ホッター
2019年10月10日
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ハンス・ホッターが歌ったシューマンの『詩人の恋』全曲の唯一存在する音源で、ハンス・アルトマンの伴奏による１９５４年のセッション録音になる。
ただホッターは１９６２年の初来日の時のコンサート・プログラムにもこの曲集を加えているので、彼が既に歌い込んで手の内に入れていたレパートリーだったことが想像される。
音質は時代相応と言うべきで決して悪い状態ではなく、ピアノの音量レベルがやや低く響きに古めかしさが感じられるが、ホッターの声はかなり良く捉えられている。
『詩人の恋』の第１曲「美しい五月に」はフィッシャー=ディースカウの歌唱を聴くと、待ち焦がれていた春の青空を連想させて、そこにはまだ希望があり、甘やかな憧憬と淡い期待感とが交錯しているが、ホッターの場合は既に灰色の空で来るべき失恋の痛手を早くも予感させ、諦観すら感じさせている。
あるいは過ぎ去った苦い日々を反芻する詩人という解釈も成り立つだろう。
第５曲「ライン、聖なる流れに」は殆んど祈りのようだし、第１３曲「僕は夢の中で泣きぬれた」では主人公の悲痛な叫びが聞こえてくる。
そして終曲「昔の忌まわしい歌」は巨大な棺を運んでいく巨人達の行進をイメージさせる堂々たる歌唱で飾っている。
過去には確かアレクサンダー・キプニスの例があったにしてもホッターのような低く重い声を持った歌手がこの歌曲集を採り上げることは稀だ。
しかし彼には聴き手をすっかり納得させてしまうだけの表現力がある。
むしろ歌曲においてこのような異色の解釈が可能であることに驚かざるを得ない。
アルトマンのピアノがもう少し積極的であれば、更にホッターの歌唱に精彩が加わったに違いない。
前半のシューベルト歌曲集は１９５２年から５４年にかけてのセッションで、伴奏は総てアルトマンになる。
曲によってホッターはかなり声量を抑えて密やかな表現を試みている。
それは稀代のワーグナー歌いとしての姿からは意外なくらい軽やかだ。
しかしやはり彼の本領が発揮されているのは『無限なる者に』や『プロメテウス』『タルタロスの群れ』などのスケールの大きいドラマティックな作品だろう。
尚音源は総てモノラル録音で、バイエルン放送局用のテープからオーストリア・プライザー・レコーズが当初ＬＰ盤でリリースしていたものだが、１９８７年のディジタル・リマスタリングによってＣＤ化された。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2019年02月21日
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ドイツが生んだ「２０世紀最高のワーグナー歌手」ハンス・ホッターが１９７３年にウィーンで録音した歌曲集の第２集で、伴奏は第１集と同様ジェフリー・パーソンズが全曲弾いている。
彼はオペラだけでなく、ドイツ・リートにも優れた解釈を施し、レーヴェやヴォルフ、R.シュトラウスの歌曲で見事な歌唱を聴かせた。
自らの声質を大切にし、レパートリーを制限していたことでも知られていて、ここで歌われている曲も、彼自身が厳選したものであることは言うまでもない。
ドイツが生んだホッターは唯一無二のヴォータン歌いとしてワーグナーの楽劇には欠かせない歌手だった。
そうしたプロフィールを彷彿とさせるのが第１曲目に置かれているレーヴェの『海を行くオーディン』で、全盛期のムーアとのセッションに較べれば声は衰えているものの、そこにはワーグナーの『指輪』にも通じる北欧神話を伝える伝統的な語り部としての重厚な存在感がある。
一方同じレーヴェでも軽快なメルヒェンを扱った『婚礼の歌』は、フィッシャー=ディースカウやプライが得意としていたレパートリーで、ホッターのそれは彼らほど洗練されていないし小回りも利かないが、より素朴で気取りのない表現は捨て難い魅力を持っている。
またヴォルフ歌曲集では今回に期待していた『アナクレオンの墓』が収録されているのも嬉しい。
あたかも枯山水を見るような、しみじみとした枯淡の境地が郷愁を誘う歌唱力は秀逸だ。
このセッションでもピアニスト、ジェフリー・パーソンズが伴奏を極めた達人であったことが思い出される。
戦後ドイツ・リートはシュヴァルツコップやフィッシャー=ディースカウ、ホッターなどの並外れた表現力によって文学と音楽が一体となった、かつてない芸術的水準に引き上げられたが、それには少なからず伴奏者の貢献もあった筈だ。
