シエピ
2019年05月18日
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どのようなジャンルの曲を歌わせても、常に一流の芸を披露せずにはいなかったチェーザレ・シエピのプロフェッショナルな器用さを示した１枚で、先般復活したコール・ポーター・ミュージカル集に続いてリニューアルされた１９６１年の懐かしい音源だ。
しかし彼の声の深い響きと品の良い趣味には特有の味わいと説得力があり、またその表現力の幅広さに改めて驚かされる。
シエピがオペラで聴かせた登場人物の威厳や苦悩などはすっかり忘れさせてしまうくらい彼自身もリラックスして歌っているのが感じられる。
それは彼が巷の歌を見下したり侮っていたわけではなく、むしろオペラや芸術歌曲にも通じる共通の歌心を見出して、ひとつひとつの小品に愛情を込めて歌ったからではないだろうか。
それだけにこの音源は貴重で、際物的なレパートリーではあってもシエピを知る世代としてＣＤでの復活を喜びたい。
当時３０代後半のシエピは既に２０年の輝かしいキャリアを築いていたが、オペラの全曲演奏でも度々共演していたレナータ・テバルディも回想しているように、愛煙家であったためであろうか、この時点で高音域における僅かな翳りが聴き取れる。
しかし、その声の魅力と歌の巧さは他の誰からも聴く事の出来ないもので、冒頭の２曲から、イタリアの粋な香りに魅了されてしまう。
本当に持ち声の低い人（彼は低いCを豊かに響かせることが出来た）が高く甘い声でこのように歌えると、惚れ惚れとさせられる。
有名な「フニクリ・フニクラ」を、この人は何と色気たっぷりに鮮やかに料理してしまうのだろう。
囁きかけるように、そして情熱的に歌われる「I' te vurria vasa`（あなたのくちづけを）」。
しかしながら、「Nun me sceta`（起こさないで）」の鼻歌の如く消え入る結びはまさに、現代の舞台から消えてしまった漆黒のバスの響きである。
ロシア民謡であればバス歌手独壇場の世界が展開されるが、イタリアのカンツォーネは輝かしいテノールをイメージして作曲されたものが圧倒的に多く、こうしたレパートリーを低い声の歌手に歌わせるという企画自体かなり稀なことだ。
カンツォーネの指揮はディーノ・ディ・ステファノだが、オーケストラ及びコーラスの名称は記載されていない。
歴としたステレオ録音で、１２曲目の『ティリトンバ』ではステレオ効果を使った遊びが入っているが、当時はこうしたテクニックが物珍しく、鑑賞者を楽しませたに違いない。
尚このＣＤの余白を埋めるボーナス・トラックは、前回のミュージカル・ソング集の後半に収めた同モノラル音源のアリア集から、入りきらなかった４曲をカップリングしたもので、この２枚のＣＤで更にＬＰ１枚分のアリア集をカバーしたことになる。
それらとは別に１９５５年のエレーデ指揮、サンタ・チェチーリアとのセッションになるモーツァルトの『ドン・ジョヴァンニ』からの「カタログの歌」が花を添えていて、持ち役ではなかったレポレロのアリアを、優雅な中にもユーモアを込めて見事に歌っている。
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2019年02月02日
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シエピ３０代前半の歌唱が堪能できるアリア集。
録音データを見ると１９５４年８月となっているので、彼は当時弱冠３１歳であったにも拘らずその声と唱法が既に成熟しているのに驚かされる。
彼の舞台での当たり役だったヴェルディのオペラの登場人物ではバス歌手の模範になるような究極的なキャラクターを創り上げている。
一方でマイヤーベーヤの『ユグノー教徒』で長く引き伸ばす低いＣの音は彼にとってはご愛嬌なのかもしれないが、筆者がＬＰで初めて聴いた時には仰天したものだ。
指揮者アルベルト・エレーデは欧米のオペラ畑を専門に歩んだ人で、歌手の声を活かすことにかけては天下一品の腕を持っていた。
それはイタリア人指揮者の伝統的なスタイルでもあり、オーケストラが歌にぴったりと寄り添うように、しかし決して歌を妨げないように付いて行くことが要求される。
指揮者が歌手を将棋の駒のように使いこなし、スタンド・プレイを許さない現在のオペラでは得がたい存在だ。
またこうした技に手馴れたローマ・サンタ・チェチーリア音楽院管弦楽団の伴奏も秀逸。
チェーザレ・シエピ(1923-2010)がフルトヴェングラーに理想的なドン・ジョヴァンニ歌いとして、その美声と演技を認められたことは周知の通りだ。
彼は典型的なイタリアのバスで、明るく柔軟な発声と深々とした豊かな声を武器に、磨き上げた高貴なカンタービレを駆使して、苦悩に苛まれ、宿命に葛藤する主人公、いわゆるバッソ・セリオの役柄を得意とした。
彼はまたオペラだけではなく、歌曲や宗教曲、さらにはミュージカルからポピュラー・ソングにも精通していた為に、こうしたレパートリーの録音も少なからず残している。
