ホッター

2017年04月13日


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『ピアノ伴奏者の王』と題された10枚組のセットは、1人の伴奏者の記録としては余りにも稀な企画であり、それはそのままムーアの辿った奇跡的なキャリアを示している言葉だ。

むしろここに収められた曲目はそのごく一部で、彼は膨大な量の歌曲伴奏の他にも器楽とあわせたセッションも少なからず残している。

しかもどのソリストもその時代を代表する演奏家だったことを考えると、彼が如何に共演者として信頼された存在だったか理解できる。

このアンソロジーは歌曲に限られているが、それぞれが独、仏、英、西、伊語の歌詞を持ったもので、それらの歌の意味するところを的確に捉えて歌手の長所を引き出す術は並大抵の努力では得られない筈だ。

これは彼が自著『伴奏者の発言』及び『歌手と伴奏者』でも述べていることだが、相手の声質によって伴奏は変えなければならない。

ソプラノとバスを同じようには伴奏できないし、同じ曲でも移調すれば曲自体のイメージが変化するだけでなく、当然指使いも全く異なったものになる。

だから一度弾いたからレパートリーになるというものではなく、伴奏者である限り、こうした課題は果てしなく続く。

そのあたりの極意を極めたのがムーアだったのではないだろうか。

ムーアの演奏に強烈な自己主張はない。

それはあくまでも相方を活かし、寄り添って音楽を作り上げようという哲学に貫かれているからで、なおかつ彼が伴奏というカテゴリーを芸術の域に高めることができたのは、自らの役割を明確に認識し、その手法を洗練しつくしたからだと思う。

しかしムーア自身、一流のピアニストや指揮者達が伴奏側に回ること、つまり伴奏経験をすることを強く勧めている。

何故ならそれを体験することによって彼らの音楽観が飛躍的に広がり、ソロを弾く時やオーケストラの扱いに応用できるからだ。

あるいはむしろそのための時間の捻出を嫌う彼らへの警告なのかもしれない。

前置きが長くなったが、ボックスの裏のデータを見てから1枚目のCDを聴いて面食らった。

表記ではCD1−3の歌手はアクセル・シェッツとなっているが、実際にこのデンマークのテノールが歌っているのは2枚目の『美しき水車小屋の娘』で、『冬の旅』はフィッシャー=ディースカウ、『白鳥の歌』はハンス・ホッターの演奏だったからだ。

録音は現在比較的手に入りにくい1940年から1958年にかけてのもので、音質は時代相応の響きだ。

個人的には彼が器楽を伴奏したものをまとめて聴いてみたい。

それによって更にムーアの実力が明らかになる筈だ。

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2016年05月27日


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ヨーロッパには、白鳥は死ぬ前に一声だけ美しい鳴き声をあげる、という言い伝えがあるが、それに因んで作曲家の亡くなる直前に書かれた作品を倏鯆擦硫劉瓩噺討鵑任い襦

シューベルトのこの歌曲集も文字通り彼の死の年に書かれた歌曲14曲を集めたもので、没後ハスリンガーによってまとめられ、《白鳥の歌》のタイトルで出版された。

深々としたバスの声で歌われる《白鳥の歌》は珍しいが、その代表格であり、かけがえのない名演奏と思えるのは20世紀ドイツを代表する偉大なバス・バリトン、ハンス・ホッターによるこの録音だ。

この歌曲集には、以前から名盤の数が多く、どれが特によいのか、多くの人にはそれぞれの支持盤があり、意見はかまびすしい。

筆者自身、愛聴している盤はいくつかあるが、なかでもとりわけしみじみとした情感をたたえ、深い味わいを感じさせる演奏として、まずこのホッター&ムーア盤をあげたいと思う。

この歌曲集を全曲歌うには、軽妙さから重苦しい沈鬱さまでの幅広い表現を必要とするので、概してバリトンが歌った時に良い結果が出るようで、典型的なテノールや重いバスには荷が重すぎるようだが、バスというよりはバス・バリトンとして歌っていたホッターの意外に軽やかな表現が忘れられない。

ホッターが、日本でよく知られるようになったのが、名伴奏者ジェラルド・ムーアとのこの《白鳥の歌》(1954年録音)あたりからだったという。

当時のホッターは45歳の円熟期にあり、シューベルト最晩年の深い抒情を見事に表出した名演で、若くして老いたシューベルトの晩年の人生観から晴朗な諦観を汲み出し、そのしみじみとした味わいは、聴き手の心を包み込むような深い慈愛に満ちている。