伴奏家という職業を成り立たせたジェラルド・ムーアの努力と彼のマニュアルが当然その後のピアニスト達にも大きな影響を及ぼしたが、楽曲に対する明晰な解釈とそれぞれの共演者の長所を引き立てる意志及びその術を知らなければ良いパートナーにはなり得ない。
パーソンズは謙虚な中に独自の奥深さを極めた個性で、ドイツ・リートのみならずあらゆる歌曲や器楽曲に対応できた数少ない伴奏者の１人だった。
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2018年10月31日
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ハンス・ホッターは主にバイロイト音楽祭でヴォータン、グルネマンツを歌ってワーグナー歌手としての地位を確立した。
またコンサート歌手としては、シューベルトを中心としたドイツ・リートの分野で第一人者としての高い評価を受けていた。
ホッターの深々とした重いバス・バリトンの声は、歌曲においてはある程度そのレパートリーが限られてしまうが、それでもこの６枚組のセットに彼ならではの極めつけの名演を聴くことができる。
シューベルトでは特に『冬の旅』と『白鳥の歌』がそれに当たる。
前者に関しては個人的に知る限りでは、少なくとも彼は５種類の全曲録音を遺している。
ここに収められているのは１９５４年の壮年期、第２回目のものでジェラルド・ムーアとの、後の枯淡の境地とは違った厳しくも暖かみのある絶妙な表現が聴き所だ。
欲を言えば他の曲で、例えば『楽に寄す』と『春に』は英テスタメントから出ている１９５７年の朗々たる名唱とは異なった、古い１９４９年の音源が選ばれているのが惜しまれる。
そのほかの歌曲ではレーヴェの『エドアルド』、『魔王』、『海を行くオーディン』そしてシューマンの『２人の擲弾兵』などは間違いなく絶品だし、素朴で諦観的なブラームスや機知に富んだヴォルフなど、その表現も多彩だ。
一方彼のワーグナー歌いとしての圧倒的なキャリアは、勿論このセットでは僅かにその片鱗を知るのみに留まっている。
最後の１枚に収録されたビルギット・ニルソンとのデュエットで『さまよえるオランダ人』及び『ワルキューレ』での獅子の咆哮さながらの力強い熱唱が１９５７年の良質のステレオ録音で聴けるのは幸いだ。
ホッターの偉大さは、彼の人間としてまた音楽家としての豊かさから生まれたものと思う。
その豊かさが深々とし胸部共鳴を伴った声と、真摯な歌いぶりを通して溢れ出るかのように伝わってくる。
決して雄弁ではないが、彼の歌を聴いていると限りない大きさと深い奥行きをしばしば感じる。
彼こそ真に巨匠の名に値する声楽家と思う。
尚このボックス・セットはＥＭＩイコン・シリーズとして２００９年３月にデジタル・リマスタリングされてのリリースだ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2017年04月13日
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『ピアノ伴奏者の王』と題された１０枚組のセットは、１人の伴奏者の記録としては余りにも稀な企画であり、それはそのままムーアの辿った奇跡的なキャリアを示している言葉だ。
むしろここに収められた曲目はそのごく一部で、彼は膨大な量の歌曲伴奏の他にも器楽とあわせたセッションも少なからず残している。
しかもどのソリストもその時代を代表する演奏家だったことを考えると、彼が如何に共演者として信頼された存在だったか理解できる。
このアンソロジーは歌曲に限られているが、それぞれが独、仏、英、西、伊語の歌詞を持ったもので、それらの歌の意味するところを的確に捉えて歌手の長所を引き出す術は並大抵の努力では得られない筈だ。
これは彼が自著『伴奏者の発言』及び『歌手と伴奏者』でも述べていることだが、相手の声質によって伴奏は変えなければならない。
ソプラノとバスを同じようには伴奏できないし、同じ曲でも移調すれば曲自体のイメージが変化するだけでなく、当然指使いも全く異なったものになる。
だから一度弾いたからレパートリーになるというものではなく、伴奏者である限り、こうした課題は果てしなく続く。
そのあたりの極意を極めたのがムーアだったのではないだろうか。
