では金属的で大きな音がやや厚かましく聞こえるが、奇しくも当時のリヒターのラディカルとも言える解釈にそぐわないものでなかったことは確かだ。
またニコレとのフルート・ソナタ集では常にレジスターを使って音量と音色を注意深くコントロールしている。
ライナー・ノーツは４６ページほどで、曲目一覧、英、伊、独語によるリヒターのキャリア及びこのセットに収められた１８枚の全録音データが掲載されている。
新しいリマスタリングの表示はないが音質は極めて良好で、サイズ13X13X5cmのシンプルなクラムシェル・ボックス仕様。
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2015年07月26日
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ここに収められたＣＤ２６枚のバッハの教会カンタータ集は以前アルヒーフから同内容でリリースされ、既に法外なプレミアム価格で扱われているもので、今回のユニヴァーサル・イタリーによる全歌詞付１２６ページのブックレットを伴ったバジェット盤企画の快挙を評価したい。
尚ＢＷＶ２６及びＢＷＶ５１でのソプラノは前者がウルズラ・ブッケル（１９６６年）、後者がマリア・シュターダー（１９５９年）が歌った旧録音の方が採用されている。
カール・リヒターは１９５９年からこのカンタータ集の録音に取り組み、その精力的な活動は７８年まで続けられたが、彼が５４歳の若さで他界しなければ、更に多くのセッションを遺してくれたであろうことが惜しまれる。
このセットには教会歴に従いながら７５曲の作品が収録されていて、どの曲を聴いても生命力に漲るリヒターの強い個性が発揮された鮮烈な音楽が蘇ってくる。
それはリヒターの一途でひたむきな宗教観とバッハの音楽への斬新な解釈が、音源の古さを通り越してひとつのドラマとして響き渡るからだろう。
勿論リヒターの名を不動にした『マタイ』、『ヨハネ』の両受難曲や『ロ短調ミサ』などの大曲も彼の最も輝かしい演奏の記録には違いないが、彼はプロテスタントの教会で日常的に歌われるカンタータの研究の積み重ねによって、初めてバッハの宗教曲の本質が理解できるようになると考えていた。
確かにバッハが生涯に２５０曲もの教会カンタータを作曲したとすれば、それはバッハの全作品中最も高い割合で書かれたジャンルになり、如何に心血が注がれた作品群であるかが納得できる。
リヒターが指揮棒を握る時にはソリストやコーラスだけでなく、オーケストラにも彼の熱いスピリットが乗り移ったような統一感が生まれる。
この時代はまだ古楽の黎明期で、モダン楽器とピリオド楽器を混交させながらの奏法も折衷様式をとっているが、そうした条件を補って余りあるほどリヒターの演奏には不思議な普遍性がある。
リヒターの高い精神性に導かれた隙のない、そして全く弛まない緊張感が時代を超越して聴き手に迫る驚くべき手腕は流石だ。
リヒターはルター派の牧師の父を持ち、最初に音楽教育を受けた学校が宗教色の強い環境だったことも彼のその後の活動に色濃く影を落としている。
当然リヒターの少年時代にとって聖書講読や教会歴に沿った行事での演奏は、切り離すことができない生活の一部だったことは想像に難くないし、後のライプツィヒ聖トマス教会のオルガニストを始めとする教会でのキャリアは、バッハの研究者として彼に課された宿命的な仕事だったに違いない。
このカンタータ集は彼のバッハへの哲学が集約された音楽の森とも言うべき優れた内容を持っていて、将来に聴き継がれるべき演奏である筈だ。
特に新しいリマスタリングの表示はなく、足掛け２０年に亘る音源なので、時代によって音質に若干のばらつきがあるのは致し方ないが、幸い全体的に鮮明で良質な音響空間が得られていて鑑賞に全く不都合はない。
ブックレットには詳細な曲目、演奏者及び録音データと、リヒターとバッハのカンタータについての英語解説、そしてオリジナルのドイツ語による全歌詞が掲載されている。
ボックス・サイズは13x13x6,5cmでシンプルなクラムシェル・タイプの装丁だが、品の良いコレクション仕様に好感が持てる。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2014年12月25日
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モーツァルトのフルートを用いた作品を軸に、ハイドンの偽作とされるフルート協奏曲などが収められた好企画のＣＤである。
本盤は、そうした選曲の見事さもさることながら、演奏者も今となっては豪華な布陣である。
フルトヴェングラーがベルリン・フィルの芸術監督をつとめていた時代の首席フルート奏者であったオーレル・ニコレ、そしてバッハをはじめとしたバロック音楽やハイドン、モーツァルトの作品において比類のない名演の数々を遺したリヒター＆ミュンヘン・バッハ管弦楽団など、本演奏の当時（１９６２年）全盛期にあった者たちが繰り広げた演奏は、まさに珠玉の名演とも言うべき至高・至純の美しさを誇っていると高く評価したい。
