レオンハルト
2022年07月07日
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亡くなって既に10年になるグスタフ・レオンハルトだが、彼が古楽演奏史に遺した貢献は計り知れないものがある。
彼はチェンバロ及びオルガンの演奏家であるだけでなく、また音楽学者でもあり、楽譜の検証や校訂などによって当時まだ確立されていなかったピリオド楽器による奏法を決定的に導き出し、コンサートや数多くのレコーディングで研究の成果を披露した。
教会の中で厳然と歴史に耐えたオルガンに比べ、チェンバロはモーツァルト以降廃れ始め、19世紀には博物館の一角を飾る調度品に成り果て、修復せずに使用できるものは皆無に等しい状態だった。
しかし20世紀に入って楽器職人はおろか修復職人も絶えてしまい、言ってみれば便宜的に作られた金属フレーム製のモダン・チェンバロとは音色に雲泥の差がある。
レオンハルトはこうしたヒストリカル楽器の魅力を充分に引き出した演奏を、当時の演奏習慣や奏法によって再現したパイオニア的存在だったと言えるだろう。
このディスクで実際の演奏に使われている３台のチェンバロはいずれもニュルンベルク、ゲルマン国立博物館所蔵のオリジナル・ヒストリカル・チェンバロである。
最初の四曲がカルロ・グリマルディがイタリア・メッシーナで1697年に製作したものになる。
続く５曲はベルギー・アントワープの名匠アンドレアス・ルッカースの手になる1637年製で、３台の中では最も古い楽器だ。
しかし音色はバロック特有の潤沢な余韻と深い味わいを醸し出している。
そして最後の５曲はカール・アウグスト・グレープナーが1782年にドレスデンで製作したチェンバロになる。
それぞれ音色と音量、ストップや機能が異なることが聴き取れる。
1969年録音のやや古い音源だが、96Hz/24bitリマスタリングによって音質はかなり良い状態で再生される。
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2022年03月31日
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ピリオド楽器を使った演奏では第一線に位置するグスタフ・レオンハルトのマタイ受難曲は、新バッハ全集によっているが、期待を裏切らぬ名盤である。
レオンハルトのバッハへの永年の傾倒ぶりを如実に感じさせる演奏で、バッハ自身がライプツィヒのトーマス教会で演奏した最終稿をイメージさせるに充分な説得力と、手作りの魅力がある。
表現は常に地に着いており、広い奥行きを感じさせ、穏やかで落ち着きのある運びから「マタイ」の充実した内容がしみじみと伝わってくる。
カール・リヒターのマタイが起こりつつある悲劇的なドラマに深く食い入った表現とするならば、レオンハルトのそれは楽譜から総てを読み取った、バッハその人の宗教観を反映した解釈とでも言うべきだろうか。
それだけに作曲者の書法をガラス張りにして見せた誠実かつ素朴な再現は高く評価したい。
プレガルディエンのエヴァンゲリストは思い入れの無い、淡々とした中に、真摯な語り部としての役割を果たしている。
それは決して無味乾燥な徐唱ではなく、歌詞の意味合いを正確に辿った非常に知的で、しかも完璧なレガート唱法だ。
また２人のソプラノ・ソロをテルツ少年合唱団員から抜擢したことで、この受難曲でのより繊細で崇高な表現を可能にしている。
俗世の欲得から離れた、たおやかなボーイ・ソプラノの歌唱は理屈抜きに新鮮な感動をもたらしてくれる。
更にレオンハルトはコラールにおいてドイツ語のアクセントを強調した波打つような歌唱法を採用している。
これは既に親しまれていた、バッハ以前の古い旋律に新しい歌詞があてがわれる場合のアーティキュレーションを補う手段だが、またこの方法によってバッハが充当した絶妙な和声進行を聴き手に明瞭に感知させる。
クイケン、アンタイ両兄弟がかなめを押さえた器楽を担当するラ・プティット・バンドもこの曲の特質に忠実な再現を心がけたチームワークが秀逸。
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第１７４番もアーノンクールが最初のシンフォニアから積極的な指揮で、生気に満ちた演奏を行っている。
第１７５番には最初のレチタティーヴォと第２曲のアルトのアリアに３本の堅型フルートが付されており、その鄙びた響きがレオンハルトの素朴な表現と合致して快い。
第１７７、１７８、１７９番はアーノンクールが前進性に富んだテンポや各楽器の動きの線の明確化を目指しており、第１７８番冒頭のコラール合唱が力強く劇的な表現だ。
第１８０番はボーイ・ソプラノが力及ばず、発声も柔軟さを欠く。
第１８１番はエグモントのバスがしっかり歌って安心させる。
第１８２番はコーラスもソロも緊張感に満たされ、充実した演奏。
第１８３番はエクヴィルツがしっかり歌っており、どんなパッセージも空白な箇所を残さない。
第１８４番はカウンター・テナーとボーイ・ソプラノがぴったり合っているし、コーラスもよく、リズムのさばきも見事。
第１８５番はアーノンクールが性急なテンポで、いまひとつの余裕がほしいが、ハンプソンのバスは説得力のある歌を聴かせる。
第１８６番は古楽器奏法に合わせた合唱の様式的唱法がやや煩わしいが、ホル、ヴィテクが見事に歌っている。
第１８７番ではレオンハルトがおっとりと暖かいバッハを作り出している。
第１８８番はアーノンクールらしいパワフルな演奏で、エスウッドも素晴らしい歌唱を聴かせる。
第１９２番でアーノンクールは２つの合唱曲を、溌剌としたリズムと明るい響きによって極めて生き生きと再現しており、合唱団・合奏団の音の動きも明快で優れた演奏だ。
第１９４番では舞曲調のリズムを軽やかに生かし、よくまとめあげている。独唱ではハンプソンの整った美しい歌唱が光る。
第１９５番ではレオンハルトが華やかさを抑え、どっしりとしたリズムで滋味溢れた演奏を展開している。
アーノンクールは第１９６番の優美な曲調をよく生かしているし、テルツ少年合唱団もしっかりと歌っており充実した演奏が聴かれる。
第１９７番ではレオンハルトが落ち着きのあるしみじみとした演奏を展開し、ヤーコプスのアリアが心に残る。
第１９８番は感動的な演奏でいぶし銀のような響きと、穏やかな音の中から死を悼む切実な心が伝わってくる。
第１９９番でのボニーは美しい歌唱だが、甘く流れ過ぎている。