ムーアの演奏に強烈な自己主張はない。
それはあくまでも相方を活かし、寄り添って音楽を作り上げようという哲学に貫かれているからで、なおかつ彼が伴奏というカテゴリーを芸術の域に高めることができたのは、自らの役割を明確に認識し、その手法を洗練しつくしたからだと思う。
しかしムーア自身、一流のピアニストや指揮者達が伴奏側に回ること、つまり伴奏経験をすることを強く勧めている。
何故ならそれを体験することによって彼らの音楽観が飛躍的に広がり、ソロを弾く時やオーケストラの扱いに応用できるからだ。
あるいはむしろそのための時間の捻出を嫌う彼らへの警告なのかもしれない。
前置きが長くなったが、ボックスの裏のデータを見てから１枚目のＣＤを聴いて面食らった。
表記ではＣＤ１−３の歌手はアクセル・シェッツとなっているが、実際にこのデンマークのテノールが歌っているのは２枚目の『美しき水車小屋の娘』で、『冬の旅』はフィッシャー＝ディースカウ、『白鳥の歌』はハンス・ホッターの演奏だったからだ。
録音は現在比較的手に入りにくい１９４０年から１９５８年にかけてのもので、音質は時代相応の響きだ。
個人的には彼が器楽を伴奏したものをまとめて聴いてみたい。
それによって更にムーアの実力が明らかになる筈だ。
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2016年05月27日
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ヨーロッパには、白鳥は死ぬ前に一声だけ美しい鳴き声をあげる、という言い伝えがあるが、それに因んで作曲家の亡くなる直前に書かれた作品を�倏鯆擦硫劉瓩噺討鵑任い襦�
シューベルトのこの歌曲集も文字通り彼の死の年に書かれた歌曲１４曲を集めたもので、没後ハスリンガーによってまとめられ、《白鳥の歌》のタイトルで出版された。
深々としたバスの声で歌われる《白鳥の歌》は珍しいが、その代表格であり、かけがえのない名演奏と思えるのは２０世紀ドイツを代表する偉大なバス・バリトン、ハンス・ホッターによるこの録音だ。
この歌曲集には、以前から名盤の数が多く、どれが特によいのか、多くの人にはそれぞれの支持盤があり、意見はかまびすしい。
筆者自身、愛聴している盤はいくつかあるが、なかでもとりわけしみじみとした情感をたたえ、深い味わいを感じさせる演奏として、まずこのホッター＆ムーア盤をあげたいと思う。
この歌曲集を全曲歌うには、軽妙さから重苦しい沈鬱さまでの幅広い表現を必要とするので、概してバリトンが歌った時に良い結果が出るようで、典型的なテノールや重いバスには荷が重すぎるようだが、バスというよりはバス・バリトンとして歌っていたホッターの意外に軽やかな表現が忘れられない。
ホッターが、日本でよく知られるようになったのが、名伴奏者ジェラルド・ムーアとのこの《白鳥の歌》（１９５４年録音）あたりからだったという。
当時のホッターは４５歳の円熟期にあり、シューベルト最晩年の深い抒情を見事に表出した名演で、若くして老いたシューベルトの晩年の人生観から晴朗な諦観を汲み出し、そのしみじみとした味わいは、聴き手の心を包み込むような深い慈愛に満ちている。
〈セレナーデ〉の深さ、〈アトラス〉の迫力と孤独…、このような歌は技巧から生まれるものではなく、歌い手の内面から投影されて現れるものだ。
しかもその内面のなんと穏やかで包容力のあることか！ 耳を傾けていると心が慰められる。
シューベルトは《水車屋》や《冬の旅》、それにこの《白鳥の歌》を通して�牋Δ良垪澂瓩鯆謬罎靴拭�
《冬の旅》の荒涼とした冬景色、《白鳥の歌》の都会での孤独はまさにその譬えであり、若くして死と向き合わねばならなかった作曲家の晩年の人生観を映している。
それは深い孤独のなかから生まれた晴朗な諦観と言ってもよいものだが、その核心にもっとも深くふれているのがこのホッター盤で、シューベルトの最晩年の心象風景をこれほど的確にとらえ、滋味ゆたかで慰撫に満ちた演奏もまれだ。
ホッターの《白鳥の歌》は、この深い孤独感を身に迫る凄味で歌い出していて、そのいぶし銀のような声と深い人生観照は、作曲家が陥っていた孤独感に一体化するほど親密にふれている。
確かに孤独は恐ろしいが、それから逃れようとしても、それはつねについてまわる。
それならむしろ孤独を凝視し、それに徹してみてはどうか。
リルケは「飲むのが苦しければ、ぶどう酒そのものとなれ」と歌った。