〈セレナーデ〉の深さ、〈アトラス〉の迫力と孤独…、このような歌は技巧から生まれるものではなく、歌い手の内面から投影されて現れるものだ。

しかもその内面のなんと穏やかで包容力のあることか! 耳を傾けていると心が慰められる。

シューベルトは《水車屋》や《冬の旅》、それにこの《白鳥の歌》を通して牋Δ良垪澂瓩鯆謬罎靴拭

《冬の旅》の荒涼とした冬景色、《白鳥の歌》の都会での孤独はまさにその譬えであり、若くして死と向き合わねばならなかった作曲家の晩年の人生観を映している。

それは深い孤独のなかから生まれた晴朗な諦観と言ってもよいものだが、その核心にもっとも深くふれているのがこのホッター盤で、シューベルトの最晩年の心象風景をこれほど的確にとらえ、滋味ゆたかで慰撫に満ちた演奏もまれだ。

ホッターの《白鳥の歌》は、この深い孤独感を身に迫る凄味で歌い出していて、そのいぶし銀のような声と深い人生観照は、作曲家が陥っていた孤独感に一体化するほど親密にふれている。

確かに孤独は恐ろしいが、それから逃れようとしても、それはつねについてまわる。

それならむしろ孤独を凝視し、それに徹してみてはどうか。

リルケは「飲むのが苦しければ、ぶどう酒そのものとなれ」と歌った。

そのときその苦みは身体をあたため、それを友とするようになるだろう。

真の孤独を知った者だけが、真に人間を愛せる。

この演奏からひびき出ているのはその意味だ。

孤独の苦しみのなかでは、かすかな希望も見失われがちだが、ホッターは忍耐強く、ヒューマンな懐の深い包容力を示し、必ずや出口は見つかると励ましてくる。

それはおそらく孤独の極にあったシューベルト自身も勇気づけられるほどの共感力だ。

これが45歳の演奏なのだから、ホッターはなんと成熟した演奏家だったのだろう!

ムーアのピアノ伴奏にも配慮が行き届き、力がこもっている。

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2016年01月07日


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本盤はCDではなくMP3フォーマット音源であるが、以下は同音源のグラモフォン盤のCDのレビューになる。

ハンス・ホッターは生涯に5回シューベルトの歌曲集『冬の旅』全曲録音を行い、そのうち4種類がCD化されている。

その中で最も古いものがピアニスト、ミヒャエル・ラウハイゼンとのセッションで、1942年から翌43年にかけて収録されたホッター初の『冬の旅』だ。

この録音がよもやドイツ・グラモフォンの正規音源からのCD化されるとは思ってもみなかった筆者は、学生時代海賊盤CDを買い求めて聴いたが、録音状態は良好で、ホッターの声は充分満足のいく程度に捉えられているし、ピアノの音はやや後退していて歌と対等というわけにはいかないが時代相応以上の音質を保っている。

聴き比べるとやはり本正規盤で聴く方がより生々しい感じがして、角が取れたという印象を受けるが、決して悪いリマスタリングではない。

演奏の方だが、ホッターの他の演奏よりずっと恣意的なのに戸惑う。

ただでさえ遅いテンポを採っているにも拘らず、それぞれの曲中で更にテンポを落とす部分がしばしば聴かれる。

若々しいとは言え、低く重い声質の彼がこの暗い曲集をこのように歌っていることは意外だったが、後になってこうした解釈が時代的な趣味を反映していることに気付いた。

当時はまだロマン派の表現様式を引き摺っていた、言ってみれば最後の時期で、フィッシャー=ディースカウの出現あたりを機にドイツ・リートの世界では過度な表情をつけることやテンポを顧みずに思い入れたっぷりに歌う歌唱法は息の根を止められる。

だからより現代的な表現に慣れた耳にこの『冬の旅』は過去の遺物のように感じられるが、それでもホッターがこうした時代を経て、既にジェラルド・ムーアとの1954年のセッションではかなりモダンな歌唱になっているのは興味深いところだ。

ラウハイゼンの伴奏にももう少し強い主張があっても良いと思うが、録音のテクニック上の問題で歌を邪魔しないように配慮されているのかも知れない。

特にホッターのような低声の歌手を伴奏する場合には、ピアニストにも声を活かすための高度なテクニックが要求されるだろう。

いずれにしても、大歌手ホッターの原点を知る上では興味深いサンプルだ。

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2016年01月03日


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ハンス・ホッター全盛期のEMI音源のヴォルフ歌曲集を英テスタメントがリマスタリングしたもので、前半の17曲は1951年と1953年のセッションになり、後半の5曲は1957年の録音だが、このうち『楽士』及び『徒歩の旅』の2曲は、当初モノラルでリリースされたものがこのリマスタリング盤では初めてのステレオで再現されている。