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2022年03月30日
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レオンハルトの第１４３番、第１４４番の２曲は、美しいバランスのとれたアンサンブルと合唱を展開している。
アーノンクールは第１４６番で素晴らしいエネルギーを噴出させている。
開始のシンフォニアでの沸騰する情熱に、オリジナル楽器が巧みにフィルターをかけていく呼吸は見事だし、続く第２曲への対比も鮮やかだ。
アーノンクール会心の演奏であり、エスウッドがこれまた最高といってよいほどの名唱。
バッハの全カンタータ中、最も人気のある第１４７番には音楽の生命の自然な営みが示され、アーノンクールの進境と円熟がみられる。
第１５１番での信じがたいほどの美しいボーイ・ソプラノを始め、全曲を通して独唱陣が極めて充実している。
第１５２番はクリスマス後日曜日用のもので、第６曲のソプラノとバスの二重唱が印象深い。
第１５３番は新年後の日曜日用で、第８曲のアルトのアリアが美しい。
第１５４番はＭ.ヤーンのイエス思慕のコラールによる合唱曲がなんとも優しい気分を描き出す。
ハイライトは第７曲のアルトとテノールの二重唱。
第１５５番は第２曲が印象的。第１５６番の導入部分のシンフォニアは名旋律だ。
第１５７，１５８，１５９番でレオンハルトは落ち着いた展開の中にバッハのよさを自然に表しており、テノールのエクヴィルツも安定したテクニックで危なげがなく、バスのエグモントも好演している。
なかでも第１５７番が作品、演奏ともに素晴らしい。
第１６１，１６２，１６３番は、アーノンクールの歌詞の内容に則した表現の変化と、劇的な音楽の扱いや音符の扱いなどに細やかな配慮が感じられる。
第１６７番でのアーノンクールの指揮は聴きもので、キビキビした音の運びの中に優しさが加わっているのがよく、歌手も好調。
第１６９番も冒頭のシンフォニアから活気が溢れている。
この曲はアルトのソロ・カンタータでもあるが、エスウッドがいい。
第１７０番は各曲の性格をレオンハルトが穏健な表現でよくまとめており、第１７２番も飾り気のない素朴な表現だが力強い。
アーノンクールによる第１７３番は出色で、エクヴィルツが最初から引き締まった歌いぶりを示し、コンツェントゥス・ムジクスも瑞々しい表現を展開している。
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第１２１番はエクヴィルツ、エスウッド、フッテンロッハーともどもよく歌っている。
第１２３番は冒頭の合唱が充実していて、生き生きとした生命を漲らせている。
バスのホルは音楽的表出力が豊かだ。
第１２４番はテルツ少年合唱団が健闘し、ソプラノとアルトの二重唱の２少年がよく歌っている。
第１２５番は冒頭のコラール合唱が規模の大きな作り方をみせている。
第１２６番は動きの激しい戦闘を表す音型をアーノンクールが独特の鋭角的表現で劇的に展開する。
第１２７番はレオンハルトが“死と永遠”“受難と復活”を慎み深く描き出し、エグモントの深い歌いぶりも印象的。
第１２８番は冒頭のホルンが、古雅な音色と華麗なテクニックで見事な演奏を聴かせる。
第１２９番はレオンハルトらしい穏健なまとめぶりで、オーボエ・ダモーレとヤーコプスの声の音色がぴったり合って美しい。
第１３０番はアーノンクール好みのティンパニが雄弁だが、弦を消しがちなのが気になる。
第１３１番の導入のシンフォニアと合唱は伸びやかで美しい出だしだ。
第１３２番は第１曲からソプラノの長大なメリスマを含むアリアだが、この難技巧のアリアをボーイ・ソプラノが見事に歌い切っている。
第１３３番はコラール・カンタータの形をとっているが、合唱の占めるウェイトはそれほどでなく、むしろ独唱陣と器楽陣が充実した音楽を展開していて、レオンハルトの腕の見せどころでもある。
レオンハルトの中庸をゆく表現はいつも通り。
第１３８番は優れた出来で、第１曲の合唱ではアーノンクールの引きずるような重い運びが、テキストの意味をよく反映している。
波打つような癖のある強弱の扱いも、曲の性格のせいか気にならない。
また第９曲のアリアでのホルの歌唱が素晴らしく、バッハの書いた旋律を美しく生かしている。
作品としても最も充実したもののひとつだ。
第１３９番もよいまとまりを示し、ホルの歌唱も光る。
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2022年03月29日
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第１０１番冒頭の合唱は、アーノンクールの思い切った表現が効を奏し、緊張に満ちた表現を築いている。
第１０２番では第４曲のバスのアリオーソはよいが、テノールのアリアは劇的になり過ぎている。
このカンタータではエスウッドの声の美しさが印象に残る。
第１０３番はまず冒頭の合唱が素晴らしい。音程に甘さはあるが、実にきっちりと揃っているし、リズムの切れもよい。
エスウッドのアリアもしみじみした表情を宿している。
第１０４番ではアーノンクールのアクセントの強調が気になるが、独唱者たちがそれを補っている。
第１０５番は全体的にあまりよい演奏ではないが、第１０６番では独唱者、合唱、合奏団ともに立派な演奏を示しているし、作品そのものも素晴らしい。
第１０７番はボーイ・ソプラノがしっかり歌えており、エグモントのバスも軽やかなリズムを快く歌い出しなかなかの好演。
第１０８番および第１０９番のテルツ少年合唱団は、歌い込みの行き届いた見事な歌いぶりだし、第１０９番のエスウッド、エクヴィルツも見事だ。
第１１０番ではアーノンクールらしい現代的なリズム処理をみせ、一気に演奏している。
少年達の独唱も印象深く、合唱も生気に溢れていて気持ちがよい。
第１１１番のテルツ少年合唱団は好演。エスウッドの叙唱も冴えている。
第１１２番もエスウッドのアリアが見事だ。
第１１３番のレオンハルトではアーノンクールと別な伸びやかなバッハが聴かれる。
第１１４番はコーラスが充実し、アリアをエクヴィルツが実に美しく歌っており、フラウト・トラヴェルソとの見事な絡み合いを聴かせてくれる。
第１１５番はアーノンクールらしい緊張と弾力に満ちた音楽を作り、第２曲のエスウッドの流麗な歌唱が美しく、第４曲のボーイ・ソプラノも懸命な歌唱ぶりを聴かせる。