オーレル・ニコレによるフルート演奏は、もちろん卓越した技量を有してはいるが、フルトヴェングラー時代のベルリン・フィルの首席奏者をつとめていただけのことはあって、技巧臭がいささかもせず、徹底した内容重視の演奏を行っている。
本盤に収められた各楽曲のうち、特に、フルートとハープのための協奏曲については、カール・ミュンヒンガーがウィーンの首席フルート奏者などと共に行った素晴らしい名演が存在しているが、当該演奏がウィーン風の情緒に満たされた美演であるのに対して、本演奏は徹頭徹尾ドイツ風の重厚なもの。
オーレル・ニコレによる彫りの深いフルート演奏、そしてリヒター＆ミュンヘン・バッハ管弦楽団による引き締まった造型美を旨とする剛毅な演奏が、演奏全体の様相をそのようなドイツ風の重厚にしてシンフォニックなものとするのに大きく貢献している。
そして、ローゼ・シュタインによるハープ演奏が演奏全体に潤いと温もりを付加するのに寄与し、これによって、重厚な中にも優美な美しさを併せ持った稀有の名演に仕上がっていると評価し得るところだ。
また、モーツァルトの２曲のフルート協奏曲やフルートと管弦楽のためのアンダンテも、オーレル・ニコレによるいわゆるジャーマン・フルートのいぶし銀の美しい魅力を十二分に満喫することが可能な素晴らしい名演であり、いい意味での剛柔のバランスという点においては、それぞれの楽曲の演奏史上でもトップクラスの名演と高く評価したい。
現在では、ハイドンによる作品ではないとされているフルート協奏曲ニ長調や、グルックの歌劇「オルフェオとエウリディーチェ」からの抜粋である精霊の踊りも、ドイツ風の重厚な中にもジャーマン・フルートのいぶし銀の美しさを感じさせる素晴らしい名演だ。
音質は、かつて発売されていた従来ＣＤ盤は、１９６０〜１９６２年のスタジオ録音であり、今一つの音質であったが、今般、待望のＳＡＣＤ化がなされるに及んで大変驚いた。
音質の鮮明さ、音場の拡がりなど、とても１９６０年代初め頃のスタジオ録音とは思えないような高音質に生まれ変わった。
いずれにしても、全盛期のオーレル・ニコレ、そしてリヒター＆ミュンヘン・バッハ管弦楽団ほかによる至高の名演を、鮮明な高音質ＳＡＣＤで味わうことができるのを大いに喜びたい。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2014年12月13日
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モーツァルトのレクイエムについては、近年ではジュスマイヤー版の編曲による壮麗な演奏が主流ではなくなり、他の編者の版によるもの、そしてピリオド楽器やピリオド奏法を駆使した軽妙な演奏が多く行われるようになってきている。
時代考証的な見地からすれば、確かにそうした演奏は正鵠を射ているのかもしれない。
そして、モーツァルトを研究する学者からすれば、非常に評価の高い演奏と言えるのかもしれないが、果たして大方のクラシック音楽ファンを感動させる演奏がどれくらい存在しているのであろうか。
モーツァルトの数多くの楽曲の中でも、レクイエムは多分に未完成であったことにも起因しているとは思うが、作曲者の慟哭が聴こえる異色作ではある。
どんなに悲しい時であっても、楽想は寂しげに微笑んでいるのがモーツァルトの楽曲の美質であったが、レクイエムだけはあからさまに嘆き悲しんでいると言えるだろう。
いや、生涯の最後に、モーツァルトは自らの本音を曝け出したとも言えるのかもしれない。
それだけに、私見ではあるが、レクイエムの真の魅力を引き出すためには、小手先だけの演奏では不可能ではないのか。
近年主流のピリオド楽器やピリオド奏法を駆使した軽佻浮薄な演奏では到底真の感動は得られないと言うべきであろう。
そのような中で、同曲のジュスマイヤー版を使用した壮麗かつ重厚な代表的な演奏として、ベーム＆ウィーン・フィルほかによる超名演（１９７１年）が存在しているのであるが、本盤に収められた全盛期のリヒターによる１９６０年の演奏も、その前座に位置する素晴らしい名演と評価したいと考える。
ミュンヘン・バッハ管弦楽団による演奏だけに、ウィーン・フィルによる演奏と比較すると、若干ではあるが重厚さに欠けるが、演奏全体の引き締まった造型美やただならぬ緊迫感は、聴きようによっては本演奏の方が上とも言えるところだ。
本演奏の当時は、リヒター＆ミュンヘン・バッハ管弦楽団は、マタイ受難曲をはじめとした歴史に残るようなバッハの楽曲の超名演を成し遂げていた時期でもあり、本演奏には、そうしたモーツァルトの大先達であるバッハの偉大な宗教曲の片鱗を感じさせるような峻厳さと崇高さが備わっていると評しても過言ではあるまい。
マタイ受難曲などで圧倒的な名唱を披露してくれたミュンヘン・バッハ合唱団は、本演奏でも圧倒的な合唱を展開しており、４名の独唱者ともども最高のパフォーマンスを発揮していると高く評価したい。
音質は、１９６０年のセッション録音ではあるが、今般、ついに待望のＳＡＣＤ化が行われることになり、見事は音質に生まれ変わったと言える。
さすがに録音年代が古いだけにテープヒスが気にならないわけではないが、音質の鮮明さ、音場の幅広さ、そして音圧のいずれをとっても超一級品の仕上がりであると言えるところだ。
いずれにしても、リヒター＆ミュンヘン・バッハ管弦楽団ほかによる素晴らしい名演を高音質ＳＡＣＤで味わうことができるのを大いに喜びたい。