そのときその苦みは身体をあたため、それを友とするようになるだろう。
真の孤独を知った者だけが、真に人間を愛せる。
この演奏からひびき出ているのはその意味だ。
孤独の苦しみのなかでは、かすかな希望も見失われがちだが、ホッターは忍耐強く、ヒューマンな懐の深い包容力を示し、必ずや出口は見つかると励ましてくる。
それはおそらく孤独の極にあったシューベルト自身も勇気づけられるほどの共感力だ。
これが４５歳の演奏なのだから、ホッターはなんと成熟した演奏家だったのだろう！
ムーアのピアノ伴奏にも配慮が行き届き、力がこもっている。
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2016年01月07日
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本盤はＣＤではなくＭＰ３フォーマット音源であるが、以下は同音源のグラモフォン盤のＣＤのレビューになる。
ハンス・ホッターは生涯に５回シューベルトの歌曲集『冬の旅』全曲録音を行い、そのうち４種類がＣＤ化されている。
その中で最も古いものがピアニスト、ミヒャエル・ラウハイゼンとのセッションで、１９４２年から翌４３年にかけて収録されたホッター初の『冬の旅』だ。
この録音がよもやドイツ・グラモフォンの正規音源からのＣＤ化されるとは思ってもみなかった筆者は、学生時代海賊盤ＣＤを買い求めて聴いたが、録音状態は良好で、ホッターの声は充分満足のいく程度に捉えられているし、ピアノの音はやや後退していて歌と対等というわけにはいかないが時代相応以上の音質を保っている。
聴き比べるとやはり本正規盤で聴く方がより生々しい感じがして、角が取れたという印象を受けるが、決して悪いリマスタリングではない。
演奏の方だが、ホッターの他の演奏よりずっと恣意的なのに戸惑う。
ただでさえ遅いテンポを採っているにも拘らず、それぞれの曲中で更にテンポを落とす部分がしばしば聴かれる。
若々しいとは言え、低く重い声質の彼がこの暗い曲集をこのように歌っていることは意外だったが、後になってこうした解釈が時代的な趣味を反映していることに気付いた。
当時はまだロマン派の表現様式を引き摺っていた、言ってみれば最後の時期で、フィッシャー＝ディースカウの出現あたりを機にドイツ・リートの世界では過度な表情をつけることやテンポを顧みずに思い入れたっぷりに歌う歌唱法は息の根を止められる。
だからより現代的な表現に慣れた耳にこの『冬の旅』は過去の遺物のように感じられるが、それでもホッターがこうした時代を経て、既にジェラルド・ムーアとの１９５４年のセッションではかなりモダンな歌唱になっているのは興味深いところだ。
ラウハイゼンの伴奏にももう少し強い主張があっても良いと思うが、録音のテクニック上の問題で歌を邪魔しないように配慮されているのかも知れない。
特にホッターのような低声の歌手を伴奏する場合には、ピアニストにも声を活かすための高度なテクニックが要求されるだろう。
いずれにしても、大歌手ホッターの原点を知る上では興味深いサンプルだ。
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2016年01月03日
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ハンス・ホッター全盛期のＥＭＩ音源のヴォルフ歌曲集を英テスタメントがリマスタリングしたもので、前半の１７曲は１９５１年と１９５３年のセッションになり、後半の５曲は１９５７年の録音だが、このうち『楽士』及び『徒歩の旅』の２曲は、当初モノラルでリリースされたものがこのリマスタリング盤では初めてのステレオで再現されている。
ＥＭＩのステレオＬＰの販売は１９５８年からだが、オリジナル・マスター・テープは試験的なステレオ録音だったのだろう。
全２２曲中『アナクレオンの墓』は新旧２種類の演奏が収録されていて、ホッターの解釈自体は変わっていないが新録音の方が音質で俄然優っている。
ゲーテの詩に付けられたこの曲は彼の十八番であり、低い声で歌われる密やかな佇まいと暖かく包み込むような雰囲気、詩人アナクレオンの塚の周りに鬱蒼と生い茂る木々や蔦などを映像的に表現した歌唱が傑出している。
またホッターをサポートするジェラルド・ムーアの伴奏が絶妙で、この作品を一層魅力的なものにしている。