第１１６番はコラール合唱の多彩な表現の中に、大きな音楽のうねりを聴く者の心の中に押し寄せてくる。
第１１７番は華麗な色彩に溢れ、レオンハルトらしく伸びやかな表現である。
第１１９番はエスウッドの成熟した歌唱が聴きものだ。
第１２０番はエスウッドが最初から円熟した歌いぶりで見事。
テルツ少年合唱団もなかなかしっかりした合唱を聴かせている。
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第６９番から第７２番にかけてはテルツ少年合唱団は引き締まった音色と音楽を作り出している。
殊にボーイ・ソプラノのヴィードツが健闘して、感動的な歌を聴かせてくれる。
音楽的な成熟が感じられ、大人も及ばないような立派なアリアだ。
アーノンクールは全編に漲る劇的な世界をリアルに表現するように心がけている。
なかでも第２部のバスのアリアは見事な歌い込みだ。
第７３番冒頭からレオンハルトはアクセントのはっきりした音色設定を試み、合唱もマルカート唱法で進められ、各フレーズの相関的遠近感覚がくっきり浮かび上がってくる。
合唱は、子供ながら感情のこもった表現と言葉に対する鋭敏な反応を示している。
第７４番第４曲のバスのアリアにおけるエグモントは極めて好調。
第７５番のクラウスのレチタティーヴォとアリアが技巧的にも余裕があっていい。
第７６番は、冒頭の合唱からテルツ少年合唱団の声の不透明さとリズムの切れの悪さが気になる。
アーノンクールはそれを是正しようとかなり無理なドライヴをしている。
第７７番のハノーファー少年合唱団は、テルツ少年合唱団に比べると引き締まった演奏を聴かせる。
第７８番はソプラノもよく歌えていて、音色もリズムもぴったりと合っていて見事。
リズムの処理は全体的に鋭い。
第８０番から第８３番は４曲すべてアーノンクールのチームによる演奏で、鮮烈な響きの感覚と躍動感に溢れている。
第８０番と第８２番が名作として知られ、特に前者でのエスウッドとエクヴィルツが充実しており歌唱も美しい。
その他の男声はボーイ・ソプラノを含めて少しばらつきがあり、合唱も表情が淡泊だが全集としての安定感には欠けていない。
第８３番は今となっては表現がいささか古めかしくなった。
第８４番は冒頭から全曲にわたりオーボエの美しい音色とフレージングの豊かさが強い印象を与える。
ヴィードルも立派に歌っていて見事だ。
第８６番はオーボエ・ダモーレが印象的。
第８７番はソリスト達が冴え、白眉とも言うべき名演。第８８，８９番ではエグモントが余裕たっぷりに歌い、第９０番は無弁トランペットが強烈な印象を残す。
第９５番はエクヴィルツが印象深い歌唱を展開する。
第９６番はフッテンロッハーが名演で、清潔な音楽作りの中にバッハをゆったりと実感させてくれる。
第９７番は冒頭の合唱に珍しくフランス風序曲の形式がとられ、合唱と器楽の輝かしい協奏が繰り広げられる。
それぞれのソリスト達も力演している。
第９８番はエスウッドのレチタティーヴォが深い表現を聴かせている。
第９９番は第３曲のテノールのアリアが曲として美しく、第１００番は第２曲のテノールとアルトの二重唱が２人がよく和して美しい。
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第４３番は第７曲のバスのアリアにおけるＣ管無弁トランペットの至難なパッセージでも、この超絶技巧を見事に克服し、歌ともども名演の極致を聴かせる。
第４４番では第３曲のアルトとオーボエのかけ合いが美しく、第４曲のコラールを支えるファゴットの慰めに満ちた音色とエクヴィルツの緊張感が感動的に対照を作っている。
第４５，４６番はヤーコプスがまだ若い故の気負いがあるが、美しい声質だ。
第４７番から第５０番にかけては、アーノンクールの強力な統率力がうかがわれる。
ウィーン少年合唱団のイェーロジツがなかなかの名唱で、明るく澄んだ声と正確なパッセージの歌唱はなかなかのもの。
第４９番の新郎と新婦の対話など微笑ましい。
第５１番のボーイ・ソプラノのクヴェックジルバーは、なまじ生活感情の入り込まぬ子供の無垢な心で全く見事に歌い切っており、子供というものの可能性の無限への広がりに驚嘆の念を禁じ得ない。
レオンハルトは第５４番で、このテキストの熱烈なムードがそのまま反映した音楽を生々しく描き出しており、第５５番においても非常に緊張力に富んだ演奏を展開している。
第５７番でアーノンクールは、テキストと音楽を突き詰めてのアゴーギクやフレージング、アーティキュレーションを効果的に用いながら曲を進めている。
この第５曲目のアリアの至難なパッセージを、バスのデル・メールが驚くべき正確さと音楽性をもって歌い切っているのも驚嘆させられる。
第５８番のボーイ・ソプラノも不完全な部分はあるが、健気で一途な歌いぶりには不思議な感動に誘われる。
第６１番から第６４番にかけては喜ばしい気分の曲が並んでおり、古楽器を使いながらも現代的感覚を生かそうと付点音符の扱いをやや鋭くしたり表情を細分化したりして、待降節のふくらむ気持ちを描き出そうと試みているが、テルツ少年合唱団が実力不足で、アーノンクールの意図に沿いきれていない。
総じて、緻密な仕上げが感じられず、何とも不満足な出来。
第６５番はデル・メールの朗々たる歌いぶり、エクヴィルツの音楽的充実が快い興奮を誘う。
第６６番はエスウッドとエクヴィルツの音色が実によくマッチして名唱。
第６７番はテンポの変化の難しい曲だが、指揮のレオンハルトが自然な流れの中にこれを捉え、成功している。
ハノーヴァー少年合唱団の素直な歌いぶりもよい。
第６８番はイェーロジツが見事な歌唱を聴かせる。
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2022年03月28日
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第２１番は、バッハの青年時代のカンタータの総決算とも言うべき最も壮大な記念碑である。
アーノンクールを始め、メンバーの呼吸の合った演奏は見事で、深い敬意を払わずにはいられない。
第２２，２３番は、共に１７２３年２月７日の聖日のために作曲されたものだが、第２３番の方が作品としては強い説得力に溢れ、深い感動を聴く者に呼び起こす。
レオンハルトの指揮も熱っぽい演奏で生き生きと描いている。
第２４番は“三位一体祭”後第４日曜日用のカンタータで、ノイマイスターの台詞によっている。