また低い声の性質上オペラ歌手としては非常に長命を保った人で、１９４１年デビュー以来１９８９年まで公の舞台に立ち続けたし、そのスタイリッシュで知的な歌唱は晩年まで衰えをみせなかった。
初出時のＬＰジャケットのデザインと曲目をそのままＣＤ化したもので、収録時間は短いがオリジナル・コレクションとしての趣向を凝らしている。
１９５４年のモノラル録音だが音質は良好で、特に声の響きは明瞭に採られていて充分鑑賞に堪えるものだ。
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2016年10月28日
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このＣＤはイタリアＨＭＶ音源のＬＰ盤から板起こしした復刻盤で、ＬＰと聴き比べてみたが全く遜色のないほど良好な音質が再現されている。
むしろリマスタリングでは本家ＥＭＩからリファレンス・シリーズとしてリリースされているＣＤを上回っている。
ただし後半の余白に収録されているライヴからのオペラの序曲集及びレスピーギの『ローマの噴水』に関しては音源自体が古く、また経年劣化でかなり消耗しているために音質的には期待はずれだった。
ヴィクトル・デ・サーバタの数少ないスタジオ録音のひとつだが、プッチーニの『トスカ』と並んでスコアから横溢するドラマを引き出す彼の恐ろしいほどの鋭い洞察力と、ソリスト、オーケストラ、コーラスを一瞬の弛緩もなく緊密に統率する非凡な手腕が示された名演。
１９５４年にミラノ・スカラ座管弦楽団と合唱団を振ったモノラル・セッション録音で、当時こうした大世帯の音響を許容するだけのテクニックがまだ充分でなかったために音質的にはそれほど恵まれていないが、音楽そのものからは強烈なメッセージが伝わってくる演奏だ。
ソリストの中でも驚かされるのはシュヴァルツコップの後年には聴かれないような大胆で奔放とも言える歌唱で、おそらくこれは指揮者デ・サーバタの要求と思われるが、後半の「リベラ・メ」のドラマティックな表現や、「レクイエム・エテルナム」で聴かせる消え入るようなピアニッシモの高音も彼女の並外れたテクニックによって実現されている。
また「アニュス・デイ」でのドミンゲスとの一糸乱れぬオクターヴで重ねられたユニゾンの張り詰めた緊張感の持続が、最後には仄かに明るい期待感を残していて極めて美しい。
テノールのディ・ステファノはライヴ演奏でもしばしば起用された『ヴェルレク』のスペシャリストで、彼の明るく突き抜けるような歌声は宗教曲の演奏としては異例だが、ベルカントの泣き節たるこの曲ではすこぶる相性が良い。
第１０曲「インジェミスコ」の輝かしさは教会の内部より劇場空間での演奏が圧倒的な効果を上げる一種のオペラ・アリアであることを端的に示している。
バスのチェーザレ・シエピについて言うならば、バスのパートをこれだけ完璧なカンタービレで歌い切った例も少ないだろう。
その深々として練り上げられた声質は重唱においても音程が正確で、他の歌手と共にヴェルディが書き記した対位法の声部を明瞭に追うことができる。
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2014年04月26日
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エーリヒ・クライバーの存在を、カルロスの父親というかたちで認識している若い人々は気の毒と言えなくもない。
彼をいわゆるスターの座に置かず、人気の的としなかったとしても、彼が２０世紀の偉大な指揮者のひとりであったことは間違いない。
１９５５年録音のこの《フィガロの結婚》は、モーツァルト生誕２００年を前にして、初の完全全曲盤として制作されたものであり、シエピやギューデンをはじめとする歌手たちのバランスもよく、端役に至るまで非常によく揃い、しかもバランスもとれて、アンサンブルも充分に楽しむことができる。
クライバーは、徹底してウィーン・スタイルの表現を一貫し、歌やオーケストラをはじめ、全てをそこに統一して、モーツァルトの最もスタンダードでオーソドックスな演奏を明示している。
しかも、ウィーン・フィルがそこに展開しているモーツァルト演奏における真のウィーン様式が、実に新鮮で衰えのない生命感を思わせている。
クライバーのモーツァルトはよく歌い、よく弾む。
音楽の流れには一分の淀みもない。
若さに満ち溢れたストレートな音作りに徹している。
オーケストラもまた、ウィーン風のしなやかな弦と柔らかな管の音色が、表情豊かな歌を歌い続ける。
指揮者もオーケストラも歌手たちも全員が同じモーツァルトの歌心をもっているからだろう。
実に見事なアンサンブルで、これがウィーンのモーツァルトあり、歌うところは十分に歌い、劇的に盛り上がるところは適度のアクセントをつけ、軽く弾むリズムで快適なテンポ感を保つ。