一方『鼓手』では田舎出の少年の軍隊生活での奇妙な空想が、ホッターの朴訥とした表現でかえって生き生きと描かれているのが面白い。
その他にも良く知られた『隠棲』では年老いた世捨て人さながらに彼の歌声が響いてくるし、『プロメテウス』ではゼウスに罰せられたプロメテウスの底知れない憤怒を伝えている。
フーゴー・ヴォルフほど詩と音楽を緊密に結び付けようとして、またそれに成功した作曲家は稀だろう。
ヴォルフはテクストに選んだ詩を恐ろしいほどの洞察力で読み取り、その言霊の抑揚ひとつひとつに人間の心理やさがを見出し、嬉々としてそれを楽譜に写し取っていった。
ピアノさえも伴奏の範疇を抜け出して、歌詞と対等か時にはそれ以上に語らせ、森羅万象を表すだけでなく心理描写にも心血が注がれている。
それは殆んど狂気と紙一重のところで行われた作業であるために、その再現には一通りでない表現力や機知と、それを裏付けるだけの声楽的なテクニックが要求される。
ホッターはフィッシャー＝ディースカウほど精緻ではないにしても、いくつかの作品ではむしろ彼を凌駕する歌唱を披露している。
このテスタメント盤の後にＥＭＩイコン・シリーズのホッターの９枚組がリリースされた。
その中のヴォルフ歌曲集では２１曲が同一録音が収録されているが、何故か２度目の『アナクレオンの墓』だけが抜けている。
尚ライナー・ノーツには全歌詞に英語対訳が掲載されている。
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2015年07月29日
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ドイツのバス・バリトン、ハンス・ホッターの十八番を集めたリサイタル盤で、１９７３年ウィーンでのセッションになりホッター６４歳の至芸がジェフリー・パーソンズのピアノ伴奏で収録されている。
筆者自身ＬＰ盤で聴き古した名演でもあり、またホッターの歌曲集としては数少ないステレオ録音なので新しいリマスタリングによって良好な音質でリニューアルされたことを評価したい。
ワーグナー歌手としても一世を風靡した名バス・バリトン、ホッターのもう一方の極めつけがシューベルトを始めとするドイツ・リートであった。
理知的で洗練された歌手であったホッターは持ち前の声量をコントロールして、ドイツ・リートでも抜きん出た存在で、フィッシャー＝ディースカウの知的な歌唱とは対極にある、しみじみとした深い味わいは絶品だ。
ここに収められたヴォルフとシューベルトのアンソロジーはホッターが生涯に亘って歌い込んだ、いわば完全に手の内に入れた黒光りするようなレパートリーだけにその表現の深みと共に、時には呟き、時には咆哮する低く太い声が無類の説得力を持って語りかけてくる。
ホッターのステレオ録音によるリサイタル盤にはリヒャルト・シュトラウスの歌曲集を歌ったＬＰもあったので、できればそちらの方の復活も期待したい。
ホッターは稀代のワーグナー歌いとして名を留めているが、そのスケールの大きい、しかも内面的にも優れた表現ではシューベルトの『タルタロスの群れ』が素晴らしいサンプルで、この曲の不気味な嘆きをスタイルを崩さずに表現しきっている。
また『春に』はジェラルド・ムーアとの１９５７年の朗々たる名唱が残されているが、ここに収められた新録音ではホッターがこの年齢になって表出し得たある種の諦観がつきまとっていて、その高踏的な感傷が魅力だし、『鳩の使い』は彼の低い声がかえって純朴で内気な青年の憧れを感じさせる。
一方ヴォルフでは『鼓手』の朴訥とした呟きがフィッシャー＝ディースカウの技巧を凝らした洗練と好対照をなしていて面白いが、ホッターは田舎出の少年の奇妙な空想を絶妙に歌い込んでいる。
欲を言えば『アナクレオンの墓』も聴きたいところだがこのＣＤには選曲されていない。
ここではまたジェフリー・パーソンズの巧みな伴奏も聴きどころのひとつで、ホッターのような低い調性で歌う歌手の場合、声の響きとのバランスを保つことと声楽パートを引き立てながら効果的な伴奏をすること自体かなりのテクニックが要求されるが、パーソンズはその点でも万全なピアニストだった。
廉価盤のため歌詞対訳は一切省略されていて、ごく簡単な曲目一覧と録音データ及びＬＰ初出時のジャケット写真が掲載されている４ページのパンフレット付。
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2015年07月20日