第２５番も第１４日曜日のためのもので、冒頭第１曲の合唱におけるコラールの扱い方が見事。
第１６日曜日のための第２７番は優れた内容と技法を持っており、充実した演奏でアンサンブルもよい。
第２８番は第１曲のソプラノのアリアの音楽的表現力の確かさが優れており、第２９番では第３曲のテノールのアリアが、エクヴィルツの数多いバッハの中でも特にその音楽性の豊かさで抜きん出ている。
第３０番でも独唱者がよく歌い、舞曲のリズムや切分音の特徴あるリズムを生き生きと描き出している。
第３１番は、初演当時の演奏様式の再現として短三度も上の調性で演奏されており、多少無理押しした感じもあるがそう気にならない。
第３２，３３番では、レオンハルトが緊張感に満ちた好演をみせ、エグモント、ヤーコプスがそれぞれ美しい歌唱を聴かせる。
第３４番でのエスウッドの円熟したアリアも素晴らしい。
ここではアーノンクールが目立たないようにテンポを効かせながら、曲にニュアンスを添えている。
第３５番は、アルトのためのソロ・カンタータとしての性格に多彩な変化を与えており、エスウッドの円熟した歌唱が聴きもの。
第３６番は２本のオーボエ・ダモーレが雅びた音色の中に美しく演奏され、ウィーン少年合唱団員が清澄な歌唱を聴かせてくれる。
第３７番では、デル・メールによるアリアが美しい。
レオンハルトが指揮した第３９、４０番では、デビュー当時のルネ・ヤーコプスの若々しいカウンター・テノールが、エスウッドとは一味違った色彩感いっぱいの歌唱を繰り広げる。
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アーノンクールとレオンハルトというバッハの権威を２つの柱に据え、オリジナル楽器を使って原典に忠実な再現を目指したシリーズ。
アーノンクールのリズムを強調した先鋭に加え、現代におけるバッハへのアプローチの新視点に対し、かたやレオンハルトの穏やかな自然体の暖かさの中で、これも新しいバッハ像の確立と、それぞれの受け持ちナンバーから様々なバッハが見えてくるのも楽しい。
精密な考証で現代にあるバッハの命をふくよかに伝え、学問的リゴリズムに陥らず、バッハ当時の音楽再現と共にひとつのスタンダードな演奏法を確立しているカンタータ大全集である。
１０年以上もかけて完成した労作だけに、入念な考証、演奏法、テキスト・クリティックが素晴らしい。
目の覚めるような新鮮な演奏で、合唱、独唱、楽器陣、いずれも神への賛美と感謝の心が漲っている。
一桁のナンバーでは少年たちが何という美しい声をきかせてくれることだろう！
合唱指揮者ギレスベルガーの徹底した指揮もあってのことだろうが、信じがたいほどの充実ぶりで、ソロも素晴らしい。
教会の中で聴く場合は別にして、この手の録音には少年たちの受け持つソプラノやアルトの音程が定まらないことや、ヴィブラートのない直線的な声と男声パートの間に隙間が感じられたりするが、ここにはそういう心配がまるでない。
第１０番は「マニフィカト」のドイツ語版。
レオンハルトの演奏は、合唱（テノール、バス）がやや暴走気味なのが惜しい。
第１１番は、カンタータというよりむしろ“昇天祭オラトリオ”とでも称すべき作品だが、ここでのアーノンクールの指揮はまろやかな音を前面に押し出して堅実な構成を見せている。
歌い込みも充分で、各曲の対比感がうまく捉えられている。
第１２番は細やかな配慮が随所に感じられ、この曲の持っているロマン的性格をエクヴィルツ以下の歌手が恐れずに表出している。
第１３番は曲が第１２番と比べて難しく、バスのアリアも妙なアクセントがついている。
第１６番は冒頭のコラールを歌う少年合唱の発声がウィーンのものと違ってひどくローカルなのが残念。
アーノンクールはできる限りの原典考証を学究的研究で突き詰め、不備な書法を補いながら優れた演奏を刻んでいる。
特に第１８番の第３曲は難曲だが、ここでの完璧なメリスマ唱法と通奏低音の気魄のこもった応答には頭が下がる。
ソプラノ、テノール、合唱共に名演である。第１９番の合唱も熱の入ったもので、１音符ともゆるがせにしない。
第２０番も全篇を通じて楽器の選び方に細心の注意が払われている。
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2019年11月08日
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グスタフ・レオンハルトが晩年に行ったセッションで、ディアパソン・ドールに選出された１枚。
作曲家アントワーヌ・フォルクレ(1671-1745)はルイ１４世時代に宮廷楽団で活躍したヴィオールの名手で、実際には彼が遺したヴィオールのための組曲を死後息子のジャン=バティスト・フォルクレ(1699-1782)がクラヴサン独奏用にアレンジして出版した曲集になる。
曲想はこの時代特有の典雅なおおらかさに秘められた情熱と爛熟した王朝文化の手慰み的な倦怠感を共有している。
レオンハルトのこうした曲趣への共感と彼の円熟期の非凡な感性によって味わい深い音楽が醸し出されている。
録音は２００５年６月に古楽演奏ではしばしば使われるベルギーのフラヴィンヌ城で行われ、使用楽器はデジパックの内側に写真も掲載されている。
エムシュが１７５１年に製作した二段鍵盤を持つ大型チェンバロで、共鳴胴の蓋の内側は絵画で美しく飾られたロココ趣味のヒストリカル楽器だ。
録音状態は極めて良好で、チェンバロが目の前で響いているような繊細かつ精緻な音色が再現されている。
それぞれの曲目の調性が書かれていないのでピッチも分からないが、当時の音律が採用されていることは聴き取れる。
製作者エムシュはこの時代の音楽的な趣味を敏感に楽器の音色に反映させているので、フランス・バロックの室内楽を鑑賞するには理想的なセッションのひとつと言えるだろう。
ディアパソン自主制作のＣＤは演奏の質において鑑賞する側にとっては非常に優れたヒントを与えてくれるところが有難い。
このアルバムの装丁はごく簡易な見開き２面の雑誌の付録のような紙ジャケットで、そのコレクション的な存在感と保存という面ではいくらか弱点がある。
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2019年05月23日
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テレマンが１７３７年のパリ旅行中にブラヴェやギニヨンら当時の名手によって演奏され、出版された『新四重奏曲』及び以前ハンブルクで出版されたものの、１７３６年になってパリで再版された《クヮドリ》の１２曲が収録されている。