確かに、今となっては、録音にはいささか古さを感じなくもない。
しかし、ここで聴ける、ウィーンの国立歌劇場でまだアンサンブルの理念が機能していた時代の演奏ならではの生き生きとした表情と小粋な表情はなにものにもかえがたい。
若さを感じさせる、素晴らしい名盤であり、クライバーの光輝あるある偉業として記念すべき録音だ。
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2011年03月12日
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クリップス盤は、モーツァルト生誕２００年（１９５６年）を祝うレコードのひとつとして発売されたものである。
ウィーンでの音楽生活が長い指揮者クリップスと、いつもコンビを組んでいるウィーン・フィル、そして国立歌劇場を主な舞台とする歌手たちと合唱団で構成され、お互いに身も心も通じた仲間たちで作られているのが、特色である。
序曲の出だしからあまり悲劇的な予感はさせず、軽快なリズムとウィーン風のよく歌うオーケストラ、木管楽器の妙なる響きが続く。
人間模様を描くこのオペラでは、心の安らぎ、怒り、嘆き、悲しみ、驚きと、心に映る感情の発露が至るところに出てくる。
そうした場面での木管の果たす役割とその効果は、随所に聴くことができる。
オーケストラは歌の伴奏という観念ではなく、歌手と対等の立場で絶妙な動きを見せ、一心同体で音楽を作り上げる。
これが、ウィーン伝統のモーツァルト《ドン・ジョヴァンニ》であろう。
チェザーレ・シエピのタイトルロールのドン・ジョヴァンニは押しも押されもしない、ドン中のドン、文句のつけようがない。
シエピは、ドン・ジョヴァンニ像を作り上げた男とさえいわれている。
彼の雄姿を見たさに、劇場に足を運ぶ人（主に女性だが）が多くなった、という話を聞いたことがある。
ドンナ・アンナのスザンヌ・ダンコとドン・オッターヴィオのアントン・デルモータのカップルは、着実に自分の役割を演じる。
ツェルリーナのヒルデ・ギューデンは美貌で美声、そして芝居達者と三拍子揃った当時の新鋭歌手の売れっ子。
マゼットのヴァルター・ベリーも、デビュー間もないころで、マゼット役から後年の成長を約束したような歌、新人離れした落ち着いた歌が聴かれる。
レポレロのフェルナンド・コレナの、有名な「カタログの歌」。こんな立派な歌だったのかと誰もが思うほど、スケールが大きい。
道化役の歌としては、あまりに立派で役柄を壊すとの説もあるが、立派すぎてだめということはないと思う。
大事な役のドンナ・エルヴィラは、リーザ・デラ=カーザ。若くて美人で、線はちょっと細いが勢いがあり、素直な声、よく通る声。いちずにドン・ジョヴァンニを追いかける純情な女を表現して好ましい。
騎士長のクルト・ベーメは超低音域の音に強さがあり、２幕の終焉近く、恐怖感を募らせる雰囲気をかもし出す適役である。
ひとことで言えば、オペラ・ブッファ側に軸を置いた、ウィーン風の《ドン・ジョヴァンニ》なのだ。
録音も細部まできちんととれて、厚みのある豊かな響きが楽しめ、現在でも充分に通じるすばらしい盤である。
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2009年11月07日
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１９５４年ザルツブルグ音楽祭公演のライヴ録音。
これは、劇的で変化に富んだこの作品の性格を見事にとらえた卓抜な演奏で、フルトヴェングラーならではの悠容迫らぬ芸格の高い表現には、心を打たれる。
ロマン的で、しかもデモーニッシュな素晴らしい「ドン・ジョヴァンニ」だ。
低弦に支えられたコードの厚みと、心臓をえぐるようなタッチの重みなどは、フルトヴェングラー・ファンならずとも、すぐそれとわかるような性質のものだ。
テンポは概して遅めだが、そのことが音のひとつひとつに実質と表情を与えることにつながっている。
このオペラのある部分は、象徴劇や表現派演劇の世界に近づいているが、１８世紀のこれ以外のオペラとこの傑作とを隔てるそうした鬼気迫る深い淵を誰よりも実感させるのがフルトヴェングラーの指揮だ。
作品のオペラ・ブッファ的側面を切り捨てて、シーリアスなドラマの追究に徹したロマン派解釈の名演である。
歌手達もそれぞれ強い個性と大きな音楽性の持ち主で、彫りの深い配役だ。
戦後最高のドン・ジョヴァンニとうたわれたシエピのタイトル・ロール、愛と憎しみの狭間に揺れるエルヴィーラを歌わせてはこれまた戦後その右に出る歌手を知らないシュヴァルツコップ、それにグリュンマーのドンナ・アンナ、ベルガーのツェルリーナ、エーデルマンのレポレロと顔を揃えた歌の充実ぶりも、他の録音の追随を許さない。
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