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２０世紀中盤を代表する名バス・バリトン、ハンス・ホッター全盛期のドイツ・リート集で、以前エンジェルからＬＰ盤でリリースされていたジェラルド・ムーアとのセッション録音を集めた英テスタメント・リマスター盤。
その後に出されたＥＭＩイコン・シリーズ６枚組とは曲目がかなりだぶってはいるが、シューベルトとブラームスでは同一曲でも録音年の異なるセッションから選択されているのがセールス・ポイント。
特に『音楽に寄す』『セレナード』『別れ』『春に』『菩提樹』『さすらい人の夜の歌』の６曲はホッター４８歳の堂々たる風格で独自の境地を示した歌唱が堪能できるだけでなく、良好な音質でイコンの１９４９年盤に優っている。
既に廃盤の憂き目に遭っている音源なので、これだけでもリマスタリングされたこのＣＤを鑑賞する価値はある。
その１年前に録音されたブラームスを除いて残りの全曲が１９５７年収録で、この中の数曲は試験的なステレオ録音で残されている。
ワーグナー歌手としても一世を風靡した名バス・バリトン、ホッターのもう一方の極めつけがシューベルトを始めとするドイツ・リートであった。
理知的で洗練された歌手であったホッターは持ち前の声量をコントロールして、ドイツ・リートでも抜きん出た存在で、フィッシャー＝ディースカウの知的な歌唱とは対極にある、しみじみとした深い味わいは絶品だ。
ピアノは総てジェラルド・ムーアが弾いていて、ここでも彼の伴奏に関するさまざまな理論が実践に移されているセッションでもある。
ホッターのような低い声で歌う歌手は、当然楽譜も自分の声に合わせた移調楽譜を使うわけだが、そのために伴奏者は音量の調節だけでなく、歌曲全体の雰囲気が暗く沈んでしまわないように注意を払わなければならない。
また作曲家が書いた、いわゆる原調とは全く異なった運指で歌手の声や表現を引き立てる奏法を編み出さなければならなかったムーアのテクニックの秘訣は、彼の著作『歌手と伴奏者』や『お耳障りですか-ある伴奏者の回想』などに自身の苦労話と共にユーモアたっぷりに紹介されている。
ライナー・ノーツは３０ページほどで曲目一覧、録音データ、英、独、仏語による解説と全歌詞の英語対訳が掲載されている。
尚英テスタメントからはもう１枚、やはりムーアの伴奏によるホッターのヴォルフ歌曲集が独自のリマスタリングでのライセンス・リイシュー盤でリリースされている。
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2014年04月23日
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ハンス・ホッターの第１回目の『冬の旅』の伴奏でもよく知られるピアニスト、ミヒャエル・ラウハイゼン（1889-1984）は、戦前戦中のドイツでリート伴奏の名手としてたいへん大きな尊敬を集めていたピアニストである。
ドイツ国営放送の室内楽・声楽部門の責任者として辣腕をふるい、１９４０年からはヨーロッパのすべての歌曲を録音・放送するという大プロジェクトを計画、実行し始める。
ドイツの敗戦によって計画は頓挫したとはいえ、このプロジェクトの伴奏をほとんどひとりで担っていたのがラウハイゼンである。
まさに「ドイツのジェラルド・ムーア」とでもいうべき活躍をみせていたラウハイゼンであるが、その「唐草模様のように繊細かつ多彩」と賞されたその凝った表現は、明快さを主眼としたムーアとは異なり、これこそドイツ・リートの真髄とまで讃える声もあったほど。
当盤のピアノを受け持ったラウハイゼンはホッターにとっても特別なピアノ奏者だったようである（ラウハイゼンの芸術というかたちで録音集もあった）。
ハンス・ホッター（1909−2003年）による『冬の旅』の録音は以下の４種類が知られている。
ラウハイゼンとの当盤、ムーアと共演したＥＭＩ盤、ヴェルバとのＤＧ盤、ドコウピルとの来日公演盤。
これらの中で個人的に、１９９０年代後半には１９５４年のムーアとの共演が特に気に入っていた。
そのＣＤはトラックタイムの合計が約７５分４秒と表記されていた。
一方、当盤の初回録音は７７分３２秒との表記があった。
空白部分の違いや、ＳＰからの復刻なので単純に比較はできないが、昔初めてこの音源を聴いた時は淀んだような流れに思えて、あまり感心しなかった。