EMIのステレオLPの販売は1958年からだが、オリジナル・マスター・テープは試験的なステレオ録音だったのだろう。

全22曲中『アナクレオンの墓』は新旧2種類の演奏が収録されていて、ホッターの解釈自体は変わっていないが新録音の方が音質で俄然優っている。

ゲーテの詩に付けられたこの曲は彼の十八番であり、低い声で歌われる密やかな佇まいと暖かく包み込むような雰囲気、詩人アナクレオンの塚の周りに鬱蒼と生い茂る木々や蔦などを映像的に表現した歌唱が傑出している。

またホッターをサポートするジェラルド・ムーアの伴奏が絶妙で、この作品を一層魅力的なものにしている。

一方『鼓手』では田舎出の少年の軍隊生活での奇妙な空想が、ホッターの朴訥とした表現でかえって生き生きと描かれているのが面白い。

その他にも良く知られた『隠棲』では年老いた世捨て人さながらに彼の歌声が響いてくるし、『プロメテウス』ではゼウスに罰せられたプロメテウスの底知れない憤怒を伝えている。

フーゴー・ヴォルフほど詩と音楽を緊密に結び付けようとして、またそれに成功した作曲家は稀だろう。

ヴォルフはテクストに選んだ詩を恐ろしいほどの洞察力で読み取り、その言霊の抑揚ひとつひとつに人間の心理やさがを見出し、嬉々としてそれを楽譜に写し取っていった。

ピアノさえも伴奏の範疇を抜け出して、歌詞と対等か時にはそれ以上に語らせ、森羅万象を表すだけでなく心理描写にも心血が注がれている。

それは殆んど狂気と紙一重のところで行われた作業であるために、その再現には一通りでない表現力や機知と、それを裏付けるだけの声楽的なテクニックが要求される。

ホッターはフィッシャー=ディースカウほど精緻ではないにしても、いくつかの作品ではむしろ彼を凌駕する歌唱を披露している。

このテスタメント盤の後にEMIイコン・シリーズのホッターの9枚組がリリースされた。

その中のヴォルフ歌曲集では21曲が同一録音が収録されているが、何故か2度目の『アナクレオンの墓』だけが抜けている。

尚ライナー・ノーツには全歌詞に英語対訳が掲載されている。

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2015年07月29日


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ドイツのバス・バリトン、ハンス・ホッターの十八番を集めたリサイタル盤で、1973年ウィーンでのセッションになりホッター64歳の至芸がジェフリー・パーソンズのピアノ伴奏で収録されている。

筆者自身LP盤で聴き古した名演でもあり、またホッターの歌曲集としては数少ないステレオ録音なので新しいリマスタリングによって良好な音質でリニューアルされたことを評価したい。

ワーグナー歌手としても一世を風靡した名バス・バリトン、ホッターのもう一方の極めつけがシューベルトを始めとするドイツ・リートであった。

理知的で洗練された歌手であったホッターは持ち前の声量をコントロールして、ドイツ・リートでも抜きん出た存在で、フィッシャー=ディースカウの知的な歌唱とは対極にある、しみじみとした深い味わいは絶品だ。

ここに収められたヴォルフとシューベルトのアンソロジーはホッターが生涯に亘って歌い込んだ、いわば完全に手の内に入れた黒光りするようなレパートリーだけにその表現の深みと共に、時には呟き、時には咆哮する低く太い声が無類の説得力を持って語りかけてくる。

ホッターのステレオ録音によるリサイタル盤にはリヒャルト・シュトラウスの歌曲集を歌ったLPもあったので、できればそちらの方の復活も期待したい。

ホッターは稀代のワーグナー歌いとして名を留めているが、そのスケールの大きい、しかも内面的にも優れた表現ではシューベルトの『タルタロスの群れ』が素晴らしいサンプルで、この曲の不気味な嘆きをスタイルを崩さずに表現しきっている。

また『春に』はジェラルド・ムーアとの1957年の朗々たる名唱が残されているが、ここに収められた新録音ではホッターがこの年齢になって表出し得たある種の諦観がつきまとっていて、その高踏的な感傷が魅力だし、『鳩の使い』は彼の低い声がかえって純朴で内気な青年の憧れを感じさせる。

一方ヴォルフでは『鼓手』の朴訥とした呟きがフィッシャー=ディースカウの技巧を凝らした洗練と好対照をなしていて面白いが、ホッターは田舎出の少年の奇妙な空想を絶妙に歌い込んでいる。