俗にパリに因むためにパリ四重奏曲集と呼ばれる傑作であるが、ここではクイケン兄弟の揃い踏みにグスタフ・レオンハルトの通奏低音が加わった古楽の重鎮によるアンサンブルの妙味で愉しむことができる。
かつてレオンハルトにはブリュッヘン、ビルスマらが共演した録音があったが、それから３０数年を経てクイケン兄弟とともに新たに録音し直したディスクがこれである。
個々の奏者の練達の技と心と優れた趣味による稀にみる名演である。
明快かつ雄弁な音楽的アイディアと互いに交わしあう音楽的対話の生き生きとしたスピリットは本当に素晴らしい。
チェンバロのレオンハルトがアンサンブルの要を押さえているのは確実だが、ソリスト３人のそれぞれのパートの演奏の巧みさと自在な掛け合いが絶妙なバランスを保っている美しさは他の追随を許さない。
またa=396に調律されたバロック室内楽特有の典雅な響きも、この曲集を一層深みのあるものにしている。
落ち着いた渋い音色を基調に繰り広げられる可憐な音楽世界はあくまで自然体で、力んだり奇を衒うことは全くないのだが、その圧倒的な音楽の力に心を奪われてしまう。
三男バルトールドが使用しているトラヴェルソはＩ．Ｈ．ロッテンブルク・モデルで高貴で華やかな音色が弦楽にも良く馴染んでいて秀逸。
一般的にテレマンの音楽では喜遊性が支配的だが、パリ・カルテットのような高度なアンサンブル作品では、作曲技法も非常に凝っていて、音楽性の充実がひときわ抜きん出ている。
通奏低音からガンバを独立させているのもその一例だ。
彼らのように細かな感情の機微も疎かにしない自由闊達な演奏はそうざらには聴けないし、このメンバーで全曲録音をしたことに感謝したい。
鮮明な音質でかつ楽器ごとの分離状態の理想的なソニーの録音技術の良さも特筆される。
テレマンには、この楽器の組み合わせ以外にも､様々なな編成の楽曲を残しているが､このアルバムさえあれば､テレマンの清々しい曲想やバロックの愉しさを体験できるだろう。
それは、ここに集ったレオンハルトとクイケン兄弟という古楽の重鎮たちの息の合った演奏によるところが大きい。
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2017年12月05日
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オランダの古楽学者でピリオド鍵盤楽器奏者グスタフ・レオンハルト(1928-2012)の功績は、古楽器によるバロック音楽が演奏されていた当時の奏法を能う限り忠実に再現するパイオニアとして、またいわゆるピリオド・アンサンブルの基礎を築いたことである。
彼の楽理的解釈に基いた頑固なまでのオリジナリティーへの追究だけでなく、一方でその革新的で自在に模索された音楽観は、特にネーデルランドでブリュッヘンやクイケン兄弟などの多くの後継者を育てることにもなった。
バロック音楽復興黎明期に爆発的に流行したイ・ムジチ合奏団に代表されるモダン楽器での演奏とは常に一線を画した再現は、やがてヨーロッパだけでなくアメリカやカナダにも根を下ろすことになる。
広く一般に鑑賞されるようになるには時間を要したことは確かだし、その後モダン・バロックに鮮やかに取って代わるピリオド・アンサンブル隆盛期の到来は当時としては全くイメージできなかったに違いない。
オルガンは教会の中で絶えることなくその存在を維持し続けたがチェンバロに関しては、オリジナル楽器は博物館を飾る調度品に成り下がっていたし、それを修復できる専門職人も少なく、途絶えてしまったピリオド調律や奏法なども教師から教わるというよりはレオンハルト自身が模索しなければならなかったことが想像される。
そうした研究の蓄積が今日のスタンダードな古楽奏法として広く定着していることは言うまでもない。
このセットでは彼の生涯を通じて演奏されたバッハのチェンバロ、オルガン用の作品に加えて、使用楽器については明記されていないが何種類かのヒストリカル・チェンバロを弾き分けたドイツ、イギリス、フランス及びイタリアの作曲家のアルバムを纏めて、異なったそれぞれの趣味の特徴を際立たせている。
尚後半の６枚はカンタータ、協奏曲、アンサンブル集からのセレクションで、最後の１枚ではクイケン・トリオと組んだテレマンのパリ四重奏曲６曲を収録しているが、これは過去にリリースされた３枚組のテレマン室内楽作品集の後半２枚を１枚に圧縮したものだ。
録音状態は良好で収録曲目は各ジャケット裏面でしか確認できないが、20ページほどの簡易なライナー・ノーツには2007年に行われた興味深いインタビューが掲載されている。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年07月13日
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仏ディアパソンによる編集で昨年リリースされた『１７世紀のクラヴサンとオルガン』と題したグスタフ・レオンハルトの３枚組のアルバムで、音源はソニー・クラシカルが中心になっている。
録音は彼の初期のもので、例えばＣＤ１フローベルガー作品集は１９６２年、彼が３３歳の時のセッションで１６４０年製のルッカースの小型チェンバロを弾いている。
その他の曲も１９６８年及び７９年に収録されているが、いずれもヒストリカル楽器を使っていてこの内ハインリヒ・シャイデマン、ニコラウス・ブルーンズ、ゲオルク・ベームの数曲はハンブルク聖ヤコビ教会に設置されたアルプ・シュニットガーのオルガン演奏になる。
レオンハルトは早くからヒストリカル楽器に拘っていて、自身歴史的チェンバロのコレクターでもあったが、古楽黎明期にあって博物館の調度品に成り下がっていた古楽器を修復して実際の演奏に供するにはかなりの困難があったと思われる。
また失われてしまった奏法や音律を再構築したり手稿譜の校正に関わる知識の習得などの努力は想像に難くない。
しかし彼は当時普及していたモダン・チェンバロには懐疑的で、常にオリジナルの響きとそこから自ずと生まれ出る独自の表現を開拓する道を選んだ。
この３枚のセットにその研究の成果が示されていると言って良いだろう。