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2014年06月13日
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驚くべき超高音質ＳＡＣＤの登場だ。
本盤に収められた演奏は、歴史的な名演だけに、これまで何度もリマスタリングを繰り返してきたほか、ＳＨＭ−ＣＤ盤、ＳＡＣＤハイブリッド盤などが発売されてきたが、本盤の前には、いずれも太陽の前の星にようにその存在感がすっかりと霞んでしまった。
それくらい、本盤の高音質の度合は突出している。
あらためて、シングルレイヤーＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ仕様の威力を思い知った次第だ。
高弦は艶やかに響くし、弦楽器や管楽器のそれぞれが鮮明に分離して聴こえるのは素晴らしいの一言。
音場の豊かな広がりや深い奥行きは、とても１９６７年の録音とは思えないほどだ。
特に、第２番の第１楽章及び第３楽章のトランペットのブリリアントや響きや、第３番の第２楽章のチェンバロの重心の低いずっしりとした響きには、完全にノックアウトされてしまった。
演奏も、まさに歴史的な名演。
リヒターならではの重量感溢れる低音をベースとした、独特の緊張感を伴った切れ味鋭いリズム感や各楽器の躍動感は、ブランデンブルク協奏曲を、本盤の録音当時に主流であったいわゆる大指揮者による重厚かつ壮麗な演奏様式（それも名演ではあるが）から解き放ち、新鮮な息吹を吹き込むことに成功したことを高く評価したい。
もっとも、現代においては、ピリオド楽器を使用した古楽器奏法が主流の同曲であり、本盤も既に演奏様式としては古い部類に入るが、軽佻浮薄な演奏が流行する中においては、現代においてもなお十分に存在感を発揮している至高の名演であると考える。
第４番〜第６番についてもかかるシングルレイヤーＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ仕様のディスクを出していただくことを望みたい。
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2014年02月28日
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（注）以下のレビューは、下書きしたまま忘れて放置していたページをエントリーしたものである。
ガラスＣＤは別として、コストパフォーマンスを考慮すれば、おそらくは現在望み得る最高の音質のＣＤであると高く評価したい。
ネット配信が普及し、少なくとも従来ＣＤは廃れていく傾向にある中で、ネット配信に対抗し得るのはＳＡＣＤ以外にはないと考えていたが、ユニバーサルをはじめ、ほとんどのレコード会社がＳＡＣＤから撤退している状況は、大変嘆かわしいものと考えていた。
そうした厳しい中で、ユニバーサルが数年前から再びＳＡＣＤの発売を再開したのは何という素晴らしいことであろうか。
しかも、ユニバーサルが推奨してきたＳＨＭ−ＣＤとの組み合わせ、ＳＡＣＤの能力を最大限に発揮させるシングルレイヤーであることも、快挙であるということができよう。
本盤を、かつて発売されたＳＡＣＤハイブリッド盤やＳＨＭ−ＣＤ盤などと比較して聴いてみたが、その音質の違いは明らか。
ニコレの息遣いまでが聴こえてくるようなフルートの美音や、分離が見事なオーケストラの極上の高音質。
重低音のずしんとした重厚な響きも迫力満点であり、まるで別次元の演奏を聴いているような錯覚を覚えた。
ユニバーサルには、今後ともこのシリーズを続けていただくとともに、可能ならば、第３番、第４番のＳＡＣＤ＆ＳＨＭ−ＣＤ化もお願いしたい。
演奏は、既に定評のある超名演。
ピリオド・スタイル全盛の現在においても、その精神性の深さで普遍的な支持を受ける名指揮者カール・リヒターのバッハ演奏である。
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2013年12月14日
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バッハのマタイ受難曲は、数多くの作品の中でもひときわ大きく聳え立つ傑作であり、人類最大の遺産のひとつに数えられる畢生の名作。
本盤は、その中から聴き所を抜粋した作品集。
バッハのマタイ受難曲をクラシック音楽史上最高傑作と評価するクラシック音楽ファンも多い。
こうした考え方が正しいのかどうかは別として、少なくとも大傑作の名に値する作品であることについては異論の余地がないところであろう。
これだけの大傑作だけに、かつてはメンゲルベルクやクレンペラー、そしてカラヤンなどの大指揮者によって、大編成のオーケストラと合唱団を使用した重厚な名演が繰り広げられていた。
ところが近年では、オーケストラにピリオド楽器を使用した演奏、古楽器奏法を駆使した演奏、さらには、各パートを一人ずつとするなど極めて小編成のオーケストラによる演奏等が現れてきており、加えて合唱団も少人数にするなど、かつてと比較すると軽妙な演奏が増えつつあるように思われる。