欲を言えば『アナクレオンの墓』も聴きたいところだがこのCDには選曲されていない。

ここではまたジェフリー・パーソンズの巧みな伴奏も聴きどころのひとつで、ホッターのような低い調性で歌う歌手の場合、声の響きとのバランスを保つことと声楽パートを引き立てながら効果的な伴奏をすること自体かなりのテクニックが要求されるが、パーソンズはその点でも万全なピアニストだった。

廉価盤のため歌詞対訳は一切省略されていて、ごく簡単な曲目一覧と録音データ及びLP初出時のジャケット写真が掲載されている4ページのパンフレット付。

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2015年07月20日


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20世紀中盤を代表する名バス・バリトン、ハンス・ホッター全盛期のドイツ・リート集で、以前エンジェルからLP盤でリリースされていたジェラルド・ムーアとのセッション録音を集めた英テスタメント・リマスター盤。

その後に出されたEMIイコン・シリーズ6枚組とは曲目がかなりだぶってはいるが、シューベルトとブラームスでは同一曲でも録音年の異なるセッションから選択されているのがセールス・ポイント。

特に『音楽に寄す』『セレナード』『別れ』『春に』『菩提樹』『さすらい人の夜の歌』の6曲はホッター48歳の堂々たる風格で独自の境地を示した歌唱が堪能できるだけでなく、良好な音質でイコンの1949年盤に優っている。

既に廃盤の憂き目に遭っている音源なので、これだけでもリマスタリングされたこのCDを鑑賞する価値はある。

その1年前に録音されたブラームスを除いて残りの全曲が1957年収録で、この中の数曲は試験的なステレオ録音で残されている。

ワーグナー歌手としても一世を風靡した名バス・バリトン、ホッターのもう一方の極めつけがシューベルトを始めとするドイツ・リートであった。

理知的で洗練された歌手であったホッターは持ち前の声量をコントロールして、ドイツ・リートでも抜きん出た存在で、フィッシャー=ディースカウの知的な歌唱とは対極にある、しみじみとした深い味わいは絶品だ。

ピアノは総てジェラルド・ムーアが弾いていて、ここでも彼の伴奏に関するさまざまな理論が実践に移されているセッションでもある。

ホッターのような低い声で歌う歌手は、当然楽譜も自分の声に合わせた移調楽譜を使うわけだが、そのために伴奏者は音量の調節だけでなく、歌曲全体の雰囲気が暗く沈んでしまわないように注意を払わなければならない。

また作曲家が書いた、いわゆる原調とは全く異なった運指で歌手の声や表現を引き立てる奏法を編み出さなければならなかったムーアのテクニックの秘訣は、彼の著作『歌手と伴奏者』や『お耳障りですか-ある伴奏者の回想』などに自身の苦労話と共にユーモアたっぷりに紹介されている。

ライナー・ノーツは30ページほどで曲目一覧、録音データ、英、独、仏語による解説と全歌詞の英語対訳が掲載されている。

尚英テスタメントからはもう1枚、やはりムーアの伴奏によるホッターのヴォルフ歌曲集が独自のリマスタリングでのライセンス・リイシュー盤でリリースされている。

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2014年04月23日


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ハンス・ホッターの第1回目の『冬の旅』の伴奏でもよく知られるピアニスト、ミヒャエル・ラウハイゼン(1889-1984)は、戦前戦中のドイツでリート伴奏の名手としてたいへん大きな尊敬を集めていたピアニストである。

ドイツ国営放送の室内楽・声楽部門の責任者として辣腕をふるい、1940年からはヨーロッパのすべての歌曲を録音・放送するという大プロジェクトを計画、実行し始める。

ドイツの敗戦によって計画は頓挫したとはいえ、このプロジェクトの伴奏をほとんどひとりで担っていたのがラウハイゼンである。

まさに「ドイツのジェラルド・ムーア」とでもいうべき活躍をみせていたラウハイゼンであるが、その「唐草模様のように繊細かつ多彩」と賞されたその凝った表現は、明快さを主眼としたムーアとは異なり、これこそドイツ・リートの真髄とまで讃える声もあったほど。