ＣＤ２はフランソワ・クープランの伯父ルイ・クープランの３曲の組曲を中心にジャン＝アンリ・ダングルベールとマティアス・ベックマンのクラヴサンのための作品を収録しているが、こうしたプログラムも資料として貴重なだけでなく、往時の響きをイメージすることができる最良のサンプルである。
ＣＤ３は文字通り１７世紀にヨーロッパ各地で活躍した鍵盤音楽の作曲家たちのオン・パレードである。
英国ではトマス・トムキンス、ジョン・ブル、ウィリアム・バード、オルランド・ギボンズ、ジャイルズ・ファーナビー、イタリアではジョヴァンニ・マリア・トラバーチ、ジローラモ・フレスコバルディ、ミケランジェロ・ロッシそしてベルナルド・パスクィーニの作品がチェンバロとオルガンによって再現されている。
低いレベルでノイズが混入しているトラックもあるが音質は概ね良好。
ディアパソンが独自に編集したＣＤは厳選された演奏が鑑賞者の選択肢として良いサジェスチョンを提供してくれるが、装丁の方はどれも合理性が優先されていて、音楽以外のことにはそれほど頓着しない傾向がある。
このセットは５面開きのデジパックだが、独立したライナー・ノーツは付いておらず、収録曲目の他はわずか１面にレオンハルトと１７世紀の鍵盤音楽についてのコメントが記載されているのみだ。
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フルトヴェングラーのＣＤなら、 フルトヴェングラー鑑賞室。
2016年05月17日
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２０１２年に他界したグスタフ・レオンハルトが１９８４年から１９９６年にかけてフィリップスに遺した音源を１５枚のＣＤにまとめたバジェット・ボックスで、この中の何枚かは現在既に入手困難になっているだけに今回の復活を歓迎したい。
チェンバリストとしては勿論、オルガニスト、ピリオド・アンサンブルの指導者、また指揮者として古楽復興の黎明期を支え、生涯古楽への情熱を傾けたパイオニア的存在感と、彼に続いた後継者達に与えた影響は計り知れない。
このアンソロジーではバッハは言うまでもなくクープランやラモーではフランス趣味を、またフレスコバルディやスカルラッティではイタリア様式を、更にブルやパーセルでは典型的なイギリス風の奏法を聴かせる多才さも聴きどころだ。
バッハの鍵盤楽器用の作品については他のレーベルからよりインテグラルなセットが入手可能なので、ここではむしろレオンハルトの幅広いジャンルに亘る古楽研究とその豊富なレパートリーを集成しているところに価値がある。
ピリオド楽器を使った古楽演奏の録音が試みられたのはそう古いことではない。
レオンハルト、アーノンクール、ビルスマやブリュッヘンなどによって博物館の調度品に成り下がっていたヒストリカル楽器が再び日の目を見るのは１９６０年代だが、それらの楽器を演奏可能なまでに修復して、その奏法を復元する作業は一朝一夕のことではなかった筈だ。
古楽を教える教師さえ稀だった時代にあって、おそらくそれは試行錯誤による古い奏法の再構築と演奏への全く新しい発想があったことが想像される。
チェンバロに関してはまだモダン楽器が主流だった頃に、初めてオリジナルの響きを堪能させてくれたのもレオンハルトだったと記憶している。
確かにこの頃既にヘルムート・ヴァルヒャがバッハの鍵盤楽器のための主要な作品を体系的に録音していたが、最大限の敬意を払って言わせて貰えば、彼はバッハの権威としてその作品を、チェンバロという楽器を媒体として表現したに過ぎない。
言い換えればバッハの音楽が楽器を超越したところにあることを教えている。
だからヴァルヒャはバッハ以外の作曲家の作品をチェンバロで弾くことはなかった。
彼とは対照的に楽器の音色や機能、あるいはその特性に沿って作曲された曲目の価値を蘇生させたのがレオンハルトではないだろうか。
彼はまた古楽器のコレクターでもあり、このセットでも何種類かの異なったチェンバロとクラヴィコードの個性的な音色を楽しむことができるが、幸いフィリップス音源も共鳴胴の中で直接採音したような鮮烈な音質で、繊細かつヒューマンな響きとスタイリッシュなレオンハルトの至芸を良く捉えている。
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2016年04月11日
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レオンハルトはひとつひとつの短い曲に豊かなアーティキュレーションと控えめだが自在なフレージングで個性を与え、全体的にも精彩と変化に富んだ曲集に仕上げている。
また良く聴いているとレジスターの使い分けも多彩で、チェンバロの機能と音色の魅力を巧みに引き出しているところにも斬新さがある。
鍵盤楽器の学習者にとってバッハのインヴェンションとシンフォニアは避けて通れない、言わば必須の練習曲だが、レオンハルトの演奏はそうした教則本をイメージさせるような陳腐さや退屈さから一切解放された、音楽としての価値を改めて問い直し、最高の教材は同時に最高の芸術作品でなければならないというバッハ自身の哲学を実践した演奏と言えるだろう。
特にシンフォニアになると各声部を注意深く感知させるだけでなく、装飾音の扱いにもさまざまな工夫が聴かれるし、時には大胆とも思える拍内でのリズムのずらしやハーモニーを崩して弾く方法を試みて、チェンバロ特有の表現力の可能性を追究すると共に、この曲集の持つ音楽的な高みを明らかにしている。
彼らによって復元されたこうした奏法は、ヒストリカル楽器の持つ構造的な機能を熟知して初めて可能になるもので、それ以前のモダン・チェンバロによる演奏では聴くことができない。
楽譜に対する深い洞察により作品の本質に鋭く迫った演奏で、厳格なバランス感覚に裏打ちされた知的な自由さが大きな魅力となっている。
気品あるチェンバロの音色も一聴に値するものであるが、１９７４年にアムステルダムで録音されたいくらか古い音源なので、音質がやや硬く聞こえるのが惜しまれる。
ここでの使用楽器はアントワープの名匠Ｊ.Ｄ.ドゥルケンが１７４５年に製作した二段鍵盤のチェンバロを、１９６２年にマルティン・スコヴロネックがレオンハルトのためにコピーしたもので、典型的なルッカース系の暗めだが品のある豊かな余韻を持った響きが特徴だろう。
レオンハルトはピリオド楽器による演奏の先駆者として楽器の選択にもかなりの拘りを持っていた演奏家の１人だ。
尚ピッチは現代よりほぼ半音ほど低いa'=415Hzに調律されている。