このように、マタイ受難曲の演奏様式は刻々と変化してきていると思われるが、録音から既に５０年以上が経過しているにもかかわらず、現在でもその価値がいささかも色褪せない永遠の名演こそが、本盤に収められたリヒターによる１９５８年のスタジオ録音である。
ミュンヘン・バッハ管弦楽団は比較的小編成のオーケストラではあるが、いわゆるシンフォニックな重厚さにおいてもいささかも申し分ない。
演奏は、悠揚迫らぬテンポによる荘重さ、壮麗さが支配しており、常に気迫溢れる力強さと峻厳さを失っていないのが素晴らしい。
このようなリヒターの本演奏にかける凄まじいまでの集中力には殆ど驚異を覚えるほどだ。
全体の造型はきわめて堅固であるが、スケールは雄大の極み。
また、イエスの逮捕のシーンの劇的な迫力などにも凄まじいものがあり、ドラマティックな要素にも欠けるところがない。
まさに、同曲に込められた内容を音化し尽くした稀有の名演と言えるところであり、今後とも本名演を超える演奏を行うのは容易ではないと言っても過言ではあるまい。
独唱陣も極めて優秀であり、特に福音史家のエルンスト・ヘフリガーの入魂の名唱は、我々聴き手の肺腑を打つのに十分だ。
若きフィッシャー=ディースカウによるアリアにおける名唱も、演奏全体の緊張感の持続に少なからず貢献している。
ミュンヘン・バッハ合唱団やミュンヘン少年合唱団の歌唱も壮麗かつ清澄な美しさの極みであり、本名演に大きく貢献しているのを忘れてはならない。
この名演を初めて聴く人は、ハイライト盤ですまそうとは夢にも思わないで欲しい。
あくまでこの偉大な作品・演奏の全曲を聴く足掛かりだということを肝に銘じていただきたい。
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カール・リヒターのバッハ宗教音楽集をセットにまとめたお徳用盤。
「マタイ受難曲」は不朽の名盤中の名盤。この峻厳そのもののバッハを超える演奏は、今後もなかなか現れないだろう。時代も変わっているから、あるいはこのリヒターの妥協のなさに息苦しく感じられるところがあるかもしれない。しかし、２０世紀が遺したバッハ演奏の頂点を示すものとしての評価は変わらないだろう。
バッハの「マタイ」を聴こうとする人にとって、この曲の投げかける真摯な問いかけをいい加減に受け止めることはできまい。リヒターの「マタイ」の厳しさは他に類のない高さにあり、未だにその鮮烈さを失うことなく我々の前に屹立している。最初からじっくりと対訳とにらみ合わせながら、急がず聴き込んで欲しい。
「ヨハネ受難曲」も厳しいまでの威厳にみちたバッハ演奏で、リヒターの峻厳な指揮に支えられて、全曲を極めて高い緊張感が支配している。過度の感情移入は厳しく抑制され、ヘフリガーの福音史家も静かな語り口の中に驚くほどの説得力をもって、この受難のドラマの劇性を表出する。リヒターのバッハ演奏の中でも最高峰のひとつに数えられる名演である。
「クリスマス・オラトリオ」は細部にいたるまで妥協を許さないリヒターの緻密な設計と、強力な統率力が全曲を支配している。バッハを真正面からとらえた演奏で、厳しいまでの表情は他の演奏にはみられない威容を示す。４人の独唱者、オーケストラ、合唱団の集中力の高い、真摯な演奏も申し分なく、その重厚な響きと清澄な音色は一度聴いた者の耳を離そうとしない。現代楽器を用いた演奏だが、時代や様式を超えたバッハ像がある。
「ミサ曲ロ短調」も古い録音だが未だに鮮烈な内容を保ち続けているのは、リヒターの決して消えることのない精神力のためだろう。彼ほどの凝集力、音楽の持続力を保ち続けた指揮者はいなかった。そして独唱陣の何と水準の高いことだろう。不確かな個所は１小節たりともない。その精神の高さでは、リヒターを超えるバッハの演奏家は当分現れまい。まさに不朽の名盤といってよいだろう。
「マニフィカト」は、この作品の壮麗さ、優しさ、美しさをこれほど格調高く、堂々と歌い上げた演奏というのは、ほかにはない。独唱陣に、録音当時最高の顔ぶれを揃えていて、崇高な雰囲気を見事に表出している。
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2012年02月09日
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リヒター唯一の《クリスマス・オラトリオ》の録音。
筆者にとって、《クリスマス・オラトリオ》という作品に親しむきっかけを与えてくれた懐かしい録音。
リヒターの演奏は、力強い喜びにあふれたもので、その精神的燃焼度の高さには圧倒される。
今、聴きなおしてみると、その重厚さに驚かされる。
レチタティーヴォもオペラ的で芝居がかっているように感じる。
人間の感覚というものは当てにならないものだ。
初めてピリオド楽器による演奏に接したときにはなんと軽薄な、と思ったのに、今日ではピリオド以外は自ら進んで聴こうとはしないのだから。
リヒターの曲の解釈・表現は、コラール・フェルマータの扱い方にしても、非常に柔軟性にとんだ自由な扱い方をして、詩の内容を浮き出させているし、フレーズのつくり方がふくらみを増し、表現に人間的な息づきが至るところにあふれてくる。