当盤のピアノを受け持ったラウハイゼンはホッターにとっても特別なピアノ奏者だったようである(ラウハイゼンの芸術というかたちで録音集もあった)。

ハンス・ホッター(1909−2003年)による『冬の旅』の録音は以下の4種類が知られている。

ラウハイゼンとの当盤、ムーアと共演したEMI盤、ヴェルバとのDG盤、ドコウピルとの来日公演盤。

これらの中で個人的に、1990年代後半には1954年のムーアとの共演が特に気に入っていた。

そのCDはトラックタイムの合計が約75分4秒と表記されていた。

一方、当盤の初回録音は77分32秒との表記があった。

空白部分の違いや、SPからの復刻なので単純に比較はできないが、昔初めてこの音源を聴いた時は淀んだような流れに思えて、あまり感心しなかった。

今聴くとホッターの声が若々しいので幾分明るさを感じて救われる気がするが、それでも特に後半の曲は沈痛な空気に圧倒される。

同じく戦前の録音だったゲルハルト・ヒュッシュ盤とはテンポからしてかなり違う(声種も違うので演奏が違って当然)。

そうした違い云々より、約70年前の演奏、録音なので現代の演奏とは比べてもあまり意味が無く、戦時下にこれを歌い、録音されたこと自体が意義のあることだと思う。

同じ演奏者でもニューヨークやロスではこうした演奏にはならなかったのかもしれない。

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不世出のワーグナー歌手ハンス・ホッターの《冬の旅》の録音は、1942年に始まって計4種あるが、レコードとして一番まとまっているのは2度目のこのムーアとのものかもしれない。

《冬の旅》こそ声楽家の到達点であるかのように、世に名演が溢れている。

ヒュッシュの全曲盤(1933年録音)は今なお現役盤であり、特にバリトン系の歌手には名演が多いというのも曲の性格だろう。

声域はテノールのために書かれ、中には第1稿は高すぎてあとで少し下げたりし、ハイ・バリトンが多い。

《冬の旅》に、人生を絶望し、孤絶の歌を聴こうとする人には、同じホッターでも1969年、東京文化会館小ホールでのライヴが薦められよう。

この演奏にはホッターの歩んできた人生が見えてくるような感動がある。

《冬の旅》の主人公は《美しき水車小屋の娘》の失恋の傷みに続く世界である。

まだ青年なのである。

しかしわれわれは《冬の旅》というと、何か老成した者の歌のような受け取り方をしがちであるが、この主人公は「霜置く頭」で、霜のために白髪になったと錯覚してよろこんだのも束の間、また元の黒い髪にかえったのを悲しむほどに若いのである。

ホッターの最後の録音は人生の諦観の中にあるが、1954年の録音はまだ青年の失意の中にある。

最初の録音での果てしないカンタービレには、晩年のホッターからは想像できないほどの甘い夢があるが、このムーアとの録音ではそれが是正され、シューベルトの端正な形が示されている。

1曲1曲、何と味わいが深いことか。

ロッテ・レーマンも女声ながら突きつめた劇的《冬の旅》を聴かせ、フィッシャー=ディースカウは解剖学的なまでに細分化したシューベルトを聴かせる。

それぞれの歌手がそれぞれの《冬の旅》を聴かせるが、この盤はその意味で最も普遍的なシューベルトを聴かせる。

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2008年03月19日


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ホッターの第1回の《冬の旅》全曲録音は、ラウハイゼンのピアノ伴奏による1942、3年盤だった。

その後、1954年のムーアとの第2回、1961年のヴェルバとの第3回を経て、1969年の来日時に東京文化会館でライヴ録音した第4回目のドコウピルとのこのディスク。

この歌曲集は、恋に破れた青年の悲痛な冬の旅の体験をテーマとしたもので、全編に漂う厳しい絶望的な暗さは、シューベルトの予感していた自らの死と無関係ではないだろう。

ホッターは、その荒涼とした世界を淡々とした自然な語り口でしみじみと歌いあげていて、そこには彼の人間的な幅と奥行きが感じられ胸を打つ。

当時もう全盛期は過ぎてはいたが、深いバス・バリトンの響きは失わず、その訥々とした語りかけるような歌いぶりは、人生を諦観した老人の回想といった風である。

独特の世界だ。

極限の状況では人はいかに生きるか、この命題を突きつめたのが《冬の旅》である。

このテーマに真正面から対峙し、力の限りを尽くして自己の生き方を試み、絶望を通してこそ人はヒューマンな生き方に目覚めるということを伝えてくるのがこのホッター盤だ。

ホッターはF=ディースカウのように、巧みな歌い口で自分から聴き手に語りかけるのではなく、もっと寡黙に自分の位置を守って、聴衆の反応を静かに待つような歌唱である。

媚びや愛嬌は全く無く、男声の歌そのものの深さと温かさがここにはある。

突き放しもしなければ抱きとめてもくれない、人間そのままの寂莫とした「冬の旅」だ。

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