このふたつの曲集ではバッハの明確な意図に基く全く無駄のない学習方法が考案されている。
これから鍵盤楽器を学ぼうとする人のために、始めは指の独立と２声部を巧く弾けるように、そして上達するに従って３声の曲に移り、とりわけカンタービレ、つまりそれぞれの旋律を歌わせる基本的なテクニックを学びながら、更にはテーマを展開して曲を構成するための作曲技法習得の手本としても役立てるようにと添え書きしている。
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2012年01月20日
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グスタフ・レオンハルトは、バッハの《パルティータ》に２度挑戦している。
「現代のバッハ」と呼ばれたレオンハルトだけに、いずれも名演だが、２度目の録音を聴いた時、まずチェンバロの素晴らしい音色に驚いた。
ここで使用されているミヒャエル・ミートケの楽器（ウィリアム・ダウッド製作）は、１７１９年にバッハがみずからベルリンを訪れて注文したものをモデルとしている。
ミートケの楽器の特徴は、音域全体にわたる落ち着いた音色にあり、バッハの音楽のように、各声部の旋律が絡み合うポリフォニー音楽にふさわしい。
レオンハルトのＣＤでも、ファンタジアやトッカータなどの壮麗な冒頭楽章や端正なアルマンドで、素晴らしいポリフォニーが展開されている。
バッハ研究家レオンハルトの、楽譜の深い読みがすみずみまで行き届いた演奏だ。
またレオンハルトは２度目の録音にあたって、たとえば組曲では一般にクーラントからサラバンドに続くことから、第４番のアリアとサラバンドの順序を逆に弾いたり、各舞曲の反復を省略したりするなど、前回とは違った試みをおこなって、簡潔で奥深いバッハの世界を築き上げていくのである。
旧盤にみられた細部へのこだわりがなくなり、スケールのいっそう大きな、品格高い音楽となっている。
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2011年12月04日
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ピリオド楽器によるチェンバロ演奏の開拓者ともいえるレオンハルトによるバッハの名盤。
楽器の特性を知り尽くした彼ならではの磨き抜かれた表現に魅了される。
学問的にも音楽的にも、一点の疑問も残さぬ説得力をもつレオンハルトのバッハだ。
バッハの時代の様式感を的確にとらえたもので、現代的な溌剌とした演奏とはひと味違った、きわめて端正な演奏である。
特に《フーガの技法》はレオンハルトのバーゼル音楽院の卒論のテーマでもあったため、オルガンではなく、チェンバロを選択した演奏は興味深い（アスペレンが４曲に参加）。
レオンハルトの演奏に凝縮された世界の大きさにあらためて驚かされる（ただし最終フーガは収められていない）。
トゥッティとソロが対置される協奏曲の形式を表現に生かした《イタリア協奏曲》は、今日でも作品解釈の模範となるもの。
緩徐楽章における主旋律の歌わせ方からは、音楽家レオンハルトの重ねてきた年輪が感じられる思いが……。
《フランス風序曲》でもチェンバロの華麗でしなやかな音が、彼一流の味わいのある響きのテクスチュアを生み出したいる。
《前奏曲、フーガとアレグロ》の、フーガにおける着実な歩みによって次第に音楽が高揚していく様も見事。
いずれも哲人レオンハルトの面目躍如たる演奏といえよう。
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2009年12月20日
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レオンハルト率いるレオンハルト・コンソートは、クイケン兄弟（ジギスヴァルト、ヴィーランド）、ビルスマ、ブリュッヘン、ブッケなどが参加した、まさに夢のオールスター・アンサンブル。
残念ながらその活動は、それぞれが自らのアンサンブルで独自の活動を始めた１９８０年代初頭で終わってしまったが、その絶頂期に録音が残されたことは幸いというべきだろう。
その顔ぶれが、単に古楽器演奏のエースであるばかりでなく、知的で学殖豊かな音楽家たちであるということは重要である。
モダン楽器で頂点を示したリヒター/ミュンヘン・バッハ管弦楽団盤と双璧を成すオリジナル楽器盤といっても過言ではあるまい。
その演奏では、彼らが室内楽的なアンサンブルに妙味を見せるとともに、ひとりひとりの奏者の自発性が予期以上に発揮されているのが楽しみを加えている。
皆、強い個性の持ち主ばかりだが、もともと彼らの背景にはオランダ、ベルギーの古楽という一つの流派から出発しただけあって、音楽上の語法は同じ。
さらにレオンハルトの統率力のもと、互いに協調し、触発しあい、そしてまた語り合う音楽的な対話は実にスリリングだ。
再録音はおそらく不可能な、貴重な盤で、１９７０年代に奇蹟的に生まれた"名手の集い"の観は充分にある。
極めて少人数による演奏だが、第２番は遅めのテンポによる古雅な美演で、まるで木管のようなトランペットにブリュッヘンの吹くブロックフレーテが加わり、哀しいほど透明なデュエットを聴かせる。
第３番の軽快な第２楽章と、雅びやかで繊細な第５番も聴かせるが、第４番の小味に弾ませるリズムは言葉につくせぬほどチャーミングで、洗練されたスマートさの中の深いニュアンスが素晴らしい。
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2009年06月27日
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古楽器を用いての演奏だが、きわめて明快でフレッシュな表現で、実に軽やかなバッハだ。
アーノンクールの緊張力あふれるバッハとは対極にある演奏といえるだろう。
バッハの演奏に多くありがちな構えたところがなく、全体をリズミカルに流しながら、あたたかな音楽をつくりあげているのが魅力だ。
合唱、オーケストラともに小編成だが、技量は抜群で、レオンハルトのキビキビとした棒によくこたえている。
この小編成の合唱の質は実に高く、まったく狂いのないフレージングには驚かされる。
ラ・プティット・バンドのすぐれた演奏も特筆すべきもので、そこには今失われかけている"優しさ"がある。
これはレオンハルトの音楽の美質ともいえよう。