１９６０年代としては最高の独唱陣を得たことも素晴らしく、どの個所にも不満を感じさせないし、むしろ感嘆の連続である。
特に早世した名テノール、ヴンダーリヒの名唱が聴けるのはたいへん嬉しいことだ。
粒ぞろいの歌手による名盤中の名盤であることは間違いなく、こうしたバッハを愛する人にとっては限りなく大きな価値を持つ演奏であろう。
でも、今日の演奏スタイルからは乖離した面があるのは否めないと思う。
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《ミサ曲ロ短調》の不滅の名盤。
バッハの４大宗教音楽のひとつに数えられ、その最高作品と見なす向きも少なくない。
優れた宗教曲は、基盤である宗教を離れて"芸術"作品として自立することがある。
その場合、芸術としての一面を強調した演奏が生まれてくるのは避け難い。
しかしキリスト教文化圏で規範とされるのは、宗教性と芸術性を両立させた演奏である。
当盤は、長らくその頂点に立ち続けてきた名盤。
まず、フレーズの隅々にまで浸透している切迫した祈りの感情が、聴き手の身に染みる。
その純粋さを聴き手にさらに印象づけるのがリヒターの凝集した表現力。
その結果、熱く激しく燃え上がる感情を、厳格できりりとした表情に包みこんだバッハが生まれた。
宗教性と芸術性が両々相まって、バッハの深さと広大さを実感させてくれる。
バッハはプロテスタント教会に仕える作曲家だったが、ここではカトリックの典礼をとり入れて両者の融合を目指し、特定の宗教を超えた特異な形態を生んでいる。
リヒターにとってこれは理想の信仰の形態だったはず。
信仰を失った現世の混迷のなかで、ひたむきに救済を求め、神の光に達しようと望むなら、神と一心同体化しなければならない。
そのためには人間は霊的な存在でなければならぬというのがリヒターの信念。
現世の欲を捨ててこそ、すべてのものが同胞となり得る。
人間はかくあるべきという不退転の決意、その強靭な精神力に心を打たれない者はいないだろう。
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リヒターによる当受難曲の唯一の録音。
現代においてもリヒターのバッハ演奏は高い評価を維持し続けている。
わけても《マタイ受難曲》（１９５８年）と《ヨハネ受難曲》は双璧。
同じキリストの受難を描くにしてもその感触と角度は異なる。
バッハのふたつの受難曲では、俗に《マタイ》のことをオペラティックといい、この《ヨハネ》のことをドラマティックと評している。
これは、《ヨハネ》に用いられているテキストが《マタイ》以上に聖書の言葉に忠実で、音楽よりもむしろ、物語としての流れが第一に考えられているからである。
ここでのリヒターは、いかにも彼らしい厳しい態度でまとめあげた演奏を行っている。
《マタイ》の演奏の時よりも、さらに人間的な味わいを強く出していて、それがこの演奏の完成度を高めている。
本盤ではリヒター特有の峻厳な解釈と鋭敏な表現の切り口と共に、内容が促すドラマティックな要素も添加させることに成功。
その要とも言うべきヘフリガー（福音史家）の張りのある伸びやかな歌いまわしは絶品。
人間味に溢れた劇性を重んじたかのような雰囲気が漂っているのが特長といえる。
リヒターによるバッハ演奏のディスクの中でも特に傑出したもののひとつだ。
リヒター固有の演奏哲学と美意識が結集されたこの演奏は、今後ともバイブル的な存在として語り継がれていくに疑いない。
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2011年12月13日
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「バッハという名の駿馬を乗りこなし、時代を駆け抜けていった男」
カール・リヒターを想うとき、筆者の脳裏にはこうして名馬を駆って疾走する颯爽たる騎手の姿が絵のように去来する。
リヒターのバッハ演奏には定評がある。
特に中高年の音楽愛好家の中には、バッハ演奏家といえば、まず一も二もなくリヒターの名を思い浮かべる人が少なくないのではないだろうか。
周知のように、リヒターの名前を一躍高めたのは、１９５８年の聖金曜日に放送されたバッハの《マタイ受難曲》の演奏と、その直後のアルヒーフへの記念碑的録音だった。
当時のリヒターは、旧東ドイツからミュンヘンに移住して７年目、この成功をバネとして、続く一連のバッハの宗教音楽の録音で評価を揺るぎないものとした。
その同じ１９５８年にもテレフンケンに《ゴルトベルク変奏曲》を録音しているが、その後１９６０年代後半から１９７０年代にかけてがチェンバリストとしてアルヒーフに旺盛な録音活動を行った時期で、この《ゴルトベルク変奏曲》は１９７０年の再録音。
リヒターの完璧な技巧とバッハへの深い造詣があますところなく発揮された演奏は、強い生命力がみなぎっている。
生き生きとした表情が全曲を支配しており、作品の汲めどもつきることのない魅力に、まさに引き込まれたような自発性に満ちた演奏を展開している。
ひとつひとつの音型に表情を与え、まとまりと変化を生み出し、聴き手の興味をぐいぐいと引っ張っていく力量には、さらなるゆとりが感じられる。