今聴くとホッターの声が若々しいので幾分明るさを感じて救われる気がするが、それでも特に後半の曲は沈痛な空気に圧倒される。
同じく戦前の録音だったゲルハルト・ヒュッシュ盤とはテンポからしてかなり違う（声種も違うので演奏が違って当然）。
そうした違い云々より、約７０年前の演奏、録音なので現代の演奏とは比べてもあまり意味が無く、戦時下にこれを歌い、録音されたこと自体が意義のあることだと思う。
同じ演奏者でもニューヨークやロスではこうした演奏にはならなかったのかもしれない。
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不世出のワーグナー歌手ハンス・ホッターの《冬の旅》の録音は、１９４２年に始まって計４種あるが、レコードとして一番まとまっているのは２度目のこのムーアとのものかもしれない。
《冬の旅》こそ声楽家の到達点であるかのように、世に名演が溢れている。
ヒュッシュの全曲盤（１９３３年録音）は今なお現役盤であり、特にバリトン系の歌手には名演が多いというのも曲の性格だろう。
声域はテノールのために書かれ、中には第１稿は高すぎてあとで少し下げたりし、ハイ・バリトンが多い。
《冬の旅》に、人生を絶望し、孤絶の歌を聴こうとする人には、同じホッターでも１９６９年、東京文化会館小ホールでのライヴが薦められよう。
この演奏にはホッターの歩んできた人生が見えてくるような感動がある。
《冬の旅》の主人公は《美しき水車小屋の娘》の失恋の傷みに続く世界である。
まだ青年なのである。
しかしわれわれは《冬の旅》というと、何か老成した者の歌のような受け取り方をしがちであるが、この主人公は「霜置く頭」で、霜のために白髪になったと錯覚してよろこんだのも束の間、また元の黒い髪にかえったのを悲しむほどに若いのである。
ホッターの最後の録音は人生の諦観の中にあるが、１９５４年の録音はまだ青年の失意の中にある。
最初の録音での果てしないカンタービレには、晩年のホッターからは想像できないほどの甘い夢があるが、このムーアとの録音ではそれが是正され、シューベルトの端正な形が示されている。
１曲１曲、何と味わいが深いことか。
ロッテ・レーマンも女声ながら突きつめた劇的《冬の旅》を聴かせ、フィッシャー=ディースカウは解剖学的なまでに細分化したシューベルトを聴かせる。
それぞれの歌手がそれぞれの《冬の旅》を聴かせるが、この盤はその意味で最も普遍的なシューベルトを聴かせる。
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2008年03月19日
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ホッターの第１回の《冬の旅》全曲録音は、ラウハイゼンのピアノ伴奏による１９４２、３年盤だった。
その後、１９５４年のムーアとの第２回、１９６１年のヴェルバとの第３回を経て、１９６９年の来日時に東京文化会館でライヴ録音した第４回目のドコウピルとのこのディスク。
この歌曲集は、恋に破れた青年の悲痛な冬の旅の体験をテーマとしたもので、全編に漂う厳しい絶望的な暗さは、シューベルトの予感していた自らの死と無関係ではないだろう。
ホッターは、その荒涼とした世界を淡々とした自然な語り口でしみじみと歌いあげていて、そこには彼の人間的な幅と奥行きが感じられ胸を打つ。
当時もう全盛期は過ぎてはいたが、深いバス・バリトンの響きは失わず、その訥々とした語りかけるような歌いぶりは、人生を諦観した老人の回想といった風である。
独特の世界だ。
極限の状況では人はいかに生きるか、この命題を突きつめたのが《冬の旅》である。
このテーマに真正面から対峙し、力の限りを尽くして自己の生き方を試み、絶望を通してこそ人はヒューマンな生き方に目覚めるということを伝えてくるのがこのホッター盤だ。
ホッターはＦ=ディースカウのように、巧みな歌い口で自分から聴き手に語りかけるのではなく、もっと寡黙に自分の位置を守って、聴衆の反応を静かに待つような歌唱である。
媚びや愛嬌は全く無く、男声の歌そのものの深さと温かさがここにはある。
突き放しもしなければ抱きとめてもくれない、人間そのままの寂莫とした「冬の旅」だ。
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