もともとラ・プティット・バンドはレオンハルトの要望で結成されたオーケストラで、初期の頃はレオンハルトが振ることが多く、クイケンが振る時とは違った静謐感と第一級の造型芸術のような上質な質感と光沢を帯びている。
ソロも皆よく歌っているが、本来アルトの歌うべきパートを、男性のきわめて高い声域をもったカウンター・テナーが受けもっているのも特徴で、そのパートのヤーコプスがいちばん素晴らしい。
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2009年05月04日
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《音楽の捧げもの》は《ゴルトベルク変奏曲》や《フーガの技法》とともに、バッハの晩年を飾る三大傑作のひとつである。
レオンハルト夫妻/クイケン兄弟盤はオリジナル楽器による最も正統的な演奏で、しっかりとした構成美と自然で透明な響きが素晴らしく、正しく、"王の気品"を湛えた演奏だ。
オリジナル楽器の、ごく小編成による演奏で、３声/カノン/６声/トリオ・ソナタ/カノンの順に収め、３声と６声のリチェルカーレはチェンバロのソロによる。
１７〜８世紀のオリジナル楽器（ただしチェンバロは１台がコピー）を用いての演奏である。
全１３曲、楽器の組み合わせは様々に変化し、音色の対比が耳を慰めてくれる。
作品の性格から古楽器による演奏が多いものの、様式は様々で、聴き手に感銘を与えるのは、楽器の種類を問わず演奏者の力量であることを改めて認識させられた。
その意味で、最も優れているのはレオンハルト夫妻とクイケン三兄弟を中心とした演奏で、堅実な様式力と明晰な知性が解釈の根底にある。
楽器の奏法も正統的で、とくにアーティキュレーションが聴き手を納得させる。
いわゆるバロック奏法による演奏であるが、バロック音楽ファンならずとも愉しめる表現、表情になっている。
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2008年11月24日
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古楽演奏界のカリスマといえば、やはりこの人にとどめを刺すであろう。
レオンハルトのバッハには、端麗な風格とともに一種独特の風情がある。
それを彼の"大家らしい弾き癖"と受け取る人もあるかもしれないが、この人の場合、すべてはバッハとその時代の様式を深々と究めた結果が表現に表われるのであって、恣意的かつ大時代的な身振りと混同されてはならない。
いかに表情豊かであれ、１９世紀的な"ロマンティックなバッハ"とは明らかに一線を画しているのである。
この演奏の魅力のひとつは、クリスティアン・ツェルが１７２８年にハンブルグで製作したチェンバロの明るい響きが実に新鮮な驚きをもたらし、このコンチェルト様式の作品にいっそうの輝きをもたらしていることだ。
このチェンバロのイタリア風の響きはイタリア風の作品以外でも力を発揮しており、バッハの作品としては珍しく音たちが明るい陽光のもとで遊びたわむれる様を楽しむことができる。
レオンハルトの第１回の録音に比べて、この再録音はいっそうのゆとりと、自在さが感得される。
さらに２篇の「トッカータ」や「半音階的幻想曲とフーガ」など魅力ある名曲名演が揃っていることも、ＣＤとしての価値をさらに高めている。
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2008年11月23日
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いうまでもなく、レオンハルト(1928〜)はモダン・チェンバロ全盛の時代にあって、歴史楽器の魅力の普及に努めてきた第一人者である。
その徹底した時代考証に裏づけられた解釈と洗練された音楽的趣味ゆえに、今日のオリジナル楽器の演奏家たちから絶大な信頼を寄せられている。
レオンハルトは何十年という演奏活動を通して夥しい数の録音を行っているが、膨大なチェンバロ・ソロの録音から後世に伝えるべきものを選ぶとなると、このディスクは無視できない。
しみじみとした語り口のアリアで始まり、どの変奏曲もレオンハルトならではの優美な節回しや１８世紀的なマニールを聴くことができる。
たおやかな詩情に満たされた名演だ。
レオンハルトは若い頃のいわば直線的な造形ではなく、心のゆとりをもって作品に向かっているだけに、細部までニュアンスに満ち、全体としてはある種の普遍性に通じるといってよい広がりをもっている。
適切なアゴーギクとフレージングによって切り開かれてゆく響きの世界は、モダン・ピアノによる演奏とはひと味違う古雅な味わいで魅力的だ。
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2007年12月30日
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いずれもオランダのエディソン賞を受賞している銘盤。
第１巻はイギリスで１９７２年に製作された複製チェンバロ（１８世紀モデル）を使用している。
チェンバロの機能に忠実な演奏を目指すレオンハルトは、独自の観点からテンポを設定しており、ゆったりと弾き進んでゆく。
信念を曲げず、考えた通り、信ずる通りにバッハを構築してゆく強い意思が、その演奏に一種の重みと風格を添えている。
作品自らのうちにそれ本来の魅力を語らせるレオンハルトの流儀がここでも生きている。
彼がチェンバロで演奏したバッハの中で最も説得力のあるものだ。
第２巻は西ドイツで１９６２年に制作された複製チェンバロ（１８世紀モデル）を使用。
レオンハルトはチェンバロの機能に忠実な歴史的な演奏を志向しているだけに、独自の観点からテンポを設定しており、フーガおよびそれに先立つプレリュードという形式での彼のテンポ感覚は聴き手に違和感を与えず、充分納得させるものだ。
アーティキュレーションは吟味され、彫琢されて、意味深く演奏される。
個々のプレリュードには可能な限り明確な性格づけがなされ、フーガにはプレリュードと十分な対比がなされている。
各テクスチュアの描き分けの明晰さにも特筆すべきものがある。
これは彼のバッハ演奏の意図が最も抵抗なく受け入れられる演奏である。
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