いまなお新しさを失っていない演奏だ。
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2009年01月29日
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リヒターのディスクを聴くだけでは、その圧倒的な演奏に感嘆するだけで気が付かなかったことだが、広く参加者を募っての合唱団を自ら組織して、それをつねに一定の極めて高い芸術性と歌の技巧をもった団体として保つことには、大変な労力と精神力が必要だっただろう。
またいくつものプロフェッショナルなオーケストラから選抜した腕の立つ音楽家たちを一つにまとめて、「リヒターの個性」をはっきりと刻印した演奏とすることも同じである。
今にして思えば、リヒターはそれをほとんど何のバックもなしに、たった一人で実現していたのである。
音楽的にも彼は「ライプツィヒのバッハの伝統」に育まれはしたが、それに安住することなく、彼の時代の最も先鋭的で根源的なバッハ演奏、解釈を選び取っていた。
リヒターの衣鉢をつぐバッハ解釈者が存在しないのも、彼が自らの身を削ってまでバッハにこだわりつづけたからだろう。
今日バッハ演奏は、オリジナル楽器の歴史的な演奏慣習の知識なしには問題にもならなくなった。
リヒターはこの時代には属していない。
だが、リヒター以上に現代楽器の多様な表現力をバッハ音楽の本質と結んだ音楽家は、彼の死後にも出てきていない。
折に触れてリヒターの演奏を聴いて、そのバッハの音楽への敬愛の心の洗礼を受けたいものである。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2009年01月28日
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第１４０番「目覚めよと呼ぶ声あり」は、バッハのカンタータの中でもポピュラー・ナンバーのひとつであり、典型的なコラール・カンタータで、喜ばしい気分にあふれた曲である。
第４曲のコラール「シオンは物見らが歌うのを聴く」は、単独のオルガン・コラールともなっている。
マティス、シュライアー、フィッシャー=ディースカウという最高の独唱者を迎えてのリヒターの「目覚めよと呼ぶ声あり」は名演中の名演としてことに有名。
これに「マニフィカト」を加えたのだから、これはバッハの声楽曲入門の１枚として安心しておすすめできる。
リヒターの演奏は、彼のバッハに対する畏敬の念と思慕の深さを感ぜずにはいられない。
表現にも崩れはなくさすがだ。
ドイツ国内における現代楽器のバッハ演奏の中で、リヒターを超える演奏はついに現れなかったといってよい。
リリングはリヒターと対照的な立場にたったバッハ解釈者であり、リヒターにないイタリア風流麗さをもたらしたが、リヒターの峻厳そのもののバッハを冒すことはなかった。
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2009年01月26日
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１９６９年５月９日、リヒターとミュンヘン・バッハ管弦楽団の来日公演のときのライヴ録音である。
あふれるようにみずみずしい演奏である。
リヒターには１９６１年のスタジオ録音もあり、それはきわめて峻厳な名演奏だった。
これはそのスタジオ録音ほどの芯の強さはあまり感じられないが、全篇にわたって、表情がゆたかであたたかな、人間愛にみちた音楽がつくられている。
このライヴにおけるリヒターの演奏は旧盤に聴かれる、魂を引き裂くような痛切な叫びはない。
構えのとれた、自在なバッハで、まるでリヒターの新しい面を発見したかのように感じられる。
演奏自体の密度の高さは旧盤に求められるだろうが、東京での緊張のひとときとしての、異常なまでの空間がひしひしと伝わってくる名演である。
その日本公演でまったく精力的にリハーサルと多くの本番をこなしたリヒターは、疑いなくこの時期が生涯の頂点だったといえる。
リヒターの張り詰めて峻厳な音楽作り、彼を信奉する合唱団員たち、与えられた機会に最上の歌唱や演奏で応えようと全力を尽くす独唱者たち、オーケストラの尋常ではない協調ぶりは強く心に残る。
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2008年05月13日
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きわめて崇高な気分にみちあふれた、スケールの大きな演奏で、ヘンデルの音楽のたくましく壮麗な面を、みごとに表出した名演である。
バッハの作品演奏の大家として知られていた人だけに、ヘンデルを演奏しても、構築のしっかりした音楽をつくりあげているが、手兵ミュンヘン・バッハ管を指揮したものよりも、このロンドン・フィル盤は、明るくモダンなのが特徴だ。
この英語による「メサイア」では、英語のもっている機能と、ヘンデルの中にあるイタリア様式とが、リヒターの中に色々渦巻いているようで、中途半端なものを残した部分も少なくない。
しかし流動的なフレーズのつくり方は、ヘンデルの世界だ。
リヒターの内なる心の広がり、許容しようとするヘンデル的世界へのアプローチに関して、やはり感動的な演奏だ。
純正なヘンデルかという問題はさておき、この緊張感の高いヘンデルはどうだろう。
パストラールの１ページをとってみても、これほど全精神を一点に集中した演奏はリヒターの旧盤を除けば空前絶後だろう。
リヒターはあくまでも彼の信じる音楽へと、ヘンデルを近づけてしまう。
こうした峻厳なヘンデルにも一度は耳を傾ける必要があるのではないだろうか。
独唱、合唱、オーケストラともに、この曲にゆかりの深いイギリスのメンバーだけあって、たいへんな熱演である。
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2008年04月15日
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カンタータもまた、リヒターが遺したバッハ演奏の重要なレパートリーだが、現代楽器を使い、伝統を踏まえながら前時代のロマンティックな感情移入を避け、曲の本質に迫っていったリヒターのバッハ像は、２０世紀のバッハ演奏のひとつの頂点を作り上げた。
彼はあくまでもドイツ的思考の上に立った"倫理としてのバッハ"を築きあげており、各カンタータはこれ以上の彫琢はないと思えるほど細密な配慮と考証のもとにひとつに結ばれている。
リヒターらしい厳格なバッハ像が描かれている点ではどの作品も変わりなく、１曲１曲の作品ではＦ=ディースカウやヘフリガーをはじめ、リヒターのバッハ演奏に欠くことのできないすぐれた独唱者たちの歌唱を聴くことができる。
ことにBWV.140は独唱者のすばらしさで光る理想的な名演だ。
リヒターの最晩年、１９７８年に録音された演奏で、円熟の高みをきわめたこの人のバッハ観が、見事にあらわされている。
実に緻密な音楽づくりで、この曲を一分の隙もない格調の高い作品として再現しており、内面的な掘り下げかたも深く、オーケストラ、合唱団ともに、リヒターの要求によくこたえている。
リヒターは人間の精神の脆弱さを衝き、叱咤し、バッハを通じて人々が神に近づけるよう全ての力をバッハに捧げた指揮者だったが、このカンタータの録音を始めた頃から、苛烈なまでの求道的精神から転じて、人間的なあたたか味のある、またロマンティックな傾斜を見せている。
今のバロック音楽演奏はオリジナル楽器全盛だが、我々はもう一度リヒターの遺した偉業をふり返り、彼の真摯なメッセージを新しく受け取るべきだろう。
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2008年04月02日
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リヒターの演奏は、いわゆる歴史的な演奏ではないが、ストイックな表情できりりと引き締まった音楽を聴かせる。
その世界は極めて壮大で、堂々として威厳があり、ロマンティックな情感を持つが、決して恣意的なものではない。
音楽の作りはあくまでも緻密で、バッハのポリフォニックなテクチュアが鮮やかに描き分けられている。
強靭な精神力と壮大にして重厚な響きがことさらに印象深いその演奏では、オーソドックスなアプローチと格調の高さをもが大きな聴きどころとなっている。
年をとるにつれ、リヒターのバッハは伸び伸びとした趣を増し、その分威厳が薄れて身近に感じるものになった。
ひとつの時代のモニュメントとして貴重な価値を持つ演奏といえよう。
至極謹厳に弾き進んだパッサカリアとフーガ ハ短調BWV582は、リヒターを偲ぶのには忘れてはならない１曲だ。
コペンハーゲンのイエスポー教会オルガン、フライベルク大聖堂のジルバーマン・オルガン、アルレスハイム大聖堂のジルバーマン・オルガンの３つの楽器を使用している。
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2008年02月11日
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１９６３年の録音にもかかわらず、いまだにこれを超えるディスクは出ていない。
この曲の平凡な演奏は"寄せ集め"的印象を強めるが、この演奏は晩年のバッハが到達したポリフォニーの世界を一種の緊張感をもって再現している。
ピリオド楽器による演奏が興隆する以前に、決定的な評価を得ていたバッハは、かっちりとした響きと切れのいいリズムが大きな特徴である。
チェンバロ独奏、３人の弦楽器奏者、フルートとヴァイオリンと通奏低音など、小編成で演奏した《音楽の捧げもの》においても、各奏者がリヒターの意図を汲み、独特な緊張感が保たれており、指揮者として、カール・リヒターの名がひときわ大きくクレジットされていることが納得できる仕上がりになっている。
かつては、アプローチの峻厳さが取り沙汰されることが多かったものの、豊かに語りかけてくるニコレのフルートや盤石の通奏低音が印象的であり、今なお色褪せることがない名演が収録されている。
古楽器が復活され、その演奏がかなり広まってきたことには、それなりの意義はある。
しかし、それは、近代楽器によるバッハなどの演奏を否定できるものではないし、それによっては決して超えることができない世界があるということを、このリヒターらによる《音楽の捧げもの》が立証してくれる。
ニコレのフルート、リヒターのチェンバロをはじめとする通奏低音、マイネッケのヴィオラなどによって、そこに築かれた音楽の深さや大きさは忘れられていた"人間"の存在を、音楽家たちに思い起こさせてくれるに違いない。
特に「トリオ・ソナタ」は忘れ難い風格がある。
我々が求めるべきものは、数百年前ではなく、１９６０年代前半にさえあったのである。
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2008年01月25日
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ある音の出し方、節のまわし方をすることによって、哀しみだの憧れだの深い精神性だのといった特定の気分がもたらされることがある。
そんな音の動きや表情を、芝居における仕草になぞらえて《身振り》と表現する。
この身振りは本来以心伝心と感じて楽しむものなのだろうが、国も違い時代も違えばなかなかそうもいかない。
勢い演奏者と聴き手の間に何らかの「約束ごと」が必要となってくる。
それを聴き取る能力は、しばしば、より深い感動を得るために身につけるべき知識教養として理解されている。
バッハの音楽におけるリヒターの指揮やチェンバロの演奏に、クラシック音楽の根っこにある《感動》の身振りを極めて典型的に聴きとることができる。
「マタイ受難曲」は、いささか芝居っ気が強すぎると思わせるほどに身振りが突出している。
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2008年01月16日
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ブランデンブルク協奏曲（全曲）とのカップリング。
オリジナル楽器による演奏が主流のように見られている現時点においても、カール・リヒターとミュンヘン・バッハ管弦楽団が残したバッハ演奏の持つ真価と魅力は、いささかの揺るぎもない。
それは、１９６０年代初めに登場した当初は、"現代における革新"であったかもしれないが、今ではむしろモダン楽器による最も"正統的"な演奏といっても過言ではないものとなっている。
もちろん、リヒターがそこに見せた理論的な追究の成果や、卓越した演奏家たちが、真摯に、しかも愉悦さえ見せながら展開する音楽の綾も、聴く者に多様な面から喜びをもたらしてくれるが、そこで見逃すことができないのは、他にほとんど比肩するものがないような品格の高さと、リヒターのバッハの音楽に対する深い敬愛の念であろう。
「管弦楽組曲」は古典的な香りを大切にしながらも、リヒター独自の現代的な感覚を盛り込んだすこぶる精緻なもので、一点一画もゆるがせにせずどの曲も整然と仕上げている。
しかも、全体にずっしりとした手ごたえを感じさせるあたり、いかにもリヒターらしい。
さらには第２番でフルートのニコレの名演が象徴するような、無上の生命感も忘れ難いものとなっている。
また、ビュヒナー、グントナー、クレメントらの名手達も派手な表現をさけ、オーケストラと良く協調しており好感が持てる。
"名曲名盤"とは、まさにこうした演奏をいうのだろう。
これはリヒターの名を永遠に残す名盤である。
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2008年01月15日
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現在の価値観からすると、方法論的に注文のつくところなしとはしないのかもしれないけれど、１９６７年に録音されたリヒター/ミュンヘン・バッハ管弦楽団による《ブランデンブルク》協奏曲の演奏は、個性的でありながら、ひたすらバッハ解釈の王道を進んでいるという感じだ。
これらの中では、第３，４，５番が感動の極みだ。
第３番はアンサンブルも最高で、表面はどこまでも整然としながら、内部には荒れ狂う痛切な魂がみなぎる。
第４番はブロックフレーテを使い、その哀しみを湛えた訴えるような音色が素晴らしい。
第５番はきわめて現代風な名演で、速いテンポとはがねのようなリズムによって生命力と意志の力を感じさせる。
力量のある者たちが心をひとつにして、バッハの高みを信じ、自らの信念を信じ、一路突き進んでいる。
そこには不必要な力みといったものもなく、余剰な装飾めいたものなどもない。
バッハの音楽だけがより深く、より力強く追求され続けている。
こうした一途さといったものを、現在のわれわれは喪失してしまってから既に久しい。
リヒターらによる大いなる確信に満ちあふれたバッハ演奏を耳にすると、価値観の細分化、平面化に悩むわれわれにとっては、まだ上昇指向をもったよき時代の"神話"に触れるような気さえするほどだ。
こうした神話体験からの再出発は、はたして不可能なのだろうか？
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